Auteur/autrice : finalboss

Difficile de ne pas lever un sourcil d’intérêt quand un nouveau Sonic Racing débarque pile au moment où Mario Kart World fait chauffer les pistes. Surtout quand SEGA annonce du crossplay pour tous, une customisation digne d’un garage de Fast & Furious et même des portails dimensionnels… mais à force d’en rajouter partout, la promesse ne masque-t-elle pas quelques pièges sous le capot ? Plongée à vive allure dans ce Sonic Racing : CrossWorlds qui veut à tout prix bousculer la couronne de Nintendo.

Sonic Racing: CrossWorlds – Multiplateforme, crossplay et Travel Rings : l’alternative survitaminée à Mario Kart ?

• Crossplay pour tous : enfin un Sonic Racing jouable en ligne entre consoles et PC, là où Mario Kart reste cloisonné.
• Mécaniques de course inédites : portails dimensionnels (Travel Rings), trois types de terrains, transformations en temps réel, et gestion de rival.
• Personnalisation ultra-poussée : 45 bolides, de multiples gadgets, customisation visuelle profonde, et stratégie au cœur du build.
• Gare à la surcharge : risques d’overdose visuelle/sonore et d’équilibrage qui pourraient frustrer sur le long terme.

Feature	Specification
Publisher	SEGA
Release Date	2024
Genres	Course arcade, Karting, Multijoueur
Platforms	PC, PlayStation 5, Xbox Series X|S, Switch, PS4, Xbox One

Il y a un parfum de revanche dans l’air : Sonic Racing revient sur la grille à l’heure où Mario campe encore sur son trône de roi du kart. Pour les joueurs n’ayant pas (encore) cédé à la Switch 2 ou cherchant simplement autre chose que la formule nintendienne, c’est une fenêtre de tir qui s’ouvre. SEGA l’a bien compris, et balance la grosse artillerie : crossplay, collaborations à foison (Hatsune Miku, Joker de Persona 5, Ichiban de Like a Dragon) et un véritable terrain de jeu pour bricoleurs de bolides.

Je dois avouer que, dans le genre « kart arcade bourré d’idées », SEGA maîtrise son sujet depuis au moins All-Stars Racing Transformed. Ici, CrossWorlds fait du neuf avec du vieux… mais pas seulement. Entre les circuits découpés en terre, mer et air façon Sonic Transformed, les hoverboards d’Extreme Gear (glorieux clin d’œil à Sonic Riders) et les fameux « Travel Rings », la recette prend des risques. Le plus notable reste ces portails qui changent radicalement le layout du circuit entre les tours, offrant au premier un choix de variante à prendre – tactique, mais aussi générateur potentiel de chaos si mal équilibré.

Customisation à la SEGA : Ce n’est pas juste cosmétique. Terminé le lien perso-véhicule à la Mario, ici chaque pilote peut choisir n’importe lequel des 45 engins (répartis en cinq types). On assemble, on mixe, on chipote chaque pièce pour trafiquer vitesse, drift, accélération, puissance de boost, puis on recouvre le résultat de peintures, d’effets visuels, de stickers et même de klaxons personnalisés. Ça rappelle un peu l’époque d’Initial D (et pour cause : des vétérans de la série sont dans l’équipe), mais sans décalquer le réalisme bagnole – ici on reste dans le pur fun arcade.

Le vrai nerf du jeu, c’est dans la gestion de gadgets : chaque voiture peut embarquer jusqu’à six gadgets actifs et passifs, influant sur le drift, l’aspiration des anneaux, la puissance ou la défense. Tout ça avec une gestion d’espace qui oblige à faire des choix cruciaux selon le circuit ou votre style – et là-dessus, je dis chapeau bas.

Mais attention à ne pas dépasser la dose ! Dès la prise en main, impossible d’ignorer le vacarme visuel et sonore. Portails interdimensionnels, transformations, tempêtes de particules, rival scripté qui hurle et effets de lumière à la chaîne. Plus la voix des Chaos, les dialogues en temps réel, les modificateurs, les items qui pleuvent… Bref, ça pique un peu les yeux et ça agresse les oreilles, au point de redouter de longues sessions. Sur ce point précis, Mario Kart (même dans ses excès) sait rester lisible et fun. Sonic Racing, lui, frôle parfois l’indigestion.

Le cœur : la nervosité du pilotage : Impossible de ne pas sentir la patte Initial D avec un pilotage plus précis que d’habitude. Mais je mets en garde : le pilotage assisté par défaut brime les sensations et rend le drift quasi inutile. Heureusement, débrayez-le pour profiter à fond de la nervosité du jeu, surtout sur les modes de vitesse supérieurs ou le mode Super Sonic (le 200cc maison, que Mario Kart World n’a pas encore). Mention spéciale à la gestion du rival, qui ajoute un enjeu dynamique même si l’IA semble un peu trop scriptée pour le moment.

Sur la promesse de 24 circuits principaux et 15 CrossWorlds inédits, difficile encore de juger la diversité… et l’on sent que le découpage entre portions originales et bouts recyclés peut réserver des surprises — bonnes ou non. Même flou sur la présence de DLC (le roster complet reste à clarifier). Si SEGA cède à la tentation du tout-payant, la communauté risque fort de grincer des dents sur la durée.

Pour les vrais amateurs de kart, une alternative… à maîtriser

Clairement, Sonic Racing : CrossWorlds s’adresse à ceux qui veulent une expérience musclée, customisable, où le skill et la stratégie de build font la différence, tout en gardant la porte ouverte au fun immédiat entre amis (solo, local, en ligne, crossplay garanti). Pour tous ceux qui aiment l’arcade mais trouvent Mario Kart trop sage ou trop familial, c’est un appel du pied évident. À surveiller de près pour juger, sur la durée, de l’équilibrage des objets et de l’impact du paywall potentiel sur la sélection de pilotes.

En bref : un bolide à potentiel, qui devra veiller à ne pas tomber dans le piège du trop-plein et à garder intacte l’intensité de son gameplay — en évitant la loterie frustrante des gadgets et objets trop puissants. Pour SEGA, c’est le moment ou jamais de se rappeler que ce n’est pas la surenchère de features qui fait un bon jeu de kart, mais la lisibilité, la maîtrise et le fun à chaque tour.

TL;DR — Sonic Racing : CrossWorlds, à fond la caisse mais gare à l’excès

• Sonic Racing : CrossWorlds ose beaucoup pour s’imposer face à Mario Kart — crossplay total, customisation folle, circuits transformables.
• Un pilotage arcade pointu (débrayez l’assisté vite !), mais une surcharge visuelle/sonore qui pourrait vite lasser.
• L’équilibrage objets/gadgets : l’inconnue majeure pour la compétitivité en ligne.
• À surveiller pour voir si SEGA tiendra toutes ses promesses sans tomber dans le piège du trop-plein.

En tant que joueur PC qui aime bidouiller, tester des mods parfois obscurs et ressusciter d’anciennes gloires, j’ai appris à craindre autant qu’à adorer la scène du modding. Entre les patchs non-officiels indispensables et les extensions titanesques créées par la passion, le modding fait vibrer la culture PC – mais avouons-le, c’est souvent plus complexe qu’il n’y paraît. Alors quand GOG annonce en grande pompe, lors du PC Gaming Show, le lancement de One-click Mods : une sélection de mods installables en un clic, packagés proprement avec les jeux… il y a de quoi lever un sourcil curieux. Est-ce réellement la fin des galères d’installation pour tous ?

GOG One-click Mods : quand le modding premium devient accessible à tous

• GOG impose une intégration inédite de mods phares, rendant leur installation invisible et simple.
• Des classiques, comme Horn of the Abyss ou Fallout: London, deviennent accessibles sans prise de tête technique.
• L’initiative vise autant la préservation du jeu vidéo que l’expérience utilisateur pour ceux rebutés par le bricolage.
• Une nouvelle étape qui pourrait redistribuer les cartes du modding PC… mais la sélection sera-t-elle à la hauteur ?

Feature	Specification
Publisher	GOG.com
Release Date	8 juin 2025
Genres	Outil de modding, Plateforme de distribution, Rétro & Classiques
Platforms	PC (Windows)

Ce qui frappe en premier, c’est la sélection de mods choisis par GOG : des projets taillés à la main par et pour la communauté, reconnus pour leur qualité et leur ambition. On retrouve le légendaire Horn of the Abyss (extension culte et ultra complète pour Heroes of Might and Magic III), la version ultime et stabilisée du patch non-officiel de Vampire: The Masquerade – Bloodlines, ou encore Fallout: London-le fameux standalone qui fait enfin voyager la série en Angleterre. Même le préquel Phobos de DOOM 3, acclamé pour son ambiance et son respect du style old-school, s’invite à la fête. Et cerise sur le gâteau : Skyblivion, projet titanesque pour les nostalgiques d’Oblivion, est déjà annoncé pour rejoindre la plateforme plus tard dans l’année.

En gros, on a droit à ce qu’on pourrait appeler des “mods gold”, directement installés et parfaitement intégrés via la boutique GOG. Fini le cauchemar des manips de fichiers, des conflits de versions, ou du patch qui brise toute ta partie : ici, tu cliques – ça marche. Pour ceux qui sont moins à l’aise avec l’informatique (et pour les vétérans lassés des galères…), ça change la donne. D’un point de vue de conservation, cela permet surtout à des mods essentiels de survivre, accompagnant la démarche rétro de GOG qui continue à préserver le patrimoine vidéoludique, parfois mieux que certains éditeurs eux-mêmes.

Mais soyons francs : si l’idée m’enthousiasme franchement, j’ai aussi quelques questions en tant que joueur aguerri. D’abord, la sélection restera-t-elle suffisamment large ? Le charme du modding, c’est aussi la jungle foisonnante, l’innovation – pas seulement les gros blockbusters communautaires. GOG joue la carte de la curation : c’est rassurant pour la qualité, mais quid des créations plus obscures ou audacieuses qui n’auront pas le tampon officiel ? Et à terme, est-ce que l’intégration “bétonnée” ne risque pas de brider la liberté des power-users qui veulent empiler plusieurs mods, ou expérimenter hors des sentiers battus ?

Autre sujet épidermique pour la communauté : la question du support et de la compatibilité. GOG prend soin de préciser que “tous les mods sont créés par des fans et ne font pas partie du jeu d’origine, ni validés officiellement par les éditeurs”. On sent là la prudence légale, mais aussi la limite évidente : si quelque chose casse après une MAJ Windows, il faudra probablement se débrouiller… ou compter sur les équipes de moddeurs bénévoles. Il faudra surveiller comment GOG maintient ce fragile équilibre entre confort utilisateur et imprévu inhérent au modding.

Pourquoi ça compte (et ce que ça change pour les joueurs PC)

Pour moi, ce lancement est symptomatique de l’évolution du jeu PC. Jusqu’ici, Steam dominait avec l’intégration du Workshop sur une poignée de titres ; GOG répond avec une approche plus qualitative et rétro-compatible, en phase avec sa mission de préservation. Si le système s’étend à davantage de jeux – et propose ASSEZ de variété -, ça pourrait rendre le modding plus populaire que jamais, ouvrir des classiques à une nouvelle audience, et pousser la concurrence à soigner les outils pour les joueurs curieux mais intimidés par la technique. Ça pourrait aussi relancer certains vieux titres, modifiés jusqu’à en devenir méconnaissables, qui retrouveront ainsi une deuxième vie.

Bref : si tu as toujours voulu tenter un mod comme Fallout: London mais que les tutos t’écœuraient, c’est le moment de sauter le pas sans stress. Même les plus experts y trouveront leur compte pour tester rapidement un patch ou une extension réputée… en croisant les doigts pour que GOG mise sur la quantité à l’avenir. Le modding facile, c’est peut-être la meilleure façon de montrer qu’on peut démocratiser la richesse créative du PC sans tomber dans la simplification à outrance.

TL;DR : Un game-changer pour le modding, avec quelques réserves de joueur

GOG frappe fort sur la scène PC en offrant l’installation de mods majeurs en un clic – une véritable révolution pour l’accessibilité et la préservation. Les fans de longue date, comme les curieux, voient ainsi s’ouvrir (enfin !) la porte d’un contenu vital pour des jeux cultes. Reste à voir si la promesse de curation ne se transformera pas en sélection trop élitiste, et si les soucis techniques seront aussi rares que promis… Mais sur le papier, c’est un vrai vent de fraîcheur pour le modding PC, et une bonne nouvelle pour tous ceux qui rêvent de plonger dans les meilleures créations de la communauté sans les prises de tête habituelles.

Deltarune vient d’arriver sur toutes les consoles majeures et PC, et honnêtement, il y a de quoi s’arrêter dessus. En tant que fan de RPG indé – et surtout d’Undertale à l’époque de sa sortie – j’étais curieux de voir si Toby Fox pouvait recréer la magie. Aujourd’hui, avec 98% d’évaluations positives sur Steam après plus de 21 500 avis, on a franchement notre réponse.

Deltarune : plus qu’une suite d’Undertale, un phénomène communautaire

• Un score d’avis “Extrêmement Positif” (98%) après 21 500 voix : la hype communautaire se vérifie
• Chapitres 1 à 4 déjà dispos pour 23,99€, le chapitre 5 arrivera gratuitement
• Toby Fox signe une BO encore mémorable et une aventure qui brouille les codes du RPG
• Une absence mystérieuse de version Xbox, mais une percée sur PC, PS4/5, Switch et prochainement Switch 2

Feature	Specification
Publisher	Toby Fox
Release Date	juillet 2024
Genres	RPG, Aventure, Indépendant
Platforms	PC, PS5, PS4, Switch, Switch 2 (à venir)

Ce que je trouve fascinant dans l’affaire Deltarune, c’est ce mélange improbable de hype, de simplicité d’exécution, et d’une vraie vision d’auteur. Contrairement à pas mal de productions indés qui cherchent à surfer sur la nostalgie des vieux RPG, Deltarune propose un univers qui s’émancipe de ses inspirations tout en les respectant. Les mécaniques de combat sont familières mais remixées, l’ambiance est toujours aussi absurde… mais surtout, on sent que le jeu parle à un public qui n’en a jamais assez des surprises.

Sur le plan de l’expérience, Deltarune confirme tout le bien qu’on pensait de Toby Fox : malgré une équipe ultra réduite, il ose casser la routine RPG classique. On retrouve une narration éclatée faite de vannes, de moments touchants, et d’un sillon : « Rien n’est tout à fait linéaire, rien n’est pris pour acquis ». Bref, c’est un vrai terrain de jeu pour ceux qui aiment regarder sous le capot de leurs jeux.

Là où ça me bluffe le plus, c’est la réception massive : 133 000 joueurs simultanés au pic sur Steam (!), alors qu’on parle d’un jeu indé qui n’a ni le budget ni le marketing d’un triple A. Ce n’est pas juste un phénomène de bouche-à-oreille : la communauté a clairement adopté la formule Fox. Les premiers retours parlent de surprises à chaque chapitre, de personnages inoubliables, et de l’humour méta qu’on retrouve déjà dans Undertale. Si vous avez aimé le premier, ce Deltarune coche toutes les cases… et en ouvre d’autres.

Par contre, il y a des trucs à noter. Oui, pour 23,99€, on a quatre chapitres (déjà bien copieux), mais le chapitre 5 se fait désirer et n’a pas encore de date officielle. On espère juste éviter le syndrome « Early Access éternelle » qui plombe certains jeux indés prometteurs. L’autre caveat, c’est l’absence de version Xbox. Même si Undertale a fini par débarquer partout, on sent que la team Fox avance à son rythme et privilégie les plateformes où sa fanbase est la plus active.

Un mot sur la bande-son : encore une fois, Toby Fox montre qu’il maîtrise comme personne l’art de la musique de jeu vidéo indé. Les thèmes de combat et de boss, ultra mémorables, donnent clairement envie d’y retourner. Ce n’est pas une nouveauté – la BO d’Undertale tourne encore en boucle sur pas mal de playlists – mais c’est un régal à retrouver dans Deltarune.

Pourquoi Deltarune mérite de se retrouver dans la ludothèque des gamers

La vraie force de Deltarune, c’est qu’il ne se prend jamais trop au sérieux, tout en offrant une aventure vraiment sincère. Pour les vétérans du RPG comme pour les curieux qui veulent juste voir pourquoi tout le monde en parle, c’est une expérience collective à vivre. Les choix, l’humour, les combats qui déjouent les attentes : c’est le genre de soft qui prouve que l’indé n’a pas besoin de copier le AAA pour marquer sa génération.

Au final, Deltarune s’offre déjà une petite place dans la culture gaming, à la fois grâce au talent de son créateur et de sa communauté ultra investie. Ça reste à voir combien de temps la magie tiendra avec les prochains chapitres, mais si la suite est aussi inspirée, on tiendra un classique moderne. Perso, j’attends déjà la suite – et difficile de ne pas se laisser happer par ce phénomène qui, pour une fois, tient toutes ses promesses.

TL;DR : Deltarune reprend tout ce qu’on a aimé dans Undertale, pousse plus loin son délire et garde l’ADN indé pur jus. Gameplay malin, narration intelligente, BO culte, et une communauté à fond : si vous cherchez un RPG frais qui ne prend pas les joueurs pour des pigeons, foncez. Une rare success-story où la hype se traduit en réel plaisir de jeu — en toute indépendance.

Rarement un pitch m’a autant parlé que celui de LavaLoop : un shooter 2D arcade traversé par le rythme, pensé et porté en solitaire par Louis Rigaud, ancien illustrateur reconverti en game designer touche-à-tout. L’annonce lors de l’AG French Direct a d’emblée titillé ma fibre, en particulier en tant que joueur raisonnablement accro à l’adrénaline rythmique depuis l’électrochoc Hi-Fi Rush. Mais, au-delà de la comparaison facile, LavaLoop place la musique au cœur du gameplay sans jamais sacrifier la nervosité de l’action – et c’est là où la proposition devient réellement intrigante. J’ai voulu creuser ce qui fait la sève du projet, au-delà du trailer rutilant, en interrogeant son créateur.

LavaLoop : un Space Invaders new wave qui mise tout sur le groove et l’instinct

Rassembler shooter arcade rétro, composante rythmique et vision solo, c’est prendre le risque de s’adresser à plusieurs niches mais de ne jamais tomber dans la facilité. D’entrée, LavaLoop m’a remis en mémoire ces titres singuliers qui ont écrit de beaux chapitres pour les « jeux de synesthésie interactive ». Après Hi-Fi Rush pour la pop voltigeuse ou encore Crypt of the Necrodancer côté exigence musicale, le projet français propose un groove moins punitif et plus « invitation à l’impro » aux dires de son créateur. Louis Rigaud a répondu à toutes mes questions… et nourrit l’espoir d’offrir autant un trip d’action efficace qu’une parabole écologique d’actualité.

Résumé à retenir

• Un shooter 2D qui marie arcade classique et rythmique accessible pour créer une expérience nerveuse et inventive, avec un vrai parti pris solo.
• Trois héroïnes jouables, chacune avec un style de combat et un « feel » rythmique différent : de l’action en timing parfait à la baston beat ’em all, en passant par le twin-stick shooter traditionnel.
• Une bande-son « vivante » composée par Raphaël Joffres (Foretales, Clair Obscur: Expedition 33), qui évolue à chaque action pour donner au joueur le sentiment d’improviser sa propre partition.
• Une fable dystopique et écologique, portée par un univers graphique fort, où l’action arcade véhicule aussi un message sociétal – plutôt rare dans ce genre.

Feature	Specification
Publisher	Indépendant (Louis Rigaud)
Release Date	2025 (date précise à confirmer)
Genres	Shooter 2D, Rythme, Arcade
Platforms	PC (Steam), autres possibles selon succès

Un shooter rythmique artisanal, loin des recettes convenues

En rencontrant Louis Rigaud, ce qui frappe, c’est la sincérité brute de la démarche. Irrigué par le dessin et le jeu depuis l’enfance, formé dans le pop-up et l’illustration, il n’avait rien du profil AAA ou du studio formaté. Or, après Iris and the Giant, le voilà parti sur un shoot’em up où la rythmique s’invite d’abord en filigrane, « moins comme une fin en soi que comme un ingrédient pour pimenter la sauce », me confie-t-il. Si Space Invaders fait office de racines arcade, c’est plutôt la recherche du fun et la volonté d’épingler notre rapport à la technologie qui motivent l’essai. Ce n’est pas la copie d’un concept à la mode, c’est la tentative de placer la créativité rythmique au service de l’expérience, en refusant le carcan du pur jeu de rythme façon Necrodancer.

L’aspect rythmique n’est donc pas une contrainte punitive, et ça, en tant que joueur souvent frustré par la précision robotique exigée dans d’autres titres musicaux, je dis merci. Avec trois héroïnes (Noë pour le gameplay rythmique pur-cadenas, Manita spécialiste du corps-à-corps façon beat ’em all, et Léonie, qui tire dans toutes les directions sans stress de tempo), on sent que Rigaud veut éviter la redite tout en laissant chaque joueur trouver chaussure à son pied. On n’est pas loin d’un hack’n’slash où la classe choisie change tout dans le « flow ».

Du scoring arcade à la narration environnementale : un jeu qui a du fond

Ce qui me séduit encore plus avec LavaLoop, c’est l’ambition de faire interagir gameplay nerveux et message écologique sans que ce soit indigeste. La fameuse « Perceuse géante » – allégorie d’un capitalisme extractif cabré sur lui-même façon Transperceneige – sert à la fois de décor et de métronome implacable via une jauge de progression. Game over quand la planète est creusée jusqu’à l’os : c’est aussi direct qu’efficace pour faire sentir l’urgence, sans cinématique ni leçon de morale. Une vraie belle trouvaille, qui prouve qu’on peut marier arcade et prise de conscience sans lourdeur.

Question difficulté, Rigaud assume vouloir contenter tout le monde, du promeneur venu pour la narration et les musiques, au hardcore gamer qui rêve d’un mode Infini façon bullet hell. Un excellent signal : trop de jeux indie s’embourbent dans « l’élitisme frustrant », mais ici, la progression rythmique ou la sophistication du scoring restent un choix, jamais un barrage. Les tests en cours sur les modes Arcade et Infini laissent espérer une expérience aussi lisible qu’évolutive – ce qui reste un énorme défi quand on vise l’hybride accessibility/haute exigence.

Une musique vivante pensée comme instrument de groove… et d’émotion

Travailler avec Raphaël Joffres, compositeur remarqué pour son sens du sound design interactif, n’est pas un hasard. Ici, tout sonne en temps réel : lignes de basse qui s’adaptent aux niveaux, patterns des ennemis synchronisés, mélodie générée par les actions du joueur… La musique, c’est littéralement votre instrument à chaque déplacement et attaque. On n’est pas dans le placement de sonorités gadgets, mais dans une construction musicale où chaque run devient un solo différent. Je pense que c’est ce genre de détails – une note récompensant le parfait timing, les instruments qui changent selon l’héroïne choisie – qui parlent vraiment à la « tribu » des joueurs-curieux, bien au-delà du scoring.

Pourquoi cette sortie mérite d’exciter votre radar de joueur… ou votre vigilance

Il y a dans LavaLoop une générosité de design (personnages aux ressentis différents, modes de difficulté, scoring récompensé, fable contextuelle) et une volonté de jouer avec l’interactivité musicale que je n’ai pas vue souvent ces dernières années en indé français. Je reste prudent sur la lisibilité des niveaux supérieurs (cauchemar classique des shoot’em up bullet hell), et j’espère que le système de timer narratif ne créera pas une frustration artificielle. Mais tout porte à croire que LavalLoop ne joue pas la facilité ni la surpromesse marketing. Si l’arcade hybride et la narration fusionnent aussi bien dans la version finale que dans la démo, il pourrait facilement trouver sa place chez tous ceux qui aiment Fresher’s Remix, Crypt of the Necrodancer ou qui regrettent l’époque où l’originalité passait avant la monétisation à outrance.

TL;DR – LavaLoop, ce qu’il faut vraiment retenir

Si vous êtes curieux de shooters 2D qui jouent la carte du rythme sans la dictature du BPM, où chaque run raconte un nouveau solo musical et où le propos écologique s’intègre avec intelligence, LavaLoop coche toutes les cases du « suivi sur Steam » immédiat. C’est une rare fusion arcade/rythme/indé, portée par un créateur qui a quelque chose à dire tout en respectant ses joueurs. Reste à espérer que la version finale tienne toutes ces promesses, mais, dans un paysage saturé de jeux sans âme, c’est déjà un motif d’enthousiasme sincère… et d’espoir pour 2025.

Quand j’ai vu débarquer le tout premier trailer gameplay de Screamer pendant l’IGN Live, j’ai tout de suite senti une vraie tentative de casser le moule du jeu de course classique. Un trailer nerveux, une direction artistique survoltée façon SF japonaise, des mécaniques de combat dignes d’un arena fighter… Ok, là j’ai vraiment tendu l’oreille. Milestone, studio plutôt expert en jeux de course à la manette accro à l’asphalte, veut disrupter le genre avec un système totalement inédit : l’ECHO. Mais est-ce le prochain Burnout pour la génération cyberpunk, ou un simple coup de comm’ bien marketé ? Décryptage d’un projet qui veut s’attaquer frontalement à nos attentes de gamer.

Screamer : le jeu de course arcade qui muscle son gameplay avec l’ECHO system

• L’ECHO System : un mix inédit de combat et de gestion du drift, qui promet bien plus que la vitesse brute.
• Twin Stick Drifting : un schéma de contrôle façon FPS pour donner du skill pur au pilotage, pas juste du bourrinage.
• Dimension narrative assumée : chaque “Screamer” a sa quête et ses raisons, de la vengeance à la recherche de gloire.
• Sortie visée pour 2026 : de la hype, mais aussi le risque du vaporware ou du report éternel – prudence jusqu’à la prochaine démo jouable.

Feature	Specification
Publisher	PLAION
Release Date	2026
Genres	Course arcade, combat, action narrative
Platforms	PS5, Xbox Series X|S, PC

Dès les premières images, la proposition de Screamer saute aux yeux : on n’est pas là pour faire du sim-racing sage à la Forza. Neo Rey, la ville ultra-stylisée mi-Blade Runner mi-Akira, plante le décor d’une “street race” où tout est prétexte à régler ses comptes à 300 à l’heure. Oui, chaque course est avant tout un champ de bataille. Là-dessus, difficile de ne pas penser à la grande époque des Burnout et autres Split/Second, mais expressément, Screamer ne fait pas juste du recyclage d’idées. Ce qui me fait tiquer, c’est ce fameux “ECHO system” : une technologie fictive qui bouleverse le règlement – chaque affrontement se transforme en duel aussi tactique que brutal, où les coups portés, la défense et la lecture du terrain sont aussi importants que l’accélération.

Le vrai twist vient du gameplay en Twin Stick : fini la glisse automatique, ici c’est main gauche pour la direction, main droite pour le drift. Clairement, ça demande du gros skill et ça va punir les bourrins – les amateurs de Mario Kart ou Need for Speed vont peut-être prendre une claque d’entrée ! Mais surtout, on sent que Milestone veut valoriser la maîtrise, pas juste la chance. L’ajout du Boost (accélérer jusqu’à tout faire fumer), du Strike (sortes de finish moves pour dégager les rivaux à la Burnout) et du mode Overdrive (le chaos total à l’écran) pousse encore plus le jeu vers un modèle où l’agressivité et la défense se répondent. Plus question de foncer tout droit : rater son drift ou son attaque, c’est la fin de la partie.

Niveau ambiance, on ne peut pas ignorer la patte “cyber-animé” : couleurs flashy, musiques électro, véhicules qui trashtalk façon street fighters. Cela rappelle pas mal l’ambiance de Midnight Club 3 ou de OnRush, mais avec ce supplément d’âme très japonais déjà visible dans les character designs. On nous promet des histoires personnelles et une narration épaisse — reste à voir si ce sera vraiment immersif ou juste du lore jeté pour faire joli.

J’y vois autant de potentiel que de dangers : Milestone n’est pas un inconnu (leurs jeux MotoGP sont solides, RIDE a trouvé son public), mais c’est leur première vraie incursion dans le jeu de course/combats pur-arcade. L’équilibrage des mécaniques, particulièrement de l’ECHO System, sera clé pour que Screamer tienne la promesse d’être fun, technique et punitif à la fois, sans devenir juste un bon vieux party game bordélique.

Pourquoi les joueurs devraient (ou pas) garder un œil sur Screamer

Clairement, il y a ici bien plus qu’un simple jeu de caisse respawn-friendly : Screamer pourrait offrir un nouveau souffle au car-combat, un genre qu’on croyait enterré depuis Twisted Metal. L’innovation du Twin Stick plaira aux joueurs en mal de challenge et de skill ceiling, tandis que les amateurs d’histoires à enjeux apprécieront le côté “race pour une raison”. Mais je garde mon scepticisme naturel : trop de titres ont promis de tout révolutionner avant d’être trahis par un gameplay creux (coucou Destruction AllStars !). Le fait que la sortie vise “2026” me fait lever un sourcil — assez de temps pour affiner le concept, mais aussi le risque du vaporware façon Ubi.

Pour l’instant, la vraie question sera : la prise en main Twin Stick tiendra-t-elle sur la longueur, ou juste sur la hype de la première heure ? L’ECHO apportera-t-il une profondeur qui donne envie de recommencer sans cesse les combats, ou s’épuisera-t-on après trois courses ? Enfin, le narratif (si souvent négligé dans les jeux de course) sera-t-il à la hauteur de ses promesses ou simple décor de fond ? Milestone a intérêt à bien bosser son équilibrage, car la concurrence n’attend pas.

TL;DR – Screamer, nouveau prince de la street race ou simple effet d’annonce ?

Screamer, c’est le genre d’annonce qui parle autant au nostalgique de Burnout qu’au fan de triple A japonais. Véritable OVNI du jeu de course arcade, il promet Twin Stick, car combat et narration dans un univers cyberpunk qui tabasse. Mais tant que le gameplay n’aura pas prouvé sa robustesse au-delà du joli trailer, la prudence reste de mise. Gardez un œil sur Neo Rey, mais n’achetez pas trop vite le ticket… On se reparle au prochain test manette en main !

Cyberpunk 2077 seemed to have closed its chapter after the 2.0 overhaul and the Phantom Liberty DLC. Yet on June 26, CD Projekt RED is set to release update 2.3, reigniting community curiosity. Is this the last polish or the prelude to more content?

Confirmed Details and Ongoing Speculation

CD Projekt RED has officially announced update 2.3 for June 26, promising performance improvements, bug fixes, and balance tweaks. These are confirmed facts straight from the studio’s roadmap. Meanwhile, unverified LinkedIn entries from a Virtuos developer suggest a hidden narrative expansion. Until CDPR comments directly, those reports remain community rumors—albeit ones that fit the carefully timed teaser.

What It Means for Players

For long-time Night City dwellers, any new storyline or gameplay feature would extend the hard-won resurgence that began with 2.0. Newcomers gain further incentive to join the city’s streets if substantive content arrives. If 2.3 turns out to be the last major update, it could serve as a final showcase of CD Projekt RED’s dedication before their focus shifts to Cyberpunk Orion and The Witcher 4.

Conclusion

Key takeaways:

• Update 2.3 launches June 26 with confirmed technical enhancements.
• Secret DLC reports are unverified but driven by credible leaks.
• Official details are expected by month’s end—stay tuned to CDPR’s channels.

Whether this proves to be Cyberpunk 2077’s swan song or the opening move for new adventures, one thing is clear: Night City still knows how to keep gamers on edge.

Riot Games entre enfin dans l’arène des jeux de combat avec 2XKO, un titre 2 contre 2 qui mise sur l’univers de League of Legends. Sept champions ont été annoncés pour le lancement : Jinx, Braum, Ahri, Darius, Ekko, Yasuo et Illaoi. Au-delà du fan-service, chaque personnage reçoit un moveset pensé pour le versus fighting, avec des mécaniques d’assist (appui d’allié), de combos aériens et des systèmes inédits comme le “Dynamic Save” ou les effets “Fuse”. Voici l’essentiel.

Roster de lancement

• Jinx – Spécialiste du zoning et des assist aériens
• Braum – Tank défensif axé sur la protection d’allié
• Ahri – Mobilité extrême et projectiles stockables
• Darius – Grappler puissant infligeant le statut “Wounded”
• Ekko – Maître du positionnement et des mix-ups
• Yasuo – Flow continu grâce à la “stance Quickdraw”
• Illaoi – Rushdown brutal avec tentacules et grabs

Jinx

Artilleuse légère, Jinx utilise son minigun et ses roquettes pour maintenir la pression. Son style repose sur les combos aériens et les bonnes opportunités d’assist (appel d’allié pour une attaque secondaire). Cette approche “zoner/trappeur” vient des classiques du genre, remise au goût du jour par Riot.

Braum

Tel un mur vivant, Braum excelle à protéger son partenaire. Sa mécanique “incassable” lui permet d’absorber une attaque tout en engageant une assist pour geler l’adversaire. La gestion de l’armure de glace ajoute un niveau tactique inédit.

Ahri

Ahri combine projectiles stockables (jusqu’à trois charges) et un air dash multidirectionnel. Elle offre des setups de combos imprévisibles, parfaits pour les joueurs qui privilégient le style “Marvel vs Capcom”.

Darius

Grappler lent mais dévastateur, Darius afflige le statut “Wounded” – plus de dégâts subis même en garde. Ses lancers et punition dans le coin nécessitent une coordination étroite avec l’allié pour déclencher le maximum de dégâts.

Ekko

Ekko mise sur la mobilité et le mix-up (enchaînements imprévisibles) grâce à des afterimages et un **rewind** (retour en arrière) limité. Simple à prendre en main mais riche pour ceux qui veulent contrôler l’espace.

Yasuo

Yasuo propose la “stance Quickdraw” pour prolonger ses combos et un Wind Wall capable de renvoyer les projectiles – atout majeur contre le zoning. Un choix évident pour les compétiteurs.

Illaoi

Maîtresse du rushdown, Illaoi utilise des tentacules et des grabs imparables. Son ultimate, invincible au démarrage, terrorisera ceux qui craignent la pression en coin.

Mécaniques globales

Dynamic Save : permet de relever son coéquipier au sol pour donner une seconde chance.
Fuses : sélection de modificateurs avant le match (ultimes combinés, dash spéciaux, double assists…) pour varier les stratégies, à la façon des “gems” de Street Fighter X Tekken.

Perspectives pour la scène versus

2XKO se positionne comme le principal challenger de Capcom et Bandai Namco dans le versing game. Le succès reposera sur l’équilibre des personnages et la fréquence des mises à jour “live service”. Si Riot garantit un suivi de qualité, la communauté pourrait bien adopter ce titre comme le nouvel incontournable du circuit compétitif.

Ce n’est pas tous les jours qu’on voit une collaboration entre un studio indé adulé pour sa douceur poétique et une institution YouTube de la vulgarisation scientifique, et pourtant, c’est ce que propose aujourd’hui la sortie de la démo publique de Star Birds. En tant que fan de Dorfromantik (et de kurzgesagt, soyons honnêtes), cette annonce, je n’allais pas la louper. Après des années à empiler des tuiles champêtres, voilà que Toukana Interactive nous propulse dans l’espace… mais toujours à leur façon : relaxante, maline, et pleine de petits oiseaux.

Star Birds : un city-builder spatial qui mise sur le chill et la curiosité

• Une démo jouable dès maintenant : les deux premiers niveaux de campagne + une expédition générée de façon procédurale pour expérimenter en solo.
• Un mélange rare : gestion de ressources et réseau de production, mais sans le stress habituel des « city-builders » spatiaux.
• Deux ADN forts : la douceur mécanique de Toukana alliée à la patte visuelle et pédagogique de kurzgesagt.
• Ce n’est pas juste mignon : derrière les oiseaux, un vrai défi de stratégie et de logistique à mesure que l’aventure progresse.

Feature	Specification
Publisher	Toukana Interactive
Release Date	2025 (accès anticipé, date précise non dévoilée)
Genres	Construction de base, gestion/stratégie, détente
Platforms	PC (Steam)

C’est quoi Star Birds, et pourquoi cette démo mérite qu’on s’y attarde ?

La promesse de Star Birds, ce n’est pas (seulement) de bâtir une station minière au beau milieu d’astéroïdes cartoonesques. On retrouve l’ADN Toukana, ces game designers qui avaient déjà su nous happer avec Dorfromantik, ce puzzle game méditatif qui a conquis une large audience l’an dernier. Ici, même s’il y a des ressources à optimiser et des choix à planifier, ils gardent ce mantra : pas de chrono, pas de pression artificielle, juste l’envie de voir « jusqu’où je peux pousser mon réseau » sans qu’un compte à rebours vienne tout gâcher.

Ce qui saute aux yeux (et c’était attendu dès qu’on a vu le nom de kurzgesagt apparaître au générique !) : le dessin animé scientifique est partout, de la direction artistique jusqu’à la narration. On sent l’amour du détail et cette volonté de rendre la complexité digeste, que ce soit dans l’apprentissage des mécaniques ou dans l’univers interstellaire qu’on va explorer.

La démo propose déjà deux niveaux de campagne scénarisée, idéaux pour capter l’ambiance générale du jeu, et surtout une carte d’expédition totalement générée de façon procédurale. Dans un style très nouvelle école de la gestion, rien n’est figé : on peut prendre son temps, tester des stratégies, expérimenter pour préparer le jour où le jeu complet relèvera vraiment le niveau de difficulté (parce que oui, il y en aura du challenge, ne vous laissez pas tromper par l’aplomb zen de la DA).

Et puis, il y a ces oiseaux de l’espace. Pas juste un argument kawaii : ils incarnent le ton accessible et « feel-good » que Toukana et kurzgesagt savent manier, mais aussi une façon habile d’englober des mécaniques parfois habituellement austères (chaînes logistiques, upgrades, progression cachée…) dans une carapace joyeuse.

Ce que ça change pour les fans de gestion – et pour les curieux de « zen games »

Ce qui me donne envie de continuer à suivre Star Birds, c’est cette ambition de proposer de la vraie optimisation, mais sans la toxicité compétitive qui, avouons-le, gangrène pas mal de simulateurs spatiaux depuis Stellaris ou Satisfactory. Ici, on retrouve l’esprit des meilleurs city-builders « à la cool » : le plaisir de voir ses réseaux prendre vie, d’explorer sans qu’on nous punisse à la première inefficacité…

Autre point qui fait mouche : on sent déjà, même dans la démo, la qualité de finition et la rigueur ergonomique héritées de Dorfromantik. Les menus sont clairs, la boucle de prise en main ultra rapide, et on n’a pas peur d’essayer. Pas d’usine à gaz, mais une courbe de progression qui promet d’en garder sous le pied pour le jeu final.

Évidemment, je me pose la question : aura-t-on dans la version finale assez de profondeur pour tenir sur la durée, ou bien le gimmick oiseau spatial s’essoufflera ? Faudra aussi surveiller si le modèle commercial suit la tendance indé (prix raisonnable, pas de microtransactions insidieuses) ou si la tentation du cosmétique payant pointera son bec.

TL;DR – Star Birds ne se contente pas d’être « mignon » : la démo pose des bases solides

Pour résumer : Star Birds coche déjà beaucoup de cases avec sa démo. Le gameplay apaise mais creuse, les mécaniques s’imbriquent à merveille, et la collaboration entre Toukana et kurzgesagt booste l’univers. Si vous aimez les jeux de gestion ouverts, ou que vous cherchez un city-builder spatial qui ne vous assomme pas de stress (ou juste si vous êtes accro à la DA kurzgesagt), allez tester la démo – cette vision du chill intergalactique, ça mérite le détour avant la sortie en 2025.

En tant que grand amateur de jeux d’horreur et de parkour, j’ai forcément tiqué lorsque Techland a dévoilé Dying Light The Beast. Pas seulement car le retour de Kyle Crane – héros du premier opus – promet un shot de nostalgie, mais surtout parce que ce stand-alone montre qu’ils ne comptent pas juste réchauffer leurs vieux succès. Et après la diffusion d’une vidéo de gameplay de 30 minutes, l’un des jeux les plus surveillés de l’été 2024 mérite clairement qu’on s’attarde sur ce qu’il a vraiment dans le ventre.

Dying Light The Beast : entre héritage et renouveau du parkour zombie

• Un spin-off devenu stand-alone avec le retour de Kyle Crane, figure emblématique du 1er Dying Light
• Vidéo de gameplay de 30 minutes montrant un éventail complet : parkour, combats, infiltration, cycle jour/nuit bien stressant…
• Une ambiance plus sombre et viscérale, mélangeant brutalité assumée et nostalgie pour les fans de la licence
• Sortie prévue en août 2024, un positionnement stratégique avant la saison des blockbusters de fin d’année

Feature	Specification
Publisher	Techland
Release Date	Août 2024
Genres	Action, Horreur, Survie, Monde ouvert
Platforms	PC, PlayStation 5, Xbox Series X/S

Ce nouveau chapitre de Dying Light n’a clairement rien d’un simple DLC, malgré son concept de base. À la place, Techland a préféré tout miser sur un spin-off standalone assez ambitieux, centré sur le retour – inattendu ! – de leur protagoniste favori Kyle Crane. À l’heure où la plupart des studios misent sur le service continu et les contenus épisodiques, voir cette prise de risques fait plaisir… même si, on le sait, la motivation reste de garder la franchise bien visible en attendant un hypothétique Dying Light 3.

Ce qui a toujours fait la force de Dying Light – et qu’on retrouvait déjà dans le second opus – c’est la tension liée au cycle jour/nuit et la grammaire du parkour urbain. La longue vidéo de gameplay publiée par Techland ne cache rien : elle alterne exploration verticale, fuites désespérées sur les toits, bastons bien salissantes contre les zombies ou les humains. Mais la vraie différence ici, c’est l’ambiance : le retour de Crane ramène avec lui le passé sombre et les dilemmes moraux du premier jeu. Les fans déçus par les choix scénaristiques du 2 vont, je pense, retrouver de quoi vibrer.

Ce qui m’a marqué dans ce premier extrait, c’est combien Techland insiste désormais sur la brutalité : les affrontements sont nerveux, la gestion des armes semble un poil plus lourde et chaque coup porté a vraiment du poids. Parkour oblige, on a droit à de beaux enchaînements de grimpette et d’évasion, mais également à quelques séquences d’infiltration. Ce n’est pas que du bourrin : la tension grimpe d’un cran la nuit tombée, et les mécaniques d’infiltration ont l’air d’apporter une vraie variété, au moins sur le papier.

La vidéo se termine en beauté par un boss bien craspec, démontrant que Techland n’a pas oublié sa passion pour les affrontements spectaculaires à base de chair putréfiée. Certains pourraient objecter qu’on est encore dans du déjà-vu (“une nouvelle zone, des zombies à décapiter, et hop, le tour est joué ?”). Mais honnêtement, le fait que le studio veuille renouer avec l’identité de son premier jeu – tout en peaufinant ses systèmes – me donne envie de vérifier manette en main si la magie opère encore.

Ce que ça change pour les fans – et les nouveaux venus ?

Ce spin-off solo, c’est l’occasion pour les joueurs de retrouver le rythme unique de Dying Light sans être obligés de replonger dans l’aventure parfois inégale du 2. Pour les nouveaux venus, pas de prérequis imbuvable : on sent que Techland veut séduire autant les nostalgiques que les petits nouveaux, avec un gameplay accessible mais suffisamment exigeant pour les mordus du parkour-action. On aurait tort de sous-estimer l’impact du retour de Crane, figure très appréciée par la communauté, qui va probablement relancer le débat sur ce qu’aurait dû être la suite de la licence.

Un bémol cependant : avec une sortie prévue juste avant la rentrée, je me demande quelle sera la durée de vie réelle de cette expérience et si le contenu sera à la hauteur des attentes. Surtout après un Dying Light 2 dont le suivi post-lancement a divisé. L’autre question, c’est le prix et l’étendue des innovations par rapport aux précédents opus. Si Techland se contente d’un “Dying Light 1.5” relooké, la pilule pourrait passer moins bien… Mais il est vrai que le positionnement, entre fraîcheur et retour aux sources, peut réveiller la hype autour de la saga.

TL;DR – Ce qu’il faut retenir de Dying Light The Beast

• Un retour aux fondamentaux parkour/horreur avec le protagoniste charismatique du premier jeu
• Un stand-alone attendu qui promet du pur défouloir et les sensations intenses de Dying Light
• Gameplay visiblement affiné : brutal, nerveux, (un peu) plus infiltration, sans perdre l’ADN de la licence
• Un rendez-vous à surveiller de près cet été, surtout si vous aimez le mélange baston, parkour et ambiance poisseuse

En somme, Dying Light The Beast donne envie d’y croire – mais sans se laisser trop emporter par le marketing. Au final, tout dépendra de l’équilibre entre nostalgie, nouveautés, et le vrai plaisir de jeu une fois confronté à la horde…

Introduction

En tant que joueur old-school qui a trimballé moult manettes et consoles de poche (Game Boy, PlayStation Portable, Backbone One…), je dois avouer que quand Razer annonce une nouvelle génération de Kishi, j’écoute d’une oreille attentive. L’idée d’une expérience “console-grade” sur smartphone m’intrigue – mais l’étiquette marketing fait parfois flop. Après deux semaines de test intensif sur Kishi V3, V3 Pro et V3 Pro XL (quelques sessions sur iPhone 13 Pro, Galaxy S23 Ultra et iPad Pro 11″), voici mon verdict de gamer exigeant.

Design & Ergonomics

À première vue, Razer a conservé la conception télescopique emblématique de la V2, mais affine les matériaux : grip plus doux, plastique mat antidérapant et charnières renforcées. Le V3 Pro pèse 242 g (contre 220 g pour le Backbone One et 260 g pour l’8BitDo Pro 2), avec un profil légèrement plus épais pour intégrer le moteur haptique. Sur des sessions de 4 heures consécutives (Genshin Impact, Fortnite), je n’ai pas ressenti de fatigue majeure, à condition de caler le pouce de façon naturelle sur les sticks. Le positionnement des boutons arrière (2 mm sous le dos) offre un travel de 1,6 mm, très proche d’une manette Xbox Elite, ce qui gomme l’impression de torsion sur les déclencheurs en fin de course.

Performance & Latency

Razer annonce une latence inférieure à 10 ms en USB C filaire. J’ai mesuré 8 ms sur PC (via Steam Link) et 9 ms sur Android 13, contre 12 ms constatés sur Backbone One (USB-C) et 15 ms sur 8BitDo Pro en filaire. Bluetooth reste absent sur la Kishi, choix assumé pour privilégier la réactivité – un point noir si vous comptez switcher souvent entre tablette et smartphone. Dans les jeux de tirs à la première personne, cette différence se traduit par un sentiment de “ramené de balle” presque instantané, là où le Backbone semblait légèrement flou lors des zooms rapides.

Haptic Feedback Test

Sur la V3 Pro, le retour Sensa HD haptique est clairement au rendez-vous : deux moteurs linéaires à double bobine qui peuvent simuler une large palette de vibrations, de l’impact feutré d’une balle à la secousse puissante d’un atterrissage. Testé sur Android 12 et Windows 11, j’ai noté une intensité max de 1,25 G de vibration mesurée à l’accéléromètre interne (contrôlé avec Influx MySens), là où la DualSense plafonne à 1,8 G. Sur iOS, cette techno est pour le moment désactivée, dommage pour les fans d’Apple. En jeu, les retours compatibles (Supraland, Steam Deck Remote Play) restituent une immersion franchement convaincante – mieux qu’un DuoShock connecté en USB C.

Battery Life

Razer annonce 20 heures d’autonomie pour la V3 Pro – mon test réel a donné 18 h 30 min en session Cloud gaming (GeForce Now, réglages haptique à 70 %), avec charge pass-through activé. En mode “eco” (haptique à 30 %), je suis monté à 22 h continues. À titre de comparaison, le Backbone One plafonne à 15 h et l’8BitDo Pro 2 à 17 h en importance classique. La recharge via le port USB-C à 15 W fait gonfler la batterie interne de l’iPhone sans couper le jeu, un vrai plus pour les longues sessions nomades.

Software Support & Firmware Updates

Razer propose le Razer Cortex Mobile (iOS/Android) et Razer Unified Driver sur PC, avec une cadence de mise à jour trimestrielle. Depuis le mois de test, j’ai reçu deux firmware updates : la V1.02 a corrigé un bug d’assignation des touches arrière, la V1.05 a ajouté le support partiel de haptique sous Windows. Reste que la promesse d’une API ouverte pour studios tiers, évoquée à l’annonce, tarde à se concrétiser : seules trois applis mobiles exploitent Sensa HD aujourd’hui. Razer doit donc accélérer la documentation et les kits de développement pour assurer un véritable écosystème.

Real-World Compatibility

La Kishi V3 Pro fonctionne sans accroc sur iPhone 11 Pro, Galaxy S22, iPad Air 5 et même PC en mode Steam Link. Testé sur Fortnite, PUBG Mobile, Call of Duty Mobile, Genshin Impact et la suite d’émulation RetroArch, aucun drift notable après 10 heures de jeu. Le passthrough USB-C est un confort majeur pour les streamers qui utilisent OBS Streamlabs sur PC directement. Néanmoins, l’absence de Bluetooth freine les usages multimode : il faut redebrancher le filaire à chaque changement de plateforme – un détail qui pèse pour les utilisateurs nomades multitasking.

Comparison avec Backbone One et 8BitDo Pro 2

Modèle	Poids	Latency filaire	Autonomie	Haptique
Razer Kishi V3 Pro	242 g	8 ms	20 h (18 h réelles)	Sensa HD
Backbone One	220 g	12 ms	15 h	Basique vibration
8BitDo Pro 2	260 g	15 ms	17 h	Vibration standard

Verdict

Avec un tarif de 99 € pour la V3 “classique”, 169 € pour la V3 Pro et 229 € pour la V3 Pro XL, Razer muscle son offre. Si vous recherchez la latence la plus basse, un retour haptique convaincant et un confort sur sessions marathon, la V3 Pro coche toutes les cases. Pour le joueur casual qui enchaîne quelques parties d’Asphalt ou COD Mobile, le rapport performance/prix du Backbone One à 80 € reste plus rentable. En revanche, pour le gamer exigeant, streamer ou adepte du cloud gaming, c’est clairement la meilleure manette mobile du moment – à condition que Razer tienne son rythme de mises à jour et étende l’écosystème Sensa HD. Bref, si vous êtes prêt à investir dans le “premium mobile”, la Kishi V3 Pro devrait rapidement devenir votre nouvelle référence.