At Summer Game Fest 2025, Devolver Digital kept its lineup tight but impactful: BALL x PIT is the lone star, promising to rearrange familiar tropes into something explosively fresh. Part brick-breaker, part bullet hell and steeped in rogue-lite permadeath, this indie experiment hinges on a “nuclear” weapon fusion system that dares players to mix and match for chaotic results.
A New Arcade Hybrid
BALL x PIT doesn’t just slap genres together—it glues them with arcade flair. Each run feels like juggling bowling balls and gatling guns simultaneously, while dodging bullets in patterns that would test the steadiest thumbs. The nuclear fusion twist lets you combine “balls” into weapons so unpredictable you’ll be both thrilled and terrified on every floor.
Brick-breaker meets bullet hell: shatter walls while weaving through enemy fire.
Rogue-lite structure with randomized levels, upgrade shops and permadeath stakes.
“Béboules” collectible orbs that merge into over-the-top guns and cannons.
Free demo available on PC, Switch and Xbox Series—progression is purposefully capped.
Three distinct characters, each with a signature Béboule and playstyle.
Hands-On Impressions
We sank an hour into the demo, and the results were a roller-coaster of glee and tension. Early runs kick off gently, but soon enough you’re swarmed by bullet waves and rickety breakable walls. The fusion mechanic shines when you pocket a pair of Béboules mid-fight, watch them combine into a shotgun-flamethrower hybrid and unleash volcanic mayhem. Boss encounters punctuate each level with eye-melting patterns that demand split-second decisions.
Cover art for Ball x Pit
Developer Kenny Sun, already lauded for his outlandish indie flair, imbues each encounter with a sense of handcrafted chaos. Between level checkpoints you spend shards on random upgrades: faster reloads, extra Béboule slots or elemental effects that can turn your weapon into a flamethrower, ice gun or mini-nuke. These twists create endless build combinations and beg for repeat runs.
AI-generated gaming content
Balancing Fun and Complexity
Yet, the central question looms: can BALL x PIT sustain its wild concept without spiraling into unbalanced madness? Rogue-lites are a crowded genre, and stacking three intense systems risks becoming “master of none.” In our preview, some weapon combos trivialized later stages, while other runs felt punishingly unfair when fusion yields a dud. Finding the sweet spot between randomness and player agency will determine if BALL x PIT becomes a sleeper hit or a quirky footnote.
The capped demo cleverly teases progression without letting you grind meta-unlocks. But for completionists who crave deep theorycrafting—every Béboule pairing ranked, every boss exploit mapped—the demo leaves you hungry. Will the full release offer robust balancing tools, or will it lean into its chaotic roots and let players craft their own challenges?
AI-generated gaming content
Verdict and Future Outlook
BALL x PIT stands out as one of Devolver’s most audacious indie showcases yet. Its fusion of brick-breaking, bullet dodging and rogue-lite progression is exhilarating, and the weapon combination system injects genuine novelty. However, the line between inventive and unmanageable is thin. If the full game sharpens its difficulty curve and refines the fusion roster, it could emerge as the definitive arcade rogue-lite of the year. Keep this one on your radar—its nuclear cocktail might just ignite your next gaming obsession.
Depuis la création d’Until Dawn, Supermassive Games s’est imposé comme le spécialiste de l’aventure narrative à haut risque. Avec Directive 8020, le dernier épisode de la saga The Dark Pictures, le studio britannique tente un exercice délicat : ouvrir la formule à la clarté des embranchements tout en préservant l’angoisse viscérale qui fait sa marque de fabrique. Résultat ? Un jeu à double visage, qui jongle entre accessibilité et brutalité sans filet.
1. Cadre et promesse : quand la SF rencontre l’horreur
Directive 8020 nous propulse à bord du vaisseau Cassiopeia, un environnement confiné où l’équipage découvre un artefact extra-terrestre. À la tête de la distribution, Lashana Lynch porte l’histoire sur ses épaules, oscillant entre leader charismatique et survivante paniquée. L’esthétique fait immédiatement écho aux classiques Alien ou Event Horizon : couloirs métalliques, éclairages au néon, musique angoissante à base de pulsations électroniques. Supermassive a opté pour un huis clos SF, loin des ambiances slavifiques de House of Ashes ou des traces de sorcellerie de Little Hope, mais toujours centré sur la peur de l’inconnu.
2. Gameplay et mécaniques d’embranchements
Le cœur de la nouveauté réside dans la carte interactive des embranchements. À tout moment, grâce à un menu accessible, vous pouvez visualiser les décisions clés, les options de dialogue et les ramifications de l’intrigue. Pour les complétionnistes, c’est une aubaine : fini les rechargements de sauvegarde en boucle pour débloquer chaque fin. Mais à trop dévoiler, on craint de perdre l’effet de surprise.
Comme l’explique Lucie, joueuse invétérée sur Reddit : « Voir l’ensemble des ramifications retire un peu le côté aventure suprême. On sait déjà où on va, il ne reste plus qu’à cocher les cases. » Cette carte devient donc un outil à double tranchant : rassurante pour les curieux, frustrante pour les puristes du « choix aveugle ».
QTE et temps-réel : rappelons que la tension naît toujours des séquences interactives, chaque seconde compte pour réussir une action vitale.
Dialogue ramifié : des options supplémentaires s’ajoutent en fonction des scènes précédentes rendues visibles dans la carte.
Mode coopération : comme dans Man of Medan, deux joueurs peuvent prendre des décisions concourantes, maintenant l’aspect social de l’angoisse partagée.
3. Le mode Survivant : pour les masochistes avertis
Face à l’option « tout voir », Supermassive propose un contrepoids radical : le mode Survivant. Ici, les sauvegardes sont rares, voire inexistantes. Un seul mauvais QTE ou une décision mal avisée peut entraîner la mort brutale d’un personnage, vous forçant à relancer l’ensemble du chapitre. Pour ceux qui réclamaient plus de sel dans la formule, c’est un véritable festin de tension.
J’ai testé cette difficulté extrême lors d’une séquence où l’on explore la salle des machines, inondée de vapeur corrosive. En plein QTE pour refermer une vanne, le timing doit être précis au centième de seconde : j’ai échoué deux fois, chaque erreur se soldant par l’étouffement d’un membre de l’équipe. L’adrénaline était au rendez-vous, bien plus que dans les épisodes précédents où les points de contrôle rendaient parfois l’épreuve trop tolérante.
Screenshot from Directive 8020
Cependant, cette absence de filet peut aussi tourner à la frustration pure. Après avoir perdu un personnage attachant dans un enchaînement de trois tentatives infructueuses, je me suis retrouvé à relancer le chapitre complet… sans garantie que l’erreur ne se reproduise. Le défi est stimulant, mais à réserver à ceux prêts à en baver.
4. Scénario et écriture : entre clichés et surprises
Le script de Directive 8020, coécrit par Paul Tobin (Batman, Lucifer), oscille entre dialogues soignés et moments convenus. Lashana Lynch sauve les apparences avec son jeu nuancé : elle passe de la détermination froide à la panique la plus sincère, offrant au récit un fil conducteur solide. Pourtant, quelques rebondissements tombent dans le déjà-vu : l’inévitable scientifique trop curieux, le collègue mystérieux aux motivations floues, l’entité extraterrestre dont on ne voit que le contour jusqu’à la fin.
Heureusement, plusieurs scènes profitent d’une mise en scène cinématographique, renforcée par un sound design soigné : craquements métalliques, échos lointains et respirations haletantes plongent le joueur dans l’angoisse. Dans un passage clé, un dialogue optionnel entre deux ingénieurs révèle comment la peur mutile la mémoire : « Je me souviens à peine des visages, tout a été englouti par la fuite. » Ces moments introspectifs sont rares mais bienvenus.
5. Technique et performance
Graphiquement, Directive 8020 tire parti du moteur maison de Supermassive, déjà éprouvé sur House of Ashes : éclairages dynamiques, textures détaillées, modélisation soignée des personnages. Sur PS5 et Xbox Series X, j’ai remarqué un framerate globalement stable à 60 images/seconde, mais des micro-saccades apparaissent dans les séquences les plus chargées en effets de particules (fumée, projections de sang).
Screenshot from Directive 8020
La version PC propose un niveau de détails ajustable, et sur ma configuration (GeForce RTX 3070, 16 Go de RAM), tout tourne en Ultra sans compromis. Côté audio, le travail de la compositrice Lorne Balfe est efficace : ses nappes synthétiques confèrent une dimension quasi-oppressive, renforcée par un mixage 3D sur casque ou système Home Cinema.
6. Comparaison avec les précédents Dark Pictures
Directive 8020 représente à mes yeux le chapitre le plus « technique » de la série. Man of Medan misait sur l’ambiguïté maritime, Little Hope sur l’horreur psychologique et House of Ashes sur l’aspect mystique. Ici, la science-fiction apporte un souffle nouveau, mais la vraie innovation reste la carte d’embranchements. À titre de comparaison :
Until Dawn : stress maximal, absence d’outils de guidage, rejouabilité brute.
Man of Medan : premières expériences coop, ambiance maritime.
Little Hope : atmosphère gothique, énigmes basiques.
House of Ashes : ambiance désertique et antique, mode Nightmare pour les initiés.
Directive 8020 : house SF, atlas narratif, mode Survivant pour les plus téméraires.
On sent clairement l’intention de Supermassive d’évoluer vers une interface plus transparente, à l’image de ce que Telltale avait tenté dans The Walking Dead avec l’affichage des pourcentages de choix. L’expérience se veut plus « friendly », tout en offrant un défi hardcore en parallèle.
7. Rejouabilité et édition Deluxe
La rejouabilité reste, comme toujours, l’argument phare de la saga. Directive 8020 propose près d’une trentaine de fins différentes, en combinant les états de vie des personnages et les chemins scénaristiques. La carte permet de cibler rapidement les embranchements manqués – un vrai gain de temps. Mais, encore une fois, la dimension « saut dans l’inconnu » se trouve partiellement mise à mal.
Screenshot from Directive 8020
L’édition Deluxe, quant à elle, inclut un artbook numérique, la bande-son en haute qualité, six filtres visuels inédits et un pack de collectibles optionnels. Rien d’irréversible dans le gameplay, mais un coffre à trésors pour les plus collectionneurs. Point positif : aucun contenu narratif n’est verrouillé derrière un DLC payant.
8. Verdict : curiosité et prudence
Directive 8020 est un épisode contrasté : il modernise la série avec un suivi d’embranchements précis, mais risque d’émousser l’étincelle de découverte pure. Le mode Survivant, pour sa part, renouvelle l’adrénaline en supprimant tout filet de sécurité, ce qui devrait combler les vétérans en manque de challenge. Graphiquement solide et porté par une bande-son immersive, l’ensemble convainc, même si quelques clichés scénaristiques subsistent.
Pour qui ? Les néophytes apprécieront de naviguer sans crainte grâce à la carte, tandis que les puristes retourneront au mode Survivant pour recapturer la panique de l’instant fatidique. En somme, Supermassive joue sur deux tableaux et pique la curiosité de tous – quitte à diviser.
Note finale : 8/10. Une aventure SF-horrifique riche en tensions, qui marie accessibilité et difficulté extrême, tout en posant de nouvelles bases pour The Dark Pictures.
Il faut l’avouer : au beau milieu des annonces calibrées du Summer Game Fest, rares sont les jeux capables de provoquer une vraie montée d’adrénaline rien qu’en quelques images. End of Abyss, présenté par Section 9 Interactive, a réussi ce tour de force. Entre ses inspirations évidentes et sa promesse d’une descente cauchemardesque dans les entrailles d’un complexe mystérieux, ce survival-horror a immédiatement retenu mon attention. Quand on a grandi à l’ombre d’Alien, de The Thing ou encore de l’architecture froide d’un Blame!, difficile de ne pas hausser un sourcil (et le rythme cardiaque) devant une telle proposition.
End of Abyss : Survival-horror SF, ambiance suintante et promesse d’angoisse
Section 9 Interactive réunit d’anciens développeurs de Little Nightmares pour s’attaquer à la SF horrifique
Un univers visuel influencé par Alien, The Thing, Event Horizon et Mad God, loin du simple hommage
Gameplay survival-horror nerveux et bestiaire inquiétant déployé dans un complexe souterrain fracturé
Sortie prévue en 2025 sur PC (Epic), Xbox Series et PS5, sans compromis cross-gen
Publisher|Section 9 Interactive
Release Date|2025 (date exacte à confirmer)
Genres|Survival-horror, Science-fiction
Platforms|PC (Epic Games Store), Xbox Series, PlayStation 5
Si End of Abyss a tant retenu mon attention, ce n’est pas juste pour ses inspirations cinématographiques (même si, clairement, les noms lâchés par le studio piquent la curiosité). Non, c’est surtout parce que Section 9 Interactive, derrière ce projet, réunit des vétérans qui ont fait leurs preuves sur la série Little Nightmares chez Tarsier Studios. Ceux qui ont joué à ces titres savent : atmosphère lourde, direction artistique marquante, et un vrai sens du malaise. Changer de registre pour passer à la SF horrifique, c’est risqué, mais ces devs ont déjà prouvé qu’ils savent comment faire flipper leur audience sans tomber dans la surenchère cheap.
À la différence d’un survival-horror classique qui recyclerait les vieilles ficelles, End of Abyss mise sur une ambiance de claustrophobie pure. On incarne Cel, technicienne de combat propulsée au cœur d’un complexe souterrain ravagé, où chaque pas dans l’obscurité rime avec angoisse. Le pitch rappelle les classiques : une équipe de recherche confrontée à l’inconnu, la descente aux enfers progressive, la frontière floue entre aide et menace. Mais ce qui rend la promesse crédible, c’est la volonté de Section 9 de ne pas simplement imiter, mais d’assumer une identité propre, nourrie par une DA cradingue, presque organique, et un bestiaire qui semble bien plus agile et imprévisible que la moyenne.
Cover art for End of Abyss
La première bande-annonce distille déjà un sens du détail qui fait mouche : architecture labyrinthique à la Blame!, cutscenes inquiétantes, et surtout un sound design qui promet de jouer avec nos nerfs. Côté gameplay, on est certes dans du classique – gestion des ressources, exploration, survie – mais la nervosité affichée et la vulnérabilité du personnage principal tranchent avec l’image habituelle du héros d’action surarmé. Ça me rappelle un peu le stress d’un Alien Isolation, mais avec plus d’action potentielle, si la promesse est tenue.
Ce qui m’interpelle aussi, c’est le choix de cibler uniquement la nouvelle génération (PC via Epic, Xbox Series, PS5). Aucun compromis cross-gen, et visiblement l’ambition de créer une vraie expérience next-gen côté ambiance et gestion des foules de créatures. À l’époque où trop de studios multiplient les versions au détriment de la cohérence technique, ça fait plaisir de voir une équipe qui privilégie l’expérience pure. Reste la question de la durée de vie (souvent le point faible des jeux ultra-atmosphériques), et de la capacité du jeu à renouveler la tension sur la longueur, sans tomber dans la surenchère ou la routine.
Pour les joueurs qui cherchent de vraies sensations dans le survival-horror, ce End of Abyss coche déjà pas mal de cases : ambiance moite, menace invisible et design sonore travaillé. Mais ce qui me donne vraiment envie de croire au projet, c’est le pedigree du studio. Si Section 9 Interactive applique la même rigueur et la même créativité que sur Little Nightmares, on pourrait bien tenir la surprise horrifique de 2025. Bien sûr, entre les promesses marketing et la réalité manette en main, il y a souvent un gouffre – je reste donc prudemment optimiste. Mais force est de constater qu’il est de plus en plus rare de voir une nouvelle licence SF qui prend le risque de miser avant tout sur l’atmosphère et la tension psychologique, plutôt que sur la surenchère de jumpscares ou le loot bête et méchant.
Ce que ça change pour les joueurs de survival-horror
End of Abyss arrive dans un paysage où le genre survival-horror revient en force, entre remakes de classiques et quelques pépites indés. Pour les fans du genre, ce titre promet une expérience qui ne joue pas la carte du simple hommage, mais tente d’imposer une esthétique et une tension qui pourraient bien marquer les esprits. Ce n’est pas tous les jours qu’on voit débarquer une proposition aussi frontale dans la SF horrifique, surtout avec un vrai background artistique derrière. Reste à voir si la promesse d’oppression et de gameplay tendu tiendra sur la durée, mais il n’y a pas de doute : c’est un jeu à surveiller de près l’année prochaine.
TL;DR : End of Abyss, piloté par des vétérans du malaise façon Little Nightmares, propose un survival-horror SF ambitieux pour la next-gen. Si la DA inspirée et la nervosité du gameplay tiennent leurs promesses, les fans de descentes cauchemardesques auront de quoi frissonner en 2025. Reste à surveiller la capacité du jeu à transformer ses références en une vraie expérience marquante – mais pour une fois, l’attente semble méritée !
Après l’univers à la fois baroque et glaçant d’Atomic Heart, le studio Mundfish revient sous les projecteurs du Summer Game Fest 2024 avec The Cube. Annoncé comme un véritable terrain d’expérimentation, ce nouveau projet entend chambouler les codes du FPS en proposant un monde en perpétuelle mutation et un mode coopératif où chaque choix pèse sur la suite des événements. Portrait d’une ambition qui pourrait bien redessiner l’avenir du genre.
Un concept où chaque rotation compte
Monde modulaire : un gigantesque cube flottant divisé en biomes distincts. À chaque rotation, les environnements se réagencent, dévoilant de nouveaux secrets, défis et panoramas.
Narration organique : vos décisions – individuelles ou collectives – influencent en temps réel la position du cube et la progression de l’histoire.
Coopération sans punition : la mort se transforme en simple pause, invitant au « soft fail » : finis le game over définitif, place à la résilience et à l’entraide.
Évolution continue : situé plusieurs années après les événements d’Atomic Heart, The Cube enrichit son lore via des journaux audio, des enregistrements de laboratoire et des modules à débloquer.
De la genèse au Summer Game Fest
Le communiqué officiel diffusé lors du GSF 2024 esquisse un développement en « world-building constant », où les équipes techniques peaufinent un moteur maison capable de gérer la topographie variable du cube. Après un Atomic Heart salué pour son style visuel unique mais critiqué pour un récit parfois décousu, Mundfish semble avoir tiré les leçons de ses premières expérimentations pour offrir une trame plus cohérente et un gameplay plus fluide.
Screenshot from Cube
Entre Destiny, Returnal et Control
Si l’on cherche des points de comparaison, on pense immédiatement à Destiny pour la dimension coopérative MMO, à Returnal pour la boucle d’exploration renouvelée, ou encore à Control pour l’esthétique étrangère. Mais The Cube ne se contente pas d’aligner des mécaniques empruntées : l’idée maîtresse est bien de faire interagir la narration et le level design, en synchronisant chaque phase de jeu avec les choix des joueurs en live.
Pourquoi ce projet peut changer la donne
Innovation : rares sont les titres qui altèrent la topographie du monde en temps réel selon l’action des joueurs.
Dimension sociale : le « soft fail » renverse la logique punitive pour privilégier l’exploration et le soutien mutuel.
Ambition technique : un moteur adaptable capable de gérer de multiples rotations sans temps de chargement intempestif.
Richesse narrative : promesse d’un lore étendu, entre notes de labo, enregistrements cryptés et rebondissements imprévisibles.
Les défis à relever
Risque de surcharge : trop de mécaniques risquent de noyer le joueur sous les systèmes et d’affaiblir l’immersion.
Équilibre fragile : garder un univers cohérent alors que les biomes se réarrangent nécessite une direction artistique et narrative solide.
Horizon flou : sans date de sortie officielle et avec peu de séquences jouables disponibles, l’état réel du développement reste à jauger.
Pour l’heure, The Cube n’a pas encore fixé de fenêtre de lancement, ni même diffusé de bêta fermée. Les premières images montrent cependant une patte visuelle immédiatement reconnaissable, à mi-chemin entre le futurisme rétro et le grotesque industriel, signature de Mundfish. Les fans d’expériences atypiques devraient surveiller ce projet de près, d’autant que le studio promet une démo avant la fin de l’année.
Screenshot from Cube
En attendant de découvrir si The Cube parviendra à concrétiser ses promesses, le pari de fusionner narration interactive, exploration modulable et coopération sans contraintes souligne la volonté de Mundfish de repousser les limites du FPS-RPG. À suivre de très près !
Screenshot from Cube
Restez connectés pour nos prochains tests, interviews exclusives et aperçus détaillés du développement de The Cube.
Le retour de Code Vein m’a vraiment surpris lors du Summer Game Fest. Entre les remakes de From Software et la masse de Soulslike qui essaient de se faire une place, je ne pensais pas revoir Bandai Namco miser sur sa propre licence après autant d’années. Et surtout, pas en changeant du tout au tout son style graphique, alors que l’identité « anime dark » du premier avait franchement marqué la scène à sa sortie. Mais visiblement, Bandai Namco veut montrer que Code Vein II n’est pas qu’un simple copié-collé, et ça, ça mérite d’y regarder de plus près.
Code Vein II : suite attendue pour les mordus de Soulslike, mais avec un nouveau look
Changement radical de direction artistique : on quitte l’esthétique anime pour un univers plus mature et sombre
Système de personnalisation poussé autour des builds, avec absorption de sang et nouvelles compétences
Compagnon IA, Lou, capable de manipuler le temps, promesse d’un gameplay coop narratif plus complexe
Bandai Namco tente de renouveler sa formule sans perdre l’exigence du combat, signature de la série
Feature
Specification
Publisher
Bandai Namco Entertainment
Release Date
À venir (non communiqué)
Genres
Action-RPG, Soulslike
Platforms
PC, PlayStation 5, Xbox Series X|S
On ne va pas se mentir, le look anime un peu edgy du premier Code Vein avait divisé. Pour certains, c’était un vent frais dans un genre saturé de médiéval sombre à la From Software ; pour d’autres, ça sonnait trop otaku, pas assez « sérieux ». Mais au moins, on savait à quoi s’attendre. Là, Bandai Namco change la donne avec une direction artistique beaucoup plus occidentale et désaturée, qui rappelle davantage un Bloodborne qu’un Demon Slayer. C’est risqué, car l’originalité du premier, c’était justement son mélange improbable entre Dark Souls et shōnen vampirique. Ironiquement, ce virage les rapproche des autres Soulslike du marché. Peut-être est-ce pour séduire un public qui a mûri, ou alors pour aligner la licence sur les tendances actuelles.
Rassurez-vous, côté gameplay, la recette reste fidèle à l’ADN de la série : affrontements exigeants, boss démesurés, et cette mécanique de sang qui faisait tout le sel du premier épisode. Ici, l’absorption de sang servira à déverrouiller de nouveaux pouvoirs, ce qui laisse envisager un système de progression plus organique (et potentiellement plus punitif). À voir si Bandai Namco va oser la mini-révolution ou simplement nous resservir une version « plus » du premier.
Screenshot from Code Vein II
Le choix du compagnon IA, Lou, qui peut manipuler le temps, intrigue tout autant. Dans le premier, l’IA des alliés oscillait entre le boulet et la roue de secours. Là, Bandai Namco promet que chaque équipier aura des compétences propres et une histoire qui se développe vraiment. On nous vend aussi des interactions plus poussées, avec des combos et une influence narrative sur la progression. Je reste méfiant – combien de fois a-t-on vu des promesses d’IA « révolutionnaire » qui finissent en simple bouclier vivant ? Mais si cette dynamique fonctionne, ça pourrait enfin donner une vraie profondeur à la coop IA, là où From Software a souvent laissé la place aux joueurs en ligne.
Ce qui me parle particulièrement, c’est la question du build. La possibilité de vraiment façonner son personnage, d’expérimenter avec les armes et les compétences, c’est tout ce qui manque trop souvent aux clones de Souls. Si Code Vein II va au bout de cette idée, il pourrait se démarquer par une profondeur de personnalisation que même les ténors du genre peinent à offrir.
Screenshot from Code Vein II
Ce que ce retour signifie pour les joueurs
Pour nous, les amateurs de Soulslike qui ont un peu tout vu, Code Vein II arrive pile au moment où le genre commence à saturer. Entre clones sans âme et jeux indés qui peinent à innover, Bandai Namco a une carte à jouer s’ils assument vraiment leur virage artistique et leur gameplay à builds. Le changement de look risque de faire grincer des dents les fans du premier, mais pourrait aussi élargir la communauté si la proposition tient la route en termes de challenge et de personnalisation.
En tout cas, l’annonce laisse espérer autre chose qu’un simple recyclage. Reste à voir si Bandai Namco saura éviter l’écueil du « plus grand, plus beau, mais creux », un piège dans lequel tant de suites sont tombées. En tant que joueur qui aime autant se faire punir par les boss que peaufiner son build jusqu’à l’obsession, j’avoue que la promesse me fait lever un sourcil… et aiguiser mes armes virtuelles.
Screenshot from Code Vein II
TL;DR : Code Vein II, pari risqué mais intriguant
Code Vein II se débarrasse de sa patte anime pour se rapprocher des standards occidentaux, mais garde son ADN vampirique et son exigence typée Soulslike. Si Bandai Namco tient ses promesses côté personnalisation et IA, on pourrait tenir là un vrai challenger du genre. Sinon, ce sera juste un Soulslike de plus. Verdict quand le sang aura fini de couler.
Du 9 au 16 juin, la démo PC de Frosthaven s’invite au Steam Next Fest. Prévue pour séduire aussi bien les vétérans de Gloomhaven que les néophytes du tactical RPG, cette version d’essai gratuite promet de transformer l’immense jeu de plateau en une aventure digitale aussi fluide qu’immersive. Avec le soutien de GeForce NOW, un mode coop en ligne jusqu’à quatre joueurs et une narration audio signée Forteller Games, l’enjeu est simple : convaincre une communauté exigeante que le plus gros Kickstarter de plateau mérite sa place dans le monde vidéoludique.
Une démo bien garnie et accessible
Téléchargeable immédiatement sur Steam et GeForce NOW, la démo propose un avant-poste enneigé à développer. Vous y trouverez un tutoriel progressif, la gestion des ressources, l’édification de bâtiments et plusieurs quêtes tactiques. Quatre classes jouables – chacune révélant un style de jeu distinct – offrent un premier aperçu de la synergie coopérative. Les affrontements mettent déjà en lumière la tension glaciale et les choix stratégiques qui ont forgé la légende du jeu de plateau.
Fidélité tactique et immersion sonore
Aux manettes, le légendaire Julian Gollop (créateur de la saga X-COM) supervise le peaufinage des mécaniques, tandis qu’Isaac Childres, le concepteur originel de Frosthaven, assure l’authenticité du monde de Feros. Chaque dialogue et chaque mise en scène bénéficient d’une narration audio professionnelle, conçue pour immerger le joueur sans rupture de rythme. Que ce soit en solo ou en multijoueur, l’ambiance sonore renforce la sensation d’urgence lorsque le blizzard se lève et que les ennemis affluent.
Screenshot from Frosthaven
Concilier puristes et nouveaux venus
Le défi majeur repose sur l’ergonomie : rendre les menus clairs, faciliter la lisibilité des fiches de personnage et doser la durée des tours de jeu. Les puristes chercheront l’intensité et la profondeur stratégique du plateau d’origine, tandis que les débutants compteront sur un tutoriel efficace et une interface épurée. Les retours de la bêta fermée ont déjà débouché sur plusieurs ajustements, notamment au niveau de l’affichage des statistiques et de l’optimisation du matchmaking coopératif. Mais le vrai verdict tombera durant la semaine publique de tests.
Screenshot from Frosthaven
Les atouts d’un projet colossal
Frosthaven ne se résume pas à une simple adaptation : c’est l’un des projets Kickstarter les plus financés de l’histoire des jeux de plateau. La démo se positionne face à des titres comme Divinity: Original Sin ou Baldur’s Gate 3, avec l’ambition de démontrer que rigueur tactique et plaisir digital peuvent cohabiter. Les amateurs de campagnes épiques, les streamers à la recherche de parties en ligne structurées et les joueurs solos curieux y trouveront leur compte.
Pourquoi tester la démo sans tarder
Participer au Steam Next Fest, c’est l’occasion idéale de plonger gratuitement dans l’univers de Frosthaven avant sa sortie définitive. En quelques centaines de méga-octets, vous évaluerez la qualité du système de combat, la richesse de l’artisanat, et le degré d’immersion offert par la bande-son. Pour les créateurs, cette phase de test public est cruciale : elle permet d’affiner l’équilibrage, de corriger les bugs et de recueillir l’avis d’une communauté déjà passionnée.
Screenshot from Frosthaven
Comment rejoindre l’aventure
Rendez-vous sur Steam ou GeForce NOW entre le 9 et le 16 juin, téléchargez la démo et rejoignez vos amis en quelques clics. Que vous soyez un stratège chevronné ou un néophyte curieux, cette période de test est l’ultime chance de découvrir si Frosthaven parvient à enchaîner sur le succès colossal de son prédécesseur sur table. Alors, enfilez vos fourrures, affûtez vos armes et préparez-vous à braver les tempêtes !
When SEGA unveiled the first trailer for Demon Slayer – Kimetsu no Yaiba – The Hinokami Chronicles 2 at last year’s TGS showcase, I leaned forward in my seat. The original 2021 release dazzled with anime‐style visuals and faithful character animations, but many players felt it skimmed on narrative depth and competitive features. Now, after logging over 20 hours in SEGA’s closed‐network test, I can confirm that Hinokami Chronicles 2 isn’t merely a visual upgrade—it’s a broad redesign, from story missions to net code. In this deep dive, we’ll examine new narrative beats, multiplayer strategies, developer insights, technical performance across platforms, and how it stacks up against fellow anime fighters.
Story Mode: Unlocking New Arcs and Side Missions
Retitled “The Path of the Demon Slayer,” the Story Mode begins by revisiting the Mugen Train events, but it quickly branches into untapped material from the Entertainment District arc. Rather than a straight cinematic retelling, SEGA adds “Path Quests”—dynamic side objectives that reward unique gear and dialogue. During my playthrough I encountered “Dawn Rescue,” where Tanjiro must escort injured civilians through a collapsing warehouse, avoiding stealth spawns of Upper Rank demons. Completing it under two minutes unlocked a vestige sword skin and a rare sound cue for Nezuko’s battle cry.
Producer Yosuke Tomizawa told me, “We wanted to shift from passive storytelling to interactive sequences, so fans feel the weight of each demon encounter rather than just watching cutscenes.” That approach extends into the Swordsmith Village tease: a mid‐game mission “Forge or Fight” tasks you with gathering raw mineral fragments while fending off periodic demon ambushes. It hints at deeper crafting systems coming in paid DLC—an inclusion fans have loudly demanded on community forums.
Amy Reyes, a long‐time player in our test group, remarked: “I was skeptical when they left out Swordsmith Village in the base package, but the side quests add enough tension and replay value that I didn’t mind grinding missions for new blades.” Still, the base game concludes just as the Hashira reveal begins, leaving the climactic showdown with Daki and Gyutaro in the Entertainment District locked behind future content. SEGA’s roadmap suggests three paid expansions over the next year, each aligned with major anime arcs: Entertainment District launches in Q4, Swordsmith Village in Q2 next year, and a final Infinity Castle chapter by year’s end.
Multiplayer Mode: Strategy, Synergy, and Dual Ultimates
Multiplayer remains the beating heart of any fighting title, and Hinokami Chronicles 2 doubles down on 2v2 tag‐style bouts. The standout mechanic is Dual Ultimates: synchronized super moves that consume a shared “Synergy Gauge.” This gauge fills through light attacks, parries, evasive rolls and environmental interactions—another nod toward emergent gameplay. In early ranked matches, I saw everything from cautious 1‐bar standoffs to 6‐bar cinematic combos that spanned ten seconds and three camera cuts.
Comparatively, Bandai Namco’s Tekken 8 offers tag features via its new “Switch” system, but it feels more button‐mashy than planned synergy. In contrast, Hinokami’s Dual Ultimates reward coordination. I teamed up with a fellow tester playing Shinobu, timing her Poison Mist to soften opponents before triggering Tanjiro’s “Hinokami Kagura” follow‐up. Developer commentary confirms they monitored thousands of test matches to balance gauge fill rates and cinematic length. “We didn’t want ultimates to be cheap finishers,” says lead designer Yuki Saito, “so every input from both players influences damage and screen flair.”
In casual lobbies, however, gauge management remains a learning curve. One player, calling himself DemonSlayerFan92, told me, “I kept wasting bars because I didn’t know whether to save or spend. After a few losses, I realized strategic synergy is more vital than flashy combos.” For tournament hopefuls, the advice is clear: practice on LAN or PS5 dedicated servers, where rollback net code drops below 30 ms. Public cross‐play is solid, but I did experience sporadic 150 ms spikes on Steam—enough to throw off precise parry timings.
Screenshot from Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Hinokami Chronicles 2
Training Mode: A Gym for Hashira-Level Skill
The new “Path of Training” is by far the best tutorial hub any anime fighter has delivered. You pick one of the nine Hashira and face a three‐tiered gauntlet, each layering on complexity. Tier 1 drills teach you basic combos and movement, complete with on‐screen frame‐data overlays. Tier 2 introduces parry windows and timed reactions—think six demon rush attacks that must be countered within 0.2 seconds. Tier 3 forces you through mixed waves of AI opponents with randomized attack patterns, tough enough to rival mid‐rank online players.
Tier 1 (Initiate): Trigger 12 combo strings under 90 seconds, chaining light and heavy strikes.
Tier 2 (Disciple): Block and parry a 10‐hit demon barrage, then punish with a 4‐hit counter within a 0.15 s window.
Tier 3 (Virtuoso): Survive five AI foes using only two recovery items, testing spacing and resource management.
Comparisons with Guilty Gear Strive’s tutorial find Strive rich in concept but light on real match simulations. Hinokami 2 blends theoretical data with AI that adapts to your win/loss history. Clearing Tier 3 at gold rank unlocks a permanent 20% EXP buff for all online matches—an innovative carrot for dedicated practice.
Customization: Gear, Cosmetics, and Build Theorycrafting
The revamped Gear System introduces three equip slots per fighter—Blade Ornament, Protective Charm, and Support Trophy. Each modifies stats or grants special abilities:
Protective Charm: -20% stun duration, minor health regen, or reflect chance on block.
Support Trophy: +15% Synergy Gauge gain or auto‐revive invincibility shield for 3 seconds.
During co-op sessions, my partner locked in Iguro’s poison blade with a shield charm, while I ran Nezuko with a synergy trophy. The result was a sustainable front line that could heal through damage over time, enabling aggressive rushdown without constant retreats. Fans have already posted theorycraft videos debating “glass cannon” builds—full damage Blade Ornaments with zero defense—raising balance concerns. SEGA intends to roll out ranked‐only “gear‐locked” lobbies at launch, and an upcoming patch will cap certain effects in lower tiers.
Screenshot from Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Hinokami Chronicles 2
Cosmetics remain purely visual, but the options are extensive: alternate haori patterns, retro‐style filters, voice‐over skins (listen to Kanao speak like Zenitsu), and commemorative profile frames. Collecting legendary sets via story achievements and PvP milestones adds a pleasing meta chase beyond pure combat.
Net Code & Performance: Rollback, LAN, and Cross‐Platform Play
Technical stability is make-or-break for any fighting game, and SEGA opted for rollback net code with cross‐play on PS5, Xbox Series X|S, and Steam. In over 50 online matches, rollback kept input delay under 70 ms on average. However, without a wired connection or a local server region, I saw occasional buffer underruns that pushed latency to 120 ms—enough to miss Parry Window timing by 0.1 s.
LAN support is robust: using two PS5 consoles linked via a 1 Gbps switch yielded sub-5 ms ping, making offline tournaments feel razor-sharp. Developer Saito recommends dedicating a local relay to avoid packet loss if you’re holding events. PC performance peaks at 4K dynamic resolution with stable 60 fps, though ultra shadow and particle settings on an RTX 3060 can dip to 50 fps during boss fights. Medium shadow presets deliver a rock-solid 60 fps lock without sacrificing much visual fidelity.
Comparative Context: Standing Out Among Anime Fighters
In the crowded anime‐fighter arena, Demon Slayer 2 finds itself alongside Dragon Ball FighterZ, Jujutsu Kaisen: Culling, and Guilty Gear Strive. FighterZ remains the benchmark for flashy combos and large rosters, but its story mode recaps the arc without interactive variety. Jujutsu Kaisen’s PvP beta felt rough around the edges, lacking proper rollback net code. Strive boasts beautiful animation but leans heavily on event match Justin Wong’s skill‐ceiling design—intimidating for newcomers.
Hinokami Chronicles 2 stakes its claim through accessibility layered with depth: the Path of Training welcomes novices, while Dual Ultimates and Gear builds reward tournament veterans. Its production values rival Strive’s cell‐shaded visuals, and SEGA’s roadmap commits to steady content drops, a model Bandai Namco has begun to emulate with Guilty Gear’s annual balance passes.
Screenshot from Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – The Hinokami Chronicles 2
Fan Expectations & DLC Roadmap
The community is buzzing about future paid expansions. Based on pre-order bonus details and developer interviews, the planned DLC passes will unlock:
Entertainment District Arc: Full story missions, new boss fights, alternate cinematics and exclusive gear recipes (Q4).
Swordsmith Village Arc: Introduction of crafting minigames, demon infiltration side quests, Hashira training challenges (Q2).
Infinity Castle Finale: Horde-style co-op mode, final boss Gauntanmo, gear prestige upgrades and ultimate costume sets (Year’s end).
While some fans worry about content gated behind paywalls, SEGA assures that the base game’s story missions and combat systems remain complete experiences. Pre-order surveys indicate players value mechanical depth over sheer narrative length—however, missing arcs in the core package remain a sore spot. SEGA’s head writer, Rie Tanaka, promises added voice-over scenes and original cutscenes for DLC missions, aiming to match the emotional impact of the anime.
Conclusion
After more than 20 hours in SEGA’s network test, Demon Slayer – Kimetsu no Yaiba – The Hinokami Chronicles 2 offers a substantial leap in mechanical depth and replay value. The Path of the Demon Slayer narrative mode enriches the anime adaptation with side missions and unlockables, even as core arcs await DLC. Multiplayer’s Dual Ultimates and the Gear System foster genuine strategic synergy, while the Path of Training stands as an exemplar tutorial system. Technical performance is rock-solid on next-gen consoles, and cross‐play keeps communities united—albeit with occasional latency reminders for PC netplay.
Comparing it to its anime-fighter peers, Hinokami Chronicles 2 stakes a unique claim: it balances accessibility for casual fans with enough high-skill mechanics to satisfy competitive veterans. As we edge toward the August 5 release, keep an eye on SEGA’s DLC rollouts and balance updates. For anyone seeking an anime fighter with both spectacle and substance, Demon Slayer 2 looks poised to deliver.
Persona 4, c’est ce genre de RPG qui ne s’oublie pas. En 2008, c’était le “JRPG du cœur” pour toute une génération. Alors quand Atlus balance l’annonce de Persona 4 Revival lors du Xbox Games Showcase 2025, impossible de ne pas tendre l’oreille. Les remakes sont partout, mais tous ne se valent pas. Perso, j’ai grandi avec les Persona – et cette annonce, elle sent autant la nostalgie que la prise de risque. Ce Revival, c’est un vrai retour aux sources ou juste un pot de peinture HD pour la génération Game Pass ? On fait le tri.
Persona 4 Revival : un remake ambitieux ou simple dépoussiérage ?
Un vrai remake visuel et technique : Atlus promet une refonte graphique complète, pas un simple portage.
L’arrivée sur Xbox et Game Pass : accès day one pour un public totalement neuf… et un gros pari sur la démocratisation du JRPG.
Des attentes énormes côté fans : Persona 4, c’est sacré. Le moindre faux pas se verra.
Un timing qui interroge : après Persona 3 Reload, Atlus va-t-il réussir à garder l’effet “wow” ?
Feature
Specification
Publisher
Atlus / Sega
Release Date
À annoncer
Genres
RPG / JRPG / Remake
Platforms
Xbox Series X|S, Xbox PC (Game Pass), PC Game Pass, PlayStation 5, Steam
Ce qui frappe d’entrée, c’est l’ampleur de la promesse : Atlus ose parler de “reimagining”, pas juste d’un remaster. On parle ici d’un Persona 4 remis au goût du jour, autant visuellement (on sent déjà l’influence du moteur de Persona 3 Reload) qu’en termes d’accès, avec un lancement direct sur Xbox Game Pass. Pour un studio historiquement très proche de PlayStation, voir Persona 4 Revival faire ses premiers pas sur Xbox, c’est déjà un mini-séisme dans le microcosme du JRPG.
À titre perso, j’ai toujours pensé que Persona 4 Golden sur Vita restait le sommet du “remaster intelligent” : nouvelles scènes, équilibrage, bonus. Mais aujourd’hui, le public n’a plus envie de se contenter d’un portage. Après le succès critique et commercial de Persona 3 Reload, Atlus s’est prouvé capable de faire renaître ses classiques avec ambition. Mais la question, c’est : ce Revival va-t-il aller plus loin que le simple lifting graphique ?
Le trailer montré au Xbox Showcase donne envie, il faut l’avouer. L’ambiance brumeuse d’Inaba, les couleurs saturées, l’animation enfin fluide – on reconnaît la patte P-Studio, mais on sent aussi que le studio joue la carte de la modernisation. Ce n’est pas juste du fan service : Atlus veut clairement toucher un public neuf, y compris ceux qui ont découvert Persona via le 5. Et en lançant le jeu sur le Game Pass, ils cassent la barrière de l’entrée. Plus d’excuses pour ignorer un des meilleurs JRPG de tous les temps.
Mais attention à l’effet “déjà-vu”. En 2025, le marché croule sous les remakes – certains brillent (Final Fantasy VII Remake), d’autres laissent de marbre. Atlus doit jongler avec une fanbase exigeante et une nouvelle génération qui attend plus qu’une histoire de lycée japonaise. Pour moi, le vrai test sera l’équilibre entre respect de l’original et vraie prise de risque : nouveaux contenus, améliorations de gameplay, surprises scénaristiques… Si c’est juste un “Persona 4 Golden” sous Unreal Engine, le soufflet retombera vite.
Le message du directeur Kazuhisa Wada va dans le bon sens : “Nous travaillons sur ce projet avec toute notre passion et notre amour. Nous sommes convaincus qu’il s’agira d’un produit à la fois frais et surprenant, que ce soit pour les nouveaux venus ou les fans de longue date.” C’est le genre de promesse qu’on veut entendre, mais on attend de voir si l’audace suivra dans le produit fini.
L’autre point qui m’intrigue : l’absence de date de sortie. Après Persona 3 Reload, Atlus a-t-il les moyens d’enchaîner deux remakes majeurs sans diluer la magie ? Le calendrier laisse entendre qu’on aura droit à plus d’infos dans les prochains mois. Mais la pression est réelle : échouer ce Revival, ce serait écorner une licence qui a toujours tout misé sur l’excellence narrative et la singularité de son univers.
Pourquoi ce “Revival” compte pour les joueurs
Pour les fans de longue date, c’est l’occasion de revivre l’un des meilleurs arcs narratifs du JRPG avec des graphismes enfin à la hauteur de sa réputation. Pour les nouveaux venus, c’est une porte d’entrée sans friction grâce au Game Pass (et honnêtement, qui aurait cru voir Persona débarquer sur Xbox il y a encore cinq ans ?). Mais ça va aussi poser la question de la pertinence des remakes à la chaîne : est-ce que le JRPG va finir par tourner en boucle sur ses hits passés ?
Ce Revival, s’il réussit, peut redevenir un standard du genre – comme Persona 5 l’a été pour toute une génération. Mais s’il se contente de capitaliser sur la nostalgie, il risque de finir comme un bel hommage, vite oublié. Ce qui compte, c’est la capacité d’Atlus à surprendre une fanbase qui en a vu d’autres, tout en maintenant l’esprit de Persona : mélange d’enquête surnaturelle, de gestion sociale et de twist psychologique.
TL;DR : Persona 4 Revival, espoir ou mirage ?
Persona 4 Revival, c’est plus qu’un simple remake : c’est un test grandeur nature pour Atlus et pour toute l’industrie du JRPG. Si Atlus réussit à moderniser l’expérience sans trahir l’âme du jeu, on pourrait tenir le renouveau d’un classique. Mais si ce n’est qu’un lifting visuel, la vague de nostalgie ne suffira pas. Pour l’instant, la hype est là – mais j’attends de voir ce que le studio va vraiment oser proposer. Persona 4 Revival sera-t-il la véritable renaissance d’un monument ou juste un joli mirage ? On aura la réponse, manette en main.
J’avoue, ce n’est pas tous les jours qu’un nouveau RPG sombre arrive à piquer ma curiosité au beau milieu d’un Xbox Showcase déjà bien chargé. Mais voir le nom Rebel Wolves associé à un projet de dark fantasy, avec ce pitch de héros déchiré entre humanité le jour et vampirisme la nuit, ça tape direct dans ma fibre de rôliste exigeant – d’autant plus quand le studio est dirigé par l’ex-réalisateur de The Witcher 3. Voilà pourquoi The Blood of Dawnwalker, annoncé pour 2026, mérite qu’on s’y attarde au-delà des simples promesses marketing.
The Blood of Dawnwalker : RPG sombre, double vie et ambitions de vétérans
Un action-RPG narratif où l’on incarne Coen, humain le jour, vampire la nuit – un vrai twist dans la gestion du gameplay et des choix moraux.
Rebel Wolves, jeunes mais menés par des pointures du RPG, promet un monde inspiré de l’Europe médiévale, plongé dans la guerre et la peste noire.
Première présentation de gameplay pré-bêta : direction artistique marquée, combats mêlant épée, sortilèges et pouvoirs vampiriques.
Solstice d’été : un livestream le 21 juin va enfin lever le voile sur 15 minutes de vrai gameplay commenté par les devs – l’occasion de juger sur pièces.
Feature
Specification
Publisher
Bandai Namco Entertainment
Release Date
2026
Genres
Action-RPG, Dark Fantasy
Platforms
PC, PlayStation 5, Xbox Series X|S
Ce qui saute aux yeux dès le trailer présenté au Xbox Games Showcase, c’est ce mélange de mythologie vampirique et de réalisme crasse façon XIVe siècle. Terminé les vampires romantiques : ici, c’est la survie, la violence et le choix moral qui dominent. On incarne Coen, jeune homme transformé en “Dawnwalker” – ni tout à fait humain, ni entièrement vampire – et contraint de jongler avec ses nouvelles capacités pour sauver sa famille ou assouvir une vengeance bien sanglante. Le tout, sur fond de conflits sanglants et de peste noire qui font écho à une époque déjà bien assez sombre sans y ajouter des suceurs de sang organisés.
Pourquoi ce projet me parle ? D’abord, Rebel Wolves, c’est un studio jeune (fondé en 2022 à Varsovie) mais composé de vétérans du RPG narratif. Leur boss, Konrad Tomaszkiewicz, a signé The Witcher 3 – rien que ça. Et on sent dans la direction artistique et l’ambition, une volonté de s’affranchir du carcan “open world générique”. Ici, le pitch c’est 30 jours et nuits pour décider du destin de Coen : sauver ou sacrifier, humanité ou monstruosité, à chaque cycle, nos choix pèsent vraiment. Sur le papier, ça promet une tension dramatique plus rare qu’on ne veut bien le croire dans le RPG actuel, souvent trop orienté sur la puissance du joueur et pas assez sur le dilemme.
Le trailer pré-bêta laisse entrevoir un système de combat “directionnel” ambitieux : usage équilibré de l’épée, des sorts, et des pouvoirs vampiriques. Reste à voir si, manette en main, ça tiendra la route – parce que combien de RPG récentes ont promis des combats tactiques pour se perdre dans du button mashing fade ? On nous promet aussi que l’alternance jour/nuit impactera franchement le gameplay et la narration : pouvoirs, relations, exploration, tout doit évoluer selon l’heure. Là encore, c’est séduisant en théorie, mais la pratique sera décisive. Petite piqûre de rappel : le 21 juin, Rebel Wolves dévoilera 15 minutes de gameplay en direct, avec les commentaires des devs. C’est l’occasion rêvée de voir si la promesse se transforme en expérience tangible.
Ce que je retiens aussi, c’est la volonté de sortir du simple RPG medieval-fantastique pour proposer un univers plus nuancé, où chaque choix a un poids moral réel. Si Rebel Wolves tient ses engagements, The Blood of Dawnwalker pourrait s’imposer comme un vrai successeur spirituel aux classiques du genre, tout en injectant ce twist vampirique qui manque cruellement à l’offre actuelle (et non, Vampire: The Masquerade – Bloodlines 2 ne compte plus vraiment vu son développement chaotique).
Pourquoi les joueurs devraient surveiller The Blood of Dawnwalker ?
Si vous êtes lassé des RPG formatés où “choix” rime avec “couleur du costume”, le projet de Rebel Wolves mérite votre intérêt. Le balancement constant entre humanité et monstruosité, la pression du temps (30 jours/nuitées), et la promesse d’un système de combat qui ne s’oublie pas après la première heure, c’est tout ce qu’on demande à un RPG de nouvelle génération. Reste à savoir si la narration saura éviter les lourdeurs du genre et si la mécanique vampirique ne tombera pas dans la facilité.
Pour moi, le vrai test, ce sera ce fameux livestream du 21 juin sur Twitch. Si le gameplay tient la route et si l’ambiance colle à ce qui est montré, Rebel Wolves pourrait bien réveiller le jeu de rôle sombre là où tant d’autres se sont cassé les dents. D’autant que le jeu tourne sur Unreal Engine 5 et que Bandai Namco, après Elden Ring, n’a plus rien à prouver côté publications majeures.
TL;DR : De vraies ambitions, mais à confirmer manette en main
The Blood of Dawnwalker coche toutes les cases du “RPG à suivre” : studio mené par des anciens de The Witcher, promesse d’un gameplay moralement tendu, univers sombre… mais tout se jouera sur la capacité de Rebel Wolves à tenir ses promesses (et à ne pas se perdre dans l’open world à l’ancienne). Rendez-vous le 21 juin pour enfin juger sur pièces – et d’ici là, ce titre mérite une vraie place sur votre radar si vous cherchez du neuf, sombre et exigeant dans l’action-RPG.
La révélation de Call of Duty: Black Ops 7 pendant le Xbox Games Showcase a eu de quoi titiller ma curiosité, mais pas forcément pour les raisons qu’Activision espère. Après un Black Ops 6 à peine digéré, la série enchaîne sans pause, nous transportant en 2035 pour une histoire futuriste pleine de promesses… ou de risques de recyclage, selon votre niveau de scepticisme sur la franchise.
Black Ops 7 : Coop, Zombies, futurisme… mais pour quoi faire ?
Première campagne Black Ops à jouer en coop – Un vrai pari qui pourrait enfin dépoussiérer la formule solo… ou la noyer dans le multijoueur light
L’univers avance de 40 ans – Ambiance techno-futuriste mais mêmes visages : la saga va-t-elle réussir son saut temporel ?
Retour du Zombies classique, version Dark Aether – Fan service ou véritable renouveau du mode ?
Des promesses… mais toujours pas d’aperçu du gameplay concret – Les joueurs doivent-ils croire au renouveau ou s’attendre à un Black Ops “next-gen” de plus ?
Feature
Specification
Publisher
Activision
Release Date
2024 (précis à confirmer)
Genres
FPS, Action, Coop, Zombies
Platforms
Xbox Series X/S, PS5, PC (autres plateformes à confirmer)
Ce qui m’a frappé dans cette annonce, c’est l’enchaînement direct d’un nouvel opus Black Ops, chose inédite jusque-là. Visiblement, Activision veut capitaliser sur la nostalgie mais aussi sur ce fil narratif “à suivre”, façon séries TV pour fidéliser les joueurs. Le scénario, situé 40 ans après Black Ops 6, met en avant le retour de David Mason et sa team face à un ennemi “qui manipule la peur” – une formule déjà vue mais qui peut marcher si Treyarch ose aller plus loin que les clichés habituels.
Parmi les vraies nouveautés, la campagne coopérative saute aux yeux. On sent la volonté de mixer expérience narrative et plaisir de jouer à plusieurs, probablement inspirée par le succès des jeux d’action coopératifs ces dernières années. Mais on peut se demander si la profondeur scénaristique ne va pas en pâtir, surtout quand on connaît la tendance de la franchise à privilégier l’action au détriment des personnages.
Côté multijoueur, Black Ops promet son cocktail habituel de maps inédites et d’armes “proche-futuristes”. Rien de révolutionnaire sur le papier, mais on jugera sur pièces : le dernier Black Ops avait peiné à vraiment innover, se contentant souvent de re-skiner du contenu existant. Les vétérans de la saga attendent surtout une vraie évolution dans le gameplay, pas juste plus de gadgets ou de skins payants…
Le grand retour du mode Zombies en “Round-Based, Dark Aether” vise clairement les fans. Ça sent le fan service à plein nez, mais c’est ce que beaucoup réclamaient après les expérimentations hasardeuses du mode ces dernières années. Si Treyarch parvient à retrouver l’équilibre qui faisait la force des Zombies classiques tout en apportant une vraie dimension “Dark Aether”, il y a de quoi s’emballer… mais attention à ne pas tomber dans l’auto-parodie ou l’empilement de microtransactions cosmétiques.
Ce qui me laisse plus dubitatif, c’est l’absence totale de gameplay dans cette première présentation. Beaucoup de promesses, peu de concret : on ne sait rien sur l’IA, le rythme, la personnalisation ou même l’économie du jeu. Quand on voit la tournure prise par Call of Duty depuis l’ère Warzone, difficile de ne pas craindre un jeu pensé avant tout pour l’engagement, les battle passes et l’écosystème live service. La “coop campagne”, ce sera du vrai solo à plusieurs, ou juste une excuse pour pousser des achats de skins ?
Ce que ça change vraiment pour les joueurs
Pour les fans de Black Ops, cette suite directe est une occasion de replonger dans un univers familier avec une dose de nouveauté. Ceux qui espèrent un vrai tournant narratif (ou une évolution du gameplay solo) surveilleront la campagne coop d’un œil critique. Pour les amateurs de Zombies, c’est enfin un retour aux sources – à condition que Treyarch ne sacrifie pas la qualité sur l’autel du fan service ou de la monétisation à outrance.
Mais si vous attendiez de vraies innovations multijoueur ou un bouleversement dans la philosophie Call of Duty, il faudra attendre d’en voir davantage. Entre promesses et recyclage habile, Black Ops 7 pourrait autant être un nouveau jalon qu’un épisode de transition marketing. La balle est dans le camp d’Activision… et dans celui de la communauté, qui ne pardonne plus les suites paresseuses en 2024.
TL;DR – À quoi s’attendre de Black Ops 7 ?
Black Ops 7 promet une campagne coop futuriste, le retour du Zombies classique et une continuité narrative inédite. Sur le papier, ça peut séduire… à condition que Treyarch ose innover et ne se contente pas de recycler la formule. Pour l’instant, difficile de juger sans gameplay, mais l’annonce laisse planer autant d’espoir que de doutes. Les vrais fans surveilleront de près les prochains détails cet été.
