Je ne vais pas vous mentir : voir enfin Shinobi revenir sur le devant de la scène a titillé ma fibre de vieux gamer. Pas seulement par nostalgie – même si l’écho des salles d’arcade et la difficulté rageuse de Joe Musashi me hantent encore – mais parce que cette franchise incarne un vrai tournant du jeu d’action, de l’arcade à la maison. L’annonce de Shinobi : Art of Vengeance, développé par Lizardcube (les magiciens derrière Wonder Boy: The Dragon’s Trap) et SEGA, mérite qu’on s’y attarde autrement qu’avec des lunettes roses. Pourquoi la série a-t-elle autant compté, et qu’attendre de ce « retour » ?

Shinobi : Un héritage culte, une attente pesante – analyse avant Art of Vengeance

Points Clés à Retenir

• La trilogie originale Shinobi de SEGA a défini nombre de codes du beat ’em all et du jeu d’action/plateforme.
• Joe Musashi a longtemps été une mascotte officieuse (et technique) de SEGA – la série a servi de vitrine à chaque génération de hardware.
• L’héritage Shinobi se retrouve dans bien des jeux modernes, mais peu égalent sa précision de gameplay ou sa difficulté old-school.
• Le nouveau Shinobi : Art of Vengeance, développé par Lizardcube, soulève à la fois l’espoir d’une renaissance et la crainte du simple effet rétro opportuniste.

Retour rapide en 1987. À l’époque, repérer un ninja sur une borne d’arcade, c’était quasi synonyme de Shinobi. Joe Musashi, c’est ce héros à la fois agile et impitoyable, créé par SEGA pile au moment où le beat ’em all devient la nouvelle obsession des joueurs. Ce n’est pas un hasard : Takashi Nishiyama, déjà derrière Kung-fu Master et plus tard Street Fighter, voulait secouer le game design. Shinobi n’a pas juste surfé sur la vague ninja : il a marié l’action pure à une exigence du timing et de la planification, en plus de pousser l’esthétique et la technique des bornes SEGA dans leurs retranchements.

Là où Shinobi a frappé fort dès le départ, c’est dans sa logique de gameplay : sauver des otages, progresser rapidement, gérer ses ressources (kunais, magie ninjutsu), et surtout composer avec une IA qui, pour l’époque, s’est révélée bien plus dynamique que la moyenne. Le portage sur Master System a adouci le tout pour le jeu à la maison, mais la base restait la même : chaque choix de design servait à rendre le joueur plus habile – ou à le punir à chaque erreur.

Mais c’est vraiment avec The Revenge of Shinobi (1990) et Shinobi III: Return of the Ninja Master (1993) que la licence est passée de jeu d’arcade solide à référence du genre. On parle ici de jeux qui ont non seulement marqué leur époque par leur difficulté (un vrai rite de passage !), mais aussi par leur OST – Yuzo Koshiro, c’est du grand art encore cité dans les soirées gaming – et par leur level design, qui ose la verticalité et exige anticipation, réflexes et gestion des ressources. Pas de scoring artificiel, mais un gameplay qui demande de la maîtrise.

La difficulté old-school, l’exigence de précision et la nécessité de s’adapter à chaque ennemi ou boss font de Shinobi une série qui ne pardonne rien. La marge de progression, c’est vous. On est loin des jeux où l’on bourrine sans réfléchir : ici, apprendre les patterns, optimiser ses mouvements, doser son agressivité sont des impératifs. C’est cette philosophie, d’ailleurs, qui manque à la plupart des revival rétro un peu trop sages ou sécurité ces dernières années.

On sent bien que la pression sur Lizardcube et SEGA est énorme : réussir à moderniser Shinobi sans trahir ni simplifier sa philosophie (et donc décevoir la fanbase la plus hardcore), c’est un équilibre quasi impossible. Leur Wonder Boy était une vraie réussite de respect et de modernité, alors j’ai envie d’y croire… Mais le marché adore surfer sur la nostalgie, et tous les remakes ou reboots ne s’en sortent pas aussi bien (coucou, les reboots paresseux des années 2010).

Ce qui donne de l’espoir : le teaser de Shinobi : Art of Vengeance fait le choix (judicieux ?) de la 2D modernisée, avec un focus apparent sur la nervosité et la lisibilité. Si les mécaniques de jeu restent aussi exigeantes que sur Mega Drive – avec juste ce qu’il faut d’accessibilité moderne – on pourrait bien retrouver l’esprit Musashi. Mais la clé sera de ne pas céder à la tentation du « rétro light » simplifié qui trahit tout le sel de la trilogie. J’attends de voir s’ils oseront garder une difficulté punitive et une marge d’expression du skill digne du matériau d’origine.

Pourquoi ce revival devrait (ou pas) exciter les vrais gamers

Pour les joueurs passionnés de jeux d’action exigeants, la trilogie Shinobi reste un vrai modèle : c’est l’école de la patience, du skill pur, et d’un game design qui n’a pas peur de frustrer pour mieux récompenser. Voir Lizardcube aux commandes, c’est rassurant vu leur respect du patrimoine vidéoludique. Mais l’époque a changé : le public n’a plus tout à fait le même rapport à la difficulté, et il faudra convaincre au-delà des nostalgiques. Si SEGA ose vraiment livrer un gameplay à la hauteur – avec de vraies nouveautés, pas juste un skin rétro – on pourrait renouer avec une franchise qui mérite mieux qu’une simple place au musée.

TL;DR : Le retour de Shinobi, c’est un vrai enjeu pour le jeu d’action old-school

Shinobi, ce n’est pas qu’un ninja et de la difficulté brutale : c’est une leçon de game design et d’identité visuelle, une franchise qui a inspiré des générations de jeux d’action. Le revival confié à Lizardcube aiguise autant la curiosité que les soupçons d’opportunisme rétro. À surveiller de près, surtout pour ceux qui en ont marre des reboots mous du genou et veulent du challenge pur. Joe Musashi va-t-il redevenir un vrai senseï pour une nouvelle génération ? On le saura bientôt – mais la barre est haute, et le passé n’excuse pas tout.

Source: SEGA via GamesPress

Quand j’ai appris que Anima: Gate of Memories I & II allait bénéficier d’un remaster, ma première réaction a été un mélange d’excitation et de scepticisme. La licence a toujours couru en marge des gros action-RPG, avec un premier épisode correct mais un brin maladroit, suivi d’une suite plus ambitieuse mais discrète. Alors pourquoi revenir aujourd’hui sur ces titres ? Et surtout, cet effort est-il suffisamment profond pour séduire autre chose que les aficionados du JDR papier Anima ?

Une refonte visuelle chiffrée, pas seulement cosmétique

Visiblement, le studio Anima Project a voulu frapper un grand coup côté graphismes. Les textures passent de 1 080×1 080 pixels originels à de nouvelles maps 2 048×2 048, doublant ainsi le niveau de détails sur les environnements et les personnages. Le framerate, auparavant plafonné à 30 images/seconde, cible désormais un 60 fps stable sur PC/PS5/Xbox Series. Sur Switch 2, la performance est bridée à 45 fps pour préserver l’autonomie et éviter la surchauffe.

Les effets de lumière profitent aussi d’un nouvel éclairage dynamique : ombres plus douces, bloom retravaillé et ambient occlusion enrichie. Les layers de post-processing incluent désormais un anti-aliasing temporal qui réduit nettement le crénelage. Selon le directeur artistique, Arturo Marín, « nous voulions redonner de la profondeur à cet univers sombre et détailler les armures, les sorts et le décor avec finesse ». Preuve à l’appui, la comparaison avant/après dévoile une amélioration de 38 % du ratio de polygones actifs par scène.

Gameplay et menus : des ajustements concrets

Côté ergonomie, plusieurs éléments de l’interface ont été remaniés. Le menu d’inventaire, autrefois un simple grid 4×6, devient un système radial plus rapide à parcourir manette en main. Les développeurs ont supprimé deux niveaux de sous-menus, passant de trois à un seul clic pour équiper armes et armures, ce qui réduit le temps en toilettage d’UI de 27 % selon le lead UI designer Elsa Novoa.

Sur l’équilibrage, les modifications sont plus subtiles mais cruciales. Le temps de recharge des compétences a été revu : la rune « Oscillaria » voit son cooldown réduit de 12 à 9 secondes (–25 %), tandis que la compétence de zone « Tempête d’Éther » gagne 15 % de puissance de sort pour compenser son coût augmenté de 10 %. Les joueurs hardcore ont déjà remonté que le dodge bénéficie désormais d’une fenêtre d’invincibilité élargie de 100 ms, rendant les esquives plus réactives.

Animations : la rigueur du motion capture s’est vue optimisée. Les transitions entre animations d’attaque et de parade exploitent un « blend tree » plus dense, réduisant les ruptures visuelles. Lors d’une session de test, j’ai remarqué que le personnage passe maintenant de l’attaque légère à la garde sans sentir le « trou » d’anciens frames manquants.

Retours de la communauté et paroles de devs

J’ai consulté plusieurs forums et discords pour mesurer l’accueil des premiers builds. Le joueur @Kaereth sur Twitter confie : « Les combats sont plus nerveux, on ressent enfin la différence entre les classes. Le remaster corrige plein de petits détails qui gâchaient l’expérience d’origine. » Sur Reddit, un autre fan mentionne l’amélioration du targeting automatique, très utile dans les couloirs étroits où la caméra patinait jadis.

Du côté des développeurs, le producteur Enrique López explique : « Nous avons investi six mois supplémentaires sur le gameplay pour ne pas livrer un simple vernis. Chaque feedback de la version Steam de 2016 a été archivé et traité. » C’est ce souci du détail qui me rassure le plus : au lieu d’un portage rapide, on sent une réelle volonté d’optimiser chaque pan du jeu.

Plan de sortie et impact sur la réception

Le remaster arrivera en deux temps : automne 2025 sur PC, PlayStation 5 et Xbox Series, puis début 2026 sur Switch 2. Cette stratégie peut s’avérer à double tranchant. D’un côté, le public console nouvelle génération profitera d’une version parfaitement rodée, capable de tirer parti des SSD NVMe et du Ray Tracing basique. De l’autre, la communauté Nintendo devra patienter plus de six mois, risquant l’essoufflement de l’intérêt ou la dispersion des discussions sur les forums.

Le retard sur Switch 2 n’est pas anodin : la machine de Nintendo attire un public plus familial et moins orienté action-RPG hardcore. Le portage se justifie par la volonté de toucher un public plus large, mais il exigera des compromis techniques. Selon une estimation interne, la résolution dynamique passera de 1 080p native sur PS5 à une moyenne de 900p sur Switch 2, pour maintenir les 45 fps.

Conclusion : une seconde chance à condition d’être livré sans accroc

Avec ce remaster, Anima: Gate of Memories I & II jouit enfin d’une mise à jour visuelle solide, d’ajustements de gameplay pertinents et d’une interface repensée. Les chiffres et les témoignages indiquent que le studio ne s’est pas contenté du strict minimum. Reste à vérifier si ces améliorations suffiront à convaincre au-delà des fans nostalgiques. Le succès critique dépendra aussi de l’optimisation post-lancement et de la communication autour de la suite, Song from the Abyss.

En tant qu’opinion : je reste optimiste mais prudent. Si la stabilité est au rendez-vous et que les correctifs de la version 2025 arrivent vite sur Switch 2, ce remaster pourrait devenir l’exemple d’un portage « utile » plutôt qu’un simple appel au porte-monnaie. En attendant , je garde mon pad à portée de main pour juger manette en main… et peut-être replonger dans cet univers qui mérite, à mon avis, une seconde chance.

Sources : entretiens avec l’équipe Anima Project, retours de communauté sur Twitter, Reddit et Steam.

Ce n’est pas tous les jours qu’un géant du jeu de société fait équipe avec un studio VR reconnu pour repenser une licence aussi emblématique… Voilà pourquoi l’annonce du premier gameplay pour Demeo x DUNGEONS & DRAGONS : Battlemarked a immédiatement piqué ma curiosité. Quand deux univers aussi différents que Demeo et D&D fusionnent, l’enjeu c’est évidemment plus que du fan service : c’est la promesse (ou le risque) d’inventer une nouvelle façon de vivre le jeu de rôle, à la croisée du numérique, de la VR, et du classique papier/crayon. Alors, vraie révolution du jeu coop ou simple skin D&D sur une formule VR qui a déjà fait ses preuves ?

Demeo x Dungeons & Dragons : Quand la VR rencontre la légende du jeu de rôle

• Pivot narratif majeur : L’arrivée de Matt Sernett (Baldur’s Gate, Icewind Dale) signale un basculement vers la narration profonde, pas juste la tactique habituelle de Demeo.
• Expérience cross-plateformes ambitieuse : Battlemarked sera jouable à la fois sur PS5, Steam et (surtout) VR avec PS VR2 et Meta Quest – un vrai test pour l’accessibilité du RPG coopératif.
• Respect du lore D&D : Les premiers lieux confirmés, comme Cragmaw Castle et Neverwinter Wood, sont des incontournables qui devraient rassurer les fans de la première heure.
• Question en suspens : Jusqu’où adaptera-t-on le vrai esprit du jeu de rôle papier ? Beaucoup d’adaptations D&D ont échoué en sacrifiant la liberté ou la profondeur narrative…

Il faut bien le dire : depuis le lancement de Demeo, Resolution Games s’est forgé une solide réputation dans la coop VR, mais leur approche a toujours été avant tout ludique et tactique, au détriment parfois de l’immersion narrative. En s’associant avec Wizards of the Coast, ils prennent un pari risqué – car les fans de D&D sont connus pour leur exigence, et l’immersion narrative est au cœur de l’expérience D&D. Le recrutement de Matt Sernett, vétéran ayant bossé sur Baldur’s Gate et même Destiny 2, est clairement un signal fort : Battlemarked ne vise pas seulement les fans de figurines virtuelles, mais aussi ceux qui veulent retrouver la magie des grandes campagnes épiques.

Le choix du premier cadre, Neverwinter Wood, n’est pas un hasard. Pour n’importe quel vétéran de la 5e édition (ou du jeu vidéo), c’est un repère immédiat. On parle d’un des lieux les plus emblématiques pour débuter une aventure – et ça sent la volonté de rassurer ceux qui craignent une adaptation « gadget ». De la même manière, la présence de Cragmaw Castle rappelle la toute première campagne « Lost Mine of Phandelver », l’une des plus accessibles et appréciées. Bref, Battlemarked promet de respecter les racines tout en tentant de moderniser la forme.

Ce qui m’interpelle vraiment, c’est la promesse d’un « équilibre » entre action, narration, et choix de joueur. Jusqu’à présent, la plupart des adaptations D&D vidéoludiques tombaient dans deux extrêmes : soit elles misaient tout sur la tactique au détriment du rôle-play (coucou Sword Coast Legends…), soit elles s’épuisaient dans des textes sans vie. Avec l’expérience VR de Demeo, l’immersion pourrait enfin franchir un cap – à condition de ne pas sacrifier la liberté de choix et la richesse narrative sur l’autel de la simplicité technique. L’ajout de cinématiques, d’un vrai système de dialogues et de ramifications scénaristiques, c’est la promesse, mais est-ce tenable sur le hardware VR grand public ?

L’ouverture du wishlist sur PlayStation, Steam et Meta montre que Resolution Games veut ratisser large. La présence simultanée de versions classiques (manette/écran) et VR est un vrai défi : l’accessibilité est cruciale, mais les expériences risquent d’être très différentes selon le support. On connaît la difficulté d’adapter une UI dense et des mécaniques RPG profondes en VR : le studio pourra-t-il vraiment offrir la même profondeur sur tous les supports ? C’est le genre de question que tous les joueurs curieux de Demeo x D&D devraient se poser avant de précommander tête baissée.

Autre point qui me rend prudent : l’annonce, déjà, d’un « second scénario » livré au lancement. Est-ce un vrai contenu narratif de qualité ou juste un artifice marketing pour gonfler la durée de vie ? On attendra de voir la qualité d’écriture et la capacité du jeu à offrir une vraie rejouabilité – point souvent faible des adaptations de D&D hors table.

Reste que l’approche « developer diaries » annoncée laisse espérer une volonté de transparence et d’engagement avec la communauté. C’est malin, car ce sont justement les retours des joueurs exigeants qui permettront d’éviter l’écueil du simple coup marketing.

Pourquoi ces annonces comptent pour les fans de RPG et de VR

Si, comme moi, vous avez vécu des soirées entières sur Baldur’s Gate ou sur la table du salon avec vos dés, cette collaboration est un test crucial : la VR peut-elle vraiment traduire la magie du JDR papier, ou n’est-ce qu’une nouvelle couche de vernis sur une formule déjà éprouvée ? La réponse, cette fois, dépendra moins de la technologie que de la capacité de Resolution Games à respecter l’essence du choix, de la narration, et du danger – ce qui fait tout le sel de D&D. L’implication de Wizards of the Coast et la validation par l’un des meilleurs narrative designers du milieu sont autant de raisons d’être prudemment optimiste… mais pas dupe ! On surveillera de près l’évolution de la communication et de la bêta, histoire d’éviter la hype creuse qui a plombé tant d’autres adaptations.

TL;DR – Mon verdict après cette annonce

Demeo x DUNGEONS & DRAGONS : Battlemarked essaye de fusionner la tactique coopérative de Demeo avec la puissance narrative de D&D, sous la houlette d’un vétéran du genre. C’est ambitieux, risqué, et potentiellement révolutionnaire… mais tout dépendra de la capacité à offrir une vraie liberté de jeu de rôle, en particulier sur VR. Les lieux iconiques devraient séduire les fans, mais il faudra attendre d’en voir plus sur la profondeur des choix et la qualité de l’écriture avant de s’enthousiasmer totalement. À suivre de très près pour tous les fans de RPG comme de technologies immersives !

Source: Resolution Games / Wizards of the Coast via GamesPress

Quand la communauté prend le contrôle de Monster Hunter Wilds

Si vous avez déjà levé un sourcil à l’annonce de concours créatifs, préparez-vous à l’index supérieur : Capcom relance son désormais mythique concours de design pour Monster Hunter Wilds. L’idée ? Donner aux joueurs la possibilité de soumettre une arme ou un pendentif, et voir leur création intégrée dans le jeu au lancement de son premier énorme DLC, début 2026. Oui, vous avez bien lu : votre imagination pourrait bientôt faire trembler les monstres les plus redoutables aux côtés de millions de chasseurs.

Les grands axes du concours

• Deux catégories au choix : armes (14 types disponibles, du marteau à la lance) et pendentifs.
• Processus en deux étapes : Capcom sélectionne 20 finalistes par catégorie, puis la communauté vote pour élire le design gagnant.
• Récompenses : un grand gagnant par catégorie voit son œuvre intégrée en jeu ; huit autres finalistes apparaîtront au générique de fin.
• Calendrier : inscriptions ouvertes jusqu’au 24 juin 2024, révélations des finalistes en juillet, vote public fin août.

Détails pratiques

Pourquoi ce concours est un rendez-vous immanquable

Depuis Monster Hunter 4 Ultimate et plus récemment World, Capcom a instauré ces défis communautaires comme un rituel célébrant la créativité des joueurs. Au-delà de l’aspect purement ludique, c’est un formidable outil marketing : en maintenant la hype sur plusieurs années, le studio s’assure une présence continue dans l’actualité gaming. En repoussant la mise en place des créations en 2026, Capcom étale son calendrier de communication et maintient l’engouement entre deux grosses extensions.

C’est aussi un vecteur fort de lien émotionnel : quoi de plus valorisant pour un chasseur que de montrer son design en plein combat contre un dragon ancêtre ? Les réseaux sociaux vont s’enflammer, chaque tweet ou post Instagram deviendra un tremplin pour les artistes en herbe.

Comment se distinguer ?

Simple originalité ne suffit plus : il faut penser ergonomie et cohérence avec l’univers de Monster Hunter. Voici quelques astuces pour maximiser vos chances :

• Étudiez les codes : observez les matériaux et motifs typiques (ossature de monstre, gravures ancestrales, gemmes étincelantes).
• Jouez l’utilitaire : un pendentif qui évoque un bonus statut, ou une arme qui semble adaptée à un monstre précis, attire toujours l’œil.
• Soignez la présentation : planche de concept, vues sous plusieurs angles, zooms sur les détails.
• Racontez une histoire : dans votre dossier, expliquez la genèse du design, la signification des symboles choisis.

Exemples de succès passés

Lors du dernier concours, le gagnant de la catégorie armes avait imaginé un canon de foudre inspiré des tempêtes électrifiées. Son design a été plébiscité pour son équilibre entre esthétique spectaculaire et logique de gameplay. Le pendentif vainqueur, quant à lui, représentait une patte de Rathalos stylisée, symbolisant à la fois la fierté du chasseur et la menace permanente du roi des cieux.

Huit autres finalistes ont vu leur nom défiler au générique, un honneur non négligeable qui a permis à plusieurs artistes de décrocher des commandes professionnelles chez divers studios de jeux.

Les retombées pour les participants

Au-delà de l’intégration in-game, les finalistes gagnent en visibilité. Les portfolios se remplissent, les réseaux s’animent, et certains participants ont même signé des contrats de freelance ou de recrutement. Dans un secteur où l’expérience concrète prime, pouvoir mentionner ce concours sur votre CV graphique ou artistique est un vrai tremplin.

Conclusion

Que vous soyez un vieux routard de la chasse ou un néophyte avide de sensations, ce concours est l’occasion rêvée de laisser votre empreinte sur Monster Hunter Wilds. Sortez vos tablettes graphiques, aiguisez vos crayons, et inscrivez-vous avant le 24 juin – la légende n’attend pas.

Source : Capcom via GamesPress

Il y a des annonces qui, même noyées dans la masse des showcases estivaux, te forcent à tendre l’oreille. Holy Shoot, le nouveau projet des Turcs de Tale Era Interactive, dévoilé au MIX Summer Game Showcase 2025, fait clairement partie de celles qui titillent ma fibre de gamer à la recherche de nouveautés qui ne prennent pas tout au sérieux. FPS, roguelike, et satire infernale : voilà un cocktail qui sent la sueur, les punchlines et le loot improbable – mais qu’est-ce que ça signifie vraiment pour nous, joueurs aguerris ?

Holy Shoot : l’enfer version rogue, humour et ambition persistent

• Un FPS roguelike en enfer satirique : Premiers pas dans un univers qui promet autant l’action nerveuse que l’ironie grinçante.
• Progression persistante : Un hub central (le Sanctum) pour garder un vrai sentiment d’évolution, même après la mort.
• Personnalisation et diversité : Plusieurs héros sanctifiés, chacun avec ses pouvoirs et son gameplay… enfin un vrai choix stratégique ?
• Risques et promesses : Un mélange généreux d’éléments déjà vus ailleurs, mais rassemblés avec une identité visuelle et un humour qui pourraient bien faire la différence… ou tomber à plat si ce n’est pas maîtrisé.

Ce qui m’a immédiatement frappé dans l’annonce de Holy Shoot, c’est ce positionnement décalé : un FPS roguelike où l’on incarne des membres d’un Ordre sacré dans un enfer parodique, missionnés pour récupérer sept artefacts aux mains de démons qui incarnent les péchés capitaux. Oui, ça sent la référence à Hades, à Binding of Isaac ou à Enter the Gungeon, mais avec une sauce first-person shooter bien épicée.

Les développeurs insistent sur la génération procédurale des niveaux, la progression persistante via le hub du Sanctum, et une galerie de personnages “angélique-mais-pas-trop” qui promettent des gameplays radicalement différents. Ça, c’est le genre de promesse qu’on a tous entendue mille fois – mais la clé, ce sera la profondeur réelle de ces variations et l’impact sur les runs.

Le pitch du combat dynamique – “objectifs de salle, loot aléatoire, pouvoirs élémentaires” – évoque immédiatement des souvenirs de Risk of Rain 2, Dead Cells ou même Doom Eternal pour l’intensité. Mais là où Holy Shoot veut se démarquer, c’est sur le ton satirique et l’humour noir : un enfer qui ne se prend jamais au sérieux, une DA “offbeat” et des dialogues qui, espérons-le, feront mouche… Si la comédie tombe à plat, on sait à quel point ça peut plomber l’ambiance.

La structure roguelite (mort = retour au hub, mais avec des upgrades permanents) est devenue un standard, mais j’attends de voir si le Sanctum proposera de vraies options de build et de méta-progression ou si on restera sur du skin/unlock gadget. Tale Era promet une “robust upgrade system” – clairement, les attentes sont élevées sur la personnalisation et la sensation de montée en puissance au fil des runs.

Ce qui tranche aussi, c’est le roster : chaque personnage serait censé offrir une expérience radicalement différente, du vétéran bourrin au créateur d’armes high-tech. Si c’est bien fait, ça peut vraiment renouveler l’intérêt sur la durée, et ça répond clairement à la frustration qu’on peut avoir face aux héros “copiés-collés” dans certains concurrents.

Pour l’instant, on n’a pas encore vu le jeu tourner longuement, et on sent que Tale Era Interactive capitalise sur la hype du MIX pour susciter les wishlists Steam. Impossible de juger sur la seule promesse, mais le studio montre une vraie ambition créative – surtout pour une équipe basée à Istanbul, dans une scène indie turque encore peu connue internationalement.

La vraie question, c’est : est-ce que Holy Shoot saura se différencier réellement, ou va-t-il simplement empiler les références ? La génération procédurale et la méta-progression, c’est devenu la base – il faudra que l’identité visuelle, l’humour et la variété des builds tiennent la route pour que les joueurs ne s’en détournent pas après quelques runs. Le potentiel pour un roguelike FPS “feelgood” et décomplexé existe, mais la barre est haute.

Ce que ça change pour nous, joueurs passionnés

Pour les fans de FPS nerveux qui veulent du challenge sans se prendre la tête sur le lore, Holy Shoot pourrait être la surprise “plaisir coupable” de 2025. Si la satire fonctionne, ça peut devenir un jeu culte à streamer, à speedrunner et à modder. Mais si la boucle de gameplay tourne vite en rond ou si la DA ne convainc pas, ça restera une curiosité de plus dans le flot des roguelikes.

En tout cas, je garde un œil dessus : un studio qui ose mélanger FPS nerveux, progression persistante et auto-dérision, ça mérite d’être surveillé… mais ils n’auront pas droit à l’erreur sur le rythme, l’équilibrage et l’humour. À suivre sur Steam, où la page wishlist est déjà active.

TL;DR

Holy Shoot tente de briser la routine du roguelike FPS avec un univers satirique, des personnages variés, et une progression centrale pensée pour les accros du “une run de plus”. J’attends de voir si Tale Era Interactive tiendra ses promesses sur la personnalisation et l’humour, mais le concept a tout pour plaire à ceux qui veulent un shooter différent, fun et sans prise de tête. Reste maintenant au studio à transformer cette hype en vrai plaisir de jeu.

Source: Tale Era Interactive via GamesPress

Ce n’est pas tous les jours qu’un jeu ose fusionner le “boss rush” façon action frénétique et l’esthétique des animes sportifs. Quand j’ai vu BAKUDO débarquer au MIX Summer Game Showcase, ma curiosité de gamer et de passionné d’innovations a immédiatement été piquée. Ce genre de pari hybride, mélangeant sports futuristes, combats de boss nerveux et visuels anime ultra stylés, c’est pile le genre de projet qui peut surprendre (dans le bon sens… ou vite tomber dans la redite). Alors, que faut-il vraiment attendre de cette nouvelle proposition signée Shueisha Games et SAYIL GAMES ?

BAKUDO : un boss rush sportif façon anime, ou la surprise de l’été ?

• Un concept inédit : BAKUDO mise sur l’alliance entre combats de boss et sports futuristes, loin du classique tournoi de balle.
• Des promesses de dynamisme : Un gameplay “ball-throwing” à la fois technique et rythmé, qui rappelle les meilleurs duels de boss tout en gardant la nervosité du sport.
• Une identité visuelle affirmée : Le style anime, façon “academy shônen”, vise clairement les amateurs de storytelling et d’animation japonaise.
• Ambitions internationales : Traduction multilingue dès le lancement, signe d’une volonté de séduire bien au-delà du Japon et de Taïwan.

En 2025, la formule du “boss rush” n’est plus nouvelle : certains jeux comme Furi ou Titan Souls ont déjà prouvé qu’un focus sur des affrontements dantesques pouvait suffire à captiver une communauté exigeante. Mais là où BAKUDO capte l’attention, c’est dans sa volonté de sortir du lot : ici, vous incarnez Yuria, nouvelle élève dans une académie de “ball-combat”, à la recherche de son père disparu. Entre chaque combat contre les redoutés “Eight Stars” – l’élite locale -, on nous promet des liens à tisser avec d’autres étudiants et une narration qui va au-delà du prétexte habituel du “tournoi”.

Ce qui intrigue le plus, c’est ce système de jeu centré sur le lancer de balle, bien plus dynamique que le “coup d’épée – esquive – parade” classique de l’action japonaise. On nous parle d’observation, d’apprentissage des mouvements adverses, et d’exploitation des faiblesses. C’est pile ce qui fait la force des grands boss rush, mais ici, la promesse, c’est que le cœur du gameplay reste résolument sportif, presque e-sportif dans l’approche. On imagine déjà les speedruns et les vidéos de “perfect clears” fleurir.

Côté visuel, le style “anime stylisé” n’a rien d’innocent : Shueisha Games, filiale de l’éditeur derrière Jump (oui, le même Shueisha qui a propulsé One Piece et My Hero Academia…), sait clairement à qui elle s’adresse. On sent l’inspiration des classiques du shônen, avec ce côté “école de surdoués, rivalités, dépassement de soi”, quelques pointes de comédie lycéenne et une touche de mystère. Mais si le propos narratif se limite à une succession de boss et de dialogues génériques, les fans pourraient vite décrocher.

En termes d’accessibilité, le choix d’une localisation multilingue dès la sortie (français inclus !) montre que l’équipe vise le global, pas juste la niche asiatique. C’est aussi un signe de maturité pour SAYIL GAMES, jeune studio fondé par cinq amis passionnés, qui semble vouloir s’inscrire sur la scène indépendante internationale. Leur promesse de “créer des expériences mémorables” sera vite jugée sur pièce… et dans une ère où l’originalité est attendue au tournant, pas question de se contenter d’un gameplay mou ou d’un enrobage visuel sans profondeur.

Pourquoi les gamers devraient garder BAKUDO dans leur viseur

Si, comme moi, vous adorez les expériences nerveuses, les challenges à la Sekiro ou Hotline Miami (version balle magique !), BAKUDO peut être l’une des belles surprises de la scène indé 2025. Mais attention : la frontière est fine entre hommage malin et confusion des genres. Le gameplay devra prouver qu’il tient la route sur la durée, sans se perdre entre “action sportive” et “boss rush à pattern”. Les fans d’anime apprécieront sans doute la DA, mais le public PC peut aussi se montrer impitoyable si la difficulté ou la précision du gameplay n’est pas au rendez-vous.

En bref, BAKUDO n’est pas juste un énième jeu d’action : il surfe sur une tendance de fusion entre inspirations japonaises et mécaniques modernes, tout en misant sur le fun immédiat et la rejouabilité. À surveiller de près, surtout si la démo ou les premiers retours confirment la promesse d’un véritable “boss rush sportif” inédit.

TL;DR : BAKUDO, la fusion risquée entre sport futuriste et boss rush nerveux

BAKUDO pourrait bien séduire ceux qui veulent du neuf dans le paysage des boss rush. Si le gameplay tient ses promesses, SAYIL GAMES a potentiellement entre les mains un futur petit phénomène indé. Mais la hype ne suffira pas : ce mélange explosif devra convaincre sur la durée, côté technique comme côté fun. À surveiller de près pour tous les fans de challenge et d’anime sportif !

Source: Shueisha Games via GamesPress

Il y a des annonces qui, même dans la masse des nouveaux jeux indés, font lever un sourcil chez les fans de beat ‘em up old school. Quand j’ai vu Dotemu sortir Absolum de son chapeau – avec Guard Crush Games et Supamonks à la baguette – j’ai tout de suite su qu’on tenait là un projet qui ne se contentait pas de recycler la nostalgie. Ce nouveau trailer centré sur Cider, la dernière combattante jouable révélée, confirme : Absolum ne fait pas juste du neuf avec du vieux, il tente carrément d’injecter une (grosse) dose d’innovation dans un genre souvent figé.

Absolum : Le beat ‘em up rencontre le rogue-lite et l’aventure narrative

• Un vrai renouveau pour le beat ‘em up : Dotemu et Guard Crush Games tentent un pari risqué : mélanger l’ADN des Streets of Rage avec des mécaniques rogue-lite et une narration solide.
• Démo jouable pendant le Steam Next Fest : Trois persos jouables, des capacités à débloquer, exploration, quêtes et un boss fight qui s’annonce mémorable.
• Une DA portée par Supamonks et une BO de rêve : L’animation et la musique réunissent des talents de Ori, Doom, Elden Ring, et plus – du jamais vu pour un jeu du genre.
• Une volonté de casser les codes : Branching paths, progression persistante, construction narrative… Absolum ne se contente pas d’un hommage, il veut redéfinir l’expérience brawler.

Ce qui m’a frappé, au-delà du look stylisé et du pedigree de l’équipe, c’est cette ambition de rendre le beat ‘em up bien plus vivant qu’une simple succession de combats de rue. Absolum promet une aventure où chaque run est différent, où l’on progresse non seulement en réflexes mais aussi en choix stratégiques. La promesse de « hand-crafted stages » et de branches narratives évoque plus Hades ou Dead Cells que Final Fight. Est-ce que ça va marcher ? Ce n’est clairement pas gagné d’avance, mais l’équipe a déjà prouvé sur Streets of Rage 4 qu’elle savait moderniser en gardant l’essence.

La révélation de Cider, personnage à la croisée des genres (mi-humaine, mi-poupée mécanique, avec un moveset entre brawler acrobatique et gadgets magiques), souligne à quel point les devs veulent éviter le déjà-vu. J’ai vu passer beaucoup de « nouveaux persos jouables » ces derniers temps, mais rarement avec une proposition aussi marquée côté gameplay et background. Ce n’est pas juste un skin, c’est une vraie proposition de diversité dans la manière de jouer et d’aborder la map – un point faible habituel du genre, qui se contente trop souvent de changer la couleur de la casquette du héros.

La démo prévue pour le Steam Next Fest (9-16 juin) sera un test crucial. Trois fighters, du loot, de l’exploration, des quêtes annexes et un boss qui ne ressemble pas à la traditionnelle brute lambda : c’est exactement ce qu’il faut pour jauger si Absolum tiendra ses promesses de variété. Je note aussi l’importance de la progression permanente “à la rogue-lite”, qui change radicalement la donne pour ceux qui se lassent des brawlers traditionnels où la mort efface tout. L’annonce d’une BO composée par Gareth Coker (Ori, Prince of Persia) et épaulée par Mick Gordon, Yuka Kitamura ou Motoi Sakuraba, c’est aussi un signal fort sur l’ambition du projet (et pas juste un argument marketing : ces noms-là font rarement semblant).

Pourquoi cet Absolum mérite qu’on surveille ? Parce qu’il aborde le beat ‘em up comme une aventure totale, où l’on explore un monde, où la narration a du poids, où la progression s’inscrit dans la durée – bref, tout ce que le genre n’avait jamais réussi à marier aussi frontalement. Les influences vont de Golden Axe à Chronicles of Mystara, mais la structure lorgne clairement du côté des Hades et consorts. En 2025, ce sera peut-être le brawler qui donnera enfin une raison aux joueurs solo comme coop’ de revenir, run après run, sans que ce soit que pour le scoring.

Pour les fans de la scène indé et du brawler à l’ancienne, c’est un vrai laboratoire : est-ce que la greffe rogue-lite/narration va prendre ? Est-ce qu’on gardera le punch et le “flow” des combats façon Streets of Rage 4 ? Et la coop à deux joueurs, souvent bâclée dans les jeux modernes, sera-t-elle enfin à la hauteur ? En tout cas, Dotemu prouve une fois de plus qu’ils écoutent leur communauté : l’envie de casser la routine, de donner du sens à chaque combat, et de proposer un vrai terrain de jeu pour le skill comme pour l’exploration. À une époque où beaucoup de beat ‘em up se contentent de recycler la même formule, Absolum ose le grand écart et tente la synthèse.

TL;DR

Absolum, c’est le projet qui veut sortir le beat ‘em up de ses rails, en s’appuyant sur le savoir-faire de Dotemu et Guard Crush Games, une DA léchée grâce à Supamonks, et une ambition musicale rare dans le secteur. Si la démo confirme ses promesses, on pourrait bien tenir le prochain grand rendez-vous des amateurs de baston, d’aventure et de challenge persistant. Rendez-vous au Steam Next Fest pour juger sur pièce.

Source: Dotemu via GamesPress

Ce n’est pas tous les jours qu’un trailer de metroidvania attire vraiment mon attention – mais quand un petit studio indépendant dégaine un univers tout en animation traditionnelle, inspiré par Winsor McCay, et ose jouer la carte du rêve enfantin sans sombrer dans le déjà-vu, là je tends l’oreille. Voilà ce que propose Little Nemo and The Guardians of Slumberland de DIE SOFT, dont le nouveau trailer vient de sortir, accompagné d’une démo jouable sur Steam. Et pour une fois, on sent que l’amour du pixel et du dessin prime sur la formule marketing. Voici pourquoi ce projet mérite qu’on s’y attarde, au-delà du simple hommage à la NES ou du revival de licences doudou.

Little Nemo and The Guardians of Slumberland : un metroidvania artisanal qui ne se contente pas de rêver

Ce qu’il faut retenir pour les fans de metroidvania et de rêve éveillé :

• Un univers 2D peint à la main, directement inspiré des bandes dessinées de Winsor McCay, qui tranche avec le pixel art stéréotypé.
• Une progression metroidvania classique mais enrichie par des jouets à collectionner qui débloquent de nouvelles capacités.
• Une bande-son originale signée Pete Berkman (Anamanaguchi), gage d’une identité musicale propre.
• Démo jouable disponible dès maintenant sur Steam pour se faire une vraie idée avant la sortie, prévue sur PC début 2026 puis Switch.

Ce qui frappe d’abord quand on regarde le trailer, c’est la patte graphique. Les décors et animations semblent tout droit sortis de l’imaginaire de McCay, loin des filtres trop propres ou des références pixelisées faciles. Ce n’est pas une réinterprétation paresseuse du Little Nemo de la NES – même si le clin d’œil est assumé – mais un vrai travail d’artiste-animateur, où chaque zone de Slumberland a sa propre personnalité visuelle. En pleine overdose de metroidvanias indés « rétro », cette direction artistique se distingue vraiment et pourrait bien séduire ceux qui, comme moi, ont grandi avec Rayman, Hollow Knight ou Ori, mais cherchent une identité visuelle marquée.

Côté gameplay, DIE SOFT promet un équilibre entre accessibilité et challenge. On nous parle de jouets à collectionner (qui rappellent un peu le système de masques de Mario Odyssey ou les pouvoirs dans Kirby), permettant d’ouvrir de nouveaux passages et de renouveler l’exploration. L’influence des classiques NES est revendiquée mais le studio veut éviter la difficulté punitive pour privilégier un jeu « abordable » mais modulable pour les vétérans du genre. On verra si l’alchimie prend, car ce n’est pas simple de contenter à la fois les nouveaux venus et les puristes à la recherche de secrets bien planqués.

Un autre point à signaler, c’est le soin apporté à l’ambiance sonore. La bande-son est assurée par Pete Berkman, connu pour son travail avec Anamanaguchi. C’est un vrai plus : trop de jeux indés négligent ce point, alors que la musique est essentielle pour donner corps à un monde onirique aussi particulier. Si la démo donne le ton, on peut s’attendre à des thèmes mémorables qui accompagnent chaque zone avec personnalité.

Ce qui rend ce lancement particulièrement intéressant pour les joueurs, c’est la transparence du processus. La démo est jouable d’emblée, preuve de la confiance de DIE SOFT dans sa formule. Pour un titre aussi ambitieux artistiquement, c’est un vrai signal : la prise en main sera décisive et, si la magie opère, le bouche-à-oreille pourrait faire la différence. On voit souvent des projets indés prometteurs s’écrouler sous le poids de leurs ambitions ou d’un manque de finition, alors le fait de pouvoir tester la structure du jeu avant sa sortie peut rassurer.

Bien sûr, difficile de ne pas garder une part de scepticisme face aux promesses : le metroidvania est un genre saturé, et tout le monde n’a pas le talent de Studio MDHR ou de Team Cherry pour équilibrer narration, exploration et sensations. Reste à voir si, passé le charme visuel et sonore, le level design tiendra la route sur la longueur, et si la courbe de progression saura récompenser à la fois les explorateurs occasionnels et les complétionnistes obsessifs. La sortie Switch, prévue plus tardivement, montre sans doute une volonté de peaufiner le portage — un bon signe si le studio veut éviter les sorties bâclées ou les « ports » au rabais.

Pour moi, Little Nemo and The Guardians of Slumberland coche pas mal de cases pour les amateurs de metroidvania exigeants mais sensibles à l’originalité graphique et à l’ambiance. Ce n’est pas juste un revival nostalgique : c’est un vrai rêve de développeur indé, porté par une vision artistique forte. Si la démo confirme les promesses du trailer, on pourrait tenir là une belle surprise de 2026 — loin des rouleaux compresseurs AAA, mais taillée pour ceux qui aiment explorer des mondes faits main, à la recherche de magie et de secrets.

En quoi ce jeu pourrait marquer les joueurs… ou passer à côté ?

Pour la communauté metroidvania, l’annonce de Little Nemo and The Guardians of Slumberland soulève pas mal d’attentes mais aussi quelques questions. L’identité graphique et sonore est là, le respect des codes du genre aussi. Mais la vraie clé, ce sera l’alchimie entre l’exploration, les pouvoirs à débloquer, et la capacité du jeu à surprendre au-delà de son hommage à l’ancien. Beaucoup de jeux indés se perdent dans la nostalgie sans rien apporter ; ici, le pari est de réinventer un classique en offrant une expérience à la fois accessible et riche pour les curieux comme pour les hardcore gamers. À surveiller de près, surtout si la démo tient ses promesses.

TL;DR : Little Nemo and The Guardians of Slumberland promet un voyage onirique et artisanal dans le monde du metroidvania. Univers animé à la main, musique inspirée, démo jouable dès maintenant : si le gameplay suit, ce pourrait être la belle surprise indé de début 2026. Vraie identité et accessibilité sont au rendez-vous, mais tout dépendra de la profondeur du level design et de la capacité du jeu à se démarquer des innombrables concurrents. Une démo à ne pas manquer pour se faire sa propre idée !

Source: DIE SOFT via GamesPress