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Pourquoi je refuse de voir Grace Ashcroft devenir un simple « one shot »

Je vais être clair d’entrée de jeu : si le gros DLC de Resident Evil Requiem ne met pas Grace Ashcroft au centre, Capcom aura complètement raté le message que son propre jeu envoie. Et ça m’énerve d’autant plus que j’ai grandi avec cette série, de Resident Evil 2 sur PS1 à l’overdose d’action de RE6, en passant par la claque viscérale de Resident Evil 7. Je ne parle pas en touriste : j’ai passé des centaines d’heures à écumer les couloirs du manoir Spencer, du commissariat de Raccoon City et des villages paumés infestés de monstres. Requiem, je l’ai fait deux fois d’affilée, difficulté élevée, juste pour revivre les séquences de Grace.

Et là, d’un coup, Capcom balance : « oui, une extension scénarisée est en développement, mais il faudra patienter un peu ». Le directeur Akifumi Nakanishi l’a confirmé, en gros : « une extension de l’histoire est maintenant en développement ; elle prendra un peu de temps, nous vous demandons de la patience ». Très bien, je peux attendre. Mais attendre quoi, exactement ? Un énième tour de manège avec Leon, ou un vrai approfondissement de la meilleure héroïne que la saga ait sortie depuis des années ?

Grace est le meilleur truc qui soit arrivé à Resident Evil depuis Ethan dans RE7

Je me souviens encore du moment où Resident Evil 7 m’a remis une baffe que je n’attendais plus. Après les délires pyrotechniques de RE5 et RE6, Ethan Winters, ce mec vaguement banal, paumé dans un bayou qui pue la mort, m’a rappelé que cette série, à la base, c’est du survival horror, pas un simulateur de film de Michael Bay. On redevenait vulnérable, on avait peur d’ouvrir une porte. Et ça, pour moi, c’est l’ADN de Resident Evil.

Grace Ashcroft, dans Requiem, c’est exactement cette philosophie, mais poussée encore plus loin. Ses sections sont un retour assumé au malaise, à la fragilité, au « je ne devrais pas être là » qui t’arrache la sueur froide. Première fois que je traverse les couloirs du hospice avec elle, quasi désarmée, à bricoler avec son système de craft sanguin en priant pour que le prochain bruit dans l’ombre ne soit pas pour moi… j’ai senti la même tension que devant la maison Baker. Peut-être même pire, parce que la caméra à la première personne et sa vulnérabilité totale te collent littéralement dans sa peau.

Ce qui fait toute la différence, c’est qu’elle n’est pas juste « faible ». On sent qu’elle est terrorisée, dépassée, mais déterminée. Et ça, c’est un équilibre incroyablement difficile à écrire. Tu vois qu’elle tremble, qu’elle suffoque, qu’elle a envie de tourner les talons et de se barrer très loin… mais elle continue. Elle persiste. Elle rampe dans les conduits, elle se cache sous les lits, elle tente un craft désespéré parce que c’est sa seule chance. Elle est à la fois ton avatar de joueur apeuré et le moteur narratif qui refuse d’abandonner. C’est exactement ce dont Resident Evil avait besoin pour se réancrer dans l’horreur sans renier son héritage.

Angela Sant’Albano porte la moitié du jeu sur ses épaules

Et si Grace fonctionne aussi bien, c’est parce qu’Angela Sant’Albano est une tuerie en performance. On parle d’une actrice pour qui c’est le premier gros rôle dans un jeu vidéo, et pourtant elle écrase la concurrence. Chaque soupir, chaque montée dans les aigus quand la panique prend le dessus, chaque moment où sa voix se brise alors qu’elle essaye de se convaincre que « ça va aller »… j’y ai cru à 100 %.

Capcom a d’ailleurs expliqué avoir poussé pour des performances plus cinématographiques afin de « suivre le niveau technique » du jeu. Eh bien pour une fois, ce discours marketing est vrai. On le sent dans la manière dont Grace réagit à l’environnement, à la douleur, à la peur. Il y a une gradation émotionnelle qui manque souvent dans les jeux d’horreur, où les héros semblent s’habituer très vite à l’innommable. Grace, non. Elle ne s’habitue jamais. Elle se ferme, elle encaisse, elle se fissure, mais elle ne devient jamais une machine à headshots insensible.

Après ma première run, je me suis surpris à relancer le jeu uniquement parce que j’avais envie de revivre ses scènes. Pas pour optimiser mes routes ou farmer des trophées : juste pour réécouter certaines lignes de dialogue, scruter ses animations, revivre ce sentiment d’être coincé avec elle dans un cauchemar qu’on ne contrôle plus. Si un personnage te donne envie de refaire un Resident Evil récent pour autre chose que le scoring ou le New Game+, ce n’est pas un détail. C’est un signal énorme pour la direction créative.

Leon est cool, mais c’est le « mode défouloir », pas le cœur de Requiem

Maintenant, parlons de l’éléphant en blouson de cuir : Leon S. Kennedy. Je n’ai rien contre Leon, au contraire. J’ai rincé RE2 à l’époque, j’ai adoré le remake, j’ai passé des heures sur le mode Mercenaries de RE4. Son charisme de flic devenu super-agent, son côté à la fois dramatique et incroyablement ringard, ça fait partie du charme de la série.

Dans Requiem, ses sections font le taf. Gunfights dynamiques, parades à la hache, grosses arènes, boss bien gras… On est dans une continuité logique de la branche action de la licence. C’est viscéral, satisfaisant par moments, clairement pensé pour que tu te sentes puissant après avoir suffoqué avec Grace. Sauf que, soyons honnêtes : ce n’est pas pour ça que Requiem marque autant les esprits. Les séquences Leon, j’ai l’impression de les avoir déjà jouées dans d’autres Resident Evil. Les séquences Grace, non.

Et justement, l’alternance fonctionne parce qu’elle crée un contraste. Grace te broie les nerfs, Leon vient relâcher la pression. Si Capcom décide maintenant de faire un DLC centré sur Leon, on aura quoi ? Un prolongement du « mode défouloir ». Fun, sûrement. Spectaculaire, probablement. Mais est-ce que ça respecte ce que Requiem a apporté de neuf à la série ? Absolument pas.

Les rumeurs de DLC centré sur Leon : le choix de la facilité

Ce qui commence à me faire tiquer, ce sont justement les bruits de couloir. Plusieurs insiders, dont Dusk Golem, laissent entendre que le DLC principal serait focalisé sur Leon plutôt que sur Grace. Apparemment, une version jouable d’Alyssa Ashcroft – un autre personnage de la famille – aurait même existé en développement avant un pivot vers Leon. Est-ce que tout ça est gravé dans le marbre ? Non. Est-ce que c’est crédible, connaissant Capcom et le poids de Leon comme icône marketing ? Malheureusement, oui.

Faites le calcul : plus de 5 millions de copies vendues en moins de deux semaines, une campagne d’environ 15 heures qui laisse clairement la porte ouverte à du contenu additionnel, et un personnage ultra-bankable comme Leon qu’on peut balancer en tête d’affiche sur n’importe quelle jaquette ou bande-annonce. D’un point de vue business pur, miser sur lui, c’est le choix le plus « safe » du monde.

On a même déjà un mini-jeu prévu pour mai, et des amiibo Leon/Grace annoncés sur la future Switch 2 pour le 30 juillet. Certains – Dusk Golem en tête – trouvent cette date « très suspecte » comme fenêtre possible pour le DLC. Peut-être. Peut-être pas. Mais ce qui m’inquiète, c’est le signal que ça envoie : on sent la tentation de remettre Leon au centre, de le pousser encore et toujours, alors que la nouveauté qui a fait vibrer tout le monde, c’est Grace.

Ce que pourrait (et devrait) être un vrai DLC Grace Ashcroft

Capcom a une opportunité en or : transformer Grace en pilier durable de la licence, pas en « guest star » d’un seul jeu. Pour ça, il faut un DLC qui ose faire ce que la seconde moitié de Requiem n’a pas totalement assumé : rester dans la vulnérabilité, le manque de ressources, l’angoisse lente, les espaces fermés, les monstres qu’on fuit au lieu de démembrer en slow-motion.

Je veux un autre lieu avec sa propre identité forte – un hospice, un manoir, un navire, peu importe – pensé d’abord pour Grace, pas pour Leon. Un level design qui exploite ses limites physiques et son système de craft morbide, qui la force à improviser et à contourner plutôt qu’à foncer dans le tas. Un antagoniste qui la harcèle, oui, mais pas juste un bullet sponge. Quelque chose qui la teste mentalement, qui la renvoie à ses traumas, qui lui donne une vraie trajectoire psychologique.

Surtout, il faut laisser Angela Sant’Albano exploser. Lui donner des scènes longues, des dialogues lourds, des silences malaisants. Qu’on la voie craquer, se relever, faire des choix moralement discutables pour survivre. Qu’on ait enfin l’impression de suivre une personne, pas juste un avatar de gameplay. Requiem le fait déjà par touches, mais un DLC centré sur elle pourrait vraiment cimenter Grace comme une héroïne culte au même titre qu’une Jill ou une Claire – avec sa propre couleur, son propre rythme.

« Mais les fans adorent Leon » : l’argument qui ne tient plus

On va me rétorquer que Leon fait vendre, que les fans l’adorent, que c’est normal de le mettre en avant. Oui, Leon est populaire. Oui, son retour dans RE2 Remake puis RE4 Remake a été un carton. Mais à quel moment on arrête de recycler les mêmes têtes d’affiche et on accepte que la série doit aussi se renouveler dans ses visages ? Si Capcom avait appliqué cette logique dans les années 90, on n’aurait jamais eu Claire, jamais eu Jill en héroïne principale de RE3, jamais eu des paris comme Ethan ou même Rose dans Village.

La vérité, c’est que Requiem vient justement d’apporter la preuve que les fans sont prêts – et même en demande – pour un Resident Evil où la vulnérabilité, la peur et l’inconnu prennent le dessus sur la nostalgie. Les critiques le martèlent, les joueurs en parlent : « les séquences de Grace, c’est le top du jeu ». Quand tu vois ce consensus se former autour d’un personnage, quand tu constates que tout le monde sort du jeu en parlant d’Angela Sant’Albano, de sa prestation, de la tension de ses chapitres… insister pour recentrer l’extension sur Leon, c’est fermer les yeux sur ce feedback.

Et franchement, Leon n’a pas besoin de ça. Sa mythologie est déjà blindée, il a déjà eu ses stands alone, ses remakes, ses spin-off. Il pourrait très bien apparaître en personnage secondaire dans un DLC Grace, servir de contrepoint, d’appui ponctuel. Mais le moteur émotionnel, l’angle principal, doit rester cette nana aux cheveux blancs qui galère à survivre dans un monde qui la dépasse complètement.

Pourquoi ça change ma façon d’acheter des Resident Evil

Je ne vais pas mentir : si Capcom annonce dans six mois un gros DLC purement axé action avec Leon en mode John Wick de l’apocalypse, je le prendrai probablement en promo, un peu par curiosité, un peu par habitude, mais sans enthousiasme particulier. Ce ne sera pas un achat day one. Parce que ce n’est pas ce que Requiem m’a vendu, ni ce que la campagne de base m’a fait espérer.

À l’inverse, si on me dit : « voilà, on va continuer l’arc de Grace, creuser son passé, la replonger dans une situation intenable, pousser encore plus loin l’horreur psychologique, et oui, Angela Sant’Albano revient avec un rôle encore plus chargé », là, je suis le premier à repasser à la caisse dès le jour de sortie. Et je sais que je ne suis pas le seul dans ce cas. On parle d’un jeu qui a déjà dépassé les cinq millions d’exemplaires en un éclair, avec une base de joueurs qui réclame ouvertement plus de temps avec Grace.

Capcom aime bien répéter qu’il écoute sa communauté. Requiem, avec ses chiffres et son accueil critique, c’est l’occasion de le prouver concrètement. Pas avec un mini-jeu bonus en mai – sympa, mais anecdotique – ni avec des amiibo posés sur une étagère. Avec un vrai choix de design : prendre le pari du survival pur et dur, centré sur une héroïne neuve, plutôt que le réflexe « on met Leon sur l’affiche et tout le monde sera content ».

Si Capcom croit vraiment à son « nouveau Resident Evil », il doit croire en Grace

Je joue à Resident Evil depuis assez longtemps pour avoir vu la série se perdre dans son propre gigantisme, puis renaître plusieurs fois. Requiem fait partie de ces renaissances. Et ce n’est pas seulement grâce à sa technique, à ses boss, à son gameplay hybride. C’est grâce à une direction claire : remettre l’horreur, la tension et la fragilité au centre. Grace Ashcroft est l’incarnation parfaite de ce virage.

Si la licence veut continuer à exister dans dix ans sans devenir un musée de ses anciens héros, il faut assumer ces nouvelles figures, les installer, leur donner de la place. Un DLC pourrait très bien être le moment où Capcom montre qu’il a retenu la leçon de RE7 : quand tu crées un nouveau protagoniste fort, tu ne le sacrifies pas au premier carrefour venu pour remettre un visage connu. Tu construis autour de lui, tu laisses le public s’y attacher encore plus.

Requiem a rallumé chez moi quelque chose que je croyais un peu éteint : cette excitation de me dire « je ne sais pas où va cette histoire, je ne sais pas jusqu’où ce personnage peut aller, mais j’ai envie de le découvrir ». Et ça, ce n’est pas Leon qui me l’a donné, c’est Grace. Alors oui, j’attendrai le DLC. Mais je ne vais pas juste attendre du contenu. J’attends une prise de position. Soit Capcom assume son nouveau visage du survival horror et lui offre la place qu’elle mérite, soit il retombe dans ses vieux réflexes d’action nostalgique.

Et dans un cas comme dans l’autre, mon portefeuille, lui, verra très bien la différence.

Je n’ai pas attendu dix ans pour qu’on m’explique que mon choix final ne comptait pas

Je me souviens parfaitement du soir où j’ai fini le premier Life Is Strange. 3h du matin, lumière bleue de l’écran, manette tremblante. Je venais de passer des mois à attendre chaque épisode, à débattre avec mes potes sur Discord, à refaire des scènes entières juste pour voir si une réplique changeait. Et puis ce choix final : sacrifier Chloe ou sacrifier Arcadia Bay. J’ai mis de longues minutes avant d’oser appuyer sur un bouton. C’était sale, injuste, brutal. Donc terriblement humain.

Ce choix, c’est ce qui a fait que Life Is Strange est resté coincé dans ma gorge pendant des années. Ce n’était pas « fun ». Ce n’était pas « satisfaisant ». C’était une cicatrice émotionnelle assumée. Et c’est précisément pour ça que l’idée de Life Is Strange: Reunion me met autant mal à l’aise : parce que tout, dans son pitch et dans la manière dont la licence a dérivé depuis, hurle que cette cicatrice va être recouverte d’un joli pansement nostalgique pour mieux relancer la machine à cash.

Le dilemme d’Arcadia Bay devait rester une blessure ouverte

Dans le jeu de 2015, on ne parle pas simplement d’un « gros twist » final. On parle d’une structure entière construite pour t’amener à cette question : jusqu’où tu es prêt à tordre le temps pour sauver la personne que tu aimes, et qu’est-ce que ça coûte au monde autour de toi. Le gameplay de rembobinage n’est pas un gadget cool, c’est une métaphore de plus en plus violente sur le deuil, le contrôle et l’acceptation.

Le génie, c’est que Dontnod accepte que, quelle que soit ta réponse, ce soit moche. Sauver Chloe, c’est condamner des innocents et vivre avec ça. Sacrifier Chloe, c’est admettre que tout ton voyage, tout ton pouvoir, ne servait qu’à t’amener à la laisser partir. C’est un final qui respecte suffisamment le joueur pour ne pas venir le border après coup en lui disant : « t’inquiète, on trouvera bien une timeline où tout le monde survit ».

Et là, que fait Reunion ? Il canonise exactement ça : une réalité cousue main où Max et Chloe coexistent, avec des pirouettes temporelles pour justifier le fait que peu importe ce que tu as choisi il y a dix ans, elles reviennent quand même. Techniquement élégant, peut-être. Narrativement, c’est un doigt d’honneur discret à l’instant le plus fort de la série.

On peut m’expliquer tant qu’on veut que « Max se souvient de son choix », que « Chloe porte le poids des réalités alternatives ». Ça ne change rien à l’essentiel : on a pris une décision morale brutale et définitive, et on l’a transformée en simple embranchement à réconcilier plus tard pour ne perdre aucun fan en route. C’est exactement ce que le jeu original disait qu’il ne fallait pas faire.

Quand Life Is Strange avait encore le courage de rater sa cible

Je viens des jeux narratifs un peu tordus. Mon amour pour Shenmue m’a appris à accepter les silences gênants, les longueurs, les angles bizarres si, au bout, il y a une émotion qu’on ne trouve nulle part ailleurs. Life Is Strange première version avait ce culot-là. Oui, les dialogues lycéens étaient parfois maladroits. Oui, certains twists étaient plus gros que la tornade. Mais il y avait une vraie envie de dire quelque chose sur l’adolescence, la nostalgie, l’obsession de vouloir « réparer » le passé.

L’épisodique y jouait un rôle énorme. Chaque fin d’épisode, c’était un petit traumatisme : le parking éclairé au néon, la révélation sur Jefferson, la disparition de Rachel, la photo du papillon… Tu avais le temps de ruminer, de théoriser, de regretter. C’était rugueux, parfois maladroit, mais ça prenait des risques. C’est aussi pour ça que Life Is Strange 2, avec son road-trip politique sur le racisme et la violence policière, m’a marqué malgré ses défauts : le jeu pouvait diviser, mais il ne cherchait pas à plaire à tout le monde.

Depuis que Deck Nine a repris le flambeau sous l’œil très attentif de Square Enix, on sent un glissement. D’abord léger avec Before the Storm, prémisse mélancolique mais safe parce que préquelle (on connaît déjà le destin de Chloe). Puis frontal avec True Colors : ce n’est plus vraiment une série sur la violence invisible du monde, c’est un cocon feel-good avec des super-pouvoirs.

True Colors, le moment où Life Is Strange a préféré le plaid au vertige

Je ne déteste pas True Colors, loin de là. J’ai passé un bon moment à Haven Springs, j’ai même souri comme un idiot pendant tout le LARP géant. Mais à la fin, j’avais l’impression d’avoir bingé une série Netflix « cosy drama » plus qu’un Life Is Strange. Petite ville parfaite, cast ultra-sympa, conflits cadrés, et une structure en chapitres qui imite l’épisodique sans jamais oser ses véritables cliffhangers ou ses ruptures de ton.

Le pouvoir d’Alex, cette empathie super-héroïque, aurait pu être terrifiant. Il devient surtout un outil pour résoudre des disputes et débloquer des romances. Le jeu se vend comme plus « mature », mais en réalité il est simplement plus poli, plus lisse, plus compatible avec un public large qui veut de la chaleur humaine sans trop de risques émotionnels.

Double Exposure a poursuivi cette tendance. Ramener Max en prof de photo, gérer des réalités parallèles, sur le papier j’étais hypé. Après des heures de jeu, je voyais surtout une héroïne désormais ultra-compétente émotionnellement, toujours armée de sa petite réplique ironique, entourée de personnages qui parlent comme Twitter. Le pouvoir de sauter de timeline en timeline finissait réduit à des puzzles propres, efficaces, mais rarement angoissants.

Reunion : la timeline où Square Enix gagne à tous les coups

Dans ce contexte, Life Is Strange: Reunion ressemble moins à une nécessité artistique qu’à une décision de comité. Double Exposure n’a manifestement pas rallumé la flamme commerciale comme espéré ? Pas de problème, on ressort les visages qui impriment encore, ceux que les fans dessinent sur Tumblr depuis une décennie : Max et Chloe. On remet le rembobinage, on réactive un désastre naturel, on tease LE GRAND RETOUR D’UN COUPLE ICONIQUE.

Le plus ironique, c’est que le jeu ne se contente pas de les ramener. Il fusionne littéralement les fins de 2015. Quel que soit ton choix d’époque – sauver Chloe ou sauver Arcadia Bay – Reunion t’embarque dans une continuité qui fait cohabiter ces réalités. Chloe se souvient de mourir, Max se souvient de l’avoir sacrifiée ou sauvée, et tout ça est recousu dans une nouvelle intrigue catastrophe censée « conclure » leur histoire.

Techniquement, c’est brillant de jongler avec des timelines divergentes. Moralement, c’est une capitulation. On ne supporte plus l’idée qu’un joueur ait pu réellement perdre son personnage préféré. Il faut garantir que, d’une manière ou d’une autre, tout le monde récupère Chloe à la fin. C’est la version vidéoludique de ces séries qui annulent la mort d’un personnage via un rêve, un clone, ou un univers alternatif parce que le public l’aimait trop.

Ajoute à ça que Reunion importe aussi les choix romantiques de Double Exposure – Max peut arriver en couple avec Amanda ou Vinh – mais laisse planer le doute sur la manière dont tout ça sera « réarrangé » pour laisser la place au duo iconique avec Chloe. Tu vois le problème : on ne respecte plus tes trajectoires émotionnelles successives, on les empile comme des sauvegardes qu’on écrase dès qu’une nouvelle saison marketing débarque.

Fan service n’est pas un gros mot… jusqu’au moment où il efface ton choix

Qu’on soit clair : j’adore le fan service quand il sert à creuser un personnage, pas à le déterrer. Les dialogues complices, les petits clins d’œil musicaux, les lieux revisités avec un twist, je signe tout de suite. Même un retour de Chloe pourrait être puissant s’il assumait la douleur, l’obsession, le regret. Sauf que ce n’est pas ce qu’on nous vend.

On nous annonce un « grand final émotionnel », un retour de la « chimie » Max/Chloe, des mécaniques familières, un ton plus sombre mais « réconfortant ». Ça sent le produit calibré pour que personne ne se sente trahi : ceux qui ont sacrifié Chloe la retrouvent quand même, ceux qui l’ont sauvée obtiennent une validation déguisée, et Square Enix peut enfin capitaliser sur les deux fins d’origine sans en assumer vraiment aucune.

Et derrière tout ça, il y a une gêne persistante autour de la queerness de la série. Depuis dix ans, on vit dans un entre-deux bizarre : tout le marketing joue sur la romance Max/Chloe, tout le monde sait ce qu’il en est, mais la licence refuse de poser des mots clairs, de peur d’être rangée dans la case « jeu gay » et de voir son marché se restreindre. Résultat : des relations constamment réécrites, jamais pleinement assumées, toujours prêtes à être tordues pour convenir au public le plus large possible.

Reunion s’annonce comme l’apothéose de cette stratégie : on va enfin vous donner ce que vous fantasmez depuis 2015… mais sans jamais couper le cordon avec les autres directions possibles, au cas où. C’est du multivers sentimental, pas de la narration courageuse.

La forme suit le fond : quand tout devient trop lisse

Ce qui m’achève, c’est que cette frilosité morale se reflète aussi dans la mise en scène. Le premier Life Is Strange avait une patte visuelle aquarelle, légèrement bancale, mais mémorable. Le cadrage sur la tempête, les couloirs du lycée, le phare : ce n’était pas « réaliste », c’était iconique. La musique ne servait pas juste de fond sonore, elle découpait des instants suspendus – Max dans le bus, la chambre de Chloe, la plage sous la pluie.

Les épisodes plus récents misent sur la performance capture ultra-propre, les visages hyper détaillés, mais le monde autour perd en étrangeté. Les environnements deviennent des décors de série TV câblée premium : tout est beau, tout est éclairé comme une pub, tout semble conçu pour des captures d’écran partageables plutôt que pour hanter ta mémoire.

Les aperçus de Reunion insistent déjà sur les visages très expressifs, sur la nostalgie musicale, sur le fait qu’on va « retrouver les sensations d’avant » avec le rembobinage de Max et les confrontations verbales de Chloe. Je n’y vois pas une vision, j’y vois un package. Un « best-of Life Is Strange » déposé sur ton bureau comme un coffret anniversaire, avec juste assez de nouveauté pour te faire croire que ce n’est pas une compilation.

À force de vouloir tout sauver, Life Is Strange ne risque plus rien

Le paradoxe est cruel : la série qui, à l’origine, m’a appris qu’on ne peut pas tout réparer, passe aujourd’hui son temps à réparer sa propre continuité pour préserver chaque fan potentiel. On ne laisse plus un seul choix vraiment faire mal. On ne laisse plus un seul final rester final. On doit tout concilier, tout fusionner, tout capitaliser.

Je le vois déjà dans ma manière de jouer. En 2015, j’achetais les épisodes de Life Is Strange dès leur sortie, je bloquais ma soirée pour les vivre en même temps que tout le monde. Aujourd’hui, Reunion m’inspire surtout un réflexe : attendre. Attendre les critiques, attendre de savoir à quel point le jeu va diluer mon vieux traumatisme, attendre une promo. Quand ton public le plus impliqué passe de « day one » à « on verra en solde », c’est que quelque chose s’est cassé dans la confiance.

Et je ne dis pas ça par nostalgie stérile du « c’était mieux avant ». Dontnod lui-même est parti faire autre chose, avec Lost Records, qui n’est pas parfait mais ose au moins de nouveaux personnages, de nouveaux thèmes, sans recycler un dilemme fondateur à l’infini. Le problème n’est pas qu’on revienne à Arcadia Bay une fois de plus. Le problème, c’est qu’on y revient pour y installer une boutique de souvenirs.

Ce que j’attendais, et ce qu’on me sert à la place

Je n’étais pas hostile, au départ, à l’idée d’un nouvel épisode avec Max et Chloe. Mais j’espérais quelque chose de réellement audacieux, à la hauteur du traumatisme initial. Par exemple :

• Assumer une seule fin canon, quitte à en fâcher la moitié des joueurs, et explorer les conséquences jusqu’au bout.
• Traiter le rembobinage comme une addiction destructrice, pas comme un super-pouvoir confort.
• Oser un récit où Max et Chloe ne peuvent pas se retrouver physiquement, mais doivent vivre avec ce manque.
• Ou, pourquoi pas, quitter complètement leur point de vue pour raconter Arcadia Bay depuis les survivants.

À la place, on a l’impression d’un scénario façonné à l’envers : partir de l’impératif « il faut Max + Chloe + rembobinage + nouvelle catastrophe » et broder autour. On ne se demande pas « quelle histoire doit-on raconter maintenant ? », mais « comment faire revenir tout le monde sans perdre personne ? ».

Je veux qu’on me brise le cœur, pas qu’on me le caresse dans le sens du poil

Je suis sans doute maso, mais c’est pour ça que je joue à ce genre de jeux : pour être bousculé. Life Is Strange m’a marqué parce qu’il a osé me faire détester mon propre choix, me faire douter de ma morale, me hanter des années après. Quand je vois Reunion se présenter comme la grande réunion qu’on attendait tous, je ne vois pas une catharsis, je vois un effacement.

Si, au bout du voyage, la conclusion implicite est : « peu importe ce que tu as fait en 2015, de toute façon on allait trouver un moyen de sauver Max, Chloe et la franchise », alors oui, je considérerai que le jeu a trahi mon expérience. Qu’il a pris un moment de courage vidéoludique rare pour en faire une simple étape dans une longue chaîne de produits dérivés.

Je ne demande pas à Life Is Strange d’être parfait, ni même cohérent à 100 %. Je lui demande juste d’avoir à nouveau le culot de perdre quelque chose. Un personnage, un lieu, une part de son public. Parce que sans perte, il n’y a plus de risque. Et sans risque, il n’y a plus rien de vraiment étrange dans cette vie-là.

Pour l’instant, Life Is Strange: Reunion ressemble davantage à un rembobinage commercial qu’à un acte de création. J’aimerais me tromper. Mais en tant que joueur qui a encore Arcadia Bay coincée dans la gorge, je ne peux pas faire semblant de me réjouir de voir mon pire dilemme transformé en simple point de convergence pour multivers nostalgique. Si c’est ça, la « vraie » fin de Max et Chloe, alors je préfère encore garder la mienne, bancale, injuste, mais entière.

RTX Mega Geometry veut rendre le ray tracing pleine scène pratique – et The Witcher 4 en est un des premiers témoins

L’enjeu n’est plus d’avoir un arbre parfait dans un coin d’écran, mais d’éclairer et d’animer des millions de feuilles en path tracing sans plomber le framerate. Nvidia propose RTX Mega Geometry pour résoudre précisément ça : regrouper des millions de triangles en « clusters » et réduire massivement le coût des tests rayon‑géométrie et des mises à jour de structures d’accélération. La démonstration liée à The Witcher 4 – technique, pas du gameplay – montre ce que ça pourrait changer pour les forêts en temps réel.

• Performance claim : Nvidia évoque jusqu’à 100x plus rapide pour la mise à jour des structures d’accélération (BVH) par rapport aux méthodes antérieures.
• Preuve terrain : Alan Wake 2 a déjà intégré Mega Geometry et, selon GameStar, a vu des gains de 5-20 % en image/s et des économies de VRAM sur scènes de végétation.
• Intégration moteur : la tech est montrée en conjonction avec Unreal Engine 5 et systèmes LOD modernes (Nanite/Lumen), ciblant des forêts path‑tracées à grande échelle.
• Attention pratique : la séquence The Witcher 4 présentée à la GDC est une démo technique — utile pour mesurer le potentiel, pas une promesse de rendu final.

Pourquoi ça compte vraiment

Les scènes naturelles sont le cauchemar du ray tracing : géométrie massive, transparence fine (feuilles), animations locales (vent) et ombres auto‑occlusives. Le problème n’est pas seulement le coût d’un rayon testant un triangle, mais la fréquence à laquelle il faut reconstruire ou mettre à jour la hiérarchie d’accélération quand des millions d’objets bougent. Mega Geometry aborde ça à la source : regrouper la géométrie en unités plus grosses et n’actualiser que les partitions nécessaires par frame. En clair, plutôt que de repasser toute la scène à chaque rafale de vent, on met à jour des clusters ciblés.

Ce que les démos montrent — et ce qu’elles cachent

La vidéo de Nvidia (reprise par GameStar et PC Games) est impressionnante : brouillard volumétrique, millions d’objets animés et path tracing apparent à bonne cadence. Mais c’est une démo tech. Les développeurs peuvent composer la scène pour montrer le meilleur angle et optimiser le flux de données. PC Games rappelle que l’intégration avec Nanite et Lumen est clé — Mega Geometry ne marche pas en vase clos, c’est un élément d’une chaîne technique plus large. Et GameStar souligne qu’Alan Wake 2 a déjà tiré profit de la méthode, avec des gains concrets, ce qui est la meilleure preuve tangible jusqu’ici.

La vraie question — qui paie le coût ?

Même si Nvidia peut accélérer la construction des BVH, deux contraintes restent : le pipeline de streaming CPU↔GPU pour charger et clusteriser ces millions d’objets, et la disponibilité du matériel côté joueur. Une démo positive ne garantit pas une expérience stable sur une configuration moyenne. CD Projekt RED et Epic collaborent pour intégrer la tech dans The Witcher 4, mais il faudra voir les réglages qualité, les paliers LOD et les compromis VRAM/CPU dans les builds destinés aux joueurs plutôt que dans la séquence presse.

À surveiller

• Les sessions GDC et présentations techniques publiées après la démo (détails sur la partition TLAS et les heuristiques d’LOD).
• Benchmarks réels sur scènes de végétation : trailers tech c vs. builds jouables pour mesurer le coût réel en CPU/VRAM.
• L’adoption par d’autres gros titres annoncés (au‑delà d’Alan Wake 2 et The Witcher 4) et comment les développeurs adaptent leur pipeline de contenu.
• Les notes de CD Projekt RED sur les compromis (qualité visuelle vs. performance) lors des prochaines communications officielles.

La GDC a fait office de vitrine ; la prochaine étape est moins marketing et plus mathématique : exposer les métriques d’update BVH, les coûts de clustering et les limites pratiques sur du hardware typique.

TL;DR

RTX Mega Geometry change la façon dont on gère les collisions rayon‑géométrie en regroupant des millions de triangles en clusters, ce qui rend le path tracing sur forêts massives plausible. Alan Wake 2 a déjà montré des gains concrets, et Nvidia a inclus The Witcher 4 dans sa démo GDC — mais il s’agit d’une preuve de concept, pas d’un rendu final. À suivre : benchmarks jouables et détails techniques complets pour savoir si ce gain se traduit en expérience réelle pour la majorité des joueurs.

Je ne lance plus un Mario pour me faire hurler dessus par une fleur

Je vais être honnête : au reveal de Super Mario Bros. Wonder en 2023, la Talking Flower, je la trouvais déjà suspecte. Pas insupportable, pas encore. Juste ce genre de gimmick bavard qui te rappelle immédiatement pourquoi Navi, Fi ou Cappy ont autant divisé les joueurs. J’ai grandi avec Super Mario World sur SNES et Mario 64 sur N64 : des jeux qui te parlaient avec le level design, pas avec un commentateur qui te suit comme un fil Twitter.

Après des dizaines d’heures sur Wonder (et maintenant que je zieute sérieusement la version Nintendo Switch 2 annoncée pour mars 2026), je peux le dire : la Talking Flower n’est pas le pire ajout de l’histoire de Mario. Le problème, ce n’est pas la fleur en soi. Le problème, c’est qu’en deux ans et demi, Nintendo est passé de “petit NPC rigolo en arrière-plan” à “nouvelle figure de proue de la franchise qu’on te cale dans chaque annonce MAR10 Day, chaque trailer, chaque bout de merchandising, jusqu’à l’amiibo obligé”.

Et là, oui, je commence vraiment à être fatigué. Fatigué du personnage lui-même, mais surtout fatigué de ce qu’il représente : cette obsession moderne du “tout doit devenir une mascotte exploitable”. La Talking Flower est devenue le parfait talking point: tired du moment chez les fans de Mario : tout le monde en parle, mais la discussion elle-même commence à épuiser autant que la fleur nous crie “WooOoAAhh !” dans les oreilles.

De background rigolo à intrus permanent : petite chronologie d’une overdose

Reprenons calmement comment on en est arrivé à ce point où une simple fleur bavarde se retrouve en haut de l’affiche pour le 40e anniversaire de Mario.

2023 – La première apparition dans Super Mario Bros. Wonder
Réaction initiale de beaucoup de joueurs, moi compris : “OK, c’est marrant deux minutes, mais j’espère pouvoir la couper.” Nintendo avait au moins eu la décence d’inclure une option pour réduire ses interventions. Je l’ai activée assez vite, après quelques niveaux où chaque bloc frappé devenait prétexte à une punchline. Sympa, mais clairement un personnage pensé pour les streams Twitch et les enfants, pas pour ceux qui jouent le son à fond pour savourer les musiques et les bruitages à l’ancienne.

Et pourtant, à ce moment-là, je pensais vraiment que ce serait un one-shot. Comme les petits personnages spécifiques à chaque monde dans 3D World ou les Lumas bavards de Galaxy : tu les aimes, tu les oublies, la vie continue.

2023-2024 – L’infiltration silencieuse
Très vite, la Talking Flower commence à fleurir (désolé) ailleurs : icônes de profil Nintendo Switch Online, goodies, peluches parlantes chez San-ei Boeki… Là, je me dis : “OK, Nintendo capitalise un peu, c’est l’année Wonder, normal.” On ne va pas faire semblant de découvrir que la firme adore vendre des trucs qui font “boing” quand tu appuies dessus.

2024 se calme, presque au point de me faire croire que la mode est passée. Les fleurs se fanent, tout ça. Spoiler : elles revenaient juste prendre de la force sous terre.

2025 – Le grand retour, et cette fois, c’est personnel
Septembre 2025, Nintendo Direct : la Talking Flower est officiellement de retour dans Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition + Meetup in Bellabel Park. Non seulement elle est là, mais la mise en scène la met clairement en avant dans le trailer. Et derrière, on apprend qu’elle sera aussi commentatrice dans Mario Tennis Fever. Oui, littéralement une voix qui commente tes matchs. Parce que manifestement, il manquait une entité qui parle encore plus quand tu joues en ligne.

Ce n’est plus un simple clin d’œil, à ce stade. C’est une tentative manifeste d’en faire un pilier récurrent de l’univers Mario. Et là, j’ai commencé à lever un sourcil.

Janvier 2026 – Le point de non-retour : l’amiibo
La goutte d’eau pour moi, ça a été l’annonce de l’amiibo Talking Flower… bundlé avec l’amiibo Captain Toad. Un perso qu’on attendait en figurine depuis des années, sacrifié en pack forcé avec une fleur qui hurle “onward and upward”. Tu veux Captain Toad sur ton étagère ? Très bien, mais tu prends la fleur avec. C’est du pur chantage collectionneur.

Ajoute à ça le MAR10 Day 2026, ses trailers flashy de Wonder sur Switch 2, les annonces d’événements, de cartes à collectionner et compagnie, et tu te rends compte que la Talking Flower est littéralement partout dans la communication. Pendant que Link, Samus ou Olimar font les figurants, la fleur devient presque l’un des “big cinq” de Nintendo. Ça me dépasse.

Pourquoi cette foutue fleur me fatigue plus qu’un boss de fin

On pourrait se dire : “Calme-toi, c’est juste un perso rigolo.” Sauf qu’une mascotte bavarde, répétée en boucle, finit par te vider la tête comme une conversation interminable avec quelqu’un qui ne sait pas s’arrêter.

Il y a un parallèle assez évident avec la vraie vie : on sait que certaines interactions sociales sont épuisantes parce qu’elles saturent notre attention. Monologue, dramatisation, manque d’écoute… Au bout d’un moment, tu sens littéralement ton énergie descendre. La Talking Flower, c’est la version vidéoludique de cette personne. Elle commente tout, rit de tout, remplit chaque silence. Même quand ses répliques sont bien écrites, ça s’ajoute à la charge cognitive de ce que tu fais déjà à l’écran.

Dans un Mario 2D moderne, tu as déjà beaucoup plus d’informations qu’avant : badges, transformations, secrets partout, objectifs de pièces violettes, défis de chronomètre, parfois le multi en ligne ou local. La fleur qui t’aligne une punchline toutes les dix secondes, c’est l’équivalent d’un talking point: tired game : au début, ça fait partie du fun, et très vite, ça devient le truc qui t’épuise en arrière-plan sans que tu comprennes pourquoi tu as envie de couper le son.

En tant que joueur qui adore rejouer ses Mario pour le pur plaisir du flow – ce moment où tu enchaînes les sauts presque en pilotage automatique – ce bavardage constant casse le rythme. Je l’ai ressenti très clairement en repassant certains niveaux de Wonder : la première run, ça va, tu découvres, tu souris. La cinquième, quand tu chasses le 100% ou que tu joues avec des potes, tu n’en peux plus d’entendre la même intonation sur le même obstacle.

Et le pire, c’est que Nintendo semble interpréter la moindre once d’affection initiale comme un feu vert pour coller la fleur partout. Oui, beaucoup de gens ont dit “en fait, c’est moins agaçant que ce que je craignais”. Mais de là à en faire la nouvelle co-vedette du 40e anniversaire de Mario ? Il y a une sacrée marche – “onward and upward”, comme dirait l’autre.

Ce que la Talking Flower révèle vraiment : Nintendo veut des mascottes, pas des moments

Le fond du problème pour moi, ce n’est pas juste le son de sa voix. C’est la stratégie derrière. Nintendo ne pousse pas la Talking Flower parce que c’est un personnage indispensable à l’univers. Nintendo la pousse parce que c’est un excellent candidat à la mascotte : simple, immédiatement reconnaissable, facilement déclinable en peluches, figurines, jeux de cartes, produits dérivés. Elle parle, donc elle vend du bruit. C’est parfait pour des jouets qui répètent trois phrases préenregistrées.

On l’a déjà vu à plus petite échelle avec Toadette, avec Pauline depuis Odyssey, ou même avec les Lumas après Galaxy. La différence, c’est que ces persos ont gagné leur place parce qu’ils apportaient quelque chose de particulier à l’histoire, au gameplay, à l’ambiance. Pauline, c’est New Donk City. Rosalina, c’est le mythe des étoiles. La Talking Flower, c’est quoi ? Un running gag vocal.

Et là où je trouve que Nintendo déraille un peu, c’est quand ce running gag commence à contaminer d’autres jeux : Mario Tennis Fever, potentiellement d’autres spin-offs derrière, et maintenant un rôle ultra-visible dans les trailers de Wonder Switch 2. On n’est plus dans “on a créé un perso marrant pour ce jeu”. On est dans “on a trouvé un truc qui fait parler les gens, on en fait un pilier marketing”.

À ce rythme, je ne serais même pas surpris de voir un jour un splash screen “Talking Flower rejoint le combat !” dans le prochain Smash Bros.. Et là, franchement, ce serait la caricature totale de cette logique de surexposition. Pendant ce temps-là, des persos comme Dixie Kong, Waluigi ou même des figures plus obscures restent au placard. Parce qu’ils ne parlent pas assez fort, peut-être ?

Quand je vois le lineup du MAR10 Day 2026 – trailer de Super Mario Bros. Wonder – Nintendo Switch 2 Edition, film Super Mario Galaxy en approche, événements spéciaux, LEGO, Tetris 99 à thème – j’ai l’impression que Nintendo a tellement de choses solides à célébrer qu’il n’a pas besoin de surinvestir une fleur bavarde. Et pourtant, elle est là, partout, comme si c’était la nouvelle star de la fête.

Pour être juste : la Talking Flower a aussi des qualités (et des fans)

Je ne vais pas faire semblant d’ignorer pourquoi certains l’adorent. Quand j’ai joué à Wonder avec des enfants de la famille, j’ai vu leurs yeux s’illuminer à chaque nouvelle réplique de la fleur. Ils répétaient ses phrases, se marraient, anticipaient sa prochaine sortie. Dans ce contexte-là, ça fonctionne. Le perso est expressif, la localisation a fait un bon boulot, et ça donne une identité très marquée au jeu.

Il y a aussi un vrai argument du côté accessibilité : avoir un élément visuel et sonore qui commente le décor, souligne un secret ou un danger, ça peut aider des joueurs moins aguerris à comprendre ce qui se passe à l’écran. Et soyons honnêtes, entre deux Poplins insipides et une fleur qui fait des blagues, je prends la fleur tous les jours.

Je reconnais aussi à Nintendo un truc : au moins, dans Wonder, tu peux régler un minimum sa présence. On n’est pas face à une Navi 2.0 impossible à museler. Si tu joues seul, casque sur les oreilles, tu peux diminuer la casse. Là où je décroche, c’est quand on commence à me la vendre en dehors de son terrain de jeu naturel, à coups de peluches parlantes et d’amiibo imposé.

Donc non, je ne suis pas dans le camp “brûlez toutes les fleurs”. Je suis juste dans le camp “laissez-les là où elles sont drôles, et arrêtez de me forcer à en adopter une chez moi”.

Ce que je demande à Nintendo : moins de forcing, plus de choix

Concrètement, qu’est-ce que je veux ? Je ne réclame pas la fin définitive de la Talking Flower. Je veux juste que Nintendo arrête de transformer chaque bonne idée ponctuelle en matraquage global.

1. Dans les jeux : qu’elle reste un condiment, pas le plat principal
Dans Wonder (et sûrement encore plus dans l’édition Switch 2), la fleur devrait être traitée comme une option de saveur. Tu veux un jeu plus silencieux, plus proche de l’ambiance SNES / Wii ? Tu désactives complètement ses interventions, pas juste “moins souvent”. Tu veux un côté cartoon super bavard pour jouer en famille ? Tu montes le curseur à fond.

Et surtout, pitié : n’en faites pas l’unique voix des spin-offs. Un commentateur possible parmi d’autres dans Mario Tennis, OK. L’unique pipelette par défaut, non merci.

2. Dans le merchandising : arrêtez les packs forcés
Le bundle amiibo Captain Toad + Talking Flower, c’est exactement ce qu’il ne faut pas faire. Tu veux vraiment tester la popularité du perso ? Vends-le seul. Qu’il vive ou qu’il meure par lui-même. Mais ne prenez pas en otage tous ceux qui attendent Captain Toad depuis la Wii U.

Je suis collectionneur d’amiibo depuis le tout début. J’ai acheté des persos que je n’utiliserai jamais juste parce que j’aime les figurines Nintendo. Pour la première fois, je me demande si je ne vais pas boycotter un pack par principe, tellement j’ai l’impression d’un “tu l’aimes ou tu le subis”.

3. Dans la com’ : laissez respirer Mario le jour de son anniv
Pour le 40e anniversaire, on a une nouvelle édition de Wonder, un film Galaxy, des events, des jeux en promo, du contenu Nintendo Switch Online… On n’a pas besoin de coller la Talking Flower partout pour combler un vide. Mario n’a pas besoin d’un sidekick bavard pour exister. Il l’a prouvé pendant plusieurs décennies sans elle.

Utilisez-la comme un clin d’œil, un easter egg dans un trailer, pas comme la nouvelle MC officielle de chaque vidéo MAR10 Day.

En tant que joueur, je choisis mes combats… et mes fleurs

Au final, cette histoire de Talking Flower a changé un truc très concret dans ma façon de consommer Nintendo. Là où j’achetais quasiment tous les jeux et amiibo Mario day one, je deviens plus sélectif. Je regarde un trailer, je vois la fleur omniprésente, j’ai un réflexe de méfiance : est-ce que ce jeu veut que je joue, ou est-ce qu’il veut que j’écoute ? Est-ce que je paye pour un platformer, ou pour un podcast déguisé en plate-forme 2D ?

Je continuerai à jouer à Wonder sur Switch 2, parce que mécaniquement, c’est un des Mario 2D les plus inspirés depuis longtemps. Je continuerai à célébrer MAR10 Day en replongeant dans mes niveaux préférés, en remettant la cartouche de Mario Galaxy, en découvrant le film au cinéma. Mais je réserve le droit de dire : cette fleur a fait son temps en haut de l’affiche.

On a le droit, en tant que joueurs, d’aimer un perso dans son contexte sans vouloir en faire la nouvelle mascotte omniprésente. On a le droit de dire “c’était cool dans Wonder, maintenant passez à autre chose”. Et on a surtout le droit de refuser que chaque bonne idée devienne un produit dérivé qui nous accompagne jusque sur nos étagères, nos menus d’icônes, nos parties de tennis virtuelles.

Si Nintendo sait faire quelque chose mieux que tout le monde, c’est créer des moments mémorables de jeu pur. La Talking Flower, utilisée avec parcimonie, peut participer à ces moments. Transformée en bruit de fond permanent, elle les étouffe. Et je ne joue pas à Mario pour me sentir comme après une conversation qui m’a pompé toute mon énergie.

Alors pour ce MAR10 Day et pour les 40 ans de Mario, je lève mon champi à tous les Gumbas écrasés, aux Koopalings qui reviennent dans Wonder Switch 2, aux mondes imaginés avec un soin dingue… et je souhaite à la Talking Flower de retrouver sa place idéale : une touche de couleur au bord du chemin, pas un mégaphone collé à la bouche du plombier.

Le moment où j’ai arrêté de « jouer vite » à Zelda

Je me souviens très précisément du moment où Tears of the Kingdom m’a attrapé par le col. J’étais encore sur l’Île Céleste du Prélude, tuto plié, prêt à « optimiser » ma route comme dans n’importe quel open world moderne. J’ai sauté du bord, ouvert le parapente… et j’ai juste… laissé tomber. Littéralement. Pas vers le sol, mais dans cette espèce de temps suspendu où le jeu me disait sans un mot : « Arrête de courir, regarde. »

Je joue à Zelda depuis Ocarina of Time. J’ai bourlingué des centaines d’heures dans Breath of the Wild, j’ai rincé des mondes ouverts entiers à coups de fast travel, de montures turbo, de grappins qui font de toi un Spider-Man discount. Mais là, en planant au-dessus d’Hyrule, j’ai senti un truc que je ne ressens quasiment jamais dans les AAA d’aujourd’hui : l’autorisation claire de perdre du temps, de juste rester en l’air, de pratiquer un vrai « staying aloft » contemplatif.

Et je vais le dire cash : pour moi, ce parapente est l’une des décisions de game design les plus intelligentes de ces dix dernières années. Pas parce qu’il te permet d’aller plus vite, mais parce qu’il t’encourage à aller plus lentement. Tears of the Kingdom choisit délibérément de rendre la traversée du monde inefficace, presque absurde, pour que tu sois obligé de le ressentir au lieu de simplement le consommer.

Le parapente comme manifeste anti-fast travel

La plupart des open worlds actuels partent tous du même postulat débile : se déplacer est une corvée, donc il faut le raccourcir au maximum. Résultat : tu débloques trois chevaux, quatre voitures, un deltaplane pétaradant, un grappin, puis on t’offre le fast travel illimité parce que, mon dieu, surtout ne passe pas plus de 15 secondes à contempler ton environnement, il faut cocher des cases sur ta carte.

Tears of the Kingdom fait tout l’inverse. Oui, tu as le voyage rapide. Oui, tu peux casser le jeu avec des machines Zonai absurdes, des avions à réacteur et des fusées collées sur des boucliers. Mais le cœur de l’expérience, celui que le jeu te met dans les mains dès que tu sors du tuto, c’est un morceau de toile accrochée à deux bouts de bois. Un parapente qui ne fait qu’une chose : transformer ta chute en glissade douce, lente, fragile.

Et ce qui est brillant, c’est que le jeu ne te force presque jamais à l’utiliser. Tu peux techniquement speeder en chariot zonai ou en abusant des sanctuaires. Mais si tu acceptes ce que le jeu te propose vraiment – ce « staying aloft » à la limite de la méditation – alors Tears of the Kingdom devient un titre radicalement différent, presque à contre-courant de tout ce que fait le AAA moderne.

Le parapente n’est pas un outil d’optimisation. C’est un bouton « prends ton temps ». C’est là que, pour moi, le jeu est politique. Dans un médium obsédé par la vitesse, par les métriques « hours played » et par la productivité même dans nos loisirs, Nintendo a l’audace de te dire : et si tu traînais ? Et si ton plaisir venait précisément du fait de rallonger la route, de rester inutilement en l’air, de transformer chaque déplacement en micro-aventure sensorielle ?

La différence entre voler et « rester suspendu »

Je ne suis pas pilote de planeur, mais j’ai fait assez de simulateurs de vol et de parapente IRL pour reconnaître la sensation que Tears of the Kingdom essaie d’attraper. Beaucoup de jeux disent qu’ils te font voler, mais en vrai ils te font juste traverser l’espace à grande vitesse – type Marvel’s Spider-Man, Just Cause, Saints Row avec ses wingsuits. C’est de l’adrénaline et c’est cool, mais c’est un shoot, pas un état.

Le parapente de TOTK, lui, se rapproche beaucoup plus du planeur. Tu es toujours en train de descendre techniquement, tu n’as aucun moteur, aucun « boost » naturel. Tu n’es pas au-dessus du monde, tu es en négociation permanente avec lui. Ton angle, le sens du vent, ton endurance, l’espoir qu’un courant ascendant près d’une falaise te fasse gagner quelques précieuses secondes. C’est du vol sans puissance, donc du vol où chaque seconde de « staying aloft » est arrachée au vide.

Le jeu te le fait sentir sans jamais t’afficher une jauge de portance. Ce sont les petites choses : cette colline qui t’offre un souffle d’air inattendu, ce courant ascendant au-dessus d’un feu de camp, ce dragon qui te permet d’atterrir au bon endroit sans crasher ta route. Tu finis par lire le paysage comme un planeuriste lit les thermiques : pas en termes d’obstacles, mais en termes d’énergie potentielle.

Et soudain, le monde n’est plus juste « grand ». Il est épais. La carte vue du sol, vue en planant, vue depuis le ciel, depuis les profondeurs… ce ne sont plus les mêmes distances. Ce sanctuaire qui semblait à perpète quand tu marchais devient un simple détour en l’air. Ce gouffre qui avait l’air anodin se transforme en gouffre béant quand tu le survoles pendant trente secondes de chute libre avant d’ouvrir ton parapente au dernier moment. Le rapport à l’échelle est renversé.

Une inefficacité totalement assumée – et salutaire

Je sais que certains vont lever les yeux au ciel. « Mais pourquoi tu t’infligerais ça alors que tu peux fast travel en deux secondes ? » Justement : parce que cette inefficacité est le cœur de la proposition. Tears of the Kingdom est un jeu qui t’offre en permanence la possibilité de ne pas jouer « efficacement ». Et ça, pour un industrie obsédée par la rétention et les KPI, c’est presque subversif.

Après des années d’open worlds à la Ubisoft, j’étais conditionné à optimiser le trajet. Repérer les tours, ouvrir la carte, faire mon itinéraire comme sur Google Maps, téléporter, monter, redescendre. TOTK m’a rééduqué à coups de parapente. À force de me surprendre à me dire « bon allez, je plane juste jusqu’à cette ruine-là », puis « tiens, et si je continuais jusqu’à cette cascade ? », j’ai réalisé que j’avais passé une heure entière à juste… rester en l’air, à ajuster des trajectoires, à me poser sur des corniches pour regarder en bas.

C’est exactement ce que les planeuristes décrivent quand ils parlent de vol : tu ne voles pas pour aller de A à B, tu voles pour prolonger la conversation avec le ciel. TOTK transpose ça en conversation avec son level design. Chaque petite colline, chaque pic rocheux, chaque ruine bizarre dans le lointain devient une promesse, un prétexte pour rester en l’air un peu plus longtemps. Une sorte de staying aloft game caché à l’intérieur d’un Zelda.

Je ne dis pas que tout le monde doit jouer comme ça. Tu es libre de spammer le voyage rapide et de tracer tout droit. Mais honnêtement, si tu fais ça exclusivement, tu rates l’essence du jeu. Tears of the Kingdom a été construit pour que la verticalité soit le gameplay, pas un simple filtre Instagram posé au-dessus d’un open world classique.

Le son, le vide et cette étrange sensation de calme

Ce que je trouve le plus dingue dans ce parapente, c’est comment le jeu l’habille. Dès que tu sautes, la musique se fait discrète, les instruments se raréfient. Tu entends surtout le souffle du vent, les petits chuintements d’air qui glissent sur l’écran. Le mixage sonore est ultra précis : tu sens les accélérations, les ralentissements, pas via un HUD, mais via ton oreille.

Au début, je pilotais comme dans n’importe quel jeu : aller le plus loin possible avec le moins de stamina. Puis j’ai commencé à apprendre à « écouter » le vide. On entend un changement subtil dans le vent quand on passe près d’une paroi, un écho différent au-dessus d’un gouffre, même la manière dont les cris des monstres se déforment au loin. C’est du sound design fait pour t’immerger dans le fait de rester dans l’air, pas pour te presser d’en sortir.

Et surtout, il y a cette impression de temps qui se dilate. Quand tu planes, tu es dans un entre-deux : ni vraiment en combat, ni vraiment en exploration à pied, ni dans un menu. C’est une zone liminale, une pause active. Tu ne « perds » pas du temps, tu le changes de densité. Après certaines batailles bordéliques, je sautais volontairement d’une falaise juste pour me nettoyer la tête en silence, planant vers le premier coin vaguement intéressant à l’horizon.

Contrôle, attunement et le lâcher-prise que peu de jeux osent

Je viens des jeux de baston à la base, des trucs où chaque frame compte, où tu contrôles tout, tout le temps. Dans ce genre de jeux, la maîtrise c’est la domination du système. Tears of the Kingdom, lui, propose autre chose avec son parapente : la maîtrise comme écoute.

Tu ne peux pas forcer le jeu à te faire remonter. Tu ne peux pas spammer un bouton pour avoir plus de portance. Tu ne peux qu’observer : les courants d’air chaud, les surfaces explosives qui créent des updrafts, la disposition des îles célestes qui suggèrent des trajectoires. Ton pouvoir, ce n’est pas de t’imposer au système, c’est de t’y accorder.

Et là, on touche à quelque chose que très peu de jeux osent faire. Beaucoup de titres te flattent avec l’illusion d’un contrôle absolu. TOTK accepte l’idée que le monde t’échappe partiellement, que tu dois composer avec. Tu ne planeras pas aussi loin par temps de pluie (stamina, visibilité), tu rateras un rebord, tu tomberas dans un combat que tu ne voulais pas. Il y a du risque. La question « est-ce que j’ai assez d’endurance pour atteindre cette corniche ? » devient une petite montée d’adrénaline à chaque saut.

Ce n’est pas un manège, c’est un pacte. Tu acceptes de te jeter dans le vide avec des options limitées, et en échange, le jeu te donne cette sensation rare de confiance fragile. Pour moi, c’est mille fois plus intéressant que n’importe quel jetpack over-cheaté qui te transforme en hélico invincible.

Comparé aux autres mondes ouverts, TOTK met tout le monde à poil

Depuis que j’ai passé des dizaines d’heures à simplement planer dans TOTK, je regarde les autres open worlds avec beaucoup moins de patience. Quand un jeu me file un cheval en cinq minutes, un fast travel en dix et un grappin au bout d’une heure, j’ai l’impression qu’il me dit clairement : « Notre monde n’est pas assez intéressant pour que tu aies envie d’y rester. On va donc t’aider à le survoler. »

Ce n’est pas un hasard si les rares jeux qui m’ont marqué depuis quelques années sont ceux qui, comme Tears of the Kingdom, osent ralentir la traversée. Death Stranding et ses marches absurdes. Cairn qui transforme l’escalade en cauchemar organique où chaque prise compte. Et maintenant TOTK, qui fait de la descente en parapente une forme de contemplation active.

La différence, c’est que Zelda réussit à faire ça sans être punitif ou élitiste. Tu peux toujours choisir le confort. Mais le jeu récompense plus généreusement ceux qui acceptent de se laisser prendre par son rythme. Tu ne gagneras pas d’XP pour avoir flotté dix minutes au-dessus d’un vallon, mais tu vas repérer un sanctuaire caché, une grotte, un dragon, un détail architectural que tu n’aurais jamais vu en spammant le fast travel. C’est de la récompense qualitative, pas quantitative.

Pourquoi ce « staying aloft » change ma façon d’acheter des jeux

Je ne vais pas mentir : après Tears of the Kingdom, j’ai beaucoup plus de mal à sortir la carte bleue pour un énième open world « check-list ». Quand je vois un trailer avec un monde immense, des véhicules partout, des lignes de zip, je me pose une question très simple : est-ce que ce jeu me donne envie de rester dans son monde, ou juste de le traverser le plus vite possible ?

TOTK m’a rappelé pourquoi j’étais tombé amoureux du jeu vidéo à la base : pas pour « optimiser mon temps de loisir », mais pour me perdre volontairement. Pour accepter de ne pas être efficace, de ne pas tout voir, de me laisser guider par un bout d’horizon lumineux. Ce parapente, avec son staying aloft à la fois fragile et obstiné, cristallise cette philosophie.

Alors oui, je deviens chiant avec ça. Quand un jeu « open world » ne me laisse pas prendre de la hauteur, planer, lire le paysage, je décroche beaucoup plus vite. Quand je sens que tout est calibré pour que je me téléporte d’icône en icône, je me sens pris pour un consommateur de contenu, pas pour un joueur.

Tears of the Kingdom prouve qu’on peut faire un jeu gigantesque, populaire, Nintendo Switch friendly, et quand même traiter la traversée du monde comme un espace de contemplation, pas seulement comme une corvée à optimiser. Et tant pis si ça paraît « inefficace » sur le papier. C’est justement cette inefficacité revendiquée qui en fait, à mes yeux, un chef-d’œuvre.

En guise de chute (contrôlée)

Au fond, ce que le parapente de Tears of the Kingdom nous dit, c’est que tomber n’est pas forcément un échec. C’est ce que tu en fais qui compte. Tu peux te précipiter vers le sol, ou tu peux accepter de te caler sur le monde, de t’ajuster, de tirer chaque seconde supplémentaire de vol comme un petit miracle.

Après des années à courir d’icône en icône, TOTK m’a appris un truc tout bête : parfois, le meilleur moment de jeu, ce n’est ni le combat, ni la cinématique, ni le puzzle brillamment résolu. C’est ce silence étrange, suspendu, quand tu te lances dans le vide, que tu ouvres ton parapente et que tu décides, juste pour toi, de rester en l’air un peu plus longtemps que nécessaire.

Ce n’est pas seulement un gimmick de traversal. C’est une façon de concevoir le jeu vidéo comme un art du temps et de l’espace, pas comme une course à la productivité ludique. Et si plus de studios avaient le courage de faire des mécaniques qui servent d’abord à nous faire ressentir quelque chose plutôt qu’à nous faire aller plus vite, on passerait sans doute beaucoup moins de temps à spammer le fast travel… et beaucoup plus de temps à simplement, humblement, staying aloft.

Fortnite réduit la valeur des V‑Bucks – et Epic dit que c’est pour « payer les factures »

L’impact immédiat : vous obtiendrez moins de V‑Bucks pour le même prix. Epic Games explique qu’« le coût de fonctionnement de Fortnite a beaucoup augmenté et nous augmentons les prix pour aider à payer les factures ». Plutôt que d’augmenter le tarif en euros/dollars, la société applique une shrinkflation : même somme d’argent, moins de monnaie achetée. La mesure entre en vigueur le 19 mars 2026.

• Ce qui change (exemples) : le pack à 8,99 $ passe de 1 000 à 800 V‑Bucks ; 22,99 $ de 2 800 → 2 400 ; 36,99 $ de 5 000 → 4 500 ; 89,99 $ de 13 500 → 12 500.
• Compensation : le Battle Pass descend de 1 000 à 800 V‑Bucks et sa complétion rapporte 800 V‑Bucks – toujours assez pour acheter le pass suivant.
• Abonnements et passes spéciaux : le Fortnite Crew et certains passes (OG, LEGO, Festival selon les versions) voient leur dotation en V‑Bucks ajustée – Crew passe de 1 000 à 800 V‑Bucks mensuels.
• Remboursement / Epic Rewards : Epic annonce un système de cashback/« Epic Rewards » pour atténuer la sensation d’augmentation ; les comptes rendus varient (certains médias parlent d’un « ~20 % en récompenses » tandis que d’autres détaillent montants précis).

Pourquoi ça nous arrive maintenant et ce que ça veut dire

Le timing n’est pas anodin : l’annonce coïncide avec des teasers autour du mode Save the World et des rumeurs de changements stratégiques chez Epic. Pour une grosse machine live-service qui annonce 5,7 milliards de dollars de revenus l’an passé, la justification « les coûts ont monté » sonne comme un message destiné à préparer sa base d’utilisateurs à un nouveau modèle de revenus sans toucher aux prix affichés.

Concrètement, Epic a choisi un compromis : vous payez la même somme, mais la monnaie achetée diminue — et ils réduisent le prix interne des passes afin que les joueurs « fidèles » (ceux qui terminent leur pass) ne soient pas forcés de dépenser plus pour suivre la saison. C’est une manière de protéger la mécanique du jeu (compléter un pass = pouvoir en acheter un autre) tout en transférant la hausse de coût vers l’achat direct de cosmétiques.

La vraie question que personne ne pose (et que j’aurais posée au PR)

La question que j’aurais posée au service presse : allez‑vous réévaluer aussi le prix en V‑Bucks des objets en boutique pour éviter qu’un skin à 2 600 V‑Bucks ne nécessite désormais l’achat d’un pack supplémentaire en argent réel ? Autrement dit : est‑ce que l’alignement entre paliers V‑Bucks et prix des cosmétiques va être revu, ou attendez‑vous que ce soit l’économie des joueurs qui comble le manque ?

Ce que ça change pour le joueur qui dépense

Pour les acheteurs occasionnels : attendez‑vous à devoir parfois débourser plus en monnaie réelle pour un même objet si vous n’avez pas de réserve de V‑Bucks. Exemple type : un bundle à 2 600 V‑Bucks pouvait se couvrir avec un pack à 22,99 $ ; plus maintenant. Pour les compléteurs de passe et abonnés Crew, Epic a limité la casse — mais votre pouvoir d’achat en boutique diminue.

Points de convergence et divergences entre les sources

• Toutes les sources s’accordent sur la shrinkflation, la date du 19 mars et la baisse du Battle Pass à 800 V‑Bucks.
• La divergence tient au détail du « cashback » : certains articles parlent d’un remboursement chiffré (montants précis par pack), d’autres d’un pourcentage autour de 20 % via Epic Rewards. Epic n’a pas été ultra‑clair publiquement sur la mécanique complète dans tous les marchés.

À surveiller

• 19 mars 2026 : suivi du déploiement et lecture intégrale du post officiel d’Epic (notes précises sur Epic Rewards et modalités régionales).
• Changements de prix dans la boutique : Epic augmente‑t‑il les prix en V‑Bucks des objets pour réaligner les paliers ?
• Réaction de la communauté : pics de désabonnement Crew, plaintes sur les réseaux et actions des influenceurs — ça dictera la communication suivante d’Epic.
• Évolution de Save the World : si Epic prépare une grosse relance gratuite, attendez‑vous à des mécanismes monétisés annexes qui expliqueront en partie ce choix.

TL;DR

Epic réduit le nombre de V‑Bucks par pack à partir du 19 mars, invoquant la hausse des coûts d’exploitation. Pour limiter l’impact, le Battle Pass et certaines dotations Crew passent de 1 000 à 800 V‑Bucks et la complétion garantit toujours le pass suivant. Surveillance clé : est‑ce que les prix des cosmétiques vont être réajustés en V‑Bucks, ce qui rendrait l’opération plus coûteuse en argent réel pour les acheteurs occasionnels.

Pourquoi Concrete Genie me tient encore aux tripes

Je pense régulièrement à Concrete Genie, et pas seulement parce que son icône Platine trône dans ma liste de trophées. J’y pense parce qu’il représente exactement ce que je veux voir sur une console PlayStation, et exactement le genre de jeu que PlayStation a décidé de laisser crever.

Je joue depuis la PS1, j’ai bouffé des centaines d’heures de JRPG, de jeux de baston, d’open worlds boursouflés, et des indés minuscules qui se terminent en une soirée. Je suis aussi ce genre de malade qui aime les trophées, mais pas au point de ruiner son plaisir pour un 100 % débile. J’ai des Platines honteux gagnés à l’arrachée, et d’autres que je considère comme des souvenirs précieux. Concrete Genie fait clairement partie de cette deuxième catégorie.

Le truc, c’est que ce Platine-là, je ne l’ai pas gagné en mode “grind”, checklist à côté et YouTube sur l’écran du téléphone. Je l’ai obtenu en vivant le jeu, en me laissant porter par son idée centrale : dessiner de la vie et de la couleur dans une ville morte. Et c’est précisément pour ça que l’histoire de PixelOpus me reste en travers de la gorge.

Un exclusif PS4 qui misait sur l’imagination, pas sur le FOMO

Souviens-toi du line-up PS4 autour de 2019 : gros AAA cinématiques, open worlds saturés de marqueurs, shooters ultra-polishés. Et au milieu de tout ça, tu as Concrete Genie, un jeu Sony qui te dit littéralement : “Tiens, voilà un pinceau magique, repeins cette ville déprimée à ta façon”. Tu incarnes Ash, un gamin harcelé qui se réfugie dans ses dessins. Tu découvres que ce que tu griffonnais dans ton carnet peut prendre vie sur les murs de Denska grâce à un pinceau magnifique qui illumine la crasse.

On ne va pas se mentir : ce n’est pas un jeu “profond” au sens mécanique du terme. On est loin de la complexité d’un Monster Hunter, d’un Souls ou d’un gros RPG système-sur-système. Mais ce n’est pas ce qu’il cherche à être. Il veut que tu ressentes la sensation d’enlever la suie d’un endroit qui a été abandonné, juste avec de la couleur et de la lumière. Il veut que tu aies ce petit frisson quand tes créatures prennent vie et se mettent à gambader sur les murs que tu viens de peindre.

J’ai passé des sessions entières à ne rien faire d’“utile” : juste repeindre des façades, rajouter des plantes, des étoiles, des éclairs, voir comment mes génies réagissaient à mes lubies. La ville de Denska reste couloirisée, le level design n’a rien de révolutionnaire, mais c’est presque secondaire. Le jeu te donne la permission de faire joli, juste pour le plaisir. Dans un écosystème PlayStation obsédé par la rentabilité, par le “player engagement” et par te retenir dans un jeu-service, c’est presque subversif.

On sent aussi la patte “indé sous bannière Sony” : ce mix un peu bancal mais sincère entre une production modeste et des idées visuelles de malade. À certains endroits, la ville est tellement couverte de mes fresques que ça devient presque illisible, mais j’adorais ça. Ça me rappelait mes premières claque artistiques sur console, genre Okami ou, dans un autre style, la poésie chelou de Shenmue qui prenait le temps de te laisser exister dans son monde sans check-list agressive.

Et au cœur de tout ça, tu as la narration très frontale sur le harcèlement et la culpabilité, sans être lourdingue. On est loin des scénarios AAA calibrés, mais l’émotion fonctionne parce que tout est aligné : thème, mécaniques, visuel. Tu repeins Denska, mais tu répares aussi des gosses cassés par la vie. Simple, peut-être, mais honnête.

Un Platine qui respecte ton temps (et ton cerveau)

Parlons trophées, parce que c’est là que Concrete Genie m’a vraiment surpris. Je me méfie souvent des listes de trophées des jeux Sony. Il y a ce réflexe agaçant de rajouter des défis artificiels, du grind, voire des trophées multijoueurs complètement hors-sujet. Combien de fois j’ai vu des Platines ruinés par un “termine le jeu en Super Ultra Hard” ou un “gagne 50 matchs en ligne avec tel perso” alors que le cœur du jeu n’est pas là ?

Concrete Genie, lui, fait l’inverse. Sa liste de trophées colle au rythme naturel de la partie. Tu as des trophées pour expérimenter avec ton pinceau, pour interagir avec tes génies, pour explorer un peu plus chaque zone. Tu as bien quelques collectibles à récupérer, mais rien d’ignoble. Pendant ma première run, j’ai vu les pops tomber les uns après les autres sans que j’aie l’impression de “travailler” pour eux.

Je me rappelle d’un moment précis : j’étais en train de bidouiller un mur avec plein de plantes et des motifs lumineux, juste parce que le spot me plaisait bien. Et d’un coup, trophée. Non pas parce que j’avais coché une case débile, mais parce que le jeu avait anticipé que si tu t’amusais vraiment avec ses outils, tu ferais exactement ça. C’est ce genre de trophée que je respecte.

Au final, quand le Platine est tombé, j’avais presque tout obtenu “en jouant normalement”. Les derniers manquants, c’était quelques interactions spécifiques avec les génies et une poignée de trucs ratés dans certains quartiers. J’ai fait un tour avec un guide pour ne rien oublier, mais je n’ai jamais eu ce sentiment d’être en train de trahir l’intention du jeu pour mon égo numérique.

À côté de ça, tu as les trophées liés aux modes PSVR, qui sont sur une autre liste. J’ai testé la VR par curiosité – peindre en 360°, c’est franchement cool deux heures – mais je n’ai pas poussé au 100 %. Et tu sais quoi ? Je m’en fous complètement. J’ai le Platine de l’expérience principale, celle qui compte. Le fait que PixelOpus ait résisté à l’envie de coller des trophées VR obligatoires dans la liste principale, rien que ça, mérite un respect éternel.

Voilà à quoi ressemble un bon design de trophées pour moi : une liste qui accompagne ton envie d’explorer le jeu, au lieu de la détourner. Concrete Genie ne cherche pas à te piéger. Il t’encourage à profiter de ses mécaniques, à jouer avec sa physicalité, pas à répéter des actions sans âme pendant dix heures pour un pauvre pourcentage en plus.

Quand Concrete Genie cède à la tentation du combat

Tout n’est pas parfait non plus, et c’est aussi pour ça que j’aime ce jeu : il ose, il se plante un peu, mais au moins il essaye. Le plus gros couac, c’est évidemment cette bascule en mode “combat” dans le dernier quart du jeu. Pendant des heures, on est dans une vibe quasi méditative : tu fuis les harceleurs, tu grimpes sur les toits, tu cherches des surfaces à repeindre. Et soudain, boum, tu te retrouves à affronter des sortes de “dark genies” dans des arènes.

On sent à des kilomètres la réunion de design qui a mené à ça : “Il nous faut un climax, un gameplay plus dynamique pour la fin, les joueurs vont s’ennuyer sinon”. Résultat : un système de combat ultra-basique qui n’a pas le temps de se développer. Ce n’est pas catastrophique, ça se joue, mais ça casse la magie. Pendant ces séquences, j’avais l’impression de jouer à un autre jeu, plus banal, plus “conventionnel”.

Et pourtant, je ne peux pas vraiment en vouloir à PixelOpus. Dans le contexte Sony de l’époque – et encore plus aujourd’hui — on sent la pression permanente pour cocher certaines cases : un peu d’action, un peu de spectacle, un final plus “jeu vidéo” que “poème interactif”. C’est le même réflexe qui poussera un gros éditeur à coller un mode multi où personne ne joue, juste pour gonfler le communiqué de presse.

Du point de vue des trophées, par contre, je salue un truc : le jeu ne t’oblige pas à maîtriser ce système pour décrocher le Platine. Tu dois finir l’histoire, évidemment, donc tu passes par le tunnel de combats imposés, mais il n’y a pas de trophée “termine le jeu sans être touché” ou “enchaîne 200 coups parfaits”. PixelOpus n’a pas utilisé la liste de trophées pour valider son choix douteux. Et ça, c’est tout à son honneur.

PixelOpus sacrifié, et le PlayStation que j’aimais s’éloigne

Ce qui me rend amer avec Concrete Genie, ce n’est pas que le jeu soit imparfait. C’est qu’il soit le dernier jeu de PixelOpus. Le studio a fermé en 2023, après seulement deux projets : Entwined et Concrete Genie. Deux jeux expérimentaux, deux jeux profondément artistiques, deux jeux qui ne correspondaient clairement pas au nouveau fantasme de Sony : des méga-blockbusters ou des live-services calibrés.

On connaît désormais la chanson : restructurations, fermetures, projets annulés. Dans les années qui ont suivi, d’autres studios ont été broyés par la même machine, y compris des noms respectés comme Bluepoint, fermé après une acquisition mal gérée et un projet live-service annulé. C’est un schéma : tu prends des équipes avec une identité claire, tu les forces à entrer dans le moule du “jeu-service à forte rétention”, tu te plantes, et c’est eux qui paient l’addition.

PixelOpus, eux, n’ont même pas eu le temps de se planter sur un troisième jeu : on leur a simplement coupé l’herbe sous le pied. Et là où je suis en colère, c’est que Concrete Genie montrait justement une progression. Le jeu n’est pas parfait, mais on sent un studio qui apprend, qui affine, qui ose. Donner une seconde chance à ce genre d’équipe, ce n’est pas un luxe, c’est un investissement dans la diversité du catalogue.

Le plus ironique dans tout ça, c’est que Sony adore mettre en avant l’“art” et l’“innovation” dans ses conférences, ses making-of chiadés, ses spots marketing sur la créativité. Mais quand il s’agit de soutenir les petits studios internes qui incarnent réellement ces valeurs, bizarrement, il n’y a plus personne. Concrete Genie est exactement le genre de jeu que tu montres dans un montage émotionnel pour vendre une marque, puis que tu abandonnes dans la vraie vie.

Pour moi, ce Platine a fini par devenir un symbole : celui d’une époque où PlayStation pouvait encore financer un projet étrange, court, imparfait, mais sincère, sans exiger qu’il te retienne pendant 500 heures ou te vende un battle pass. Aujourd’hui, je me surprends à hésiter beaucoup plus avant de m’investir à fond dans les exclusifs de la marque. Je ne parle même pas de précommandes, c’est terminé depuis longtemps. Je parle de mon attachement émotionnel.

Ce que le Platine de Concrete Genie nous apprend sur le game design et les trophées

Si je devais résumer ce que Concrete Genie m’a appris en tant que joueur exigeant, ce serait ça : un bon Platine doit être la conséquence naturelle d’une relation saine avec le jeu, pas un contrat toxique où tu sacrifies ton temps pour flatter un algorithme de complétion.

Quand je repense à certains de mes Platines les plus douloureux, je revois des nuits à farmer des spawns aléatoires, à recommencer un New Game+ artificiel, à subir un mode de difficulté que même les devs ne devaient pas trouver amusant. Oui, ça fait gonfler mon nombre de Platines. Non, ça n’améliore pas mon souvenir du jeu. Au contraire, je finis souvent par le détester un peu.

Avec Concrete Genie, c’est l’inverse. Le Platine prolonge mon affection pour le jeu. Quand je revois la petite coupe bleue dans ma liste, je repense à l’ambiance de Denska, aux animations maladroites mais touchantes des génies, à ces soirs où je peignais juste pour le plaisir. Je ne pense pas à un défi débile ou à un farm sans fin. Je pense à ce que le jeu faisait de mieux.

Je serais ravi de voir plus de studios — y compris des gros — copier cette philosophie :

• Des trophées qui encouragent l’expérimentation (et pas la répétition mécanique).
• Des listes qui respectent la durée de vie naturelle du jeu au lieu de la gonfler artificiellement.
• Des défis qui renforcent l’identité du jeu plutôt que d’en importer une autre (non, ton jeu narratif n’a pas besoin d’un mode “one shot death”).
• Une séparation claire entre contenu principal et bonus (comme la VR ici), sans forcer tout le monde à tout voir pour le Platine.

Est-ce que ça va arriver massivement dans une industrie obsédée par les courbes de rétention et les KPI ? Probablement pas. Mais les exemples comme Concrete Genie existent, et c’est à nous, joueurs, de les mettre en avant. Pas juste en râlant sur les fermetures de studios, mais en célébrant les jeux qui ont fait les choses bien, même s’ils n’ont pas vendu 20 millions de copies.

Pour moi, ce Platine restera comme un petit rappel permanent : oui, on peut faire un jeu qui parle d’art, d’empathie et de rédemption, et en faire aussi un terrain de jeu idéal pour un chasseur de trophées. Oui, ça peut exister sur une grosse plateforme comme PlayStation. Et oui, c’est précisément ce genre de trucs qu’on est en train de perdre quand on laisse crever des studios comme PixelOpus.

Alors non, Concrete Genie n’est pas le jeu le plus important de la génération PS4. Mais pour moi, c’est un marqueur. Le signe qu’à un moment, même au milieu du bullshit corporate et des stratégies live-service, des gens dans un coin de Sony ont cru qu’un petit jeu sur un gamin qui repeint sa ville méritait d’exister. Et rien que pour ça, ce Platine-là, je ne suis pas près de l’oublier.

Pourquoi Medieval 3 me parle autant, après des années de lassitude

Je vais être honnête : ça faisait longtemps que je n’avais pas ressenti un vrai frisson d’excitation pour un Total War historique. J’ai grandi avec Rome, Medieval II et Shogun 2. Ces jeux ont littéralement influencé mes études, mes lectures, ma vision de l’histoire. J’ai passé des centaines d’heures à micro-gérer des phalanges romaines, à faire tenir une ligne de piquiers suisses, à prier pour que ma cavalerie lourde ne s’empale pas sur une forêt de lances.

J’aime beaucoup Total War: Warhammer, je ne vais pas faire semblant du contraire. Je me suis régalé à lancer des comètes de Cassandora sur des armées entières, à voir des dragons faire exploser des lignes entières en une animation. Mais au fond, ce n’est pas pour ça que je suis tombé amoureux de la série. Ce qui me tenait éveillé jusqu’à trois heures du matin à l’époque de Medieval II, c’était cette impression de poids, de crédibilité, de bataille sale, où chaque charge ratée coûtait vraiment quelque chose.

Et ces dernières années, ce feeling s’est barré. Les batailles historiques sont devenues trop rapides, trop « blob », trop arcade, comme si tout devait être consommé en 10 minutes chrono. Ajoute à ça une communication de plus en plus bancale chez Creative Assembly, des lancements douteux, du contenu payant mal reçu… et j’avais honnêtement rangé l’espoir d’un Medieval 3 digne de ce nom dans la même boîte que Shenmue 4 : le fantasme de fan.

Alors quand j’ai vu Creative Assembly ouvrir en grand les coulisses de Total War: Medieval 3, montrer un build ultra-précoce en stream le 5 mars, assumer les prototypes, demander du feedback en direct… là, j’ai levé un sourcil. Et en écoutant leurs plans pour les batailles et les sièges, j’ai eu ce sentiment très précis : ok, là, ils essaient vraiment de revenir à ce qu’on leur demande depuis des années.

Voir un build gris moche en stream : le choc (salutaire) chez un studio AAA

Ce qu’a fait CA avec Medieval 3, ce n’est pas juste un petit « dev diary » proprement monté. Ils ont montré un build qui, dans la plupart des studios, ne sort jamais des murs du studio. Interface temporaire, assets gris, animations pas finies, systèmes qui se contredisent parfois. C’est tout sauf sexy.

Et pourtant, ça a mille fois plus de valeur qu’un trailer cinématique en CGI qui ne reflète rien du vrai jeu. On a vu des batailles test, des sièges en mode sandbox, des unités qui se bousculent aux portes, des murs à moitié texturés… mais surtout, on a entendu les designers expliquer pourquoi ils essaient ces choses-là, ce qu’ils veulent corriger par rapport aux anciens Total War.

Dans une industrie où les gros studios préfèrent planquer le développement derrière des embargos ridicules et des vertical slices sur-polies, voir Creative Assembly dire « voilà l’état réel de Medieval 3 en pré-production, démontez-nous en commentaires » est presque irréel. Surtout venant d’un studio qui, soyons francs, a cramé pas mal de bonne volonté ces dernières années.

Mais ce n’est pas juste la forme qui me parle. C’est le fond : les choix qu’ils mettent sur la table pour les batailles et les sièges. On n’est pas en train de parler d’un énième gimmick ou d’une surcouche de systèmes inutiles. On parle du cœur de Total War : la manière dont deux armées se rentrent dedans.

Des batailles qui retrouvent du poids : cohésion, rythme, lignes qui tiennent (ou pas)

Le mot-clé qui a fait tilt chez moi : cohésion. Dans Medieval 3, les développeurs veulent que les unités ne soient plus juste des blobs de statistiques qui se mélangent, mais de vraies formations qui tiennent, se brisent, se reforment. La cohésion baisse quand tu fais sprinter tes troupes comme un sauvage, quand elles prennent des chocs, quand tu les fais traverser un goulot d’étranglement. Et tant qu’elles ont encore un minimum de cohésion, elles résistent mieux aux charges, tiennent leur formation, gardent cet aspect « mur de boucliers » qu’on fantasmait tous en lisant des bouquins sur Hastings ou Bouvines.

Ce détail change tout. Dans beaucoup de Total War récents, la ligne de front finissait systématiquement en gros tas informe où l’on distinguait à peine qui frappait qui. Tu cliquais, tu voyais les barres de vie baisser, et tu attendais la déroute. Tactiquement, ça devenait pauvre. Là, si la cohésion détermine à quel point tu peux percer une formation, si le résultat d’une charge de cavalerie dépend du timing et de l’état de la ligne ennemie, on retrouve enfin la micro-gestion un peu sale et satisfaisante de Medieval II ou Shogun 2.

Les développeurs parlent aussi d’un rythme plus lent, avec des phases de bataille distinctes : d’abord l’escarmouche, ensuite le choc des lignes, puis la poursuite, la désintégration, les derniers points de résistance. Ça peut paraître évident, mais ça ne l’est plus depuis un moment. Dans Warhammer surtout, tout explose tellement vite, tellement fort, qu’on passe parfois de « rien » à « armée en miettes » en un sort et deux charges monstrueuses.

Je ne demande pas que Medieval 3 devienne un simulateur hyper lent où tu regardes des bonshommes marcher pendant 20 minutes. Mais des batailles où tu as le temps de lire la situation, d’ajuster, de pousser ta réserve dans la brèche, de décider si tu sacrifies tes levées pour sauver tes chevaliers… ça, c’est le Total War que j’ai envie de retrouver. Et de ce qu’on a vu du prototype, c’est clairement l’intention.

Évidemment, tout ça est encore au stade expérimental. Les devs eux-mêmes répètent que rien n’est gravé dans le marbre. Mais pour la première fois depuis longtemps, leurs priorités – lisibilité des lignes, importance de la formation, impact réel des charges, fin des blobs absurdes – sont exactement celles que j’ai listées en rageant avec des potes sur Discord après ma énième bataille débile dans un Total War récent.

Des sièges enfin crédibles : du sang, de la sueur, pas juste des points de capture

Les sièges, c’est l’autre gros morceau. Et là, je vais être cash : les sièges de la plupart des Total War des dix dernières années sont une honte. Des labyrinthes de rues artificiels, des points de capture placés n’importe où, une IA qui se coince, des batailles qui se jouent plus sur le pathfinding que sur la stratégie… Combien de fois j’ai soupiré en voyant « Bataille de siège » dans l’interface, en sachant que ça allait être un carnage d’ergonomie.

Dans Medieval 3, ils veulent repartir de zéro avec une idée forte : un siège, c’est un système défensif vivant. Les défenseurs peuvent adapter leurs défenses avec des barricades, des plateformes, des positions renforcées. On n’est plus sur ces murs abstraits avec des tours automatiques qui vomissent des flèches, mais sur une ville ou un château que tu prépares vraiment, que tu façonnes selon tes priorités.

Autre point qui me semble sain : on ne parle pas d’attaques à 360° ridicules sur des aureoles de villes. L’idée est plutôt d’organiser l’assaut en plusieurs axes crédibles, avec des goulots, des portes, des fossés, des zones préparées en amont sur la carte de campagne – des tranchées, des palissades, des murs extérieurs que tu construis avant le siège et que tu retrouves en bataille.

Et surtout, cette fois, les engins de siège sont au centre, pas un simple prétexte à poser une tour et une échelle avant de passer en mode mêlée géante. Catapultes, béliers, tours, sapeurs… tout ça devrait reprendre une place stratégique. Si la cohésion et les goulots d’étranglement sont réellement pris en compte, prendre une porte peut devenir une boucherie mémorable, pas juste un tas de sprites qui vibrent en l’air.

Ça reste des promesses, mais ce sont les bonnes promesses. Et le fait de voir des versions grises, moches, mais jouables de ces mécaniques en stream me donne beaucoup plus confiance que n’importe quel slogan « sièges repensés » dans un trailer pré-mâché.

Armées levées, paysans épuisés : le retour du médiéval sale et politique

Autre décision qui m’a parlé immédiatement : tu ne commences pas Medieval 3 avec des armées permanentes hyper professionnelles. Au début de campagne, tes forces sont surtout des levées de paysans, tirées directement de la population locale. Lever une armée vide les champs, ruine la production, met ton économie à genoux. Et la qualité de ce que tu peux rassembler dépend de ta légitimité, de ton autorité réelle.

Pour moi qui adore l’époque médiévale justement parce qu’elle est profondément instable, violente, politique, cette approche est logique. On est loin du délire « dix stacks full armure de plates au tour 20 » qu’on a parfois connu. Lever une armée doit être une décision lourde, presque désespérée : est-ce que je vide mon comté de ses hommes pour repousser cette invasion, au risque de ne plus pouvoir récolter ? Est-ce que je sacrifie mes bonnes troupes pour mater une révolte ?

Les développeurs parlent aussi de rétinues régionales, de seigneurs qui amènent avec eux un noyau de troupes attachées à leur terre, à leur histoire. À terme, tu peux accéder à des forces plus professionnelles, des armées permanentes, mais ça se mérite. Là encore, ça colle bien mieux à l’imaginaire médiéval que cette vision « empire industriel » qu’on a parfois eue dans des épisodes plus tardifs.

Est-ce que ça risque d’alourdir la gestion, de rajouter de la micro pénible ? Clairement, c’est un danger. J’ai passé assez d’heures sur Crusader Kings pour savoir qu’on peut vite basculer du sublime au spreadsheet. Mais c’est typiquement le genre de mécanique qui gagne à être testée publiquement, ajustée avec le retour des joueurs. Et c’est exactement ce que fait CA en ce moment avec ses sessions de feedback et ses prototypes joués en live.

Une transparence qui rachète (un peu) des années de bullshit

On ne va pas réécrire l’histoire : Creative Assembly a salement entamé sa relation avec une partie de la communauté. Lancement bancal de Rome II à l’époque, spin-offs mous comme Thrones of Britannia, communication floue autour de certains DLC, fin de support brutale sur des jeux encore ultra-populaires, réception compliquée de titres comme Pharaoh… À force, même les fans les plus loyaux ont cessé de prendre leurs promesses au sérieux.

Du coup, quand je vois un gros studio dire « on va être transparents », j’ai un réflexe de méfiance. Trop souvent, c’est juste un mot-clé marketing pour dire « on va mieux emballer la même merde ». Sauf que là, la transparence n’est pas jolie. Elle est brutale, presque gênante : on voit les systèmes qui ne marchent pas encore, les idées pas finalisées, les mécaniques qui vont probablement disparaître.

Et surtout, ils ne se contentent pas de dire « on vous écoute ». Ils expliquent aussi ce qu’ils ne feront pas. Par exemple, la fameuse demande récurrente de la communauté pour des unités complètement modulaires, où tu customises chaque escouade à l’extrême. Medieval 3 ne va pas dans cette direction. CA le dit clairement, en expliquant pourquoi ça ne colle pas à leur vision, comment ils veulent plutôt jouer sur les rétinues, les traditions régionales, la composition des retinues plutôt que du soldat individuel.

Je ne suis pas forcément d’accord avec tout. Mais je préfère mille fois un studio qui pose une vision cohérente, discutable, que ce flou mou où tout est « à l’étude » jusqu’au jour de la sortie. La transparence qui compte, ce n’est pas montrer des jolis screenshots, c’est assumer ses choix de design, même impopulaires.

Pourquoi certains fans restent sceptiques (et pourquoi je ne les blâme pas)

Je vois très bien pourquoi une partie de la communauté garde les bras croisés. On a déjà entendu des grandes promesses de batailles plus lentes, plus tactiques. On a déjà vu des discours enflammés sur les sièges « entièrement réinventés ». On a déjà eu des engagements sur le suivi à long terme d’un jeu qui ont fini en queue de poisson.

Et oui, il y a toujours le risque que cette transparence serve de bouclier : « on vous avait prévenus que c’était expérimental », « vous avez vu le processus, donc ne vous plaignez pas si certaines features sautent ». C’est un danger réel, et ce serait franchement dégueulasse si CA s’en servait comme ça.

Mais pour être franc, je préfère largement ce risque-là au statu quo précédent : découvrir au lancement que les batailles sont bancales, que les sièges sont ratés, que la moitié des systèmes promis ont disparu dans un coin de patch note. Voir Medieval 3 se construire presque en temps réel, ça me permet de calibrer mon attente. Je ne vais pas précommander un collector hors de prix sur la base de jolis mots, mais je commence à envisager l’idée de refaire ce que je n’avais plus fait depuis longtemps : bloquer une semaine de congés juste pour un Total War historique.

Le scepticisme est sain. La hype aveugle, on en a tous bouffé suffisamment. Mais si on veut que des studios AAA continuent de tenter ce genre d’ouverture, il faut aussi reconnaître quand l’effort est réel. Et là, en tant que vieux fan de batailles historiques, je serais malhonnête de prétendre que Medieval 3 ne va pas dans la bonne direction.

Ce que Medieval 3 peut changer pour l’avenir de Total War

Un truc qu’il ne faut pas sous-estimer : Medieval 3 n’est pas un one-shot. Il tourne sur un nouveau socle technologique, pensé pour être partagé avec d’autres projets, y compris ceux qui vont très loin de l’historique pur (coucou Warhammer 40K). Ça veut dire que si CA réussit à clouer l’ambiance des batailles médiévales, la cohésion, les sièges, tout ce travail peut devenir la base de la prochaine génération de Total War historiques.

On parle aussi de modding dès le lancement, avec des outils plus accessibles. Pour une série dont la longévité dépend énormément de ses communautés de moddeurs, c’est crucial. Combine ça avec un système de campagne où les lois, les formes de succession, la structure politique peuvent évoluer en milieu de partie, et tu commences à entrevoir un jeu qui n’est pas seulement solide au jour 1, mais capable de vivre des années.

Si Medieval 3 rate, ce sera catastrophique pour la confiance envers les Total War historiques. Mais s’il réussit, s’il parvient à offrir ces batailles lourdes, lisibles, crédibles que beaucoup réclament depuis Rome II, il peut servir de feuille de route. Je veux que, dans quelques années, quand on parlera d’un éventuel Empire 2 ou d’un nouveau Shogun, on dise : « OK, ils reprennent la base de Medieval 3, on sait que les batailles seront solides. »

Conclusion : oui, Creative Assembly, continuez de nous montrer les tripes

Je n’ai pas soudainement oublié les ratés de Creative Assembly. Je n’ai pas décidé magiquement que tout est pardonné parce qu’ils ont montré des unités grises qui se cognent dans une porte. Mais en tant que joueur qui a construit une partie de sa passion du jeu vidéo autour de Total War, je préfère largement être ici, maintenant, en train de disséquer un build ultra-précoce de Medieval 3, que d’attendre un trailer bidon à l’E3 qui ne veut rien dire.

J’ai envie d’y croire parce que tout ce qu’ils mettent en avant — la cohésion, le rythme plus lisible, les sièges pensés comme des systèmes vivants, les levées qui saignent ton économie, les retinues régionales — va dans le sens d’un Total War médiéval plus lourd, plus crédible, plus adulte. Pas un simulateur hardcore chiant, pas un spectacle pyrotechnique vide, mais ce juste milieu que la série a effleuré plusieurs fois sans jamais totalement le figer.

De mon côté, cette transparence a déjà eu un effet très concret : j’ai remis Medieval 2 et Shogun 2 sur mon PC. Pas par nostalgie défensive, mais pour me rappeler précisément ce que j’attends d’un grand Total War historique. Je veux ressentir à nouveau cette tension quand deux lignes s’approchent lentement, les tambours qui s’arrêtent juste avant l’impact, le moment où tu sais que tu as mal évalué la charge ennemie et que tu vas le payer cher.

Medieval 3 n’en est pas encore là. On parle de prototypes, de systèmes mouvants, d’un jeu qui va encore changer quinze fois avant sa sortie. Mais pour la première fois depuis longtemps, je peux dire sans cynisme : Creative Assembly est en train d’essayer de faire le Total War médiéval que je réclame depuis des années. Et tant qu’ils continueront à montrer les tripes du projet, à accepter les critiques, à ajuster sans se planquer derrière le marketing, ils auront au moins gagné quelque chose d’immense : le droit que des vieux briscards comme moi leur laissent une vraie chance.

Pourquoi je ne vois plus les zombies de la même façon après Resident Evil Requiem

Je pensais être vacciné contre les zombies. Sérieusement. J’ai rincé Resident Evil 2 sur PS1 au point de connaître les couloirs du commissariat mieux que mon propre lycée. J’ai fait et refait Resident Evil 4, j’ai survécu à des hordes dans Left 4 Dead, j’ai roulé sur des infectés par centaines dans des jeux qui ne savent plus quoi inventer pour rendre le mort-vivant « intéressant ».

Et puis Resident Evil Requiem est arrivé. Et pour la première fois depuis longtemps, un zombie m’a vraiment mis mal à l’aise. Pas parce qu’il courait plus vite, pas parce qu’il était plus gore, mais parce qu’il continuait… à faire son boulot. À suivre une routine humaine, comme si le cerveau avait lâché mais que le corps refusait de comprendre que tout était terminé.

C’est là que j’ai réalisé que Capcom venait de toucher à quelque chose de bien plus profond que « un nouveau type d’ennemi ». Requiem s’appuie sur un concept de neuropsychologie – la mémoire procédurale – pour transformer les infectés en menaces dérangeantes, presque tragiques, et surtout en énigmes vivantes. Et ça, à mes yeux, c’est mille fois plus révolutionnaire pour le survival horror que n’importe quel nouveau fusil à pompe ou mode Mercenaries.

Le moment où tout a basculé : la femme de ménage du couloir B

Ma prise de conscience, je la dois à une scène très précise pendant la campagne de Grace, dans l’aile d’un hôpital déjà bien ravagé. Je rentre dans un couloir plongé dans la pénombre, inventaire à l’os, une seule balle dans le chargeur (classique Resident Evil, on connaît la chanson). Au fond, j’aperçois une silhouette penchée, qui bouge de façon répétitive.

Je m’attends au cliché habituel : le zombie qui se retourne d’un coup quand tu approches trop. Sauf que non. Elle reste là, à frotter le sol. Une femme de ménage, infectée jusqu’à l’os, qui continue d’astiquer le même carré de carrelage dans une boucle absurde, en marmonnant des bribes de phrases sur « la ronde » et « les inspections » comme si son chef allait débarquer à tout moment.

Mon premier réflexe de joueur conditionné ? Viser la tête. Mais j’ai hésité. Parce que, pendant quelques secondes, ce n’était pas « un ennemi ». C’était une personne qui fait simplement ce qu’elle a fait mille fois avant de mourir. Et Capcom me laisse exploiter ça : sa trajectoire est prévisible, ses gestes sont répétitifs. Je peux la contourner, déclencher un bruit derrière pour la faire se décaler, profiter de son obsession du carrelage pour passer derrière elle sans tirer une seule balle.

C’est là que j’ai compris le génie du truc : le jeu ne me propose pas juste une IA « plus intelligente », il me balance en pleine face l’idée que ces corps ne sont pas totalement débranchés. Ils gardent des morceaux de leur vie d’avant, des routines, des réflexes. Et en tant que joueur, je dois apprendre à lire ces habitudes autant que les patterns d’attaque. L’ennemi devient un puzzle comportemental.

La mémoire procédurale expliquée sans cours magistral chiant

Pour comprendre pourquoi cette idée est si puissante, il faut parler de mémoire procédurale. Pas besoin de sortir un diplôme en neuro : c’est simplement le type de mémoire qui gère nos automatismes. Conduire une voiture, faire du vélo, lacer ses chaussures, taper sur un clavier sans regarder – tout ça, c’est de la mémoire procédurale. Tu ne réfléchis pas consciemment à chaque geste, ton corps « sait » quoi faire.

Un cas célèbre a servi de base à tout ça : Henry Molaison, un patient opéré dans les années 50. On lui a retiré une grande partie du lobe temporal pour traiter son épilepsie, et résultat, il ne pouvait plus créer de nouveaux souvenirs durables ni se souvenir correctement de son passé. Le gars pouvait te rencontrer, discuter, puis t’oublier quelques minutes plus tard. En gros, le cauchemar absolu si tu tiens un minimum à ton identité.

Mais voilà le twist : Henry était quand même capable d’apprendre certaines choses. On lui faisait par exemple tracer une forme en ne regardant que son reflet dans un miroir. Au début, il était nul. Puis il s’améliorait de jour en jour… tout en jurant qu’il ne se souvenait pas avoir déjà fait l’exercice. Pas de souvenir conscient, mais un corps qui progresse quand même. C’est ça, la mémoire procédurale : un système de stockage planqué en profondeur, qui survit parfois là où tout le reste est parti en fumée.

Et Resident Evil Requiem prend ce concept, déjà flippant en soi, et le plaque sur ses zombies. Ces infectés ne se rappellent plus qui ils sont, ils ne savent plus ce qui s’est passé, mais leurs corps continuent à enchaîner des routines : nettoyer, patrouiller, vérifier des machines, éteindre des lumières, protéger des outils. Comme Henry qui sait encore faire un geste appris mille fois, même s’il ne sait plus d’où ça vient.

Ce n’est pas juste un habillage pseudo-scientifique. C’est une vraie clé de lecture du gameplay et de la mise en scène. Une infirmière infectée continue sa ronde entre deux chambres, un concierge zombifié garde obstinément un local technique, un ouvrier reste obsédé par le fait de couper l’électricité. Tu ne comprends pas juste « il est agressif ». Tu comprends ce qu’il était, à travers ce qu’il fait encore malgré lui.

Capcom a enfin compris que le plus effrayant, ce n’est pas le monstre… c’est ce qu’il reste d’humain

Dans beaucoup de jeux d’horreur, le zombie finit par devenir une sorte de mobilier agressif. Un obstacle qu’on sait parfaitement décoder : il erre, grogne, te fonce dessus. Point. Les meilleurs Resident Evil ont toujours essayé de casser cette routine avec des variantes — Crimson Heads, Ganados, Molded, etc. — mais au fond, ça restait des versions plus rapides ou plus résistantes du même archétype.

Requiem change la donne en reconnectant le zombie à son identité passée, pas par un journal audio ou une note trouvée au sol, mais par le comportement lui-même. Tu n’as pas besoin de lire que « Maria travaillait comme infirmière de nuit ». Tu le vois : même infectée, elle continue à faire les vérifications de signes vitaux sur un lit vide, à appuyer sur le même bouton, à s’arrêter devant le poste de soin. Sa routine, c’est son background.

Et c’est là que le malaise s’installe. Face à un monstre pur et dur, ton cerveau active le mode survie : danger => riposte. Mais face à un homme qui découpe de la viande avec une précision de boucher, puis qui t’attaque, tu passes par une zone grise : pendant une seconde, tu le reconnais comme « quelqu’un » avant de le reclassifier comme « chose ». Cette bascule mentale est profondément inconfortable, et Requiem joue avec ça constamment.

On sent même que l’équipe a réfléchi au décor autour de ces routines. Le zombie concierge qui garde « son » placard de matériel et qui, s’il t’entend fouiller, fonce directement sur les outils plutôt que sur toi. L’éclairagiste infecté qui éteint systématiquement les interrupteurs de la salle, te plongeant dans le noir dès que tu essaies de sécuriser la zone. Ce ne sont pas juste des scripts rigides, c’est une logique de rôle : qui il était dicte comment il te menacera.

Des ennemis qui se jouent comme des énigmes vivantes

Là où je trouve Capcom vraiment inspirée, c’est dans la façon dont cette idée irrigue le gameplay, surtout dans la partie de Grace, plus lente, plus orientée infiltration et gestion de ressources. On n’est pas juste en train d’éviter des cônes de vision façon jeu d’infiltration basique, on est en train de résoudre des problèmes comportementaux.

Tu dois apprendre les habitudes de ces infectés comme tu apprenais, à l’ancienne, le pattern d’un boss : ce garde zombifié fait toujours le même tour en s’arrêtant devant la machine à café qu’il ne pourra plus jamais utiliser. Cette infirmière réagit à un type de bruit précis mais ignore presque tout le reste. Cet ouvrier infecté s’excite dès que tu touches à un générateur. Tu n’es plus seulement en train de « survivre », tu interprètes une chorégraphie tragique et tu t’y faufiles.

Et le plus fort, c’est que le jeu te récompense vraiment pour ça. En observant ces routines, tu peux économiser des balles, créer des diversions intelligentes, ou carrément transformer l’environnement en piège grâce à ces automatismes. Un exemple : laisser volontairement un zombie proche d’un tableau électrique, parce que tu sais qu’il ira l’éteindre dès que tu déclencheras une alarme dans une autre pièce, ce qui te permettra de traverser un couloir éclairé redevenu sombre sans te faire repérer. C’est bête sur le papier, mais manette en main, ça donne cette sensation rare d’avoir « compris » quelqu’un plutôt que d’avoir juste « outplay » une IA.

Et ironiquement, ça met en lumière le plus gros défaut traditionnel de Resident Evil Requiem : ses puzzles « classiques » sont globalement assez fades, ou du moins, loin de ce que la série a pu proposer de plus iconique. Sauf que, pour moi, ce manque est en partie compensé par ces « énigmes comportementales ». Quand un simple couloir avec trois infectés devient un casse-tête façon Rubik’s Cube organique, je m’en fous un peu de savoir que la clé en forme d’orgue était planquée derrière un tableau cliché.

Oui, parfois ça casse l’illusion… et c’est justement pour ça que j’en veux plus

Tout n’est pas parfait, loin de là, et c’est important de le dire. Il y a des moments où la belle théorie de la mémoire procédurale se fait rattraper par la réalité du jeu vidéo : scripts qui se répètent trop, animations qui bouclent de façon trop visible, ennemis qui restent bloqués dans une routine en ignorant complètement ta présence alors que tu es, objectivement, dans leur champ de vision.

Et puis il y a l’autre moitié du jeu : la campagne de Leon, plus orientée action, qui reprend l’esprit de Resident Evil 4 avec des gunfights beaucoup plus intenses. Ici, la finesse comportementale des infectés passe parfois à la trappe, noyée sous le besoin de rythme et d’explosions. Les ennemis gardent, sur le papier, cette logique de rôles et de routines, mais dans la pratique, quand tu balances des grenades et que tout le monde sort au ralenti dans un bain de sang, tu n’as pas vraiment le loisir d’apprécier la subtilité de la mémoire procédurale.

Est-ce que ça me frustre ? Un peu, oui. Parce que je vois ici un système qui pourrait devenir la nouvelle colonne vertébrale du survival horror moderne, et pas juste une couche de vernis sur quelques segments « prestige ». Quand tu as goûté à ces moments de pure tension émergente — où tu restes immobile dans l’ombre parce que tu as compris qu’un zombie va, mécaniquement, venir appuyer sur l’interrupteur près de toi —, tu as envie que tout le jeu soit à ce niveau-là.

Mais en même temps, cette imperfection me donne de l’espoir. Capcom n’a pas juste trouvé une formule magique ultra-optimisée et cynique. On sent presque l’expérimentation, le bricolage brillant par endroits, plus timide à d’autres. C’est le genre d’idée un peu bancale qui, si le public suit, peut devenir un standard dans deux ou trois générations de jeux.

Ce que ça change pour moi en tant que joueur de survival horror blasé

Je ne vais pas mentir : ces dernières années, je commençais à jouer aux jeux d’horreur en mode pilote automatique. Tu apprends vite les timings, tu devines quand le jumpscare va tomber, tu vois les ficelles derrière le rideau. Même les excellents titres me faisaient plus sourire d’admiration que trembler pour de vrai.

Resident Evil Requiem n’est pas parfait, il ne réinvente pas le genre de A à Z, mais cette utilisation de la mémoire procédurale m’a forcé à réengager mon cerveau autrement. Pas juste pour optimiser mon inventaire ou calculer la meilleure trajectoire dans un couloir, mais pour me poser des questions dérangeantes : s’il ne reste de nous que ces automatismes — conduire, nettoyer, patrouiller, taper un code, lacer nos chaussures —, qu’est-ce que ça dit de notre sacro-sainte « identité » ?

Quand je vois un infecté continuer à accomplir une tâche vidée de son sens, je ne vois plus seulement une menace. Je vois un humain réduit à une boucle de gestes, comme si quelqu’un avait appuyé sur « répétition infinie » sur la partie la moins glamour de notre existence. Et la vraie horreur, pour moi, se loge là : dans l’idée que ce qu’on croit être « nous » — nos souvenirs, nos rêves, nos opinions — peut sauter, alors que la manière dont on tient une serpillière ou un scalpel reste intacte.

Concrètement, ça a aussi changé ma façon de jouer. Là où autrefois j’aurais explosé tout ce qui bouge pour « sécuriser » une zone, je me surprends à laisser certains infectés en vie, précisément parce que leur routine m’arrange. Je garde ce concierge zombie parce que je sais qu’il va continuer à verrouiller et déverrouiller la même porte que je peux suivre à la trace. Je tolère l’infirmière qui fait sa ronde parce qu’elle est mon métronome, mon indicateur de danger, plutôt qu’un simple obstacle.

Et surtout, ça a radicalement remonté mes attentes pour les prochains jeux d’horreur. Je n’ai plus envie de simples sacs à PV avec trois animations d’attaque. Je veux des ennemis avec une logique interne, une histoire qui transpire dans leurs gestes, des comportements que je dois comprendre autant que combattre. Qu’on arrête de me vendre de la « next-gen » parce que les boyaux sont mieux texturés, et qu’on continue plutôt à creuser cette veine cognitive, là où le malaise vient du cerveau autant que de la rétine.

Si le futur du survival horror est là, je signe tout de suite

En sortant de Resident Evil Requiem, je ne me souvenais pas seulement du gros boss final ou du twist scénaristique. Je repensais à des silhouettes anonymes, à des gestes répétés, à des routines absurdes qui refusaient de mourir. Et ça, pour un jeu où tu passes ton temps à démembrer des gens déjà morts, c’est un sacré exploit.

Oui, Capcom mise un peu trop sur la nostalgie par endroits. Oui, la seconde moitié du jeu retombe parfois dans ses vieux réflexes d’action bourrine. Mais cette idée de zombies guidés par leur mémoire procédurale, de corps accrochés à leurs anciennes fonctions comme des fantômes d’habitudes, c’est la première fois depuis longtemps que j’ai l’impression de voir une véritable avancée dans la façon dont on conçoit les ennemis dans un survival horror.

En tant que joueur qui a grandi avec Resident Evil, qui a connu l’époque des portes qui se chargent en full écran pour masquer les temps de chargement, voir la série oser piocher dans la neuropsychologie pour rendre ses monstres plus humains — et donc plus terrifiants —, ça me donne envie d’y croire encore. Tant que des studios auront le courage de toucher à ce qui nous fait vraiment peur, c’est-à-dire l’idée de perdre ce qui fait de nous des personnes tout en restant capables d’accomplir nos petits gestes du quotidien, le genre n’est pas mort.

Si Resident Evil Requiem marque une étape, ce n’est pas juste parce qu’il mélange deux campagnes ou qu’il ramène encore Raccoon City dans l’équation. C’est parce qu’il pose une question brutale, sous couvert de trip gore : et si, demain, il ne restait de toi que la façon dont tu fais ton café ou dont tu tapes ton mot de passe ? Si l’horreur peut nous forcer à regarder ce genre de choses en face tout en nous faisant suer devant l’écran, alors oui, je suis prêt à me refaire infecter encore longtemps.