Retour sur Novo : comment Planet of Lana 2 m’a fait oublier la peur du « deuxième album »

Je vais être honnête : en lançant Planet of Lana 2, j’avais la trouille du fameux « syndrome du deuxième album ». Le premier faisait partie de ces petits jeux “Game Pass du dimanche soir” que j’adore : court, beau, sensible, avec des énigmes jamais frustrantes. J’avais peur que la suite force trop le trait, complexifie tout pour « faire plus gros » et perde ce côté chaleureux.

Après quelques heures passées sur Novo, manette Xbox en main, les épaules collées au dossier et le casque vissé sur les oreilles, j’ai fini par arrêter de prendre des notes et juste… me laisser porter. Planet of Lana 2 ne cherche pas à tout chambouler : il épaissit son monde, étoffe ses mécaniques et peaufine tout ce qui fonctionnait déjà. Et surtout, il reste étonnamment accueillant, même si vous avez zappé le premier épisode.

Pas besoin d’avoir fait le 1 : un début ultra lisible malgré la langue alien

Je me suis volontairement mis dans la peau de quelqu’un qui n’aurait pas touché au premier jeu depuis longtemps : pas de relecture de résumé, pas de vidéo “l’histoire expliquée”. Et ce qui m’inquiétait le plus, c’était ce choix de narration en langage inventé, sans sous-titres, sans texte explicatif.

Au bout de dix minutes, toutes ces inquiétudes avaient disparu. Les premières scènes sont d’une clarté désarmante. Même si les personnages parlent dans une langue extraterrestre, tout passe par l’intonation, les gestes, les regards, la mise en scène. Il y a une vraie maîtrise “à la Pixar” du langage corporel : tu comprends qui est inquiet, qui ment, qui essaie de rassurer, sans qu’aucun mot ne soit compréhensible.

Plus important encore : la relation entre Lana et Mui, le petit compagnon félin/alien, est instantanément lisible. Au bout de deux scènes, c’était redevenu “mon” duo, alors que j’avais largement oublié les détails de la fin du premier jeu. Le jeu part du principe que tu connais vaguement leur lien… mais il le reconstruit sous tes yeux, par des micro-animations, des câlins, un cri paniqué quand l’un tombe dans un piège.

Pour les nouveaux venus, ça marche aussi. L’invasion de machines et les événements du 1 sont évoqués, mais ce second épisode fonctionne très bien comme une nouvelle aventure sur une planète qui se remet d’un trauma. Tu connais assez vite l’essentiel : ces deux-là ont vécu l’enfer ensemble, et ils s’apprêtent à comprendre pourquoi.

Un puzzle‑platformer plus riche, sans devenir une usine à gaz

Manette en main, Planet of Lana 2 reste ce qu’il doit être : un jeu de plateforme cinématique avec des énigmes centrées sur l’observation et la coopération entre Lana, Mui et l’environnement. On est dans la même famille qu’Inside ou Somerville, mais avec un ton plus doux et moins misanthrope.

La grosse différence par rapport au premier, je l’ai sentie vers ma deuxième session de jeu : les puzzles ne sont plus juste des “écrans” à résoudre les uns après les autres. Ils deviennent plus souvent des petites scènes à plusieurs temps, où il faut planifier la position de Lana, ce que Mui va faire, et parfois même comment des machines ou des créatures vont réagir à tes actions.

Un exemple qui m’a marqué : une séquence où il faut traverser une sorte de complexe de recherche abandonné, protégé par des tourelles lasers. D’abord, j’ai tenté le pur timing à la bourrin, en me planquant derrière des caisses. Échec total, Lana grillée net, et Mui qui pousse son petit cri déchirant (je ne m’y habituerai jamais). Au second essai, j’ai remarqué qu’un robot patrouilleur réagissait aux bruits de pas, et qu’il y avait des consoles que Lana pouvait pirater. En combinant Mui qui attire le robot, Lana qui prend le contrôle de la machine, puis la déplace pour servir de bouclier mobile, la zone se transforme d’un couloir mortel en vrai terrain de jeu.

C’est là que la suite brille : les nouvelles capacités – contrôle de certains robots, “possession” de créatures par Mui, hack de petits terminaux – ne complexifient pas seulement la liste des boutons, elles enrichissent la façon dont tu lis chaque décor. Tu entres dans une nouvelle zone et, très vite, ton cerveau passe en mode : “Ok, qu’est-ce que je peux activer ? qu’est-ce que Mui peut influencer ? qu’est-ce qui va réagir à la lumière ou au son ?”.

Le rythme de progression des règles est franchement bien dosé. Les premières heures reforgent les bases (déplacements, commandes à Mui, gestion des menaces simples), puis chaque nouveau chapitre ajoute une petite couche : robots pilotables, séquences sous-marines, créatures hypnotisables, combinaisons de leviers à distance, etc. Je n’ai jamais eu le sentiment qu’on me balançait trois nouvelles mécaniques d’un coup.

Niveau difficulté, on est toujours dans ce sweet spot idéal : je me suis retrouvé bloqué quelques minutes de temps en temps, mais jamais au point d’aller chercher une solution sur Internet. Les morts sont fréquentes – les araignées mécaniques restent aussi stressantes que dans le 1 – mais les checkpoints sont tellement généreux que tu peux expérimenter sans pression. Souvent, à chaque essai, tu grattes un micro-bout de progression en plus, juste assez pour avoir envie de relancer.

Tout n’est pas parfait : j’ai eu quelques moments où la physique m’a fait lever les yeux au ciel, notamment quand Lana se coincait sur un rebord ou qu’un saut semblait un peu “flottant”. Rien de bloquant, mais sur deux ou trois énigmes basées sur le timing, j’ai eu l’impression de lutter contre l’imprécision plus que contre le puzzle lui-même.

Lana et Mui version 2.0 : un duo plus agile, plus complice

Ce qui m’a vraiment accroché sur la durée, c’est la manière dont Planet of Lana 2 fait évoluer ton rapport à Mui. Dans le premier, c’était surtout un compagnon qu’on guidait, parfois gadget, parfois crucial. Ici, on est beaucoup plus dans une coopération à égalité.

Lana, déjà, est clairement plus agile. Sans tomber dans le plateformer exigeant, on sent qu’elle a gagné en assurance : elle grimpe plus vite, nage mieux, se faufile dans des conduits, exécute des petites roulades d’esquive qui donnent un peu de nerf à certaines séquences. L’un de mes passages préférés est une fuite dans une forêt inondée : tu alternes entre la nage, des sauts de tronc en tronc, et des ordres à Mui pour déranger des créatures aquatiques au bon moment. C’est fluide, lisible et ça te donne l’impression de jouer une vraie héroïne, pas juste un pion fragile.

Mui, lui, devient carrément un outil de puzzle à part entière. Le jeu introduit assez tôt sa capacité à “prendre le contrôle” de certaines entités – des robots, des petites bêtes lumineuses – et c’est le genre d’idée qui aurait pu être pénible à utiliser, mais qui est heureusement hyper simple côté commandes. Un bouton pour basculer la vue sur ce que Mui contrôle, un autre pour déclencher une action. C’est tout.

La magie vient de la manière dont le level design intègre ça. Un passage m’a particulièrement marqué : un canyon gardé par une énorme sentinelle mécanique, avec des faisceaux de projecteurs qui balayent l’écran. En possédant tour à tour un oiseau alien pour détourner l’attention, puis un drone de maintenance pour désactiver une tourelle, j’ai eu ce moment très “aha” où tout le puzzle s’imbrique d’un coup. Tu ne fais pas que résoudre une énigme abstraite, tu racontes une petite histoire de ruse et d’infiltration.

Et puis il y a l’émotion pure. Je ne compte plus le nombre de fois où j’ai lâché un “oh non…” à voix haute quand je ratais un saut et que j’entendais Mui hurler le nom de Lana dans sa langue bizarre. À force, ça finit presque par te faire jouer mieux, juste pour ne pas avoir à subir ce cri de détresse. On s’attache à ces deux-là plus par les sons et les gestes que par n’importe quel dialogue écrit, et ça, ce n’est pas si courant.

Un livre d’images vivant : direction artistique et bande-son en état de grâce

Visuellement, Planet of Lana 2 fait partie de ces jeux qui peuvent te vendre une console à eux seuls si tu les lances sur un grand écran. Le style “peinture animée” du premier revient, mais tout semble plus nuancé, plus ample. Les arrière-plans gagnent en profondeur, les jeux de lumière font vraiment ressortir le contraste entre la nature luxuriante de Novo et les cicatrices laissées par les machines.

Il y a ce moment, assez tôt, où le jeu te fait traverser une vallée au coucher du soleil. Concrètement, il ne se passe pas grand-chose : tu marches, Mui trottine, quelques créatures s’enfuient au loin. Mais la caméra recule progressivement, révélant une ville en ruine envahie par la végétation, des carcasses de robots mi-enfouies dans le sol, et des nuages de poussière qui prennent la lumière. Tu sens très bien que les développeurs te prennent par la main pour te dire : “Regarde. On sait que tu veux juste rester là cinq minutes.” et franchement, j’ai obéi.

Les environnements sont suffisamment variés pour que la rétine ne s’ennuie jamais : forêts moussues, rivages métalliques, intérieurs de vaisseaux avec une mise en scène très SF, zones sous-marines à la palette plus froide… Tout s’enchaîne sans rupture brutale, avec des transitions souvent intégrées dans le gameplay (un glissement de terrain devient un toboggan, une tempête de sable t’oblige à chercher un abri qui sert d’intro à la zone suivante).

Côté musique, c’est le genre de bande-son que tu as envie d’écouter en bossant derrière. L’orchestration reste discrète pendant les sections d’exploration, avec beaucoup de cordes et de piano, puis se fait ample et presque héroïque lors de certains moments clés. Une séquence de poursuite, en particulier, m’a collé des frissons : les percussions qui montent en puissance, le thème principal qui surgit pile au moment où tu penses être foutu… On est dans du pur cinéma interactif, sans les QTE lourdingues qui vont d’habitude avec.

Là encore, le langage inventé joue en sa faveur. Les voix se simplifient en instruments supplémentaires : des exclamations, des chuchotements, des chants rituels parfois, qui se glissent naturellement dans la musique. Le tout donne une identité sonore très forte, reconnaissable dès les premières notes.

Une narration muette qui laisse (volontairement) des zones d’ombre

Sur l’histoire pure, Planet of Lana 2 fait le choix de continuer dans le “montrer plutôt qu’expliquer”. On explore davantage la mythologie de Novo, on entrevoit des éléments de culte, de ville lointaine resplendissante, des échos de civilisations passées… mais très peu de choses sont explicitement posées noir sur blanc – forcément, vu qu’il n’y a pas de noir sur blanc.

Personnellement, ça m’a plutôt plu. J’aime bien quand un jeu accepte que tu n’aies pas toutes les réponses, surtout dans un univers SF/alien. Les fresques murales, les rituels étranges, les ruines qui laissent deviner un conflit bien plus ancien, tout ça alimente l’imaginaire sans en faire des caisses. On sent clairement que les fans du premier auront quelques révélations, certaines pièces du puzzle se mettent en place, mais ça ne vire jamais à la leçon d’histoire intergalactique.

Par contre, si vous êtes du genre à vouloir tout comprendre, tout référencer dans un codex, vous risquez de rester un peu sur votre faim. Certains fils narratifs – notamment autour d’un groupe de fanatiques et de cette fameuse cité lumineuse aperçue au loin – donnent parfois l’impression d’être plus des symboles que des éléments complètement développés. Ça ne m’a pas gâché l’expérience, mais j’ai eu ce petit goût de « j’en aurais bien pris un chapitre de plus » en voyant défiler les crédits.

Accessibilité et rythme : un jeu qui pense vraiment au joueur

Sur la question de l’accessibilité, Planet of Lana 2 m’a agréablement surpris par des choses très simples, mais terriblement efficaces. D’abord, la façon dont la caméra accompagne chaque énigme : elle se recule juste assez pour que tu voies tous les éléments utiles, elle se déplace légèrement pour te suggérer “regarde plutôt là-bas”, sans flèche clignotante ni surlignage flashy. Pour prendre un exemple : quand une solution implique un rocher un peu planqué, la caméra se mettra presque toujours à hauteur de ce rocher à un moment. C’est subtil, mais on le ressent.

Les points de respawn, eux, sont placés de manière quasi idéale. Mort au milieu d’un puzzle en trois étapes ? Tu ne recommences pas au début de la zone, mais à la dernière étape réellement réussie. Raté un saut après cinq minutes de mise en place ? La partie comprend que tu as compris le puzzle, et t’évite la corvée de tout refaire. Ce respect du temps du joueur fait toute la différence pour garder l’envie de tenter encore “une dernière fois”.

En termes de commandes, c’est d’une simplicité bienvenue : peu de boutons, des schémas classiques (saut, interaction, ordre à Mui, capacité spéciale) et une bonne tolérance sur la fenêtre temporelle pour les actions un peu tendues. Même les personnes peu habituées aux jeux de plateforme devraient s’y retrouver après quelques minutes d’adaptation.

Le rythme global m’a plutôt convaincu. L’aventure se boucle en quelques soirées, sans ventre mou. Il y a bien deux ou trois séquences où les mécaniques se répètent un peu trop à mon goût – notamment dans une section industrielle avec beaucoup de caisses à déplacer et de lasers à éviter – mais le jeu a l’intelligence de ne jamais rester trop longtemps dans un même registre. Dès que tu commences à soupirer, une nouvelle idée de mise en scène, une créature inédite ou un décor surprenant vient relancer la machine.

Technique : propre, fluide, avec quelques couacs de cheminement

J’ai joué sur PC, en 1440p, avec une manette Xbox Series et un framerate verrouillé à 60 images par seconde. Dans ces conditions, Planet of Lana 2 tourne comme un charme. Les temps de chargement sont très courts, les transitions entre gameplay et cinématiques sont fluides, et je n’ai rencontré aucun crash ni bug bloquant pendant ma partie.

Les seuls accrocs techniques notables sont du côté de l’animation et du pathfinding de Mui. Il lui est arrivé deux ou trois fois de rester coincé sur une petite aspérité du décor ou de refuser d’effectuer une action pourtant “logique” (sauter sur une plateforme proche, par exemple). Un simple retour au checkpoint corrigeait le tir, mais sur un jeu où l’on s’appuie autant sur la précision des déplacements du compagnon, ça surprend toujours un peu.

Rien qui ne casse l’immersion, cela dit, surtout au vu de la qualité générale des animations. Les micro-hésitations de Lana avant un saut un peu haut, la manière dont Mui se plaque contre elle quand quelque chose les effraie, tout ça donne une texture très organique à un jeu pourtant en 2D. C’est ce souci du détail qui fait que, même après deux ou trois bugs de collision, tu restes dans l’histoire.

Pour qui est Planet of Lana 2 ?

Si vous avez aimé le premier, la réponse est facile : foncez. Ce deuxième épisode réussit vraiment ce que j’attends d’une suite “modeste” : plus de variété, plus de maîtrise, plus de confiance, sans perdre l’âme du jeu d’origine. Les énigmes gagnent en ampleur, la relation Lana/Mui prend encore plus de relief, et le monde de Novo donne enfin l’impression d’être un endroit réel, avec une histoire et des peuples qui lui appartiennent.

Si vous découvrez la série avec celui-ci, ça marche aussi. Vous raterez quelques clins d’œil, quelques échos émotionnels aux événements du 1, mais rien qui empêche d’apprécier le voyage. C’est même, paradoxalement, un excellent point d’entrée dans le puzzle‑platformer narratif si vous avez toujours été intimidé par le genre.

En revanche, si vous cherchez de la plateforme ultra précise, du challenge à la Celeste ou un scénario bavard avec des choix de dialogue en pagaille, vous risquez de rester sur le côté. Planet of Lana 2 est un jeu contemplatif, assez dirigiste, qui mise sur la mise en scène et l’émotion plus que sur la rejouabilité ou l’optimisation.

Verdict : un deuxième voyage maîtrisé, émouvant, et étonnamment accueillant

En refermant Planet of Lana 2, je me suis rendu compte que j’avais complètement oublié ma peur du “deuxième album raté” quelque part en route. La suite ne révolutionne rien, elle ne cherche pas à tout casser pour prouver qu’elle mérite d’exister. Elle prend ce qui fonctionnait, l’étire dans toutes les directions intéressantes, pose quelques nouvelles questions sur son monde, et surtout, respecte ton temps comme ton intelligence.

Oui, certaines idées de lore auraient mérité d’être davantage creusées. Oui, il reste quelques accrocs de physique et des passages d’énigmes un peu plus mécaniques. Mais face à la qualité du voyage, à la beauté des tableaux traversés, à la sincérité de la relation entre Lana et Mui, c’est le genre de défauts qu’on accepte avec un demi-sourire.

Note FinalBoss : 8,5 / 10 – Un deuxième opus qui grandit avec justesse, conserve son cœur et ouvre la porte à encore plus de belles choses sur Novo.

TL;DR – Planet of Lana 2 en bref

• Une suite réussie qui approfondit le monde et les mécaniques sans perdre l’accessibilité du premier.
• Puzzles bien pensés, souvent multi‑étapes, basés sur l’observation et la coopération avec Mui, rarement frustrants grâce aux checkpoints généreux.
• Relation Lana/Mui renforcée : nouvelles capacités, plus de moments de complicité et une vraie émotion à chaque échec.
• Direction artistique somptueuse avec un style peint à la main, des panoramas à couper le souffle et une mise en scène très cinématographique.
• Bande-son orchestrale expressive, parfaitement intégrée au langage alien et aux moments forts de l’aventure.
• Narration minimaliste qui laisse volontairement des zones d’ombre : parfait si vous aimez interpréter, frustrant si vous voulez tout comprendre.
• Technique solide dans l’ensemble, malgré quelques petits soucis de collisions et de pathfinding pour Mui.
• Recommandé aux fans d’Inside, Somerville, Gris et à tous ceux qui veulent une aventure émotive et abordable plus qu’un défi hardcore.

Je n’attendais pas grand-chose du Nothing Headphone (a). Pour moi, c’était le “petit frère low-cost” du Headphone (1), que j’avais bien aimé l’an dernier. Puis je l’ai mis sur la tête, je suis parti avec pendant deux semaines entre télétravail, trajets en ville, un aller-retour en train et quelques soirées gaming… et j’ai fini par laisser le (1) dans le tiroir.

À environ 160 €, le Headphone (a) coûte grosso modo la moitié du (1). Pourtant, en usage réel, il en garde l’essentiel : un ANC très correct, un son typé “plaisir”, du LDAC, une appli ultra complète, et surtout une autonomie qui ridiculise à peu près tout ce que j’ai à la maison. Les vraies concessions sont ailleurs : matériaux moins premium, pas de détection de port, pas de head‑tracking pour l’audio spatial, et un côté un peu “cheap” sur certains détails.

Contexte : comment je l’ai utilisé et avec quoi je le compare

Pour situer un peu mon profil : je jongle entre plusieurs casques au quotidien. Un Bowers & Wilkins PX8 pour bosser (son plus neutre), un vieux Sony WH‑1000XM3 pour les déplacements, et un casque gaming filaire sur PC pour les soirées FPS. L’an dernier, le Nothing Headphone (1) avait déjà réussi à se glisser dans la rotation, surtout pour son confort et ses contrôles physiques bien pensés.

Le Headphone (a), je l’ai branché partout : Android avec LDAC, iPad en AAC, PC en Bluetooth pour bosser, Steam Deck et Switch en filaire (3,5 mm), et un peu de PS5 via la manette en jack. Ça m’a permis de voir autant le côté “casque lifestyle” que l’usage plus joueur, avec le mode faible latence activé dans l’appli Nothing X.

Design et confort : du plastique, oui, mais bien pensé

Première claque en le sortant de la boîte : on sent tout de suite que Nothing a coupé dans les coûts. Plus d’oreillettes en aluminium comme sur le Headphone (1), ici on est sur une coque en plastique transparent, avec un panneau extérieur coloré (blanc, noir, rose ou jaune selon la version). J’ai reçu la version jaune : elle attire les yeux, clairement, mais dans le bon sens. Ça fait moins “luxe”, plus “jouet techno assumé”.

En main, ça craque un peu plus que le (1), mais sur la tête, l’illusion de qualité revient vite. À 310 g, le casque reste dans la moyenne des over‑ear modernes. La pression sur le crâne est modérée, ce qui donne un confort très agréable pour des sessions de 2-3 heures. En tant que porteur de lunettes, c’est un point crucial pour moi : après une après‑midi de boulot avec plusieurs visios, je n’avais pas cette douleur typique sur les tempes que certains casques me provoquent.

Les coussinets en mousse à mémoire de forme épousent bien la tête, mais le revêtement en similicuir a deux défauts : il chauffe assez vite, et il marque énormément les traces de peau/huile. Au bout de quelques jours, les oreillettes prennent ce côté “brillant gras” pas très sexy. Un petit coup de chiffon microfibre règle le problème, mais visuellement, ça vieillit moins bien qu’un tissu comme sur certains casques gaming.

Côté robustesse, l’IP52 est rassurant : le casque encaisse sans problème une petite pluie ou une séance de marche rapide qui finit en transpiration. Par contre, pour un vrai usage sport avec mouvements brusques, je ne le recommanderais pas. Le serrage n’est pas assez ferme : en secouant un peu la tête ou en sprintant, les oreillettes bougent. On sent bien que le Headphone (a) est pensé pour le bureau, le salon et les transports, pas pour la salle de sport.

Commandes physiques : le bon sens contre le tout‑tactile

Un des trucs que j’adorais sur le Headphone (1), c’était ses commandes. Nothing a repris la même recette sur le Headphone (a), et c’est clairement un de ses gros points forts.

On a d’abord le “roller”, une grosse molette sur l’oreillette qui permet de régler le volume en la faisant tourner. Un appui dessus met la lecture en pause ou la relance, et peut aussi servir à basculer entre ANC, mode transparence et mode “off” suivant la configuration dans l’appli. C’est ultra intuitif : même en pleine nuit, dans le lit, je trouve la molette et je règle le son sans réfléchir ni viser une zone tactile invisible.

Ensuite, il y a le “paddle”, un petit commutateur qui sert à passer au morceau suivant ou précédent, voire à avancer/reculer dans un morceau selon le nombre d’appuis. Sur le Headphone (a) comme sur le (1), je trouve ça mille fois plus fiable que les gestes tactiles parfois capricieux des Sony XM ou d’autres casques.

On complète le tout avec un bouton multifonction (que j’ai affecté à l’assistant vocal sur le téléphone), un bouton de mise sous tension et un bouton de pairing Bluetooth. Zéro gimmick, tout tombe sous les doigts, et surtout les gestes sont cohérents entre musique, vidéo et jeux.

Par contre, il y a une vraie régression par rapport au Headphone (1) : plus de détection de port. Avec le (1), je retirais le casque, la musique se mettait en pause, je le remettais, ça repartait tout seul. Ici, il faut penser à appuyer sur pause ou à utiliser la molette. Pendant les premiers jours, j’ai laissé des podcasts tourner dans le vide plus d’une fois le temps d’aller me faire un café. Ce n’est pas dramatique, mais quand on y a goûté, l’absence se sent.

Appli Nothing X : terrain de jeu pour bidouilleurs de son

Nothing X, l’appli compagnon, est la même que pour les autres produits Nothing. Elle est dispo sur Android et iOS, et c’est clairement une des plus complètes que j’ai vues sur un casque grand public à ce tarif.

On y retrouve les classiques : choix entre ANC, transparence et désactivation complète, réglage du mode transparence, activation du mode basse latence pour le jeu, et bascule entre LDAC et le codec standard (utile si votre connexion Bluetooth commence à sauter dans le métro, par exemple). Rien que ça, c’est déjà confortable.

Là où ça devient vraiment fun, c’est sur l’égaliseur. On peut se contenter de quelques presets simples (Pop, Cinéma, Voix, etc.) ou activer un EQ avancé sur 8 bandes. J’ai passé une bonne heure le premier soir à peaufiner un profil “jeu + électro” avec un grave un peu renforcé et un léger creux sur les hauts médiums pour éviter la fatigue auditive. Le lendemain, j’ai refait un profil plus neutre pour les OST et le jazz, et je jongle maintenant entre les deux suivant ce que j’écoute.

Le fameux “Dynamic Bass Enhancement” à base de traitement IA est aussi là. En gros, le casque dynamise les basses en temps réel selon le morceau. Sur certains titres électro, l’effet est jouissif, ça tape plus fort sans se transformer en bouillie. Sur d’autres, notamment du rock un peu chargé, ça peut devenir envahissant. Heureusement, tout est désactivable, et on peut même ajouter une couche de “Bass Enhance” par‑dessus si on est vraiment accro au grave.

Enfin, il y a le Spatial Audio. Le Headphone (a) gère le son spatial, mais sans suivi de tête. Pour les films/séries sur tablette dans le lit, c’est sympa : on a une scène un peu plus large, avec l’impression que le son vient de l’écran plutôt que de chaque oreille. En revanche, pour la musique, je m’en sers très peu. Le rendu “concert dans une bulle artificielle” ne me convainc pas, et l’absence de head‑tracking enlève un peu l’effet waouh qu’on peut avoir sur d’autres écosystèmes.

Qualité sonore : fun, dynamique, pas analytique

Au cœur du Headphone (a), Nothing a mis un driver de 40 mm avec membrane traitée au titane. Sur le papier, rien de fou, dans les oreilles, c’est pourtant très plaisant. La signature globale tire un peu vers le “V” classique : basses mises en avant, aigus clairs, médiums légèrement en retrait mais pas au point d’enterrer les voix.

Sur des morceaux électroniques comme ceux de Carpenter Brut ou Perturbator, le casque s’éclate. Le grave est plus présent que sur le Headphone (1), avec un impact plus franc dans les kicks et les lignes de basse. Ça ne descend pas dans les infragraves comme certains casques très typés “basshead”, mais pour un usage quotidien, ça donne ce côté énergique qui donne envie de monter le volume un cran au‑dessus de la raison.

Les voix restent bien détachées, et les aigus montent assez haut pour donner de la brillance aux cymbales sans devenir sifflants. En repassant sur le PX8 après quelques heures de Headphone (a), on sent clairement que Nothing vise le “plaisir” plutôt que la neutralité. Le PX8 est plus précis, plus détaillé, mais aussi plus sage. Le Headphone (a) est celui que je mets spontanément pour une session Spotify sans me prendre la tête.

Avec LDAC activé sur Android, on gagne un peu en définition, en particulier dans les instruments acoustiques et les réverbérations. Ce n’est pas la nuit et le jour par rapport à l’AAC bien encodé, mais sur les bons masters, les petites nuances dans les guitares ou les ambiances se détachent mieux.

En jeu, la scène sonore reste relativement large pour un casque fermé, sans atteindre ce que peut faire un bon casque ouvert branché sur un DAC. Dans Doom Eternal, les tirs et explosions se positionnent correctement, et sur un FPS compétitif type Valorant, je n’ai pas eu de mal à localiser à peu près les bruits de pas. Pour du tryhard pur, je reviens quand même à mon casque gaming filaire, plus précis, mais pour du multi “détente”, le Headphone (a) tient largement la route.

ANC et transparence : très correct, sans rivaliser avec les rois du genre

Sur l’annulation de bruit active, Nothing reste dans la continuité du Headphone (1). Dans le métro, les graves du roulement et la plupart des bruits répétitifs sont très bien gommés. Les voix sont atténuées mais pas totalement effacées : on entend encore un brouhaha diffus, mais largement suffisant pour bosser ou se plonger dans un film.

À la maison, avec une fenêtre ouverte sur une rue passante, je peux bosser avec le Headphone (a) sans musique à faible volume et oublier en grande partie le trafic. Face à un Sony WH‑1000XM5 ou aux derniers Bose très haut de gamme, on reste un cran en dessous : ces modèles premium creusent encore plus le silence sur les voix et les bruits de clavier. Mais eux coûtent environ le double.

Sur le papier, certains tableaux de comparaison laissent entendre que le Headphone (a) aurait un ANC moins “adaptatif” que le (1), c’est‑à‑dire moins de réglages automatiques selon l’environnement. Dans la pratique, après plusieurs allers‑retours entre les deux casques, je peine à voir une différence franche. L’ANC du (a) s’adapte visiblement à l’ambiance (en tout cas, l’effet semble varier entre un bureau calme et un wagon bruyant), mais je n’ai pas assez d’informations techniques pour trancher précisément sur ce point. Ce qui est sûr, c’est que le niveau de réduction reste très proche du modèle plus cher.

Le mode transparence, lui, est plutôt naturel. On retrouve un peu cet effet de micro amplifié sur les bruits aigus, mais les voix autour de moi sonnent suffisamment propres pour tenir une discussion sans enlever le casque. En extérieur, le vent peut déclencher un léger souffle dans les oreillettes, mais rien de catastrophique.

Autonomie : le super‑pouvoir qui change tout

C’est le chapitre qui m’a le plus bluffé. Nothing annonce jusqu’à 135 heures d’écoute sans ANC, et jusqu’à 75 heures avec l’ANC activé. Ces chiffres semblent déraisonnables sur le papier, mais en usage réel, on n’en est pas loin.

Sur ma première semaine, j’ai volontairement laissé l’ANC actif en permanence, en usage mixte (boulot, musique, jeu, un peu de vidéo), environ 5 à 6 heures par jour. Au bout de 6 jours, j’étais encore à un peu plus de 40 % de batterie. Là où mon B&W PX8 doit repasser au chargeur tous les 3-4 jours et un Sony WH‑1000XM3 dans les 30 heures, le Headphone (a) donne l’impression d’être inépuisable.

En forçant un peu le trait, j’ai aussi fait un week‑end complet de voyage (4 heures de train aller, 4 heures retour, plus l’attente en gare, un peu de musique à l’hôtel) sans jamais penser à la batterie. Lundi matin, le casque affichait encore plus de 70 %. C’est le genre de liberté qui change la relation qu’on a avec le produit : on n’y pense plus.

Le mode de charge rapide fait aussi le boulot : 5 minutes branché donnent jusqu’à 8 heures d’écoute annoncées. Dans la réalité, sur une charge courte avant de partir, je n’ai jamais réussi à le vider dans la journée. La charge complète prend environ 2 heures, ce qui reste raisonnable vu la taille de la batterie.

Filaire, absence de mode passif et vie de bureau / gaming

Nothing fournit toujours un câble jack 3,5 mm avec le Headphone (a), en plus du câble USB‑C. Pratique pour brancher le casque à une manette, un PC sans Bluetooth correct, un vieil ampli ou le système multimédia d’un avion. Attention cependant : même en filaire, le casque doit être allumé. Impossible de l’utiliser en “passif” batterie vide, ce qui reste pour moi l’un des choix les plus agaçants sur ce genre de produit.

Sur PC, en Bluetooth avec le mode faible latence activé dans l’appli, les décalages audio restent acceptables pour du jeu solo ou même du multi pas trop nerveux. Sur des FPS compétitifs, on perçoit tout de même un léger retard entre l’action et le son des tirs. En filaire, plus de souci : pour du jeu sérieux, je le branche et je le traite comme un casque classique.

Pour les appels et la visio, le Headphone (a) fait l’affaire, mais on sent que Nothing a réduit un peu la voilure par rapport au (1) sur la partie micros. Mes interlocuteurs m’ont décrit comme “clair mais un peu étouffé”, avec une réduction de bruit qui coupe bien les bruits constants mais parfois un peu agressive sur certaines consonnes. Pour du Discord entre potes ou des réunions de boulot, c’est suffisant. Pour du stream ou de la captation sérieuse, ça ne remplacera évidemment pas un micro dédié.

Dernier détail “budget” qui trahit la gamme : on perd le bel étui rigide du Headphone (1). Le (a) arrive avec un simple pochon souple. Ça protège de la poussière et des rayures, mais pas vraiment des chocs dans un sac à dos bien chargé. Dommage, car le casque, lui, donne envie de voyager.

Face au Headphone (1) et aux autres casques du marché

En revenant sur le Headphone (1) après une semaine complète avec le (a), j’ai mieux cerné où se situait chacun. Le (1) garde l’avantage sur la sensation de qualité (aluminium, étui rigide), la détection de port et, d’après mes essais, une captation de voix un peu plus propre. Il gère aussi l’audio spatial avec suivi de tête, si ce genre de gadget vous plaît vraiment.

Le Headphone (a), lui, prend sa revanche là où ça compte au quotidien : autonomie, légèreté, fun des coloris et basses un peu plus généreuses. L’ANC me semble au moins aussi bon, sinon identique dans la plupart des situations. Vu l’écart de prix, je peine honnêtement à conseiller le Headphone (1) à quelqu’un qui ne jure pas par la sensation “premium” des matériaux ou par le head‑tracking.

Face aux gros cadors type Sony WH‑1000XM5/XM6 ou Bose haut de gamme, Nothing ne les dépasse pas sur l’ANC pur ou le confort sur très longue durée, mais boxe clairement au‑dessus de sa catégorie de prix. Et si je compare au monde gaming, où des casques à 180-200 € misent tout sur le micro et l’audio spatial maison, le Headphone (a) apparaît comme une alternative très crédible pour ceux qui veulent un casque unique pour tout faire : boulot, musique, déplacements et jeu léger.

Pour qui le Nothing Headphone (a) a vraiment du sens

• Pour celles et ceux qui veulent un casque unique pour tout : musique, télétravail, séries, un peu de gaming.
• Pour les utilisateurs qui en ont assez de recharger leur casque tous les trois jours.
• Pour les joueurs console/PC qui privilégient le confort et le son fun à un micro irréprochable.
• Pour ceux qui aiment tweaker leur son via un EQ avancé et jouer avec les basses.
• Beaucoup moins pour les puristes audiophiles en quête de neutralité ou ceux qui exigent absolument un mode passif sans batterie.

TL;DR

• Son : signature fun, basses renforcées mais contrôlables, bons aigus, médiums un peu en retrait, super pour musique moderne et jeu.
• ANC : très bon pour le prix, proche du Headphone (1), en dessous des Sony/Bose haut de gamme mais largement suffisant pour les transports et le bureau.
• Confort : 310 g, serrage modéré, très bien pour les porteurs de lunettes, mais coussinets qui chauffent et marquent rapidement.
• Autonomie : point fort absolu : jusqu’à 75 h avec ANC, 135 h sans. La charge rapide sauve les étourdis.
• Fonctions : LDAC, EQ 8 bandes, Dynamic Bass, mode faible latence, Spatial Audio (sans head‑tracking), commandes physiques excellentes.
• Compromis : pas de détection de port, pas de mode passif en filaire, étui souple seulement, matériaux moins premium, micro correct sans plus.
• Rapport qualité/prix : pour environ 160 €, difficile de trouver un pack aussi complet et polyvalent.

Verdict et note finale

Après plusieurs dizaines d’heures sur les oreilles, le Nothing Headphone (a) m’a clairement surpris. Je m’attendais à un clone au rabais du Headphone (1), c’est finalement le modèle que je recommanderais en premier autour de moi. Le son est fun, l’ANC tient bien la route pour le prix, l’appli laisse une vraie marge de personnalisation, et l’autonomie change la manière d’utiliser le casque au quotidien.

Les concessions ne sont pas anodines : l’absence de détection de port, de mode passif et de véritable étui rigide me frustrent un peu, et les coussinets auraient mérité un autre revêtement. Mais en regardant l’étiquette à 160 €, ces défauts deviennent des compromis acceptables plutôt que des deal‑breakers.

Note finale : 8/10. Si vous cherchez un over‑ear polyvalent, avec un excellent rapport qualité/prix, capable de suivre autant vos sessions de jeu que vos déplacements quotidiens, le Nothing Headphone (a) mérite clairement sa place en haut de la liste.

Pourquoi je me suis mis aux chaussures de running « gravel »

Je cours surtout comme je joue aux jeux vidéo : je pars de chez moi, j’improvise, et je vois où le chemin me mène. Le problème, c’est que mes boucles habituelles ne sont jamais 100 % route ni 100 % trail. C’est trottoir, piste cyclable, chemin de halage en gravier, un peu de sous-bois, parfois un bout de terre tassée encore humide. Pendant des années, j’ai fait ça avec des pures shoes route ou des trails classiques, et ça finissait toujours pareil : soit je glissais dès que le sol devenait gras, soit j’avais l’impression de courir avec des chaussures de ski sur le bitume.

Avec l’arrivée de toute une vague de modèles « gravel » pour le printemps 2026, je me suis dit qu’il était temps de voir si ce segment n’était pas juste une étiquette marketing de plus. J’ai donc passé un mois à alterner entre plusieurs paires pensées pour le mix terrain : Salomon Aero Blaze 3 GRVL et Aero Glide 4 GRVL, Mount to Coast H1, Merrell Promorph, On Cloudsurfer version trail, Inov8 Trailfly V2, Keen Roam, Hoka Rocket X Trail, Nike Pegasus Trail 5 Gore‑Tex et l’Adidas EVO SL ATR.

En gros, une dizaine de sorties par modèle, sur mon terrain de jeu habituel : routes de quartier, longues pistes en gravier le long de la rivière, chemins forestiers assez roulants, un peu de prairie sèche et un soupçon de boue pour voir ce que ça donne quand ça se complique. Environ 150 kilomètres au total, histoire de sentir la personnalité de chaque chaussure. Et assez vite, j’ai compris que le « gravel » n’était pas juste un mot choupi pour runners hipsters.

Ce que change vraiment une chaussure de running gravel

Mon premier constat au bout de 2-3 sorties, c’est que le gravel, ce n’est pas « un trail allégé » ou « une route cramponnée ». C’est un vrai entre‑deux pensé pour les surfaces compactes : gravier, chemins forestiers propres, terre dure, routes mouillées. La plupart des modèles que j’ai testés partagent trois points communs :

• des crampons autour de 2 à 3 mm, plus bas que sur un vrai trail de montagne ;
• un amorti digne d’une bonne chaussure de route, souvent avec des mousses type PEBA ou supercritiques ;
• un profil assez rockered (semelle incurvée) pour garder une foulée fluide sur le bitume.

La différence s’est sentie très vite sur mes boucles « porte‑à‑porte ». Avec une route classique, dès que je quittais l’asphalte pour le gravier humide, je sentais la semelle chasser. Avec une grosse trail, les 3-4 premiers kilomètres sur trottoir étaient un supplice, surtout à allure un peu soutenue. Là, avec les modèles gravel, je pouvais enchainer bitume – chemin de halage – forêt – retour route sans avoir l’impression de faire un compromis permanent.

Après une dizaine d’heures de course cumulée, ce qui m’a le plus marqué, ce n’est pas tant l’adhérence (même si elle joue) que la façon dont chaque modèle gère la transition de surface. Certains te donnent l’impression d’un « mode dynamique » dès que tu repasses sur route, d’autres restent très « trail » dans l’âme. Et selon ton type de sortie (footing tranquille, sortie longue, séance tempo), ça change tout.

Mes paires gravel testées : points forts, galères et profils de coureurs

Salomon Aero Blaze 3 GRVL : la valeur sûre abordable

La Aero Blaze 3 GRVL, c’est un peu la « classe de départ » de ce segment. Midsole en combo PEBA/EVA, rocker bien marqué, crampons de 2,5 mm et quelques renforts en plus sur l’avant‑pied. Ce n’est pas la chaussure la plus moelleuse du lot, loin de là, mais dès la première sortie de 15 km (route + chemins en gravier + un peu de boue sèche), j’ai senti ce fameux « roulis » qui donne envie de rallonger la boucle.

L’amorti est plutôt ferme, surtout si tu viens de Hoka ou d’Adidas très stackés, mais il se tasse juste ce qu’il faut sur terrain dur pour enlever le côté cassant. Là où elle m’a bluffé, c’est sur route mouillée et terre compacte humide : les lugs accrochent sans que tu sentes des picots désagréables sous le pied en revenant sur le bitume. Pour le prix, on est clairement sur un excellent rapport qualité/prix pour qui veut une paire unique pour tout faire, à condition de ne pas chercher un coussin ultra moelleux.

Salomon Aero Glide 4 GRVL : mon tank de fond de vallée

La Aero Glide 4 GRVL, c’est la version « max cushion » de la précédente. Plus de mousse, plus de stack, sensation plus douce sous le pied. Sur mes longues sorties de plus de 2 heures, c’est celle vers laquelle je revenais spontanément. La mousse est nettement plus tolérante, on se rapproche du confort d’un bon daily route, mais avec une semelle extérieure Contagrip à chevrons qui tient très bien sur gravier et chemins roulants.

Elle est plus lourde que l’Aero Blaze 3 GRVL, on le sent si tu veux envoyer sur des portions rapides, mais pour les jours où tu veux juste empiler les kilomètres sur terrain facile, c’est un régal. Seul défaut pour moi : le système de laçage rapide Salomon n’est pas hyper friendly avec mon cou-de-pied haut, j’ai dû batailler pour enfiler la chaussure les premières fois. Une fois en place, par contre, le maintien est nickel. C’est clairement ma préférée pour les grosses sorties mixtes.

Mount to Coast H1 : l’écolo qui sait courir vite

Mount to Coast est une jeune marque, et leur H1 coche une case intéressante : une mousse supercritique fabriquée à partir de matériaux 100 % renouvelables. J’avais un peu peur du côté « durable mais mollasson » qu’on a parfois avec les mousses vertes. En pratique, le ressenti est étonnamment dynamique, avec un retour d’énergie qui n’a pas grand-chose à envier aux PEBA classiques.

On est sur un amorti de daily trainer route assez classique, avec des crampons de 2 mm qui assurent la transition route – chemins très roulants. Par contre, dès que ça devient boueux ou vraiment pentu, on atteint vite les limites : ça glisse plus qu’une vraie trail, ce qui était attendu. Le poids plume est un gros plus, surtout si tu aimes garder une foulée un peu cadencée. Le double laçage (classique + rapide) est une bonne idée sur le papier pour ajuster avant-pied et médio‑pied séparément, mais j’ai trouvé ça un peu prise de tête en pratique. Si tu es maniaque du fit, tu vas aimer ; si tu veux enfiler/serrer/partir, ça risque de te saouler.

Merrell Promorph : pour ceux qui aiment sentir le sol

Successeure de la Morphlite, la Merrell Promorph rajoute de la mousse FloatPro+ injectée à l’azote, mais reste pourtant l’une des plus fermes que j’ai testées. C’est simple : si tu adores la sensation « connecté au terrain », tu vas être servi. Le rocker est très prononcé, au point que tu sens clairement le point de bascule sous le médio‑pied. Les premières minutes, j’avais l’impression d’apprendre une nouvelle foulée.

Les crampons de 2,2 mm sont parfaits sur sec et mix route/chemin, mais sur herbe mouillée ou boue, j’ai vite levé le pied. L’empeigne est très souple et respirante, agréable quand il fait doux, mais un peu chiche en protection à l’avant : mon premier coup de pied dans une racine m’a rappelé qu’on n’est pas sur un tank. Globalement, la Promorph donne un ressenti plus proche d’un trail traditionnel, stable et réactif, que d’une pantoufle amortie. Si tu cherches du cocooning, passe ton chemin.

On Cloudsurfer version trail : le canapé routier qui ose les chemins

On a adapté sa Cloudsurfer route en version trail/gravel, et ça se sent tout de suite. Le chaussant est ultra confortable, la sensation « step‑in » est franchement top : j’ai fait une sortie de deux heures directement en sortant de la boîte, sans point chaud ni ampoule. L’amorti est doux, mais pas flou, avec juste assez de répondant pour ne pas avoir l’impression de s’enfoncer dans un marshmallow.

Sur terrain, je l’ai adorée pour les sorties « chill » sur chemins roulants, pistes forestières et segments de route. Elle est assez précise pour slalomer entre les cailloux, grâce à un volume pas trop large, mais clairement pas faite pour la boue profonde ou les pierriers techniques. C’est une gravel orientée confort et style, qui ne choque pas une fois de retour au café du coin. Si ton trail, c’est surtout du parc et du gravel propre, c’est un excellent choix.

Inov8 Trailfly V2 : l’adhérence de sanglier

La Trailfly V2 triche presque : ses crampons sont un peu plus profonds que ce qu’on voit d’habitude en gravel. Mais Inov8 l’a pensée pour les terrains rocheux, et la magie opère surtout grâce au caoutchouc avec graphène. Concrètement, ça colle au sol. Racines humides, terre grasse, dalles rocheuses : c’est la paire dans laquelle je me suis senti le plus serein quand ça devenait glissant.

La semelle intermédiaire reste assez basse et ferme, avec beaucoup de ressenti du sol. Ajoute à ça une toe box large, vraiment « pied en éventail » façon Altra, et tu as une chaussure qui favorise un déroulé rapide et naturel plutôt que le gros amorti qui pardonne tout. Après environ 250 km, la mousse n’a quasiment pas bougé, ce qui est rare. Sur route, on sent quand même les crampons plus agressifs ; ce n’est pas la plus agréable si ta boucle contient beaucoup d’asphalte. Mais pour les coureurs qui viennent du trail et veulent juste un peu plus de polyvalence sur des portions roulantes, c’est un monstre de confiance.

Keen Roam : la rando qui accepte de trottiner

Keen, je l’associais plus aux chaussures de rando bourrines qu’au running. La Roam ressemble un peu à ce mélange : un trail inspiré de la rando, pensé pour tout, du trottoir au chemin de terre. Col et languette très rembourrés, large toe box, grosse semelle bien épaisse : sur le pied, on est plus proche d’un SUV que d’une sportive.

Sur le terrain, c’est une chaussure qui incite au footing tranquille tête levée, pas aux segments Strava. L’amorti n’a pas le rebond des Salomon ou des Hoka, mais il est stable, rassurant, avec une bonne plateforme. Les crampons de 3 mm accrochent suffisamment sur les sentiers sages et même sur pavés mouillés, et l’empeigne, très costaud, donne l’impression que la paire tiendra facilement les 500 km et plus. Si tu cherches une seule paire pour courir, marcher, randonner léger, c’est sérieux. Pour la perf pure, moins.

Hoka Rocket X Trail : le missile des jours de forme

La Rocket X Trail, c’est ce qui se rapproche le plus d’une chaussure de course route carbone déguisée en gravel. Grosse semelle supercritique maison, plaque carbone, rocker agressif, crampons de 3 mm : tout est là pour te pousser vers l’avant. Ma première sortie avec, c’était un mix route + forêt + longues lignes droites en gravel, environ 30 km : j’ai rarement eu cette sensation d’efficacité constante, que je sois à allure marathon ou en train de survivre sur les derniers kilomètres.

Le revers de la médaille, c’est une stabilité moyenne dès que le terrain devient vraiment chaotique. Sur racines en désordre ou single étroit, j’ai clairement levé le pied. L’amorti est énorme, tu perds beaucoup de ressenti du sol, mais pour des trails roulants, des marathons nature ou les longues sorties hivernales sur route mouillée/chemins, c’est jouissif. À noter : l’empeigne très légère sèche vite, j’ai traversé des flaques jusqu’aux chevilles sans garder les pieds mouillés pendant des heures. C’est cher, mais terriblement efficace si tu veux attaquer.

Nike Pegasus Trail 5 Gore‑Tex : bouclier contre la pluie

La Pegasus, c’est une légende sur route, et cette version Trail 5 Gore‑Tex garde une partie de cet ADN. Drop autour de 9,5 mm, mousse ReactX plutôt moelleuse : sous le pied, on est clairement dans le monde route, juste avec des crampons costauds et une membrane imperméable. Sur bitume, on sent un peu les lugs, mais rien de gênant ; c’est en quittant l’asphalte, sur gravier humide ou chemins trempés, que tu comprends l’intérêt.

Le chausson façon « haute chaussette » est probablement le meilleur système que j’ai testé pour éviter que l’eau, la boue ou les cailloux ne rentrent par le col. J’ai même tenté une sortie sans chaussettes par curiosité : zéro frottement. Attention toutefois, la Gore‑Tex finit par tenir chaud ; sur une sortie longue à rythmes élevés par temps doux, j’avais clairement les pieds transformés en hammam. Pour l’entraînement quotidien par temps pourri, c’est royal. Pour une course où tu sais que tu vas de toute façon être détrempé, je préfère parfois accepter les pieds mouillés plutôt que le sauna.

Adidas EVO SL ATR : la route dopée aux crampons

L’EVO SL route d’Adidas a fait du bruit ces derniers mois, et la version ATR (All Terrain Running) reprend cette base rapide en y ajoutant plus de grip et de protection. On sent tout de suite le côté « chaussure de route affûtée » : profil agressif, mousse vive, envie d’accélérer dès que la route se dégage. Les crampons restent relativement discrets, tu peux facilement faire de longues portions sur asphalte sans te sentir freiné.

Sur chemins secs et gravier compact, c’est une arme pour les séances tempo ou les courses nature rapides. Évidemment, ce n’est pas la paire à sortir dans la gadoue ou les descentes techniques : ce n’est pas sa promesse. Si tu viens du monde route et que tu veux juste élargir un peu ton terrain de jeu sans changer complètement de sensations, l’EVO SL ATR est un très bon pont entre les deux mondes.

Ce qu’il faut vraiment regarder avant d’acheter une chaussure gravel

Après ce mois de tests, j’ai fini par voir les fiches techniques un peu comme un arbre de talent dans un RPG : tout est une question de compromis et de priorités. Les trois paramètres qui ont le plus d’impact dans la vraie vie :

• Profondeur des crampons. Autour de 2–3 mm, c’est idéal pour alterner route, gravier et chemins. Plus, tu gagnes en grip sur boue, mais tu perds en confort et en fluidité sur bitume (type Inov8 Trailfly V2). Moins, tu te rapproches d’une route musclée, avec des limites claires dès que ça glisse.
• Type de mousse. Les PEBA et mousses supercritiques (Hoka, certaines Salomon, Mount to Coast) sont plus rebondissantes mais parfois moins stables. Les EVA plus classiques protègent bien, vieillissent correctement mais donnent moins ce côté « trampoline » qui fait plaisir sur les longues sorties.
• Drop et géométrie. Si tu viens de la route, un drop autour de 8–10 mm (Nike Pegasus Trail 5, par exemple) rend la transition très naturelle. Si tu es habitué aux trails plus bas, les modèles à stack moindre et drop contenu (Inov8, Merrell) seront plus familiers, avec plus de ressenti de sol.

Ajoute à ça des critères très personnels comme la largeur de l’avant‑pied (toe box large chez Inov8 et Keen, plus étroite chez On), la présence ou non de Gore‑Tex (gros plus l’hiver, piège à chaleur l’été) et le poids (Hoka Rocket X Trail et Adidas EVO SL ATR font clairement partie des plus nerveuses). Ce n’est pas très sexy à dire, mais le meilleur conseil reste de coller au maximum à ton terrain majoritaire : si ton « trail » c’est 80 % route / 20 % chemin, prends une gravel très orientée route. Si c’est l’inverse, vise quelque chose de plus cramponné et plus ferme.

Pour quel type de coureur les chaussures gravel valent vraiment le coup ?

Si tu habites en ville mais que tu as des parcs, des bords de rivière ou des forêts accessibles en courant depuis chez toi, honnêtement, une bonne gravel peut remplacer à la fois ta route et ta trail pour 90 % de tes sorties. C’est mon cas, et je me surprends à laisser mes chaussures de route classiques prendre la poussière depuis quelques semaines.

En revanche, si tu fais soit :

• quasi exclusivement de la route bien lisse ;
• ou au contraire du trail très technique, montagneux, engagé,

le gravel restera un compromis trop tiède. Tu feras mieux avec une bonne route performante d’un côté, et un vrai tank de montagne de l’autre. Les chaussures gravel brillent surtout pour les profils mixtes : urbains qui aiment s’échapper sur chemin, trailers qui veulent des sorties plus roulantes l’hiver, coureurs qui en ont marre d’user leurs semelles de route sur les cailloux des voies vertes.

Verdict perso et note : la gravel est là pour rester

Après environ 150 km à jongler entre ces modèles, j’ai clairement basculé : pour moi, une bonne chaussure gravel n’est plus un gadget marketing. C’est devenu ma catégorie par défaut pour tout ce qui n’est pas une séance spécifique sur piste ou une vraie sortie montagne. Si je devais n’en garder qu’une pour la majorité de mes footings mixtes, ce serait la Salomon Aero Glide 4 GRVL pour son confort longue distance et sa polyvalence route/chemins. En « joker rapide », la Hoka Rocket X Trail reste celle que je chausse dès que je veux me faire plaisir sur une sortie rythmée.

Pour la catégorie gravel telle que je l’ai vécue en 2026 – et tout particulièrement pour la Aero Glide 4 GRVL qui en incarne bien l’équilibre – je pars sur une note de 9/10. Il reste de la marge pour améliorer la stabilité sur terrain très irrégulier et simplifier certains systèmes de laçage, mais sur le cœur de la promesse (enchaîner route et chemins sans se poser de questions), c’est enfin au niveau qu’on attendait depuis des années.

TL;DR – Quelle chaussure gravel selon ton profil ?

• Meilleure polyvalente globale : Salomon Aero Glide 4 GRVL – confort, protection, très bonne sur route mouillée et chemins roulants.
• Meilleur rapport qualité/prix : Salomon Aero Blaze 3 GRVL – plus ferme, plus légère, parfaite si tu n’as pas besoin d’un max stack.
• La plus écolo sans sacrifier le fun : Mount to Coast H1 – mousse 100 % renouvelable, légère et dynamique, idéale route + chemins propres.
• Pour les amateurs de ressenti du sol : Merrell Promorph & Inov8 Trailfly V2 – fermes, stables, beaucoup de feedback, excellentes sur terrain sec ou rocheux.
• Pour le confort « canapé » au quotidien : On Cloudsurfer version trail & Keen Roam – parfaites pour les footings tranquilles et la vie de tous les jours.
• Pour aller vite : Hoka Rocket X Trail & Adidas EVO SL ATR – sensations de chaussures route perf avec juste assez de grip pour le gravel.
• Pour la pluie et l’hiver : Nike Pegasus Trail 5 Gore‑Tex – protection et confort de route, avec des crampons qui tiennent sur les chemins détrempés.

Si tu te reconnais dans le coureur qui enchaîne trottoirs, gravier et sous‑bois au cours de la même sortie, une bonne paire gravel va probablement devenir ton nouveau « main ». Choisis-la comme tu choisis ton build dans un jeu : pars de ton terrain principal, décide si tu privilégies le confort ou la vitesse, et accepte qu’aucune paire ne sera parfaite partout. Mais en 2026, on s’en approche dangereusement.

Mes 10 jours avec les Nothing Headphone A : enfin un casque Nothing qui a du sens

J’avais trouvé le Nothing Headphone 1 sympa sur le papier, mais trop cher, trop « concept » pour ce qu’il apportait vraiment. Quand j’ai vu débarquer les Nothing Headphone A avec un prix plus bas (199 $, environ 160 €), une autonomie annoncée jusqu’à 135 heures et toujours ce look à la Nothing, je me suis dit : « OK, là ça devient intéressant. »

Je l’ai utilisé une dizaine de jours non-stop : boulot à la maison, trajets, quelques sessions de jeu sur PC et Switch, appels longue durée, et une vague de chaleur bien violente qui est arrivée au pire moment. Le bilan est assez clair dans ma tête : c’est un casque très malin sur certains points (autonomie, contrôles, personnalisation sonore), mais avec des concessions assez nettes sur le confort et surtout sur les micros.

Design Nothing assumé, mais un côté « plastique » qui rappelle le prix

Premier contact : on reconnaît tout de suite la patte Nothing. Les Headphone A reprennent la même silhouette que le Headphone 1, avec ces oreillettes rectangulaires surmontées d’une sorte de petite « pastille » ovale. Sauf que cette fois, ce n’est plus cette bulle transparente futuriste sur le dessus : elle est opaque (blanc, jaune ou rose sur modèle blanc, ou tout noir si vous voulez rester discret), et c’est la coque de l’oreillette qui est semi-transparente.

Le petit détail que j’adore : le carré rouge sur l’oreillette droite et le carré blanc sur la gauche, façon câbles RCA d’époque. C’est tout bête, mais en pratique, pour mettre le casque à l’aveugle, c’est super pratique, et ça colle bien à l’esthétique rétro-futuriste de la marque.

En main, par contre, on sent immédiatement que Nothing a coupé dans les matériaux. Beaucoup de plastique, zéro aluminium cette fois. Les charnières qui permettent aux oreillettes de pivoter m’ont semblé plus solides que sur le Headphone 1, mais l’ensemble ne dégage pas le côté « premium » d’un Sony WH-1000XM6 ou d’un Bose Ultra Headphones. On est clairement dans du milieu de gamme bien fini, pas dans du luxe.

Autre signe d’économie : pas de coque rigide, seulement une pochette souple. Ça protège des rayures dans un sac, mais pas contre un gros écrasement. Pour un casque nomade qu’on trimballera partout, j’aurais vraiment préféré un étui un peu plus costaud.

Le casque est certifié IP52 : donc protégé contre la poussière et contre les gouttes de sueur ou une petite pluie. C’est assez rare dans cette gamme de prix (et même sur certains modèles plus chers qui n’ont aucune certification), donc bon point sur le papier… mais ça nous amène au gros point chaud : le confort thermique.

Confort : léger sur le papier, lourd à la longue (surtout quand il fait chaud)

Les Nothing Headphone A sont plus légers que les Headphone 1, et les coussinets en mousse à mémoire de forme font bonne impression au début. Posé sur la tête, la première demi-heure est agréable : bonne tenue, pas de sensation d’arceau qui écrase.

Au bout d’une heure, j’ai commencé à sentir deux choses :

• Une pression un peu marquée à l’avant du pavillon (vers la mâchoire).
• Un point de pression sur le haut du crâne, assez net lors des longues sessions.

Et surtout, pendant la mini canicule de février où je l’ai porté en terrasse à Los Angeles, j’ai commencé à transpirer autour des oreilles au bout de 15-20 minutes. Les coussinets ne respirent pas bien du tout. Pour du trajet métro ou des sessions de 30-45 minutes, ça passe. Pour bosser trois heures d’affilée ou jouer un long raid avec des potes, ça devient étouffant.

Je précise que je ne suis pas particulièrement sensible à ça : je supporte plutôt bien des casques fermés comme le Sony WH-1000XM5. Là, le Nothing A m’a franchement donné envie de faire des pauses régulières, ce qui casse un peu le flow quand on est plongé dans un album ou un jeu narratif.

Contrôles physiques : enfin un casque moderne qui n’a pas peur des boutons

Sur ce point, j’ai presque envie d’applaudir Nothing. Les Headphone A reprennent exactement le même système que les Headphone 1 : zéro surface tactile capricieuse, que du physique. Sur l’oreillette droite, on a :

• Une petite molette/rouleau pour le volume, qui fait aussi bouton lecture/pause.
• Un « balancier » (paddle) pour piste suivante/précédente, qu’on peut maintenir pour avancer ou reculer dans un morceau (selon les applis).
• Un bouton rond configurable (assistant vocal par défaut).

La molette sert aussi à basculer entre ANC et transparence via un appui long, et le bouton peut être reconfiguré dans l’appli Nothing X pour plein de trucs : changement de mode de bruit, mute micro, déclenchement de la caméra du téléphone, sélection de preset d’EQ… C’est très flexible, et surtout, c’est fiable. Pas de gestes fantômes, pas de tapotement mal interprété.

Seul bémol : j’aurais aimé un tout petit peu plus de résistance sur la molette. En marchant, il m’est arrivé plusieurs fois de monter ou baisser le volume plus que prévu, parce que le rouleau tourne vraiment très librement. Rien de dramatique, mais quand on est maniaque du volume précis, on le sent.

Par rapport aux contrôles tactiles un peu aléatoires de certains casques Sony ou Bose, j’ai adoré ce côté « j’appuie sur un bouton, il se passe exactement ça ». Pour écouter de la musique en marchant ou pour piloter le casque à l’aveugle pendant une partie, c’est un vrai plus.

Un son de base trop démonstratif, mais une personnalisation monstrueuse

De base, le profil « Balanced » des Headphone A porte mal son nom. Sur mes premiers essais – Radiohead, The Flaming Lips, du gros rock 90s – j’ai trouvé la signature clairement en V : basses bien gonflées, aiguës qui sifflent, médiums un peu creusés.

Un exemple concret : sur « Spoonman » de Soundgarden, la frappe de toms est devenue carrément baveuse, avec un bas du spectre qui envahit tout. Sur certains morceaux de The Flaming Lips, les cymbales et les petits cris perchés passaient devant le reste du mix, comme si quelqu’un avait poussé le potard de 6–8 kHz à fond.

Si vous aimez les casques très fun, avec beaucoup de basses et des aigus brillants, vous pouvez déjà être content. Personnellement, j’aime bien un grave costaud, mais là on frôle parfois la caricature. Heureusement, c’est là que Nothing sort son joker : l’EQ dans l’appli Nothing X.

On a d’abord un égaliseur simple avec trois curseurs (basses, médiums, aigus) de -6 à +6. Déjà avec ça, en baissant un peu les basses et les aigus, j’ai récupéré quelque chose de plus équilibré et plus agréable sur à peu près tout : du rap, du metal, du jazz. Mais le vrai terrain de jeu, c’est l’EQ paramétrique à 8 bandes.

Huit points, chacun avec fréquence, gain et Q (largeur de bande) ajustables. Sur un casque à 200 $, c’est assez rare. J’ai pu calmer précisément le bas du spectre entre 100 et 250 Hz pour arrêter l’effet « boom », et baisser les zones au-dessus de 6 kHz pour enlever le côté sifflant. Au bout de quelques essais, je me suis retrouvé avec un rendu beaucoup plus proche de ce que j’attends d’un casque nomade : dynamique, mais pas fatigant.

Il y a un détail un peu déroutant : quand on monte une bande, on a l’impression que Nothing baisse plutôt les autres fréquences au lieu d’augmenter celle qu’on touche. L’objectif semble être de garder un volume global raisonnable et d’éviter de se défoncer les oreilles. L’idée est bonne, mais quand on a l’habitude de bosser avec des EQ classiques (en studio ou même dans d’autres applis), la sensation est bizarre au début. On s’y fait, mais il faut quelques minutes de prise en main.

Au final, une fois bien réglé, le casque m’a franchement plu sur la plupart des styles. Le LDAC sur Android apporte un petit plus de définition, les guitares et les voix gagnent en texture. Sur iPhone, on reste en AAC, mais ça sonne tout à fait correct. L’essentiel, c’est que Nothing te laisse vraiment façonner le son à ta sauce, ce que bien des casques à ce prix ne proposent pas.

ANC : très correct pour le prix, mais pas un tueur de flagships

Côté réduction de bruit active, mon attente était modérée. Les Headphone A coûtent autour de 200 €, donc je les ai comparés mentalement à des Sony ULT ou à des Soundcore Space One, pas aux ténors à plus de 300 €.

Bonne surprise : sur les bruits graves et continus (ventilation de PC, ronronnement de bus, bruit de moteur dans la rue), le casque s’en sort vraiment bien. Le grondement disparaît largement, et avec un petit fond musical, on oublie l’extérieur. Par rapport aux Sony ULT, j’ai trouvé l’ANC légèrement plus efficace sur ces basses fréquences, et globalement au niveau d’un Soundcore Space One Pro.

Il y a trois niveaux d’ANC plus un mode adaptatif. En montant le niveau, les graves sont encore mieux atténués, mais on commence à percevoir un peu plus les bruits aigus (voix, cliquetis, bruits de vaisselle). Rien de choquant, c’est le compromis classique : plus on creuse en bas, plus on a tendance à entendre ce qui est au-dessus.

Face à un Bose ou un Sony haut de gamme, ça ne joue pas dans la même cour. Les voix restent plus présentes, on entend encore les annonces de gare ou les collègues qui parlent à côté. Mais pour bosser dans un café, voyager en train ou se concentrer en open space, c’est largement suffisant, surtout pour ce tarif.

Autonomie et connectivité : la vraie raison d’acheter ce casque

L’autonomie, c’est LE truc qui m’a fait hausser les sourcils en lisant la fiche technique. Jusqu’à 135 heures annoncées en Bluetooth AAC avec ANC coupé. Même en LDAC, on parle encore de 90 heures sans ANC, et jusqu’à 62 heures avec réduction de bruit activée. Sur le terrain, en jonglant entre ANC et transparence et un mélange AAC/LDAC, j’ai passé la semaine sans jamais voir la batterie descendre en dessous de 50 %. C’est indécent.

Pour comparer, mon Audeze Maxwell 2 (déjà une bête en la matière) tourne autour de 80 heures. Là, Nothing va encore plus loin. Pour les gens comme moi qui oublient systématiquement de recharger leurs casques, c’est un luxe absolu. On finit par ne plus se soucier de l’autonomie, tellement ça dure.

Côté connectivité, on a tout ce qu’il faut : Bluetooth 5.4, USB‑C audio, et prise 3,5 mm (les deux câbles sont fournis). Il y a toutefois une limitation importante : le casque doit être allumé, même en filaire. Pas de mode purement passif. Et dès qu’on branche un câble (USB‑C ou jack), le Bluetooth et la connexion à l’appli se coupent. Du coup, impossible de changer l’EQ ou la force d’ANC pendant qu’on est en filaire : le casque garde simplement les derniers réglages actifs.

Ce n’est pas dramatique au quotidien, mais pour un usage gaming en filaire sur PC ou console, j’aurais aimé pouvoir ajuster quelques paramètres à la volée sans tout débrancher. Bon point en revanche : on peut utiliser le casque en Bluetooth tout en le chargeant en USB‑C via un chargeur, ce qui n’est pas toujours le cas chez la concurrence.

La gestion du multipoint est très propre. Dans l’appli Nothing X, on peut garder une liste de plusieurs appareils et choisir lesquels sont connectés en simultané (jusqu’à deux à la fois). Dans mon cas, iPhone 15 Pro + Xperia 1 V, le basculement s’est fait en deux secondes à chaque fois : on met pause sur l’un, on lance la lecture sur l’autre, et hop. Pas besoin de plonger dans les menus Bluetooth, ce qui est toujours appréciable.

Micros et appels : le gros point faible

Tout allait plutôt bien jusqu’au moment où j’ai commencé à téléphoner régulièrement avec. Les Nothing Headphone A n’ont que trois micros (un de moins que les Headphone 1) et ça se sent. Sur le papier, ils sont censés isoler ta voix et filtrer le bruit ambiant. En pratique, dès qu’il y a un peu de trafic ou de vent, ça part vite en bouillie.

J’ai fait plusieurs appels en marchant le long d’un boulevard assez bruyant. À l’oreille, le bruit de fond était bien contenu, transformé en un souffle assez discret. Mais ma voix, elle, se faisait parfois compresser à mort. Des mots qui disparaissent, des phrases qu’il faut deviner… Ma moitié m’a demandé plusieurs fois de répéter, et en réécoutant un enregistrement, il y a carrément des passages que moi-même j’ai eu du mal à comprendre.

C’est d’autant plus frustrant que des casques plus anciens et moins chers, comme un Soundcore Space One non-Pro, font mieux sur ce point. Pour du télétravail régulier, des réunions sur Teams/Zoom ou du chat vocal intensif en jeu, je ne recommanderais pas ce Nothing A. Ça dépanne, mais ce n’est clairement pas son point fort.

Fonctions annexes : des coupes par rapport au Headphone 1, mais pas les plus graves

Pour proposer ce prix plus doux, Nothing a aussi retiré quelques bricoles par rapport au Headphone 1 : plus de détection de port (la musique ne se met plus en pause quand on enlève le casque), plus de head‑tracking pour l’audio spatial. Personnellement, ça ne m’a pas manqué. La détection de port est pratique, mais quand elle bugue – et c’est souvent le cas sur plein de modèles – ça devient plus agaçant qu’autre chose.

Les vraies pertes, pour moi, ce sont : l’absence de coque rigide, la sensation globale de plastique, et ces micros très moyens. Sur tout le reste, le casque ressemble plus à une version rationalisée du Headphone 1 qu’à un downgrade brutal.

Pour qui sont faits les Nothing Headphone A ?

Après une grosse dizaine d’heures de musique et pas mal d’appels et de trajets, j’en suis arrivé à cette conclusion : les Nothing Headphone A sont géniaux pour certains profils, et totalement à éviter pour d’autres.

• Parfaits si : vous voulez un casque au look assumé, avec une autonomie délirante, des contrôles physiques hyper pratiques, un son personnalisable en profondeur, et un ANC « assez bon » pour le bureau ou les transports.
• Beaucoup moins adaptés si : vous passez vos journées en visio, vous vivez dans un climat chaud, ou vous cherchez un confort absolu pour des sessions de 4–5 heures non-stop.

En tant que joueur, je le vois plutôt comme un super casque de musique / usage général qui peut dépanner pour du jeu solo (via filaire ou Bluetooth avec un peu de tolérance sur la latence), mais pas comme un vrai casque gaming. Le manque de micro convaincant et l’absence de mode filaire passif limitent un peu ses ambitions côté salon/PC.

Verdict : un successeur plus logique au Headphone 1, mais pas sans compromis

Ce que j’aime avec les Nothing Headphone A, c’est qu’ils ont enfin une logique claire. Là où le Headphone 1 donnait l’impression d’un produit vitrine un peu trop cher pour ce qu’il proposait, les A ciblent plus juste : prix plus bas, autonomie monstrueuse, même système de contrôles physiques hyper réussi, appli sérieuse avec un EQ paramétrique digne de ce nom.

Les sacrifices sont visibles : construction plus plastique, pas de coque, pas de détection de port ni de head‑tracking, et surtout micro en retrait. Pour certains, ces concessions seront rédhibitoires. Pour d’autres – ceux qui écoutent surtout de la musique, regardent des vidéos, jouent en solo et passent peu d’appels avec leur casque – ça sera un deal plus que correct.

À 199 $ / ~160 €, je le trouve plus intéressant qu’un Sony ULT si vous êtes prêt à mettre les mains dans l’EQ pour calmer la signature agressive d’origine. En revanche, si votre priorité n° 1, c’est le confort longue durée ou la qualité des appels, il vaut mieux regarder ailleurs.

Note finale : 7/10

Un très bon casque « d’utilisateur avancé » qui sait exactement ce qu’il veut faire (son personnalisable + autonomie de mutant), mais qui laisse volontairement de côté le côté premium et la partie micro. Si vous acceptez ces limites, vous aurez un compagnon solide pour de longues heures de son.

TL;DR

• On a aimé : autonomie hallucinante (jusqu’à 135 h), contrôles physiques ultra confortables, EQ paramétrique 8 bandes rare à ce prix, ANC très correct pour 200 $, multipoint bien fichu, look Nothing toujours aussi fun.
• On a moins aimé : confort qui chauffe vite les oreilles, construction très plastique et pas de coque rigide, pas de mode filaire passif, EQ au comportement un peu déroutant au début, micros franchement moyens dès qu’il y a du bruit autour.
• Pour vous si : vous priorisez la batterie, la personnalisation sonore et les contrôles physiques, et que vous n’êtes pas obsédé par la qualité d’appel.
• À éviter si : vous cherchez un casque pour le télétravail intensif, les longues sessions de jeu en vocal ou si vous vivez dans un climat très chaud.

Mes premières heures sur WWE 2K26 : entre hype, déjà-vu et portefeuille qui tremble

J’ai lancé WWE 2K26 un soir, sur Xbox Series X branchée à un écran 4K, en me disant que j’allais “juste tester vite fait”. Trois heures plus tard, j’étais encore en train de me battre contre le timing de mes reversals, à hurler sur l’IA qui me contrait tout, tout en admettant à contrecœur que, visuellement, 2K a encore monté le niveau. Et que, oui, ce fichu jeu est une machine à avaler des heures.

Depuis WWE 2K22, la série a retrouvé une base solide. 2K25 était déjà une sorte de “plateau” : très complet, mais clairement dans la continuité. WWE 2K26, après une quinzaine d’heures dessus (principalement sur Series X, un peu sur PC), m’a donné ce sentiment étrange d’être à la fois l’épisode le plus massif et le plus fainéant dans sa philosophie. Plus de tout : plus de catcheurs, plus de modes, plus de slots de création (200 maintenant), mais aussi plus de microtransactions et toujours ce gameplay ultra-centré sur les reversals qui ne pardonnent rien.

Un contenu monstrueux : roster 400+ et avalanche de modes

Premier choc en arrivant sur l’écran d’accueil : la quantité de choses à faire est presque intimidante. Le roster dépasse les 400 Superstars, entre actuels, légendes, versions alternatives et quelques surprises. Scroller la liste m’a rappelé mes années SmackDown vs. Raw, sauf qu’ici on parle d’un casting qui ferait rougir n’importe quel jeu de baston.

Côté modes “Play” classiques, c’est juste indécent. On retrouve tout ce qu’il y avait l’an dernier, plus une salve de nouveaux types de matchs :

• Inferno (nouveau)
• 3 Stages of Hell (nouveau)
• I Quit (nouveau)
• Dumpster (nouveau)
• toujours les Royal Rumble, Hell in a Cell, WarGames, TLC, Ambulance, Casket, Battle Royal, Iron Man, Last Man Standing, etc.

Mon premier Inferno, c’était un Seth Rollins vs. CM Punk dans une arène survoltée. Une jauge au bas de l’écran se remplit petit à petit, les flammes montent autour du ring, l’ambiance devient presque suffocante, et quand enfin tu balances ton adversaire par-dessus la troisième corde pour le voir se prendre le rideau de feu, ça a une vraie saveur de “moment PPV”. C’est gadget, certes, mais ça fonctionne.

Le Dumpster, en revanche, m’a fait sourire parce que c’est littéralement un Casket match re-skinné : tu ouvres la benne, tu assommes ton adversaire, tu le balances dedans, tu fermes, fin. Ça reste fun en multi local quand on se chambre entre potes, mais on sent le recyclage. 3 Stages of Hell est plus intéressant : on choisit trois types de matchs à enchaîner, et ça crée des mini-feuds épiques. Un combo simple (1v1 normal, Falls Count Anywhere, puis Hell in a Cell) m’a donné un match de plus de 25 minutes qui ressemblait davantage à une storyline entière qu’à un simple affrontement.

À ça, on ajoute MyRISE (les deux campagnes hommes/femmes avec embranchements), Showcase consacré à CM Punk, Universe, MyGM, MyFACTION, The Island, le jeu en ligne, la création… Franchement, même si tu ne touches jamais à certains modes, tu en as pour une année facile si tu accroches au système de jeu.

Gameplay : du bon catch télévisuel… tant que tu épouses les reversals

Le cœur du problème – ou de la fascination, selon ton profil – reste le même que dans 2K25 : les reversals. Tout tourne autour de ce fichu timing. Sur Xbox, c’est majoritairement Y (parfois X ou B), à déclencher pile au moment où l’icône apparaît, souvent pendant une fraction de seconde. Rater, c’est manger la prise complète. Réussir, c’est renverser le momentum d’un coup.

WWE 2K26 ajuste un peu la formule, notamment avec une meilleure gestion de l’endurance qui limite le spam et des fenêtres de contre qui varient davantage selon la taille et le style des lutteurs. Sur le papier, c’est malin : un gros colosse essoufflé ne devrait pas pouvoir tout contrer comme un cruiserweight frais. En pratique, surtout pendant mes premières heures, j’ai passé plus de temps à pester contre une IA qui me sortait des séries de 4-5 reversals d’affilée qu’à vraiment “jouer” au catch.

Ce qui est paradoxal, c’est que le jeu émule extrêmement bien la dimension chorégraphiée du catch. Les enchaînements, les transitions entre grapples, les spots près de la table des commentateurs ou des barrières, tout est pensé pour donner un rendu télé : ça raconte une histoire dans le ring. Mais du point de vue “jeu vidéo”, quand tu te fais stun encore et encore, que tu martèles des boutons pour te relever pendant que ton adversaire enchaîne, la frustration monte vite. Les Paybacks et les signatures/finishers volés ajoutent du sel, mais ne changent pas cette sensation de “tout ou rien” autour du contre.

Au bout d’une dizaine d’heures, je m’y suis fait. J’ai commencé à lire plus finement les animations, à anticiper les timings plutôt qu’à réagir au prompt visuel, et les matchs se sont transformés en duels nerveux où chaque erreur se paye cash, mais où chaque reversal placé au bon moment est un petit rush d’adrénaline. Si tu détestes déjà ce système dans les épisodes récents, WWE 2K26 ne va clairement pas te réconcilier avec la série. Si tu l’acceptes comme la base, tu profiteras de combats plus fluides, avec une IA un peu moins stupide dans sa gestion de la distance et des projections.

MyRISE, Showcase Punk, Universe & MyGM : le fan de WWE est servi

Je suis toujours du genre à commencer par un mode solo scénarisé, histoire de me chauffer avec un perso créé. MyRISE reprend la structure déjà connue : un scénario masculin, un féminin, des dialogues à choix multiples, des détours de carrière, des alliances et des trahisons. Ce qui m’a plu cette année, c’est la façon dont certaines décisions reviennent te hanter plus tard : un jobber que j’ai snobé au début a fini par me coûter un title shot quelques heures plus tard. On n’est pas dans le RPG fou, mais assez pour avoir envie de refaire des branches.

Le Showcase CM Punk, lui, joue surtout sur la nostalgie. Revivre des matchs clés de sa carrière avec les objectifs à remplir pour recréer (plus ou moins) ce qui s’est passé dans la réalité, ça reste un exercice très scripté, parfois trop rigide quand tu rates un spot et que tu dois recommencer une phase. Mais la mise en scène, les extraits, les transitions avec Punk qui commente, ça fonctionne bien si tu es fan du bonhomme ou de cette période du catch.

Universe et MyGM restent mes terrains de jeu préférés. Universe pour le bac à sable total : j’ai passé une soirée entière à refaire un calendrier custom, recréer une promotion à base de légendes et de CAWs complètement débiles, puis laisser l’IA générer ses propres rivalités. MyGM, à l’inverse, gratte mon côté gestion : on choisit son General Manager, on draft son roster, on jongle entre budget, notations de show, blessures et caprices de Superstars. 2K26 ajoute surtout plus d’événements contextuels et de types de cartes pour booster ou saboter des segments, ce qui crée des situations bien salées quand ton rival te vole ta top star la veille d’un PPV.

The Island, MyFACTION, Ringside Pass : le catch-service qui pique au portefeuille

Et c’est là que WWE 2K26 commence à sérieusement me perdre. The Island revient, désormais aussi sur PC, comme ce mode à part complètement barré : challenges, mini-aventures, changements de règles absurdes, costumes débiles… Sur le plan purement “jeu vidéo”, j’adore le concept. C’est l’endroit où 2K laisse enfin exploser le côté cartoon du catch, un peu à la “What if WWE 2K devenait un jeu d’arcade délirant ?”. En plus, par rapport à 2K25, j’ai eu beaucoup moins de soucis de saccades et de chargements interminables.

Le problème, c’est que The Island est aussi une vitrine géante à microtransactions. Tout est pensé pour te faire gagner des devises, débloquer des petites récompenses, puis t’afficher bien en face tout ce que tu pourrais avoir “plus vite” en sortant la carte bleue. Même combat avec MyFACTION : le mode deckbuilding mêlant PvE et PvP est solide, les combats y sont parfois plus intéressants grâce à des contraintes de cartes, mais les packs, les tirages aléatoires, les versions premium de Superstars, tout fait penser à un gacha maquillé.

Le nouveau Ringside Pass, cette sorte de battle pass avec une voie gratuite et une voie payante, n’arrange rien. Cosmétiques, tenues alternatives, et parfois même du contenu jouable sont coincés derrière un grind longuet ou un achat direct. Quand tu as déjà payé 70 € (ou plus) pour le jeu de base, et que l’édition la plus chère flirte avec les 150 dollars, tu sens vraiment la main de 2K venir chercher un supplément dans ta poche. Après quelques heures à regarder les paliers, j’ai clairement décidé de m’en tenir à la voie gratuite et de faire avec, mais la tentation est pensée pour être là, en permanence.

Création & communauté : 200 slots pour refaire tout le business

Là où WWE 2K26 m’a vraiment accroché de manière positive, c’est encore une fois dans la création. Le suite de création est gigantesque : personnages, tenues, movesets, entrées, ceintures, arènes, shows complets… Et surtout, 200 slots de CAW. Pour quelqu’un qui adore remplir le roster de fédérations indés, de légendes oubliées ou de personnages complètement inventés, c’est un cadeau.

En quelques heures, j’avais déjà importé des créations de la communauté pour compléter mon Universe : une fédé old-school avec des arènes sales, une autre ultra-moderne blindée de néons, et une division tag totalement custom avec des équipes sorties de l’imagination de fans. Les outils restent un peu lourds à prendre en main – surtout pour les détails d’entrées et les jeux de lumières – mais une fois qu’on maîtrise, on peut vraiment créer un show qui ressemble à ce qu’on a en tête.

Graphismes, animations, audio : la meilleure gueule du catch virtuel

Techniquement, WWE 2K26 est le plus abouti de la série, et c’est flagrant sur Series X comme sur PC. La décision de laisser tomber les anciennes consoles porte ses fruits : les arènes paraissent plus denses, la foule plus vivante (même si, en zoomant, certains modèles restent très “jeu vidéo”), les effets de lumière et de fumée pendant les entrées sont parfois bluffants. Les visages des Superstars actuelles sont globalement excellents, avec quelques ratés habituels sur des légendes ou des modèles moins prioritaires, mais dans l’ensemble, c’est une vraie vitrine.

Les animations sont plus propres que l’an dernier. On voit encore parfois des collisions bizarres – un bras qui traverse un objet, un corps qui flotte à deux centimètres d’une table – mais le moteur préfère maintenant “tricher” en écartant légèrement les modèles plutôt que de tout casser en ragdoll. Ça peut casser un peu l’illusion quand on y prête attention, mais c’est nettement moins choquant que les bugs d’antan.

Niveau performances, sur Series X, j’ai eu un 60 fps très stable en match, même avec plusieurs catcheurs à l’écran dans des Elimination Chamber ou WarGames. Les chargements restent présents, surtout en changeant beaucoup d’éléments de présentation, mais c’est globalement fluide. Sur mon PC (Ryzen récent + RTX milieu de gamme), le jeu tourne mieux que 2K25, avec moins de micro-saccades, même si les options graphiques ne sont pas les plus détaillées du monde.

Côté son, gros travail aussi : la foule réagit plus finement, on sent mieux les différences entre un petit show dans une salle moyenne et un énorme PPV dans un stade. Les commentateurs répètent encore certaines lignes, évidemment, mais beaucoup moins souvent qu’avant, et le fait d’avoir des équipes de commentaires différentes pour les matchs historiques (type Showcase) donne vraiment un cachet particulier à ces segments. Les impacts sur le ring, les bruits de tables qui explosent, les coups de chaise, tout sonne “lourd” comme il faut.

Passer de WWE 2K25 à 2K26 : mise à jour utile ou gros DLC à 70 € ?

Après toutes ces heures dessus, la vraie question que je me suis posée avant de poser la manette, c’est : “Si je possédais déjà 2K25 et que je n’étais pas un malade de la licence, est-ce que j’achèterais 2K26 plein pot ?”. Pour moi, la réponse penche plutôt vers le non.

Les plus : un roster encore plus massif, de nouveaux types de matchs sympa (Inferno en tête), une technique peaufinée, des modes existants qui gagnent quelques petites couches de profondeur, The Island qui tourne mieux et pousse plus loin le délire. Pour quelqu’un qui a skippé 2K25, 2K26 est clairement le meilleur point d’entrée actuel : tu as tout, dans sa version la plus aboutie.

Les moins : si tu viens tout juste de passer des dizaines d’heures sur 2K25, l’évolution va te sembler très incrémentale. Le système de combat reste le même dans sa philosophie, avec les mêmes qualités et les mêmes défauts, la structure des modes est globalement identique, et l’agressivité des microtransactions (Ringside Pass, MyFACTION, The Island) rend l’ensemble parfois assez indigeste. En promo à -50 %, je dirais oui sans hésiter à un fan de catch. À 70 € ou plus, c’est une décision beaucoup plus compliquée.

Verdict : un excellent jeu de catch coincé dans un modèle qui le freine

WWE 2K26, pris uniquement comme jeu de catch, est probablement ce qui se fait de mieux aujourd’hui. Le spectacle est là, la finition visuelle impressionne, la quantité de contenu est infernale, et une fois qu’on a apprivoisé le système de reversals, on peut vivre des matchs qui ressemblent vraiment à ce qu’on voit à la télé – voire mieux, parce qu’on contrôle le script.

Mais en 2026, on ne peut plus faire semblant de ne pas voir le reste : la pression constante pour dépenser plus, ce sentiment d’acheter un gros jeu à plein tarif puis de se faire assiéger par des passes, des packs, des éditions à trois chiffres… ça laisse un arrière-goût amer. Ajoute à ça une formule de gameplay qui commence à tourner en rond si tu es là chaque année, et tu obtiens un épisode à la fois ultra recommandable pour les fans hardcore et difficile à justifier au prix fort pour les autres.

Note FinalBoss : 7/10 – Un monstre de contenu et de technique, mais aussi un rappel que même le meilleur jeu de catch actuel peut être alourdi par ses choix de design et de monétisation.

TL;DR – WWE 2K26 en résumé

• Si tu viens de 2K22/2K23 ou que tu avais fait l’impasse sur 2K25 : 2K26 est la version la plus complète et la plus jolie, bon point d’entrée.
• Si tu as rincé 2K25 récemment : améliorations réelles mais incrémentales, difficile à conseiller plein pot à cause du sentiment de gros “DLC annualisé”.
• Points forts : roster 400+, nouveaux matchs (Inferno, 3 Stages of Hell, I Quit, Dumpster), 200 slots de création, technique solide sur Series X et PC, modes Universe/MyGM/MyRISE toujours aussi engageants, Showcase CM Punk réussi.
• Points faibles : gameplay toujours ultra-centré sur le timing des reversals, parfois punitif; microtransactions omniprésentes (MyFACTION, Ringside Pass, The Island); éditions très chères; sensation de déjà-vu pour les vétérans qui achètent chaque année.
• Pour qui ? : les fans hardcore de WWE qui veulent “tout” et qui acceptent le modèle de jeu-service; les autres ont intérêt à attendre une bonne promo.