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Juillet 2026 donne enfin une vraie raison de regarder le catalogue PS Plus

Le catalogue PlayStation Plus Extra et Premium de juillet 2026 évite le remplissage anonyme : Rise of the Ronin mène une sélection construite autour de grosses aventures, de jeux coopératifs plus immédiats et de quelques curiosités rétro qui méritent mieux qu’un téléchargement distrait.

Le point essentiel avant de libérer de l’espace sur le SSD : le déploiement se fait en plusieurs vagues. Rise of the Ronin arrive dès le 15 juillet aux États-Unis et au Royaume-Uni, le 16 juillet au Japon, puis le 21 juillet dans de nombreux autres territoires. Les autres ajouts se répartissent entre le 21 et le 28 juillet selon les jeux, les plateformes et les régions. Voici les dix titres à traiter dans l’ordre, avec un classement assumé.

• À lancer d’abord : Rise of the Ronin, Avatar: Frontiers of Pandora et Citizen Sleeper 2: Starward Vector.
• À garder pour les soirées entre amis : Dying Light, Firefighting Simulator: Ignite et Mighty Morphin Power Rangers.
• À réserver aux abonnés Premium curieux : Psi-Ops: The Mindgate Conspiracy et Indigo Prophecy.

1. Rise of the Ronin

Le choix évident, et cette fois le choix évident est le bon. Team Ninja apporte au catalogue Extra son grand jeu d’action PS5, avec une promesse que peu de productions du genre savent tenir : un système de combat à trois armes – épée, lance et fusil – qui encourage les transitions rapides et les combinaisons personnalisées.

Le jeu traîne des activités de monde ouvert répétitives et une fin de récit moins concentrée que ses meilleurs chapitres. Cela ne dilue pas ce qui compte : chaque duel important repose sur le timing, la lecture adverse et une agressivité maîtrisée. Pour les abonnés Extra sur PS5, c’est le téléchargement prioritaire du mois, sans débat.

2. Avatar: Frontiers of Pandora

Avatar: Frontiers of Pandora est l’autre poids lourd de juillet. Il vise les joueurs qui veulent une aventure spectaculaire, vaste et portée par un univers immédiatement identifiable, loin de la tension permanente des affrontements de Team Ninja.

Le placer derrière Rise of the Ronin est volontaire : le jeu de Koei Tecmo possède une identité de combat bien plus marquée. Mais pour une grande escapade à attaquer sans achat supplémentaire, Avatar est une proposition massive. C’est celui à installer quand l’envie du mois se résume à explorer un monde dépaysant plutôt qu’à perfectionner une parade.

3. Citizen Sleeper 2: Starward Vector

Voici le titre que beaucoup laisseront passer en parcourant le catalogue trop vite. Mauvais réflexe. Citizen Sleeper 2: Starward Vector apporte une respiration bienvenue entre deux mastodontes : une aventure portée par les choix, la survie et une pression narrative qui ne dépend pas d’une carte couverte d’icônes.

Sa place dans le top 3 vient d’une qualité rare au sein des abonnements : il peut devenir le jeu dont on parle le plus après l’avoir lancé « pour voir ». Les joueurs qui préfèrent les décisions difficiles et les récits de science-fiction tendus aux checklists interminables devraient commencer ici avant de se faire avaler par les plus grosses productions.

4. Dying Light

Dying Light reste une valeur sûre pour une raison simple : parcourir une ville infestée gagne une autre dimension quand le déplacement rapide devient aussi important que le combat. Le parkour donne à chaque fuite une énergie que beaucoup de jeux de survie n’approchent jamais.

Son arrivée dans le catalogue est particulièrement pertinente pour les groupes qui cherchent une expérience nerveuse et facile à reprendre. Il n’a pas besoin de réinventer sa formule pour fonctionner : escalader, improviser, semer la panique et survivre jusqu’au prochain abri restent des sensations extrêmement efficaces. Le jeu idéal pour une session qui dérape largement après minuit.

5. Firefighting Simulator: Ignite

Le nom ne vend pas du rêve sur une jaquette, mais Firefighting Simulator: Ignite a un atout précieux : il offre une expérience radicalement différente du défilé habituel de combats, de tirs et de fantasy. Ici, l’intérêt vient de la coordination, de la gestion des interventions et de la satisfaction très concrète de remettre de l’ordre dans le chaos.

C’est le choix de juillet pour les joueurs qui aiment les jeux de rôle collectif où chacun a une tâche claire. Il ne détrônera pas Rise of the Ronin dans la conversation générale, mais il peut facilement devenir le titre le plus mémorable d’une soirée entre amis. Une bonne sélection PS Plus doit aussi savoir sortir des autoroutes du blockbuster.

6. Snow Bros. Wonderland

Snow Bros. Wonderland arrive avec une mission presque rafraîchissante en 2026 : proposer une parenthèse plus légère dans un mois dominé par les mondes ouverts et les longues campagnes. Son inclusion a du sens précisément parce qu’elle casse le rythme du catalogue.

Il faut le voir comme un jeu de transition, celui qu’on lance entre deux quêtes trop longues ou quand l’on veut partager l’écran sans transformer la soirée en séminaire sur les builds et l’optimisation. Cette place de sixième n’est pas un désaveu : c’est la reconnaissance qu’un bon abonnement a besoin de jeux immédiatement lisibles.

7. Mighty Morphin Power Rangers

Les Mighty Morphin Power Rangers n’ont jamais eu besoin de subtilité pour fonctionner. Une équipe reconnaissable, une énergie de dessin animé du samedi matin et l’envie de distribuer des coups suffisent largement à expliquer pourquoi ce titre mérite une place dans la rotation de juillet.

Son intérêt dépend beaucoup du contexte : en solo, il restera derrière les jeux plus profonds de cette liste ; à plusieurs, il peut devenir un excellent antidote à la fatigue des grosses productions. C’est le téléchargement à prévoir pour les sessions courtes, bruyantes et sans cérémonie.

8. Psi-Ops: The Mindgate Conspiracy

La sélection Premium commence ici avec une vraie curiosité. Psi-Ops: The Mindgate Conspiracy mérite l’attention des joueurs qui aiment fouiller les classiques pour y retrouver des idées que les blockbusters modernes ont parfois abandonnées en chemin.

Il ne faut pas l’aborder comme une relique intouchable : c’est un jeu de son époque, avec les aspérités que cela implique. Mais le catalogue Premium existe pour ce genre de détour, pas pour servir un musée silencieux. Lancez-le pour ses ambitions et son étrangeté, deux qualités qui valent davantage qu’une simple ligne de plus dans une bibliothèque rétro.

9. Indigo Prophecy

Indigo Prophecy est le choix le plus clivant de la sélection Premium, donc logiquement l’un des plus intéressants. Son goût pour le thriller interactif et ses choix narratifs en font un jeu qui appelle davantage la discussion qu’une partie parfaitement confortable.

Ce n’est pas un classique à recommander aveuglément à tous les abonnés. Les joueurs qui exigent une écriture impeccablement tenue pourront rester sur leur faim. En revanche, ceux qui aiment découvrir des jeux narratifs ambitieux, y compris quand ils débordent de leurs propres cadres, trouveront ici un morceau d’histoire du jeu d’aventure à examiner de près.

10. Le calendrier échelonné du catalogue PS Plus

Oui, le dernier « jeu » à retenir est l’organisation du mois elle-même. Sony change le rythme de sortie d’Extra dans plusieurs régions : les États-Unis et le Royaume-Uni obtiennent Rise of the Ronin le 15 juillet, le Japon le 16, tandis qu’une grande partie des autres territoires attend le 21 juillet. D’autres ajouts arrivent ensuite jusqu’au 28 juillet.

Cette répartition évite l’embouteillage habituel du jour J et donne une priorité nette : télécharger Rise of the Ronin dès sa disponibilité, enchaîner avec Avatar: Frontiers of Pandora ou Citizen Sleeper 2: Starward Vector, puis réserver les classiques Premium à la curiosité du week-end. Verdict : juillet 2026 est un très bon mois PS Plus Extra, et Premium gagne enfin quelques détours qui justifient d’ouvrir son catalogue.

Le Kortz Center Heist : la méthode utile pendant l’accès gratuit

Le Kortz Center Heist mérite d’être essayé pendant sa période d’accès gratuit, mais il ne faut pas le traiter comme une machine à GTA$ automatique. Son investissement complet dépasse les 15 millions de GTA$, tandis que les gains affichés ont déclenché une controverse très simple : le braquage peut être amusant et rentable, sans rembourser vite une préparation aussi chère.

Voici les dix décisions qui comptent vraiment : sécuriser la meilleure vente de la semaine, éviter de sacrifier l’œuvre principale, choisir le solo quand il protège votre part, et ne pas confondre un total brut avec le bénéfice que vous gardez réellement.

1. Lancez-le pendant l’accès gratuit, pas après par réflexe

L’accès temporaire est le bon moment pour voir si la boucle du Kortz Center vous convient : préparation, infiltration, récupération de l’œuvre et livraison. C’est particulièrement important pour les joueurs qui n’ont pas déjà une montagne de GTA$ dormant sur leur compte.

Le prix de lancement complet dépasse 15 millions de GTA$. Tester le contenu sans engager cette somme est donc une décision économique, pas une hésitation. Si le rythme des missions de Mr Faber et la structure du casse ne vous accrochent pas maintenant, acheter tout l’écosystème plus tard ne rendra pas la boucle moins répétitive.

2. Réservez votre première vente directe de la semaine

La vente directe de l’œuvre principale aux acheteurs attitrés est la run qui compte. Lors de cette première vente hebdomadaire, le payout atteint son maximum et peut approcher les meilleurs gains du Diamond Casino Heist.

Planifiez cette livraison avant de brûler votre temps sur des essais secondaires. Le Kortz Center récompense davantage la discipline hebdomadaire que l’enchaînement impulsif des finales : une bonne vente au bon moment vaut plus qu’une soirée entière à répéter la mauvaise option.

3. Ne détruisez pas l’œuvre principale pour aller plus vite

L’option de destruction, ou scrapping, transforme l’objectif principal en expérience et en petites récompenses. Elle a une utilité si vous visez précisément cette progression, mais c’est le mauvais choix pour un joueur venu chercher de l’argent.

Le sacrifice financier est brutal : vous abandonnez le payout qui justifie le braquage au profit de gains mineurs. Gardez l’œuvre intacte et vendez-la directement si votre objectif est de reconstruire votre trésorerie après les dépenses liées au Kortz Center.

4. Méfiez-vous de la seconde vente dans la même semaine

Une fois la meilleure vente hebdomadaire consommée, la valeur de la même cible baisse nettement. C’est là que beaucoup de joueurs lisent mal la rentabilité du Kortz Center Heist : ils voient un gros chiffre théorique, puis répètent des ventes dont le rendement n’a plus rien à voir.

Après votre livraison premium, traitez les runs suivantes comme du contenu de progression ou de divertissement. Ne les utilisez pas pour calculer le temps nécessaire à rentabiliser un investissement de plus de 15 millions de GTA$.

5. Jouez solo si votre priorité est le bénéfice personnel

Le solo a un avantage impossible à contourner : vous gardez 100 % du butin principal. Pour une première vente bien préparée, le gain individuel se situe autour de 1,5 à 2 millions de GTA$, ce qui rend le format solo très compétitif pour une session efficace.

Le braquage peut demander un peu plus de maîtrise seul, mais il évite les négociations sur les parts, les détours inutiles et la dépendance à un équipier qui transforme une sortie propre en chaos dans Los Santos. Pour l’argent pur, le solo est le choix logique.

6. Formez une équipe uniquement si elle accélère vraiment la run

Deux à quatre joueurs peuvent réduire le temps de complétion, surtout lorsque chacun connaît son rôle et que la route d’entrée comme la sortie sont déjà définies. Une équipe compétente peut donc rendre le Kortz Center plus fluide et plus agréable.

Mais partager le butin baisse mécaniquement votre gain individuel. Inviter trois personnes pour une finale qui aurait été gérable seul n’améliore pas votre bilan : vous gagnez en confort, vous perdez en rendement. Le groupe doit apporter de la vitesse mesurable, pas seulement de la compagnie.

7. Décidez avant la finale si l’objectif sera vendu ou détruit

En équipe, le choix autour de l’œuvre ne doit jamais être improvisé à la dernière minute. Un joueur qui part sur une destruction pour récupérer de l’expérience bouleverse la stratégie financière de tout le groupe.

Annoncez clairement le plan avant de lancer l’opération : vente directe premium, run secondaire à valeur réduite ou destruction volontaire. Cette conversation prend trente secondes et évite l’une des pires frustrations du contenu coopératif : finir une mission longue en découvrant que le butin n’avait pas le même objectif pour tout le monde.

8. Préparez l’entrée et la sortie avant de toucher au Kortz Center

Le profit du Kortz Center Heist se joue autant dans les préparatifs que dans la finale. Identifiez votre route d’entrée, votre itinéraire de fuite et le véhicule adapté avant de démarrer. Le Grotti Veleno GT peut servir à garder une sortie nerveuse, mais l’essentiel reste de choisir un trajet que votre équipe sait réellement exécuter.

Une finale ratée, une alarme évitable ou une fuite sans plan transforme le meilleur objectif en temps perdu. Le casse n’a pas besoin d’être joué comme une démonstration de style : une sortie sobre et répétable rapporte plus qu’une évasion spectaculaire qui exige de relancer.

9. Ne budgétez pas votre achat sur la promesse des 3 millions

Le chiffre d’environ 3 millions de GTA$ circule autour du Kortz Center, mais il ne doit pas devenir votre seule référence. Entre les coûts de départ, la baisse des ventes suivantes et le partage en équipe, ce montant ne décrit pas automatiquement ce qui atterrit sur votre compte.

C’est le cœur de la polémique sur les payouts : le braquage peut sembler généreux sur le papier tout en paraissant laborieux face à son ticket d’entrée. Calculez votre retour sur une vente solo directe et premium ; tout le reste constitue un bonus, pas votre plan de remboursement.

10. Utilisez le Kortz Center pour ce qu’il offre, pas pour tout financer

Le Kortz Center Heist apporte un nouveau gros coup à GTA Online, avec une boucle centrée sur l’art, des contacts comme Raf De Angelis et une ambiance différente des braquages habituels de Los Santos. Il a de quoi justifier quelques bonnes soirées, surtout pendant l’essai gratuit.

En revanche, le considérer comme l’unique chemin vers une fortune rapide mène droit à la déception. Faites votre première vente de la semaine dans les meilleures conditions, gardez l’œuvre intacte, privilégiez le solo si le rendement compte, puis décidez froidement si le contenu mérite son coût complet.

Le Kortz Center se prépare avant le premier coup de feu

Le scénario est familier dans GTA Online : l’équipe arrive avec des armes hors de prix, un plan vaguement mémorisé et la certitude que « ça ira ». Puis une alarme part, la fuite tourne à la promenade en enfer dans Los Santos et le braquage censé financer la soirée finit par coûter du temps. Le Kortz Center Heist, disponible le 14 juillet 2026, récompense précisément l’approche inverse.

Cette liste classe les décisions qui comptent vraiment pour des premiers passages propres et des replays utiles : budget, préparation, méthode d’entrée, objectifs variables et sortie. Le Kortz Center mise sur l’infiltration, des cibles artistiques secondaires variables et plusieurs routes d’évasion. Les joueurs qui veulent improviser peuvent le faire ; ceux qui veulent transformer ce casse en routine rentable doivent arriver avec un plan.

1. Achetez le manoir sans vider votre compte bancaire

L’accès au Kortz Center Heist passe par les nouveaux manoirs. Leur prix de base se situe entre 3 et 5 millions de GTA$, selon l’emplacement et le terrain choisi. C’est déjà une barrière sérieuse, donc acheter le premier bien disponible en étant fauché reste une mauvaise entrée en matière.

Visez au minimum 8 millions avant de vous lancer dans l’achat : cela laisse de la marge pour les dépenses liées au braquage et pour vos autres activités. Le manoir doit ouvrir une boucle de gains, pas transformer votre personnage en propriétaire prestigieux incapable de payer son prochain équipement.

2. Traitez l’Art Studio comme un investissement de spécialiste

L’amélioration Art Studio fait gonfler brutalement la note : un manoir préparé avec cet ajout approche les 15 millions de GTA$. C’est le genre de dépense qui sépare le joueur prêt à exploiter le contenu à répétition de celui qui cherche simplement à débloquer l’accès au casse.

Le bon réflexe consiste à ne pas mélanger « envie de tout posséder » et « besoin immédiat ». Si votre objectif est de découvrir le Kortz Center dès sa sortie, sécurisez d’abord le manoir et une réserve saine. Si vous comptez construire une routine de replays, l’Art Studio devient une pièce centrale du plan.

3. Gardez 20 millions pour une préparation sans panique

Le seuil confortable se situe entre 8 et 15 millions, mais 20 millions constitue le vrai budget de sécurité pour un personnage entièrement préparé, véhicules et armes compris. C’est une somme énorme, certes. Elle évite aussi le pire piège du lancement : posséder le contenu, puis manquer de moyens dès qu’un réglage ou un achat devient nécessaire.

GTA Online récompense souvent les joueurs capables de réagir à une rotation ou à une opportunité sans devoir vendre leur dernier jouet. Au Kortz Center, cette souplesse financière vaut davantage qu’un garage rempli de véhicules rarement sortis.

4. Faites du premier braquage une reconnaissance, pas un speedrun

Le Kortz Center est conçu autour de la rejouabilité. Vouloir pulvériser son premier chrono revient donc à brûler l’étape qui donnera de la valeur aux runs suivants : comprendre l’organisation du lieu, identifier ce qui ralentit l’équipe et observer les choix d’évasion proposés.

Un premier passage propre doit répondre à trois questions simples : où l’infiltration devient-elle risquée, quelle cible secondaire justifie un détour, et quelle sortie reste viable quand le plan déraille ? Une fois ces réponses acquises, les replays cessent d’être une répétition et deviennent une optimisation.

5. Privilégiez la furtivité quand elle protège votre rythme

Rockstar présente le Kortz Center Heist comme un braquage axé sur la furtivité. Ce n’est pas un détail d’ambiance : l’infiltration doit être votre plan de base, surtout pendant les premiers jours où chaque erreur coûte une tentative, une préparation ou une fuite désordonnée.

La furtivité devient rentable lorsqu’elle réduit les imprévus et garde le groupe concentré sur l’objectif. Une équipe qui avance calmement avec des rôles clairs aura toujours plus de contrôle qu’un groupe qui transforme le centre culturel en zone de guerre à la première porte verrouillée.

6. Passez à l’agression seulement quand le plan est déjà compromis

Une approche agressive peut sauver un run, mais elle ne devrait jamais servir de stratégie par défaut pour un casse vendu sur son potentiel d’infiltration. L’erreur classique consiste à confondre vitesse et précipitation : tirer tôt donne l’impression d’avancer, puis force souvent l’équipe à gérer davantage de pression pendant l’extraction.

Gardez donc une règle nette : furtivité tant que le contrôle existe, agression quand elle résout une situation devenue irréversible. Ce basculement doit être une décision commune, pas le caprice d’un joueur qui s’ennuie après trente secondes sans explosion.

7. Choisissez les œuvres secondaires avant d’entrer

Les cibles artistiques secondaires variables sont le moteur de la rejouabilité du Kortz Center. Elles donnent une raison concrète de refaire le braquage au lieu de reproduire mécaniquement le même trajet pour le même résultat.

Avant chaque départ, l’équipe doit décider si elle vise une exécution rapide ou si elle accepte un détour pour une œuvre secondaire. Ce choix doit être tranché avant l’entrée. Hésiter au milieu du casse, c’est le moyen le plus sûr de perdre du temps, de briser la coordination et de transformer un bonus potentiel en fuite ratée.

8. Donnez la priorité à la meilleure cible de la rotation hebdomadaire

Le butin principal prend davantage de valeur lorsqu’il est vendu aux acheteurs de Mr. Fagin pendant la fenêtre hebdomadaire appropriée. Cette mécanique favorise le premier passage ciblé plutôt qu’une série de runs lancés au hasard.

La méthode est simple : repérez la cible qui bénéficie de la meilleure fenêtre, organisez votre run le plus propre autour d’elle, puis utilisez les replays pour explorer les œuvres secondaires et les autres sorties. Vous évitez ainsi de gaspiller votre meilleur coup sur un groupe improvisé ou une session déjà chaotique.

9. Décidez votre fuite selon l’état du braquage

Les multiples routes d’évasion ne sont pas là pour décorer la carte. Elles forment votre assurance quand l’approche parfaite ne survit pas au contact du terrain. Une sortie peut être idéale pour un run discret ; une autre peut mieux convenir à un groupe repéré qui doit quitter la zone sans perdre de secondes à débattre.

La décision utile tient en une phrase : si l’équipe reste discrète, prenez la route répétée et maîtrisée ; si l’alerte a changé le rythme, basculez immédiatement vers la sortie de secours définie avant le départ. Le plus grand gain de temps vient rarement d’un véhicule plus rapide. Il vient d’une équipe qui sait déjà où elle va.

10. Construisez une boucle de replay, puis arrêtez-vous au bon moment

En solo, le butin principal peut rapporter environ 1,5 à 2 millions de GTA$ sur un run. À quatre, les gains montent, mais la logique du butin artistique et des ventes hebdomadaires impose de mieux répartir les objectifs. Le Kortz Center peut devenir une source régulière de revenus, à condition de ne pas traiter chaque partie comme une expédition interminable.

La boucle la plus saine reste celle-ci : un run prioritaire sur la meilleure cible active, des replays destinés à maîtriser une route et à récupérer les opportunités secondaires, puis retour à vos autres activités lorsque le rendement baisse. GTA Online est plus agréable quand un braquage nourrit votre arsenal au lieu d’engloutir toute votre session.

Le plan à retenir pour le 14 juillet

Pour attaquer le Kortz Center dans de bonnes conditions, arrivez avec un budget réaliste, achetez le manoir sans vous mettre à sec et réservez l’Art Studio aux joueurs prêts à investir sur la durée. Lancez un premier casse méthodique, faites de la furtivité votre standard, préparez une sortie de repli et concentrez votre meilleur run sur la cible hebdomadaire la plus lucrative.

Le Kortz Center Heist a le potentiel de récompenser la discipline plutôt que le bruit. Dans Los Santos, c’est déjà une rareté suffisamment précieuse pour mériter un plan.

Je vais être direct : attendre GTA 6 sur PC va être une épreuve de patience, et ruminer devant le calendrier de Rockstar n’améliorera pas ta précision de tir. La console-first launch hype est là, elle est réelle, et elle ne profite qu’aux joueurs PS5 et Xbox Series X. Alors au lieu de laisser ce FOMO te ronger, transforme-le en énergie constructive. Prime Day est la fenêtre idéale pour upgrader ton setup avec des périphériques qui offrent un bénéfice immédiat : moins de fatigue, plus de précision, une latence réduite, et un confort que tu ressentiras dès ce soir. Tout ce qui suit coûte moins de 80 $, soit le prix supposé de GTA 6. Pas de spéculation sur la date de sortie PC ici, juste du matériel que j’ai testé, utilisé, et qui mérite sa place sur ton bureau.

Voici comment naviguer selon ton besoin le plus pressant :

• Visée et précision : souris (entrées 1 à 3)
• Frappe et ergonomie : claviers (entrées 4 à 6)
• Immersion sonore : casques (entrées 7 et 8)
• Maniement et conduite : manettes (entrées 9 et 10)
• Espace visuel et bureau : écran et tapis (entrées 11 et 12)

Avant de commander, vérifie ces points pour éviter les mauvaises surprises : compatibilité Windows 10/11 (tout ce qui suit est natif), choix entre filaire et sans-fil selon tes ports USB disponibles, et taux de rafraîchissement ou polling rate adapté à ton usage. Pas besoin d’une configuration de fou pour faire fonctionner ce matériel, juste de savoir ce qui te manque vraiment aujourd’hui.

1. Logitech G403 Hero

La G403 Hero est la souris qui m’a fait réaliser que j’avais passé des années à jouer avec des objets qui méritaient plus la poubelle que mon bureau. Je l’ai attrapée à environ 55 $ pendant Prime Day, soit une sacrée décote par rapport à ses 70-80 $ habituels, et depuis elle n’a pas quitté ma main droite. Ce qui m’a séduit en premier, c’est cette sensation de qualité brute : un corps ergonomique qui épouse la paume sans forcer, un revêtement caoutchouté sur les côtés qui empêche les doigts de glisser quand le stress monte, et surtout un poids ajustable entre 90 et 100 g grâce à une petite masse amovible dans le ventre. Moi, je l’use à pleine charge. J’aime sentir l’outil quand je joue, surtout dans des open-worlds où je passe ma vie à alterner conduite nerveuse et fusillades en mouvement.

Sous le capot, c’est le capteur Hero 25K qui fait le spectacle : 25 600 DPI max, un polling rate qui grimpe jusqu’à 20 000 Hz pour les fous de la latence, mais surtout une précision absolue sans lissage ni filtrage artificiel. Je joue à 800 DPI, et dans GTA V, passer du volant à la visée libre est instantanément traduit à l’écran. Aucune accélération surprise, aucun moment où le capteur perd le nord quand je repositionne la souris vite fait en soulevant légèrement. Le câble est assez souple pour ne pas créer de traînée, et les patins glissent correctement sur n’importe quel tapis. Branchée en USB et reconnue instantanément par Windows et le Logitech G Hub, elle est devenue ma référence pour convaincre mes potes qu’on n’a pas besoin de dépenser 150 $ dans une souris sans fil pour être compétitif. À ce prix-là, c’est du vol.

2. Razer Viper Mini

J’ai longtemps été allergique à Razer. Pour moi, c’était la marque du pay-to-logo, du RGB imposé et du plastique brillant qui se raye en regardant de travers. Puis un pote m’a forcé la main en me prêtant sa Viper Mini. Résultat : j’ai commandé la mienne le soir même, et elle m’a coûté moins d’un billet de 50. À 61 grammes, c’est une plume. Quand tu sors d’une souris bureautique de 120 g, la différence est violente. Tes mouvements deviennent des réflexes, pas des efforts. Dans les gunfights de GTA Online où il faut constamment faire des 180° en visée libre, cette légèreté transforme tes réactions. Les switches optiques sont une bénédiction : pas de débattement flou, pas de double-clic fantôme après six mois. Le clic est sec, instantané, presque trop sensible au début.

Le capteur optique monte à 8 500 DPI ; honnêtement, c’est moins démentiel que le Hero 25K, mais pour 99 % des joueurs, dont moi, c’est largement suffisant. Ce qui m’a bluffé, c’est le câble SpeedFlex : il ne traîne pas, ne s’accroche pas au bord du bureau, et tu oublies qu’il existe. La forme est petite, parfaite pour les grips en claw ou les mains fines. Si tu as des paluches de gorille, passe ton chemin. Personnellement, elle m’a permis de descendre ma sensi et d’améliorer ma précision en tête dans GTA V. J’ai même fini par la recommander à mon frère qui ne jure que par les FPS compétitifs, et il l’utilise encore aujourd’hui comme daily driver. Le fait qu’elle soit si légère réduit aussi la fatigue du poignet sur les longues sessions de nuit. Pour un prix qui frise les 40 $ en période de soldes, la Viper Mini enterre le mythe du « plus cher c’est mieux ». C’est la souris qui m’a fait admettre que j’avais tort sur Razer, et ça, c’est rare.

3. Logitech G305 Lightspeed

J’étais un irréductible du filaire. Le sans-fil, c’était pour les casques et les manettes, pas pour la souris. Trop de latence, trop d’interférences, trop de batteries à gérer. Puis j’ai croisé la route de la G305 Lightspeed à moins de 50 $, et mon dogme s’est effondré. Cette petite bête utilise le capteur Hero 12K, qui n’a rien à envier à ses grands frères pour du 1080p et du 1440p gaming. À 99 grammes avec une pile AA, elle n’est pas une plume comme la Viper Mini, mais elle reste agile. Ce qui m’a convaincu, c’est l’autonomie : 250 heures de jeu annoncées, et dans les faits, je change la pile tous les quatre ou cinq mois en l’utilisant quotidiennement. Plus de câble qui frotte contre le rebord du bureau, plus de nœuds à défaire avant de lancer le jeu. Je l’ai même emmenée dans ma poche lors d’un LAN chez un ami, et le dongle stocké dans le compartiment sous le capot m’a évité de le perdre.

Dans un open-world comme GTA, où tu passes ton temps à ouvrir la carte, à gérer l’inventaire et à faire des mouvements amples, ne pas sentir le câble, c’est une libération. La connexion USB via son petit dongle est limpide ; je n’ai jamais noté de perte de signal ni de micro-saccades, même dans mon appart blindé de murs épais. Les six boutons programmables via G Hub m’ont permis de binder des raccourcis, genre lancer une grenade ou rentrer en mode passif rapidement. Si tu hésites à sauter le pas du sans-fil par peur du prix, la G305 est la preuve vivante que tu peux t’y mettre sans vider ton portefeuille. Pour patienter jusqu’à GTA 6 sur PC, c’est l’une des upgrades les plus intelligentes que tu puisses faire.

4. HyperX Alloy Core RGB

On me demande souvent quel clavier acheter quand on débute ou quand on veut juste un outil fiable sans se ruiner. Ma réponse immédiate, c’est l’Alloy Core RGB. Ce n’est pas un mécanique bruyant qui réveille toute la maisonnée ; c’est un membrane avec un amorti délicieux, et honnêtement, après une journée de travail au clavier, mes doigts apprécient la douceur. Je l’ai payé moins de 50 $ et il a remplacé un clavier gamer à 150 $ qui m’agressait avec ses clicks bleus à 3 heures du matin. Le profil est bas, les touches ne dansent pas, et le RGB est suffisamment subtil pour ne pas transformer ta chambre en patinoire. La disposition AZERTY est fidèle et les touches ne s’effacent pas au bout de quelques semaines, ce qui est déjà un miracle à ce prix.

Ce qui le distingue, c’est sa polyvalence. Les touches multimédias dédiées – volume, mute, play/pause – sont des sauveurs quand un PNJ de GTA te balance une phrase à fond la caisse et que tu dois couper le son avant que tes voisins n’appellent les flics. La construction est solide, avec une face en plastique renforcé qui résiste aux éclaboussures. Je peux en témoigner : un verre de Coca a sauté, et le clavier a survécu sans séquelle. Il est compatible plug-and-play sur Windows 10 et 11, aucun driver à installer, et le câble tressé ne s’effiloche pas au bout de trois mois comme certains concurrents. Pour taper des messages sur Discord pendant des sessions de RP ou gérer les commandes de serveur, c’est un compagnon silencieux et efficace. Si tu cherches du confort nocturne et un look propre sans claquer un billet de 100, celui-ci mérite sa place.

5. Redragon K552 Kumara

Le K552 Kumara est le clavier qui m’a initié au monde mécanique, et je dois avouer que je l’ai acheté en me disant « à 45 $, ça va être de la camelote ». J’avais tort. Ce compact TKL avec son chassis en métal brossé a une solidité qui défie le prix. Les switches Outemu Blue claquent avec une satisfaction sonore presque thérapeutique. Oui, c’est bruyant. Oui, ton entourage va te détester si tu joues la nuit. Mais ce retour tactile, ce rebond net après chaque frappe, c’est une drogue. Je m’en sers encore aujourd’hui comme clavier de secours, et il a survécu à un renversement de Monster Energy dont je ne suis pas fier.

Son format sans pavé numérique libère un espace précieux sur le bureau, ce qui est crucial quand tu joues en low DPI avec une grande souris. Dans GTA, j’ai rebindingé les touches de direction et d’interaction sur la rangée supérieure, et le TKL m’a permis de rapprocher la souris pour des gestes plus courts. Le câble est épais et détachable, les pieds réglables en hauteur sont stables, et le rétroéclairage rouge simple fait le job sans en faire des tonnes. Les keycaps en ABS ne sont pas les plus épais du marché, mais ils tiennent le choc et la fonte des caractères résiste à l’usure. C’est souvent la porte d’entrée vers des claviers customs à 300 $, mais honnêtement, beaucoup de joueurs n’auront jamais besoin de plus. Pour moins de 50 $, c’est du mécanique authentique qui ne demande qu’à être tapé sauvagement.

6. Corsair K55 RGB Pro

Si tu as déjà passé des heures à farmer de l’argent sur GTA Online, tu sais que répéter les mêmes actions gave vite. C’est là que le K55 RGB Pro entre en scène : six touches macro dédiées qui changent la donne. Je les ai programmées via le logiciel iCUE pour acheter instantanément mon armure lourde, lancer un sticky bomb ou appeler mon véhicule personnel. C’est de la triche légale, et ça m’a fait économiser des dizaines de clics inutiles. Mais au-delà des macros, c’est le confort qui m’a marqué. Le repose-poignet inclus est amovible et a littéralement sauvé mon poignet droit pendant les sessions de nuit de quatre heures.

C’est un clavier membrane, certes, mais avec un tactile plus doux et réactif que la moyenne. La certification IP42 contre les éclaboussures m’a rassuré après l’incident du Coca sur mon précédent clavier. Le RGB est divisé en cinq zones, pas par touche, mais franchement à moins de 50 $ on ne va pas faire le difficile. Les touches multimédias sont présentes, et la construction globale ne fléchit pas sous les coups de poing de rage quand un griefer te détruit ta livraison. Pour les joueurs qui veulent productivité et gaming dans un même appareil sans exploser leur budget Prime Day, le K55 est un choix tactique et malin.

7. HyperX Cloud Stinger 2

J’ai porté des casques gamer qui pesaient plus qu’un casque de moto et qui me donnaient des migraines au bout d’une heure. Le Cloud Stinger 2 est l’antithèse absolue : à peine 300 grammes sur la balance, il disparaît sur ta tête. Je l’ai déniché sous les 60 $ et il a remplacé un modèle trois fois plus cher qui trône désormais dans mon placard. Les drivers de 50 mm délivrent un son clair, sans cette basse boueuse qui masque les bruits de pas. Dans GTA V, entendre une moto arriver sur ta gauche avant même de la voir à l’écran, ça sauve ta peau en mode free-aim.

Le micro est un chef-d’œuvre de simplicité : tu le remontes pour te muter, tu le baisses pour parler. Pas de bouton caché, pas de logiciel compliqué. La qualité de capture est propre, mes potes sur Discord m’entendent sans ce souffle dégueulasse des micros budget. Les coussinets sont doux et relativement respirants, même en été, et ils ne font pas un vide absurde quand tu portes des lunettes. Si tu cherches un casque qui privilégie le confort sur la durée et une localisation sonore honnête pour les open-worlds, le Stinger 2 est une évidence. C’est le compagnon léger que tu oublies, et c’est exactement ce qu’on veut pour des sessions de plusieurs heures.

8. SteelSeries Arctis 1

J’ai toujours admiré la signature sonore de SteelSeries, mais la gamme Arctis haut de gamme me faisait reculer à cause du prix. L’Arctis 1 est la solution : il embarque les mêmes drivers que l’Arctis 7 dans un chassis plus sobre et un tarif qui frôle les 50-60 $. Quand je l’ai mis sur mes oreilles pour la première fois, j’ai relancé la radio de Vice City dans GTA juste pour réentendre les synthés avec cette clarté. Les médiums sont présents, les aigus ne crissent pas, et la scène sonore est suffisamment large pour situer les ennemis ou les flics qui rappliquent. La connexion filaire en jack 3,5 mm le rend universel : PC, téléphone, Switch, manette, il s’adapte à tout sans demander de dongle USB spécifique.

Le bandeau est ajustable, moins luxueux que le ski goggle de la série supérieure, mais il distribue bien la pression et ne crépite pas quand tu bouges la tête. Le micro ClearCast se détache proprement : je l’enlève quand j’écoute de la musique ou que je regarde des streams, et je le remets pour les sessions coop. C’est un détail bête, mais ça change la vie de ne pas avoir un micro qui te chatouille la joue en permanence. Le câble tressé est assez long pour traverser le bureau sans tirer, et la télécommande intégrée au fil permet de couper le micro ou le volume sans quitter le jeu. Si tu veux l’ADN sonore d’une marque premium sans payer le premium, l’Arctis 1 est le casque qui justifie chaque centime. Pour patienter jusqu’à GTA 6, c’est l’immersion garantie.

9. Manette Xbox Core

Je sais, je sais, on est sur PC. Mais soyons honnêtes : dans GTA, conduire à la souris-clavier reste une aberration. J’ai grandi à la manette Xbox, et quand je dois enchaîner les virages serrés de Los Santos ou piloter un hélico instable, je repasse immédiatement sur la manette. La Core Controller, souvent à moins de 60 $ pendant Prime Day, est le standard absolu. Les gâchettes analogiques ont une résistance parfaite pour moduler l’accélérateur et le freinage moteur, ce qui te donne un contrôle précis que la touche W ne pourra jamais offrir. Le Bluetooth est stable sous Windows 11, et le port USB-C permet de jouer en filaire si tu veux éliminer toute latence.

Les grips texturés du modèle actuel sont une bénédiction comparés au plastique lisse de la génération précédente. Même après trois heures de session, la manette ne glisse pas. Les sticks sont précis, avec une zone morte minimale, et les boutons ont un retour tactile satisfaisant. Je l’utilise aussi pour Red Dead Redemption 2 et les jeux de course, mais c’est dans GTA que son utilité est la plus flagrante. Branchée en une seconde, reconnue nativement par Steam et le Rockstar Launcher, elle demande zéro configuration. Le partage de la manette entre PC et Xbox est aussi un plus si tu as les deux plateformes dans le salon. Si tu comptes explorer Vice State en bagnole, ce n’est pas un luxe, c’est un investissement nécessaire. Et à ce prix, c’est imbattable.

10. 8BitDo Ultimate C

J’ai acheté la 8BitDo Ultimate C par curiosité à 30 $, persuadé que c’était un gadget pour émulateurs rétro. J’ai fini par l’utiliser sur mon PC principal pour GTA V quand ma manette Xbox était en charge. Ce qui m’a sidéré, c’est la qualité des sticks Hall Effect : pas de drift, zéro, nada. À 30 $, c’est de la sorcellerie. La précision est telle que j’ai pu réaligner mes réglages de visée à la manette avec une confiance que je n’avais pas sur des manettes bien plus chères. Le chassis est léger mais ne craque pas sous la pression, et la disposition des boutons respecte l’ergonomie Xbox que j’aime.

Elle est compatible PC via USB et Bluetooth, et la reconnaissance est instantanée. Les boutons sont légèrement plus rebondis que ceux de Microsoft, ce qui donne un feedback plus affirmé. Je la conseille vivement comme manette de secours, ou même comme manette principale si ton budget est serré. Pour les jeux d’arcade et les open-worlds où tu alternes conduite et shoot, elle tient parfaitement la route. J’ai même offert une à mon cousin qui débute sur PC, et il n’a pas touché son clavier pour jouer à GTA depuis. 8BitDo a compris comment démocratiser la qualité, et l’Ultimate C est la preuve qu’on peut avoir du matériel fiable sans payer la taxe des grosses marques. C’est mon coup de cœur surprise de cette liste.

11. Un écran 22 pouces Full HD budget

Restons honnêtes : un moniteur gaming 144 Hz sous les 80 $, c’est du rêve éveillé. Mais un écran 22 pouces 1080p de seconde zone, utilisé comme affichage secondaire ? Ça, c’est faisable, et ça change absolument la donne. J’ai ajouté un modèle Sceptre de cette fourchette à mon setup l’année dernière, et je ne pourrais plus m’en passer. Quand tu traverses Los Santos et que tu dois consulter la carte, Discord, ou un guide de collectibles, ne plus avoir à alt-tab, c’est un confort de vie. Les couleurs ne sont pas celles d’un IPS haut de gamme, mais pour un affichage de chat et de navigateur, c’est largement suffisant.

Le pied est basique, presque cheap, mais l’écran est VESA compatible, alors je l’ai monté sur un bras articulé d’occasion. Le rafraîchissement standard fait le job pour du contenu statique, et l’écran fin et sans bordures épaisses s’intègre proprement à côté de mon principal 27 pouces. C’est l’upgrade le plus sous-estimé de cette liste : personne ne pense à acheter un second écran avec son budget Prime Day, et pourtant c’est ça qui transforme un setup de gamer en poste de commandement. Si tu as un peu de place sur ton bureau, c’est le meilleur investissement utilitaire que tu puisses faire à moins de 80 $.

12. Un tapis de souris XXL

On rigole, mais le tapis de souris XXL est peut-être le meilleur rapport qualité-prix de tout ce classement. Pour moins de 20 $ – souvent aux alentours de 15 $ pendant Prime Day — tu récupères une surface de 900 par 400 mm qui accueille ton clavier, ta souris, et même ton téléphone. J’ai joué des années sur du bois nu, persuadé que c’était « plus rapide ». Grosse erreur. La différence de cohérence est flagrante : quand tu fais un swipe de 30 cm pour faire un 180° dans GTA et viser un fuyard, avoir la même résistance sur tout le mouvement change tout. Plus de grain de poussière qui bloque le capteur, plus de différence de friction entre le bureau et le coin de la table.

J’ai opté pour un modèle épais de 4 mm avec une base caoutchoutée qui ne bouge pas d’un millimètre, même quand je m’énerve. La surface tissée est douce au poignet et ne râpe pas la paume. En plus, ça donne immédiatement un look clean et unifié au bureau. C’est le genre d’achat que tu retardes parce que « ce n’est que un tapis », et une fois installé, tu te demandes comment tu as pu vivre sans. Pour un prix dérisoire, il améliore ton aiming, ton ergonomie, et l’esthétique globale de ton coin gaming. C’est le petit plus parfait pour clôturer un upgrade Prime Day complet avant l’arrivée de GTA 6 sur PC.

Voici mon verdict : la meilleure chose que tu puisses faire pour ton expérience PC en attendant GTA 6, c’est d’arrêter de speculer sur des dates et d’agir sur ce que tu contrôles. Chaque périphérique de cette liste apporte une amélioration tangible dès demain matin. Si tu ne devais en choisir qu’un, prends la Logitech G403 Hero : c’est l’upgrade le plus immédiat, le plus universel, et celui qui redéfinit ta relation à la précision. Mais si tu as un peu de marge, combine une souris légère avec un tapis XXL et un bon casque. Le résultat ? Un setup qui te fait presque oublier que Vice City n’est pas encore accessible sur Steam. Presque.

PS Plus Extra et Premium constituent l’une des meilleures portes d’entrée pour l’open-world moderne. Au lieu d’investir dans des productions à prix plein, l’abonnement donne accès à des mondes vastes déjà éprouvés, patchés et optimisés pour PS4 ou PS5. Ce guide sélectionne treize titres qui méritent une installation immédiate, avec pour chacun un conseil de version et un profil de joueur pour ne pas perdre de temps.

Sélecteur rapide : quel open-world choisir ?

• Futur dystopique et narration mature : Cyberpunk 2077
• Bac à sable urbain et multijoueur : GTA V
• Post-apocalypse naturelle et machines : Horizon Zero Dawn Remastered / Forbidden West
• Fantasy sombre et choix moraux : The Witcher 3: Wild Hunt
• Japon féodal et combat cinématique : Ghost of Tsushima Director’s Cut
• Super-héroïsme et traversal aérien : Marvel’s Spider-Man
• Survie moto et hordes massives : Days Gone
• Expérimental et coopération implicite : Death Stranding Director’s Cut
• Vikings et exploration maritime : Assassin’s Creed Valhalla
• Western immersif et lenteur narrative : Red Dead Redemption 2
• Espace infini et survie procédurale : No Man’s Sky
• Science-fiction Jedi et exploration : Star Wars Jedi: Fallen Order

1. Cyberpunk 2077

Cyberpunk 2077 n’a plus grand-chose à voir avec sa version de lancement. L’update 2.0, accompagnée de l’extension Phantom Liberty, a redéfini l’expérience de Night City. Le système de police a été entièrement refondu, les arbres de compétences réinventés autour de classes de spécialisation distinctes, et la conduite des véhicules s’est considérablement enrichie. L’IA des ennemis est plus agressive, les fusillades gagnent en impact, et le rythme global de l’aventure s’en trouve fluidifié. Sur PS5, le jeu propose désormais plusieurs modes d’affichage, dont un privilégiant le ray tracing pour une ambiance nocturne saisissante et un autre la fluidité à 60 images par seconde. La mise à jour PS5 Pro pousse encore plus loin la netteté de l’image grâce au PSSR, transformant Cyberpunk 2077 en l’une des vitrines techniques les plus abouties de la console. Dans le cadre de PS Plus Extra, c’est l’une des valeurs sûres du catalogue : vous accédez à la version PS5 complète avec l’ensemble des correctifs et l’extension, sans dépenser un centime de plus. L’immersion dans les rues de Night City, entre quêtes narratives complexes où chaque choix influe sur le destin des personnages et activités secondaires densément écrites, fait de ce titre une évidence pour les amateurs de science-fiction.

Version PS4 vs PS5 : oubliez la version PS4, abandonnée après le patch 2.0. Sur PS5, préférez le mode Ray Tracing pour l’ambiance nocturne ou Performance pour les fusillades en mouvement. À choisir si : vous cherchez un récit mature dans un univers futuriste saturé de détails, de customisation profonde pour V et de possibilités.

2. GTA V

GTA V et son mode Online restent la référence absolue du bac à sable urbain. Entre la campagne solo aux trois protagonistes interchangeables et Los Santos constamment évolutif, le contenu est pratiquement infini. Rockstar continue d’alimenter GTA Online avec des mises à jour régulières qui transforment la métropole en terrain de jeu multijoueur où le chaos règne en maître, ajoutant des activités commerciales, des braquages complexes et des véhicules toujours plus absurdes. L’open-world réagit à vos exactions avec une police redoutable et une physique qui a défini la génération. Disponible dans le catalogue PS Plus Extra, le jeu évite l’achat à prix plein pour une aventure qui a déjà dix ans mais qui refuse de vieillir. La version PS5 bénéficie d’un lifting technique notable : temps de chargement divisés par quatre, fréquence d’images améliorée, effets visuels affinés et une densité de trafic accrue dans les rues. Sur PS4, l’expérience reste fonctionnelle mais souffre de temps de chargement plus longs et d’une distance d’affichage réduite.

Version PS4 vs PS5 : la version PS5 est nettement supérieure avec ses trois modes d’affichage. Si vous êtes encore sur PS4, le jeu tourne correctement, mais la migration vers PS5 vaut le détour pour Los Santos. À choisir si : vous aimez la liberté totale, l’humour noir et les sessions multijoueur imprévisibles.

3. Horizon Zero Dawn Remastered

Guerrilla Games a remasterisé son chef-d’œuvre pour PS5, et le résultat confirme le statut d’Horizon Zero Dawn comme l’un des open-worlds naturels les plus marquants de la décennie. L’Ouest Américain post-apocalyptique, peuplé de machines biomécaniques colossales, offre un contraste saisissant entre ruines de l’ancien monde et forêts luxuriantes. Le système de combat fluide, mêlant arc précis, pièges tactiques et lance-roquettes improvisé, récompense la préparation avant chaque affrontement. La narration autour d’Aloy et de l’origine des machines tient en haleine sur toute la durée. Dans le cadre de PS Plus, cette version Remastered représente le moyen le plus accessible de découvrir l’origine de la saga. Les textures haute résolution, l’éclairage amélioré et les temps de chargement quasi inexistants en font une vitrine technique pour les nouveaux arrivants sur PS5. Sur PS4, seule la version originale est disponible ; elle reste excellente, mais sans les améliorations visuelles et le confort de navigation du remaster.

Version PS4 vs PS5 : jouez impérativement la version Remastered sur PS5 si vous le pouvez. La différence de lisibilité dans les hautes herbes et les effets de lumière est immédiate. À choisir si : vous appréciez l’archerie, la nature hostile et les récits de reconstruction civilisationnelle.

4. Horizon Forbidden West

Suite directe et évolutive, Horizon Forbidden West élargit considérablement l’échelle de l’aventure. Dès les premières minutes, l’exploration verticale s’intensifie avec le grappin, le Planeur et des environnements sous-marins denses à explorer. La Californie post-apocalyptique regorge de tribus aux cultures distinctes et de machines plus agressives que jamais, tandis que les quêtes secondaires gagnent en profondeur narrative et en choix diplomatiques. Le système de compétences réinventé permet des spécialisations variées qui changent fondamentalement l’approche des combats. Le titre brille sur PS Plus Extra en proposant une aventure de plus de cinquante heures sans coût additionnel. La version PS5 exploite le SSD pour des transitions instantanées entre les régions et affiche une richesse de détails végétale sans équivalent. Sur PS4, le jeu reste impressionnant grâce à l’optimisation cross-gen de Guerrilla, même si les temps de chargement et la résolution cèdent du terrain face à la densité des nouvelles zones.

Version PS4 vs PS5 : le jeu est cross-buy. Installez-le sur PS5 pour bénéficier du 60 fps en option et des effets haptiques de la DualSense. À choisir si : l’exploration verticale, les ruines futuristes et le combat tactique contre des créatures mécaniques vous attirent.

5. The Witcher 3: Wild Hunt

The Witcher 3 reste l’étalon-or du RPG open-world narratif. Chaque contrat, chaque village recèle une histoire aux choix multiples qui influencent réellement le monde et ses habitants, sans compter les ramifications politiques de la guerre nilfgaardienne. La Complete Edition sur PS Plus inclut les deux extensions, Hearts of Stone et Blood and Wine, qui à elles seules valent de nombreux jeux complets. Le système de combat de mêlée et de signes offre une fluidité qui n’a pas pris une ride, tandis que l’alchimie et la préparation ajoutent une couche stratégique souvent négligée. La mise à jour next-gen, disponible sur PS5, repousse les textures, améliore l’IA des foules et ajoute un mode performance 60 fps qui change la donne. Sur PS4, le jeu tourne en backward compatibility avec une stabilité honorable, mais sans les améliorations visuelles et les fonctionnalités spécifiques DualSense. L’intérêt sur PS Plus réside dans la quantité phénoménale de contenu narratif de qualité accessible immédiatement.

Version PS4 vs PS5 : la version PS5 est gratuite si vous possédez la version PS4. Sur PS5, privilégiez le mode Performance pour les combats contre les loups et les spectres. À choisir si : vous cherchez une fantasy adulte, des dilemmes moraux corsés et un bestiaire exceptionnel.

6. Ghost of Tsushima Director’s Cut

Sucker Punch a créé avec Ghost of Tsushima une lettre d’amour au cinéma de samouraïs. L’île de Tsushima, divisée en trois régions visuellement distinctes, propose une exploration guidée par le vent plutôt que par des marqueurs intrusifs, ce qui préserve l’immersion dans le Japon féodal. Le Director’s Cut ajoute Iki Island, de nouvelles capacités de combat et le mode Légué qui transpose l’aventure en noir et blanc pour une immersion kurosawienne totale. Le duel au katana est exigeant, récompensant la parfaite maîtrise des timings de parade et d’esquive. Disponible dans le catalogue Extra, ce titre profite particulièrement de la PS5 : temps de chargement quasiment nuls, support haptique des épées sur la DualSense, et résolution dynamique en 4K stable. La version PS4 reste magnifique et bénéficie d’une mise à jour gratuite vers le Director’s Cut, mais elle ne dispose pas du retour de force fin sur les parades ni du 60 fps qui fluidifie les affrontements.

Version PS4 vs PS5 : la version PS5 transforme chaque duel en spectacle sensoriel. Sur PS4, le jeu reste l’un des plus beaux de la génération précédente. À choisir si : vous rêvez de combats de katana cinématiques, d’esthétique japonaise soignée et d’exploration contemplative.

7. Marvel’s Spider-Man

Insomniac a redéfini le déplacement urbain avec Spider-Man. Se balancer entre les gratte-ciel de Manhattan n’a jamais été aussi jouissif, et l’open-world réagit dynamiquement aux crimes, aux défis de bases ennemies et aux activités secondaires variées. Le Remastered sur PS5 inclut la campagne complète avec Peter Parker, des textures revues, des temps de chargement supprimés et un ray tracing sélectif qui sublime les reflets sur les façades de la ville. Le système de combat, mêlant combos aériens et gadgets, demande une certaine dextérité sans devenir inabordable. Le titre est un pilier du service PS Plus Extra sur PS5, offrant une puissance narrative et une fluidité de traversal qui justifient à elles seules l’abonnement. Sur PS4, le jeu original reste excellent, mais souffre de quelques baisses de framerate lors des combats aériens denses et de temps de chargement plus visibles lors des infiltrations.

Version PS4 vs PS5 : le Remastered PS5 est accessible directement sur la console next-gen. Sur PS5, le 60 fps est standard et le ressenti haptique renforce les coups. À choisir si : vous voulez un mouvement aérien parfait, des combats spectaculaires et une histoire de super-héros attachante.

8. Days Gone

Souvent sous-estimé à sa sortie, Days Gone a trouvé son public grâce aux mises à jour techniques et à sa présence régulière sur PS Plus. L’Oregon dévasté par une pandémie offre un open-world de survie où la moto est aussi importante que les armes pour vous déplacer, échapper aux hordes et gérer votre essence. Les hordes de Freakers, pouvant compter des centaines d’ennemis à l’écran, constituent des défis techniques et stratégiques mémorables qui obligent à préparer le terrain avec explosifs et embuscades. Le système de craft et la gestion des ressources ajoutent une tension constante à l’exploration. Sur PS5, le jeu profite d’un patch 60 fps qui métamorphose l’expérience de conduite et de fuite. La version PS4 native reste solide, mais elle peine à maintenir la fluidité lors des affrontements contre les plus grosses hordes. Le titre est idéal sur PS Plus pour les amateurs de survie qui veulent un monde hostile et une narration lente mais efficace.

Version PS4 vs PS5 : le 60 fps sur PS5 est quasi indispensable pour les cascades et les combats motorisés. Sur PS4, prévoyez d’adapter votre style de jeu. À choisir si : les hordes de zombies, la mécanique moto et les paysages du Pacifique Nord-Ouest vous attirent.

9. Death Stranding Director’s Cut

Hideo Kojima livre avec Death Stranding un open-world atypique centré sur la livraison et la reconstruction d’un réseau social post-apocalyptique. Le Director’s Cut sur PS5 ajoute des véhicules, des courses de rangement et des zones inédites qui enrichissent l’exploration sans dénaturer l’expérience contemplative. Le système de construction collaborative en ligne, où les joueurs partagent échelles, ponts et génératrices, crée une connexion unique entre les abonnés PS Plus. La gestion de l’équilibre de Sam, le choix des itinéraires et la planification des expéditions transforment chaque voyage en casse-tête physique. La version PS5 est la seule à considérer pour le Director’s Cut, bien qu’une mise à niveau payante existe depuis la version PS4. Les temps de chargement supprimés par le SSD et le support haptique de la DualSense pour l’équilibre sur les terrains accidentés changent radicalement la sensation de marche. L’aspect visuel, avec ses paysages islandais sublimés, gagne en lisibilité.

Version PS4 vs PS5 : passez au Director’s Cut sur PS5 via l’upgrade. Sur PS4, l’expérience originale est plus lente mais tout aussi singulière. À choisir si : vous recherchez un jeu expérimental, une solitude méditative et des mécaniques de coopération implicite.

10. Assassin’s Creed Valhalla

Ubisoft propose avec Valhalla un open-world viking particulièrement dense. Entre les assauts de forteresses, l’exploration maritime avec drakkar personnalisable et les quêtes narratives complexes scindées entre l’Angleterre du IXe siècle et les mythologies nordiques, le contenu est colossal. Le système de combat, axé sur la mêlée brutale et l’arc, offre une fluidité qui distingue ce volet de ses prédécesseurs immédiats. Chaque région anglaise possède son propre arc narratif avec des choix qui influencent l’allégeance de votre colonie. Sur PS Plus Extra, Valhalla représente des dizaines d’heures d’immersion historique sans surcoût. La version PS5 affine les textures, accélère les chargements et stabilise le framerate lors des sièges massives avec des centaines de soldats à l’écran. La version PS4 reste tout à fait honorable grâce au cross-gen, mais elle impose des temps d’attente plus longs lors des voyages rapides et une densité d’ennemis légèrement réduite.

Version PS4 vs PS5 : jouez sur PS5 pour les sièges en 60 fps et les effets de particules améliorés. Sur PS4, l’aventure reste complète. À choisir si : vous aimez les raids vikings, la navigation fluviale et les choix diplomatiques influençant votre colonie.

11. Red Dead Redemption 2

Rockstar signe avec Red Dead Redemption 2 l’un des open-worlds les plus immersifs jamais conçus. Le vieil ouest américain est rendu avec une obsession du détail qui touche à l’anthropologie : chaque PNJ a une routine, chaque animal une écologie, et chaque région une identité climatique forte. La campagne d’Arthur Morgan reste un sommet de narration interactive, portée par des dialogues nuancés et une évolution lente mais implacable. L’open-world ne se contente pas d’être un décor ; il respire, réagit aux intempéries et aux choix du joueur avec une cohérence rare. Le titre figure parmi les incontournables du catalogue PS Plus Extra. Sur PS5, bien qu’aucune version native n’existe encore, la rétrocompatibilité offre un framerate plus stable et des temps de chargement réduits par rapport à la PS4 Pro. La version PS4 de base montre parfois ses limites dans les villes les plus peuplées ou lors des fusillades complexes.

Version PS4 vs PS5 : sur PS5, le boost de la console améliore la fluidité générale sans modification du code. Sur PS4, installez-le sur un SSD externe si possible. À choisir si : vous privilégiez l’immersion lente, les récits d’honneur déchu et les paysages sauvages.

12. No Man’s Sky

Hello Games a transformé No Man’s Sky en l’une des redemptions les plus spectaculaires de l’histoire récente du jeu vidéo. L’univers procédural infini, mêlant exploration spatiale, construction de bases personnalisables et survie planétaire, offre une liberté sans équivalent sur console. Les mises à jour gratuites continues ajoutent régulièrement du contenu, des mécaniques et des améliorations visuelles qui enrichissent l’expérience à long terme. Le passage d’une planète désertique à une lune toxique, puis à l’espace profond, se fait sans temps de chargement sur les machines récentes. Sur PS Plus Extra, c’est le titre idéal pour les joueurs qui veulent un bac à sable sans contrainte narrative imposée. La version PS5 profite d’une génération de terrain plus rapide, de résolutions supérieures et d’un rendu des planètes plus dense. La version PS4, bien que fonctionnelle, impose des temps de pop-in visibles lors des atterrissages rapides et une distance d’affichage moins généreuse, sans parler des limitations de taille de base.

Version PS4 vs PS5 : la PS5 supprime les gels lors des warp et améliore la netteté des textures organiques. Sur PS4, patience lors des transitions. À choisir si : l’exploration spatiale sans fin, la construction créative et la découverte procédurale vous fascinent.

13. Star Wars Jedi: Fallen Order

Respawn Entertainment a réussi l’exploit de mêler Souls-like, Metroidvania et open-world dans un univers Star Wars cohérent et respectueux de la licence. Fallen Order suit Cal Kestis à travers plusieurs planètes aux architectures labyrinthiques et aux secrets bien dissimulés, incitant à l’exploration méticuleuse. Le système de combat au sabre laser, exigeant et récompensant, privilégie la parade et la gestion de la Force plutôt que le bourrinage. Chaque planète possède sa propre identité visuelle et ses dangers spécifiques, des wookies de Kashyyyk aux nuits de Dathomir. Disponible via EA Play inclus dans PS Plus Extra, le titre ne nécessite aucun achat additionnel pour les abonnés. La version PS5 bénéficie d’un patch 60 fps qui transforme les duels en affrontements fluides et lisibles, particulièrement contre les bosses de fin. Sur PS4, le 30 fps constant peine parfois dans les zones les plus vastes, sans pour autant casser l’expérience narrative et exploratoire.

Version PS4 vs PS5 : la version PS5 est la référence pour le combat. Sur PS4, jouez en difficulté normale pour compenser la réactivité moindre. À choisir si : vous voulez un Star Wars exigeant, des environnements à dénicher et une progression par exploration.

Le triage des alphas : vingt minutes pour décider

Je vais être direct : 90 % des alphas indies sont des pièges à temps perdu. Vous téléchargez, vous perdez une heure à décrypter un tutorial bancal, et vous découvrez que le « gameplay innovant » se résume à un gimmick vidé de toute profondeur. Alors quand trois sign-ups bêta ont atterri dans la même fenêtre – un roguelike survivor auto-attaque inspiré du folklore brésilien, un deckbuilder poker où vous sacrifiez vos propres membres, et un simulateur d’horreur culinaire avec des pizzas mortelles – j’ai fait le tri pour vous. Vingt minutes chrono. C’est le temps qu’il vous faut pour sentir si la boucle tient, si la difficulté est fair, et si vous cliquerez sur « Request Access » ou sur « Ignorer ».

1. Caravana 2000

Caravana 2000 vend du rêve : une nuit brésilienne hantée, des hordes surnaturelles, et vous au milieu avec un tambour transformé en lance-roquettes et un masque de carnaval qui crache du confetti meurtrier. Le pitch visuel est immédiat, presque suffocant. Mais ce qui compte dans les premières minutes, c’est le combat auto-attaquant. Vous ne bourrinez pas le bouton d’attaque ; vous gérez la direction, le positionnement, et surtout les gadgets absurdes hérités de la culture de rue et du folklore brésilien. J’ai passé mes premières minutes à courir en cercle autour d’un boss costumé, trop occupé à jongler entre trois gadgets pour réaliser que mes attaques auto se déclenchaient toutes seules. C’est déroutant, puis hypnotique. L’écran déborde de couleurs, de masques et de confetti, au point qu’on oublie parfois qu’on est censé survivre.

En théorie, ce système libère de la bande passante cérébrale pour la stratégie. En pratique, il peut donner l’impression de piloter un personnage qui se bat tout seul pendant que vous regardez. Alors testez cela dès les premières vagues : est-ce que le rythme des attaques automatiques crée une tension satisfaisante, ou est-ce que l’absence de contrôle direct retire tout skill ? Le cœur du jeu réside dans la combinaison des gadgets et la montée en niveau pendant les runs. Si au bout de quinze minutes vous ne ressentez aucune envie de stacker une synergie confetti-masque pour voir ce que ça donne, fuyez. L’ambiance de carnaval chaotique, les performers costumés et la bande-son sauvage font le reste. C’est visuellement unique, mais une ambiance ne sauve pas une boucle de progression creuse. C’est là que le roguelike se révèle ou s’effondre. Mon verdict après test : si vous cherchez un Vampire Survivors avec une personnalité visuelle trempée dans le folklore brésilien et une gestion de ressources plus tactique, c’est un keeper. Si vous avez besoin du feedback tactile d’un coup cliqué, ce sera un mismatch immédiat.

2. Deadhand Theater

Deadhand Theater part d’une idée tellement malsaine qu’on se demande pourquoi personne ne l’a faite plus tôt : transformer votre main de poker en suite de coups spéciaux dans un combat au tour par tour, et si le hasard vous trahit, sacrifier un bras ou une jambe pour forcer la destinée. Vous formez des combinaisons – paires, brelans, flush — qui deviennent des attaques, des défenses ou des malédictions. Entre chaque combat, vous récupérez des talismans, appliquez des sigiles et modifiez la scène pour préparer la vague suivante. C’est un deckbuilder où le deck, c’est vous, et où le corps est une ressource négociable.

Ce qu’il faut évaluer dans la demi-heure initiale, c’est si la mécanique poker ajoute de la clarté tactique ou du bruit aléatoire frustrant. Quand vous sacrifiez un membre pour sauver une run, la perte de force est permanente. C’est glaçant, et c’est exactement ce qui distingue un roguelike courageux d’un soft permadeath cosmétique. Mais attention : si les premiers ennemis tombent trop vite ou si le système de talismans manque de synergies évidentes, la promesse s’effondre en une simple loterie cartonnée. Pour moi, le moment de vérité a été ce choix entre garder mes deux bras fonctionnels pour un boss final hypothétique, ou sacrifier ma jambe gauche maintenant pour survivre à un encerclement. J’ai sacrifié. J’ai survécu. Et j’ai passé le reste de la run boiteux, mais avec une main irréprochable. Si ce genre de dilemme vous donne des frissons, signez. Si vous préférez vos deckbuilders prévisibles et sans dommages permanents, passez votre chemin.

3. Standard Human Pizza

Standard Human Pizza est le croisement le plus improbable de l’année : un simulateur de gestion culinaire plongé dans l’horreur, où vous tenez une pizzeria isolée et servez des clients qui ne sont pas exactement humains. L’atmosphère de village coupé du monde est immédiatement oppressante. Vous préparez les commandes, vous choisissez les ingrédients, et vous décidez qui reçoit une pizza standard et qui se verra servir une pizza mortelle pour éliminer une menace. La tension ne vient pas des jump scares, mais de la boucle cuisine-choix-conséquence. Un client mécontent ne se contente pas d’une mauvaise review ; il déclenche une anomalie qui peut dévorer la cuisine et vous avec.

Vous saurez si le jeu est pour vous en regardant simplement comment vous réagissez à la première erreur de préparation. Est-ce que le stress monte de manière organique quand vous jonglez entre four, commandes et comportements étranges des clients ? Ou est-ce que l’interface de cuisine sature l’écran et masque l’horreur sous des icônes maladroites ? La mécanique des « deadly pizzas » est le cœur sombre de l’expérience : choisir qui meurt pour préserver votre business est moralement glauque, et c’est tout l’intérêt. Personnellement, j’ai trouvé le moment où j’ai glissé une pâte empoisonnée à un client trop curieux plus marquant que la plupart des boss de survival horror traditionnels. Cependant, si la boucle de service devient répétitive après trois commandes, le frisson s’efface vite. Testez vingt minutes. Si vous ressentez une anxiété croissante à chaque nouvelle sonnette de porte, c’est votre prochaine obsession. Si vous trouvez que cuisiner sous pression ressemble trop à un shift de fast-food sans le salaire, abandonnez.

Le marché des alphas indies est saturé, et votre temps de jeu ne l’est pas. Caravana 2000 réussit si vous tolérez le chaos visuel et le combat délégué. Deadhand Theater tient si le risque permanent et le poker tactique vous excitent. Standard Human Pizza marche si l’horreur gestionnaire vous hante plus qu’un monstre sauteur. Trois démos, trois verdicts nets, aucune excuse pour installer du filler.

Marvel’s Wolverine débarque le 15 septembre 2026 sur PS5, et le dernier State of Play a enfin levé le voile sur son gameplay. Développé par Insomniac Games, ce titre solo se distingue par un ton adulte, un combat corps-à-corps brutal et une structure délibérément linéaire. Après les révélations sur les caméos de Jean Grey, Mystique et Sabretooth, ainsi que sur les fonctionnalités d’accessibilité, voici sept attentes essentielles pour que cette aventure fasse pleinement justice au personnage.

1. Un combat brutal et cinématique

Les séquences de gameplay montrent un Wolverine rapide, violent et parfaitement chorégraphié. La caméra serrée colle à l’action et chaque coup de griffe a un poids évident. L’enjeu est de maintenir cette intensité sur toute la durée sans tomber dans le mashing de boutons. Il faut des ennemis variés qui demandent chacun une approche différente, des sentinelles aux soldats humains. L’utilisation des griffes comme outil de destruction et de défense, combinée aux animations de corps-à-corps brutales, doit rester lisible malgré la vitesse. Un bon équilibre entre chaos et contrôle fera la différence. Si le système reste exigeant et technique, avec des parades et des finishers sanglants, Insomniac tiendra son meilleur combat en date.

2. Un récit adulte et sans compromis

Wolverine n’est pas Spider-Man. Pas de leçons ensoleillées ici : cette aventure promet un ton sombre et mature. L’attente est claire : raconter les démons de Logan, son passé militaire et sa lutte intérieure entre l’homme et la bête. Il ne suffit pas d’ajouter du sang et des jurons ; il faut des thèmes sérieux, une ambiance crasseuse et des choix narratifs qui ne plaisantent pas. Le jeu se distingue déjà par son ambiance technique et crasseuse ; il faut maintenant que l’histoire suive avec des personnages secondaires tout aussi marqués et une trame qui ne recule devant rien. Si le scénario ose creuser cette violence psychologique, le jeu deviendra la référence narrative des titres Marvel.

3. Des caméos iconiques au service de l’histoire

Jean Grey, Mystique et Sabretooth apparaissent dans les extraits, et c’est tentant de les multiplier. Pourtant, l’attente principale reste la qualité narrative : chaque caméo doit servir l’arc de Logan. Jean Grey peut ancrer son humanité, Sabretooth offrir un miroir déformé de sa brutalité. Moins de fan-service gratuit et plus de liens dramatiques forts. Insomniac a déjà prouvé sa maîtrise des relations entre personnages ; il faut ici la même exigence pour que ces X-Men ne soient pas de simples figurants. Après l’excellent travail sur les relations dans Spider-Man, la barre est haute pour faire de ces apparitions des moments forts plutôt que de simples checkpoints narratifs.

4. Des options d’accessibilité intelligemment intégrées

Les fonctionnalités d’accessibilité ont été confirmées, ce qui est crucial pour un jeu aussi exigeant. L’attente porte sur des réglages fins : réduction de la vitesse des QTE, aides à la visée, ou personnalisation des indicateurs visuels. Le défi est d’ouvrir le jeu à tous sans briser son identité technique. Sur PS5, la DualSense offre même la possibilité de régler les retours haptiques. Un bon menu d’accessibilité n’appauvrit pas l’expérience, il l’adapte avec intelligence. C’est l’occasion de montrer que l’accessibilité et l’exigence ne sont pas incompatibles, mais complémentaires dans un AAA moderne.

5. Une structure linéaire assumée et dense

Le jeu est officiellement plus linéaire que Spider-Man : pas de carte ouverte saturée d’icônes. C’est une excellente nouvelle. Wolverine n’a pas besoin de contenu filler à collecter entre deux missions. L’attente est une progression maîtrisée, où chaque niveau est conçu comme un ensemble narratif et gameplay cohérent. En abandonnant l’open world, Insomniac libère du temps de développement pour peaufiner chaque séquence et chaque rencontre. Cette linéarité permet des séquences plus cinématiques et des environnements mémorables. Si Insomniac mise sur la densité plutôt que sur la durée, l’aventure y gagnera en impact.

6. Des dégâts visibles liés à la régénération

Un détail marquant des aperçus : les dégâts visibles sur le corps de Wolverine pendant les combats. Ce n’est pas qu’un effet de style, c’est une mécanique d’immersion. L’attente est que ces blessures interagissent avec son facteur de régénération : voir la chair se reformer en temps réel entre deux affrontements renforce l’identité du personnage. Si les costumes restent déchirés, les cicatrices persistent et le modèle évolue intelligemment selon les dommages, ce sera une avancée visuelle majeure sur PS5. Sur le hardware de la console, rendre cette régénération en temps réel sans temps de chargement serait une démonstration technique impressionnante.

7. Une furtivité souple et non imposée

Des phases de furtivité ont été aperçues, et l’idée colle au personnage : discret quand il le faut, dévastateur sinon. Le risque classique est d’imposer des sections d’infiltration rigides qui cassent le rythme. L’attente est une approche hybride : éliminer silencieusement un sentinel, puis basculer immédiatement en combat ouvert si repéré. La furtivité doit rester une option tactique, jamais une obligation scriptée. Le plaisir de Wolverine réside dans cette dualité : l’ombre du prédateur et la lumière de la bête. La furtivité doit nourrir cette tension sans l’atténuer. Si ces moments s’intègrent naturellement à la boucle de gameplay, ils enrichiront l’expérience sans la frustrer.

Mario 2D : notre classement complet, du moins marquant au plus culte

Voici le deal : on parle ici des vrais Mario 2D, ceux en vue de côté, à défilement horizontal, avec Mario présent à l’écran quasiment tout le temps. Donc oui, Super Mario World 2: Yoshi’s Island compte, mais non, Wario Land, Super Mario Maker ou les compilations type All-Stars ne sont pas dans la course. Et pour coller à la sortie de Super Mario Bros. Wonder sur Nintendo Switch 2 ce week-end, on le place dans cette grande chronologie du plombier en 2D.

Je joue à ces jeux depuis la cartouche jaune pisse de ma Game Boy jusqu’à la Switch 2 branchée sur un écran 4K. Ce classement est donc volontairement subjectif : il tient autant compte du level design, de l’inventivité, de la technique et de la rejouabilité… que de la manière dont chaque épisode s’est imprimé dans ma mémoire de joueur.

Important : on part du moins marquant (1) pour monter jusqu’au meilleur absolu (14). Si votre épisode préféré se retrouve dans le bas du tableau, gardez en tête qu’aucun jeu ici n’est vraiment mauvais : on parle de nuances à l’intérieur d’une série qui a quasiment défini le platformer 2D.

1. New Super Mario Bros. 2

New Super Mario Bros. 2 sur Nintendo 3DS, c’est celui que je lance le moins souvent quand je replonge dans la série. En 2012, Nintendo mise tout sur une idée simple : les pièces. Des pièces partout, des blocs qui crachent des pièces à l’infini, un Mario doré qui transforme littéralement le niveau en pluie d’or. Sur le papier, pourquoi pas. En pratique, ça donne un jeu qui tourne en rond autour de sa propre gimmick.

Je me souviens très bien de ma première session dans le train, 3DS dans les mains : les sensations de saut sont efficaces, le rythme est correct, mais tout ressemble à une version déjà vue de la formule New. Les décors recyclent massivement les idées des épisodes DS et Wii, la structure des mondes ne surprend jamais, et une fois le générique vu, la motivation pour traquer toutes les sorties secrètes est étonnamment faible pour un Mario.

Le jeu reste historiquement intéressant : c’est l’un des premiers Nintendo à proposer du DLC payant, avec des packs de niveaux centrés sur le scoring et le chrono, plutôt réussis d’ailleurs. Mais même là, on a l’impression de jouer à des défis bonus d’un volet plus ambitieux, pas à l’épisode central d’une console. On ne peut pas dire que New Super Mario Bros. 2 soit raté – sa maniabilité est solide, ses boss font le job – mais il manque clairement d’âme. Dans une série où chaque détail compte, être « juste sympa » suffit à le placer en bas de la liste.

2. Super Mario Run

Voir Miyamoto débarquer sur scène chez Apple en 2016 pour présenter Super Mario Run, ça avait un côté irréel. Le premier Mario officiel sur mobile, conçu pour être joué à un doigt, dans le métro ou dans une file d’attente. J’ai passé un paquet de trajets à taper frénétiquement sur l’écran pour récupérer les pièces violettes et noires de chaque niveau.

Le principe d’auto-runner fonctionne étonnamment bien avec Mario : il court tout seul, on gère juste le timing des sauts, les rebonds sur les murs et les ennemis. Là où le jeu devient intéressant, c’est dans la chasse aux pièces spéciales, qui transforme chaque petit niveau de 30 secondes en puzzle de précision. On retrouve par moments le raffinement du level design Nintendo, compressé dans un format mobile.

Mais en face des épisodes consoles, Super Mario Run reste un à-côté. La campagne principale se plie rapidement, le modèle économique (achat unique après quelques niveaux gratuits) avait fait grincer des dents à l’époque, et tout l’enrobage « construction de royaume » n’a jamais vraiment retenu mon attention. Nintendo a eu le mérite de tenter quelque chose de cohérent avec le support et de maintenir le jeu à jour, mais on n’est clairement pas au même niveau d’ambition qu’un vrai épisode de salon ou de portable dédiée. Un bon petit snack Mario, pas un plat principal.

3. Super Mario Land

Sur le papier, Super Mario Land est un miracle technique : lancer la Game Boy en 1989 avec un Mario original, jouable partout, c’était un coup de maître. Je revois encore l’écran verdâtre de ma « brique » éclairée à la lampe de chevet, avec ce Mario minuscule qui saute dans Sarasaland pour sauver la princesse Daisy.

Mais manette en main aujourd’hui, le jeu accuse sévèrement son âge. La physique est étrange pour qui vient de la NES : Mario est léger, ses sauts manquent d’inertie, certains ennemis se gèrent plus comme dans un shoot que dans un platformer classique. Les niveaux sont très courts, le jeu se termine en une poignée de dizaines de minutes, et à part quelques passages originaux (notamment les séquences en sous-marin et en avion, qui tournent carrément au shoot’em up), il laisse moins de souvenirs que ses grands frères de salon.

En revanche, il pose des jalons importants : première apparition de Daisy, univers plus exotique, musique d’oreilleworm gravée à vie pour celles et ceux qui y ont joué à l’époque. Si je le place si bas, ce n’est pas par manque d’affection, mais parce qu’il a mal vieilli sur le plan purement ludique. Sa suite va montrer à quel point la Game Boy pouvait faire beaucoup mieux avec Mario.

4. New Super Mario Bros. Wii

New Super Mario Bros. Wii, c’est l’épisode qui cristallise parfaitement les qualités et les limites de la vague « New ». Sur le moment, le concept de pouvoir jouer à quatre sur le même écran m’a fait rêver. Les premières soirées entre potes à se pousser dans le vide, à piquer les power-up et à se disputer la place sur le drapeau restent franchement mémorables.

Mais passé l’effet 4 joueurs, on se rend vite compte que le jeu joue la sécurité. Visuellement, il recycle énormément l’esthétique de la version DS, la bande-son reprend les mêmes tics sonores, et les mondes peinent à marquer. Surtout, l’obligation d’utiliser la Wiimote à l’horizontale, avec des mouvements gyros imposés (ce satané saut tournoyant déclenché sans le vouloir…) rend l’expérience parfois agaçante en solo. Sur un platformer où la précision est reine, devoir se battre avec son contrôleur laisse forcément des traces.

Reste que le jeu est loin d’être médiocre : certains niveaux sont très bien fichus, le propeller suit ou le costume pingouin sont agréables à utiliser, et en famille, c’était probablement l’épisode le plus accessible de son époque. Mais quand on compare à ce que la série proposera avant et après, New Super Mario Bros. Wii donne l’impression d’un épisode pensé avant tout pour cocher des cases marketing plutôt que pour pousser la formule plus loin. D’où cette place assez basse dans le classement.

5. Super Mario Bros. 2: The Lost Levels

Le vrai Super Mario Bros. 2 japonais, rebaptisé « The Lost Levels » chez nous, je l’ai découvert via Super Mario All-Stars sur Super Nintendo. À l’époque, je pensais naïvement que ce serait juste « plus de Super Mario Bros. ». En réalité, c’est surtout « plus dur que Super Mario Bros. », parfois jusqu’au sadisme.

Poison mushrooms, vents de côté, sauts millimétrés au-dessus de gouffres infinis, warp zones qui te renvoient carrément en arrière… on sent que Nintendo a voulu s’adresser aux joueurs qui connaissaient le premier épisode par cœur. Certains niveaux sont brillants dans la manière dont ils détournent les codes établis, d’autres ressemblent plus à des pièges de designers amusés par leur propre cruauté qu’à des parcours « honnêtes ».

Historiquement, The Lost Levels est fascinant : on y voit les graines de toute une culture du défi extrême, du Kaizo, des hacks punitifs qui circuleront des décennies plus tard. Mais comme suite officielle, ça restait une impasse. Difficile de recommander cet épisode comme porte d’entrée, et même pour un fan, l’envie d’y revenir est limitée une fois la curiosité assouvie. Un appendice intéressant, plus qu’un pilier.

6. Super Mario Bros. 2 (USA)

Super Mario Bros. 2 version occidentale a longtemps été le vilain petit canard de la trilogie NES. Forcément, en partant d’un prototype qui n’était pas conçu pour Mario (Doki Doki Panic) et en lui greffant le plombier et ses amis, on obtient un jeu très à part. Pourtant, impossible de nier son importance dans la mythologie de la série.

C’est là que Shy Guy, Birdo, Bob-omb, les Maskass et tout un tas d’ennemis et de musiques emblématiques apparaissent pour la première fois. C’est aussi le premier épisode où l’on choisit entre Mario, Luigi, Toad et la princesse, chacun ayant ses propres caractéristiques de saut et de vitesse. La mécanique d’arracher et de lancer légumes, blocs et ennemis change complètement le rythme par rapport aux sauts purs du premier épisode.

Je me rappelle très bien de la première fois où j’ai découvert que tout n’était qu’un rêve de Mario à la fin : ce twist et l’ambiance de Subcon expliquent aussi pourquoi le jeu semble déconnecté du reste. La physique un peu flottante, les niveaux moins « tranchants » dans leur design que ceux de Super Mario Bros. 3 ou World l’empêchent de monter plus haut dans ce classement. Mais en tant qu’ovni charmant bourré d’idées qui ont infusé la série, il mérite largement sa place médiane.

7. Super Mario Land 2: 6 Golden Coins

Entre le premier Super Mario Land et ce 6 Golden Coins, on a l’impression que Nintendo a changé de génération de console. Quand j’ai lancé la cartouche pour la première fois sur ma vieille Game Boy, j’ai eu l’impression d’avoir un mini Super Nintendo dans les mains : sprites énormes, map du monde à la SMW, thèmes ultra variés.

Le jeu se structure autour de six zones principales, accessibles dans l’ordre qu’on veut : une maison hantée, un monde géant, un niveau dans l’espace, une zone mécanique… Cette liberté relative, couplée à la possibilité de sauvegarder, change totalement le rapport à la portable. Le power-up de la carotte, qui donne des oreilles de lapin à Mario pour planer, fait partie de ces trouvailles simples mais efficaces. Et surtout, c’est là qu’apparaît Wario, d’abord en boss final nanti de son propre château, avant de partir vivre sa vie dans sa propre série.

Techniquement, le jeu tire un peu trop sur la corde : la taille des sprites et la complexité de certains environnements entraînent parfois du clignotement et des collisions un peu approximatives. Mais comparé à son prédécesseur, Super Mario Land 2 est un bond de géant, et un des meilleurs arguments pour ressortir aujourd’hui une Game Boy (ou son émulation). Difficile de le mettre plus haut face aux mastodontes de salon, mais il reste un sommet de la 2D portable de l’époque.

8. New Super Mario Bros.

Quand New Super Mario Bros. débarque sur Nintendo DS en 2006, on sort de dix ans sans véritable épisode 2D inédit. Je me souviens encore d’avoir lancé le jeu en me disant « ok, ils vont juste recycler le passé »… pour finalement boucler la cartouche en deux jours, un sourire collé au visage.

Ce reboot modernise la formule en douceur : Mario peut faire le wall-jump introduit en 3D, écraser le sol, et de nouveaux power-up viennent dynamiter la routine, notamment le Champignon géant qui transforme tout le niveau en défouloir destructeur, et le mini champignon qui inverse totalement le rapport aux ennemis et aux tuyaux. La carte du monde cache quelques sorties secrètes et mondes alternatifs, même si on est loin de la densité de la Super Nintendo.

Avec le recul, son principal défaut vient surtout de ce qu’il a engendré : l’esthétique un peu générique, les musiques avec les « wah-wah » des ennemis, ont été recyclées à l’excès dans les volets suivants, au point de lasser. Mais pris isolément, le volet DS reste un retour en grâce brillant du Mario 2D à une époque où le genre était quasi ringard aux yeux du grand public. C’est lui qui a ouvert la voie au reste des New… et, indirectement, préparé le terrain pour que Wonder ose enfin tout bouleverser.

9. New Super Mario Bros. U

Sur Wii U, New Super Mario Bros. U avait tout du « Mario de trop » au moment de sa sortie. Entre la version Wii encore fraîche dans les mémoires et New Super Mario Bros. 2 paru quelques mois plus tôt sur 3DS, difficile de créer l’événement. Et pourtant, manette en main, c’est clairement l’épisode le plus abouti de toute la branche New.

La haute définition lui fait un bien fou : les arrière-plans sont bien plus travaillés, l’animation est plus fluide, et certains niveaux jouent enfin avec une vraie patte artistique. Le plus célèbre reste ce stage inspiré de Van Gogh, avec ses coups de pinceau visibles et son ciel tourmenté, qui annonçaient déjà l’envie de Nintendo d’aller vers quelque chose de plus « illustré », qu’on retrouvera amplifié dans Wonder. La carte du monde est plus cohérente, avec un côté Super Mario World assumé, et le DLC New Super Luigi U propose des parcours plus courts et nettement plus exigeants.

J’ai redécouvert le jeu via l’édition Deluxe sur Switch, et c’est là qu’il a vraiment pris sa place dans ce classement : niveau après niveau, le game design est carré, varié, souvent plus inventif que ce que son look « déjà vu » laisse penser. S’il ne dépasse pas les monuments SNES, New Super Mario Bros. U est sans doute le meilleur représentant de la vague moderne avant que Wonder ne vienne rebattre les cartes.

10. Super Mario Bros.

On pourrait presque se contenter d’écrire « c’est le jeu qui a tout lancé » et passer au suivant, mais ce serait injuste pour Super Mario Bros.. Même aujourd’hui, relancer le monde 1-1 – que ce soit sur une NES d’origine, sur All-Stars ou via les services en ligne Switch – reste une petite leçon de game design.

En quelques écrans, le jeu explique sans un mot comment fonctionnent les blocs, les champignons, les ennemis, les tuyaux, les plateformes mobiles. La courbe de difficulté est incroyablement bien dosée pour un titre de 1985, avec des idées qui s’enchaînent à une vitesse folle : niveaux aquatiques, châteaux, plateformes à bascule, ascenseurs, etc. J’ai grandi avec sa version remasterisée sur Super Nintendo, et malgré les refontes graphiques, on sent toujours l’ossature parfaite du jeu d’origine.

Évidemment, il a vieilli : l’inertie de Mario peut sembler rugueuse, l’absence de sauvegarde native est punitive, et certains niveaux de fin de jeu abusent volontiers des labyrinthes essaye-et-meurs. Mais la pureté de sa proposition, la cohérence de ses idées et son impact sur tout ce qui a suivi lui valent cette place haute. Tous les autres jeux de cette liste lui doivent quelque chose, même quand ils s’en éloignent énormément.

11. Super Mario Bros. Wonder

Je ne m’attendais pas à ce que Super Mario Bros. Wonder me surprenne autant. Sortir un nouveau Mario 2D en fin de vie de la Switch, après des années de New un peu en pilotage automatique, ressemblait presque à un baroud d’honneur. Résultat : c’est un électrochoc. Dès le premier niveau, quand les tuyaux se mettent à se tordre et se dandiner sous l’effet de la première fleur prodige, on comprend que Nintendo a lâché la bride à ses designers.

Chaque niveau ou presque tourne autour d’une idée folle : Goombas géants qui dévalent comme des billes, Mario transformé en silhouette fil de fer, phases musicales synchronisées sur les sauts… Le système de badges, qui permet d’équiper une capacité (saut amélioré, chapiteau-araignée, récupération d’air automatique sous l’eau, etc.), encourage à rejouer les stages avec des approches très différentes. En local, le multi est enfin lisible et agréable, et le mode « fantômes » en ligne donne vraiment l’impression de traverser un parc d’attractions partagé.

La version Nintendo Switch 2 pousse le tout un cran plus loin : affichage ultra net en 4K sur télé, fluidité verrouillée à 60 fps, et surtout le DLC Rendez-vous au Parc Bellabel qui ajoute une poignée de niveaux centrés sur les Koopalings, un camp d’entraînement très relevé pour les joueurs avancés, un nouveau power-up de fleur et une tonne de mini-jeux multijoueur. Le reproche principal reste le même : pour les vétérans, la campagne de base se traverse un peu trop facilement, et la structure de la carte reste plus simple que sur SNES. Mais en termes d’inventivité pure, Wonder se hisse sans forcer dans le haut du panier.

12. Super Mario Bros. 3

Super Mario Bros. 3, c’est souvent celui que les classements placent tout en haut, et je comprends parfaitement pourquoi. C’est un condensé d’idées en boîte cartouche. Entre les costumes (raton laveur, tanooki, grenouille, marteau), les cartes du monde avec leurs petites maisons, les bateaux volants, les niveaux géants, on a l’impression que chaque écran introduit une nouvelle façon de jouer.

Je l’ai surtout connu via Super Mario All-Stars, avec son habillage 16 bits, et même là, on sent à quel point il poussait la NES dans ses retranchements à l’époque. Les niveaux sont courts mais ultra concentrés, parfaits pour être enchaînés ou speedrunnés. Le vol avec la feuille, qui permet de planer quelques secondes au-dessus du vide, donne un sentiment de maîtrise incroyable quand on commence à en abuser pour casser les niveaux.

Pourquoi n’est-il « que » troisième dans ce classement ? Principalement parce que je trouve que Super Mario World et Yoshi’s Island ont encore affiné la formule, en ajoutant une vraie dimension d’exploration et une identité visuelle plus forte. SMB3 reste un géant, un jeu qui se tient encore sans une ride, mais il a un rythme très orienté challenge et progression linéaire. La magie opère toujours, mais elle sera légèrement dépassée par ce que la SNES va proposer ensuite.

13. Super Mario World

Pour moi comme pour beaucoup, Super Mario World a longtemps été « le » Mario ultime. C’est le jeu qui accompagnait ma Super Nintendo, celui dont je connaissais chaque raccourci de la Route des Étoiles, chaque sortie secrète de la Forêt Illusoire. Même aujourd’hui, relancer un run pour atteindre à nouveau les 96 sorties reste un plaisir quasi automatique.

Tout ou presque y est iconique : l’arrivée de Yoshi et de ses différentes variantes, le costume à cape qui permet de survoler littéralement des sections entières de niveau (au prix d’un vrai apprentissage de la physique), les maisons hantées au level design plus puzzle que pur platformer, la carte du monde organique qui se transforme à mesure qu’on découvre des routes alternatives. Le jeu réussit à être à la fois accessible et d’une profondeur hallucinante pour qui cherche à tout voir et tout débloquer.

Si je le place juste en dessous de Yoshi’s Island, c’est presque un choix esthétique. Super Mario World est peut-être le Mario le plus « parfait » dans sa structure classique, mais il reste dans un cadre relativement conservateur par rapport à ce que son pseudo-successeur va tenter. Il n’empêche : que ce soit sur la cartouche d’origine, via la mini-SNES ou sur Switch, c’est probablement l’épisode que je relance le plus souvent « juste pour un niveau », avant d’y passer finalement toute la soirée.

14. Super Mario World 2: Yoshi’s Island

On arrive au sommet, et oui, mon numéro 1 des Mario 2D n’est pas un jeu où l’on contrôle Mario directement. Pourtant, Super Mario World 2: Yoshi’s Island transpire tellement l’ADN de la série qu’il serait absurde de l’exclure : Mario bébé est littéralement sur le dos de Yoshi du début à la fin, et tout le game design tourne autour de le protéger.

La première claque, c’est l’esthétique. À l’époque, alors que tout le monde court après le réalisme et les sprites « propres » de la 16 bits, Yoshi’s Island mise sur un style crayonné, pastel, presque enfantin, soutenu par la puce Super FX 2 pour certains effets. Chaque niveau ressemble à une illustration vivante. La seconde claque, c’est la liberté de mouvement : le saut plané de Yoshi, le lancer d’œufs avec un curseur à trajectoire, les transformations temporaires (hélicoptère, taupe, voiture…) ouvrent des possibilités que la série n’avait jamais explorées.

Je me souviens encore de la première fois où j’ai affronté Raphael le Corbeau sur sa petite planète, ou du choc du dernier combat contre Bébé Bowser géant en pseudo-3D. Le jeu est relativement abordable pour une simple complétion, mais devient diabolique pour qui cherche le 100 % dans chaque niveau. Dans beaucoup de classements, il partage la première place avec Super Mario World ; pour moi, il passe devant parce qu’il ose tout remettre à plat – visuel, mécaniques, rythme – tout en restant profondément Mario. Et quand je vois aujourd’hui Super Mario Bros. Wonder et ses idées délirantes, je vois clairement l’héritage direct de ce pari fou sur Super Nintendo.