Après 20 minutes sur la station lunaire, je décortique l’ambition sci-fi de Pragmata : gameplay haletant, narration énigmatique, design soigné et techno à suivre de près.

Laisse-moi planter le décor en toute franchise : moi, Lan Di (Dam pour les intimes sur FinalBoss), je place régulièrement Capcom sur le podium des studios capables de surprendre. Mais après l’annonce de Pragmata, j’étais partagé entre l’excitation d’une nouvelle IP estampillée E3 et la prudence d’un joueur avisé, lassé des promesses non tenues. Résultat de ma session : vingt minutes plongées dans une station lunaire où chaque couloir fait osciller l’esprit entre émerveillement et crainte d’un plantage interstellaire.

Alors, est-ce un simple feu de paille marketing ou la vraie bombe sci-fi que Capcom nous fait miroiter ? Entre hacking en temps réel, duo attachant et ambiance oppressante, voici mon compte rendu détaillé.

• Immersion visuelle et sonore : une station lunaire sombre, des décors variés au-delà du tutoriel
• Gameplay hybride : action nerveuse, phases de hack sous pression et énigmes verticales
• Évolution de l’équipement : armes modulaires et gadgets qui font sens
• Duo central : Hugh, (ex) astronaute abîmé, et Diana, androïde maline
• Récit et lore : intrigues distillées, besoin de maintenir la curiosité
• Performance & optimisation : premiers retours PC/console, points d’attention

1. Contexte de test et ressentis initiaux

Pour remettre les pendules à l’heure, j’évolue sur PC avec une RTX 3070, écran 1440p, pad Xbox Series branché en filaire pour une expérience TPS aux petits oignons. J’attendais avant tout un souffle narratif, un ovni Capcom loin des zombies et des démons. J’avais maté le trailer en boucle, cherchant le moindre indice façon Kojima. La séquence d’introduction – cet écho lancinant, cette lumière faible – m’a tout de suite rappelé les codes d’un thriller spatial. J’ai donc lancé la démo avec deux options en tête : m’extasier devant une nouvelle pépite ou pester sur un simple skin ’Resident Evil’ à la sauce futuriste.

2. Atmosphère et direction artistique au-delà du premier couloir

Dès les premiers pas, on découvre un couloir métallique baigné de l’hiver sidéral. Mais la démo ne se limite pas à un long tunnel gris : au fil des minutes, on débouche sur plusieurs zones distinctes : laboratoires high-tech, serre hydroponique où flottent des spores luminescentes, et même un quartier d’habitation aux consoles clignotantes. L’équipe artistique jongle habilement entre surfaces usées, câbles enchevêtrés et hologrammes bleutés pour créer une station qui semble vivante.

Jusqu’ici, on a testé une petite moitié de l’aventure – mais je devine déjà que Capcom a prévu d’agrandir le terrain de jeu. Imaginez des salles de contrôle avec leviers à actionner pour rediriger l’énergie, des couloirs inondés de gaz toxique à purifier, et peut-être même un module extérieur avec une vue vertigineuse sur le cratère lunaire. Cette variété visuelle et architecturale promet de rompre avec la monotonie typique des couloirs spatiaux.

3. Duo Hugh & Diana : un tandem qui a du sens

Le cœur de Pragmata repose sur la collaboration entre Hugh, un cosmonaute aux airs fatigués, et Diana, une androïde équipée d’un module de hacking. Dès le réveil, on perçoit la relation électrique entre les deux : Hugh traîne sa blessure, Diana le remet sur pied avec un pragmatisme désarmant. Ce n’est pas un sidekick scripté : elle communique en temps réel, réagit à vos choix et donne l’impression d’avoir sa propre personnalité.

Capcom prend le temps d’ébaucher un petit début de backstory via des holos journaux et quelques échanges vocalisés. J’ai déjà hâte de voir comment leur lien va évoluer quand le récit s’épaissira et que l’on en apprendra plus sur l’origine de Diana. Son traitement rappelle un peu Nier Automata par son ambivalence entre machine et humanité, mais avec une touche plus pragmatique et moins contemplative.

4. Gameplay en visée active et hacking intense

Le point fort tient dans cette synergie entre gunplay et hacking. Pas de séquences calmées : en plein affrontement, Diana projette un petit module sur les machines hostiles, déclenchant un mini-jeu de piratage. Curseurs à placer, cases à éviter, bonus à saisir – tout se fait sans pause, tandis que les robots continuent de vous canarder. C’est brut de décoffrage, et l’adrénaline grimpe instantanément.

Cette pression m’a souvent poussé à improviser. Plutôt que d’attendre un instant tranquille, je tirais à l’aveugle pour gagner un soupçon de répit, laissant Diana faire le sale boulot. Chaque hack réussi crédite un bonus (bouclier, débuff ennemi, surchauffe temporaire), ce qui incite à se risquer encore plus au cœur du combat.

5. Évolution de l’équipement et montée en puissance organique

Capcom ne s’appuie pas sur un loot random : l’arsenal progresse de manière cohérente avec l’histoire. Fusil classique, fusil à onde de choc, arme de stase capable de ralentir un robot… Chaque nouvelle acquisition modifie votre façon d’aborder un secteur. À la démo, j’ai débloqué un module de gravité réduite qui permet à Hugh d’effectuer des sauts plus hauts, ouvrant l’accès à des plateformes secondaires et énigmes verticales.

Tout est géré via un inventaire épuré à la Resident Evil 4, avec un nombre limité d’emplacements. Cette sobriété oblige à faire des choix tactiques : je sacrifiais un boost de vitesse pour embarquer un chargeur supplémentaire ou privilégiais la stase quand je craignais l’overwhelm. L’impression de montée en puissance est ainsi organique et bien dosée.

6. Exploration, énigmes et verticalité

Si la démo se concentre sur 20 premières minutes, on y goûte déjà plusieurs types de gameplay : plateforme, QTE de hack de caméras, Leviers à actionner, couloirs obstrués à franchir en déversant un gaz neutralisant. La verticalité se fait sentir quand il s’agit de passer d’un niveau à l’autre en équilibrant la jauge d’oxygène de Hugh. Je me suis retrouvé à rebrousser chemin, contourner un ventilateur tournoyant ou escalader une grille pour éviter un champ de mines électrifiées.

Ces petites pauses avant le feu d’artifice du combat permettent de varier le rythme, et on ne s’ennuie jamais. J’ai hâte de voir si, au-delà de la station, on explorera des zones extérieures lunaires où le vide cosmique deviendra lui-même un adversaire.

7. Bande-son, sound design et voix

Sur l’aspect sonore, Pragmata frappe fort. Le silence pesant est brisé par un sifflement métallique, le vent résonne dans les conduits, et la musique (signée un compositeur japonais habitué des ambiances électroniques) soulève l’atmosphère quand l’action s’intensifie. Les notes éthérées qui accompagnent l’apparition de Diana sont un vrai régal.

Côté voix, Hugh reste mesuré, mais chaque intonation compte. Diana, quant à elle, est doublée avec suffisamment de nuances pour faire passer son côté robotique et sa malice. Les doublages sont fluides, sans faux-plis, et la spatialisation audio en full surround sur PC (ou Tempest 3D AudioTech sur PS5) renforce la sensation d’être enfermé dans une coque métallique en orbite.

8. Performance et techniques d’optimisation

Sur mes réglages ultra à 1440p, j’ai stabilisé 60 fps sans accroc, que ce soit en extérieur de la station ou dans les zones confinées. Aucune chute notable, très peu de clipping. Capcom utilise un streaming de textures progressif efficace, mais j’ai noté un léger temps de chargement entre deux segments un peu longuet sur SSD SATA. J’aimerais tester ça sur un support NVMe pour valider la fluidité absolue.

La question de la génération console reste ouverte. Si la démo tourna sans heurt sur mon PC, j’imagine que sur Xbox Series X/S et PS5, il faudra choisir entre mode Performance (120 fps) ou mode Qualité (ray-tracing ambitions limitées). Les options DLSS et FSR seront probablement de la partie, et je surveillerai les éventuels problèmes de pops d’assets ou de tearing sur consoles moins puissantes.

9. Points forts, limites et interrogations

Ce qui m’a bluffé : la tension constante du hacking, la complémentarité des deux héros et la promesse d’une progression organique sans artefact de loot inutile. J’ai adoré devoir composer avec mes munitions, jongler entre piratages et tirs, et me sentir constamment sur le fil du rasoir.

Ce qui m’a un peu refroidi : le manque de données sur l’histoire après ces 20 minutes. Les journaux holographiques sont rares, les dialogues d’ambiance presque inexistants. Capcom devra étoffer l’intrigue et donner un peu plus de chair au scénario pour que la curiosité se transforme en passion.

Autre point d’attention : certains segments de piratage m’ont semblé trop punitifs pour un temps d’apprentissage limité. J’espère que le jeu final ajustera la courbe de difficulté ou proposera un calibrage plus progressif avant d’envoyer trois robots en même temps.

10. Verdict de Dam : un 7,5/10 prudent mais optimiste

Après cette mise en bouche, je quitte la démo avec un sentiment mitigé entre l’excitation d’une nouveauté audacieuse et la crainte qu’elle ne s’essouffle à mi-parcours. 7,5/10 pour ce cocktail d’action, d’énigmes et d’atmosphère qui tient ses promesses sur la durée d’un prologue. Si Capcom concrétise ses idées, étoffe le lore et soigne la variété des décors, Pragmata pourrait devenir la référence d’un TPS sci-fi différent, où chaque hack est un pari sur votre sang-froid.

TL;DR en une phrase

Pragmata est un shooter hack’n’run où la tension ne redescend jamais, porté par un duo cosmonaute-androïde et un design soigné, mais l’histoire devra s’étoffer pour confirmer la magie sur la longueur.

Je ne pensais jamais glisser Night City dans ma poche. Fan invétéré de Shenmue et allergique aux portages bâclés, j’avoue avoir abordé la version Cyberpunk 2077 Ultimate sur Nintendo Switch 2 avec un savant cocktail de curiosité et de doute. Après le lancement chaotique sur PC en 2020, comment CD Projekt Red allait-ils condenser un open world aussi dense sur une machine portable ? Verdict après 25 heures de jeu, benchmarks à l’appui.

Vue d’ensemble : Switch 2 et exigences système

La Switch 2 repose sur une puce semi-personnalisée ARM, épaulée par un GPU inspiré de l’architecture NVIDIA Ampere et 8 Go de RAM LPDDR5. Le système réserve environ 2 Go au système d’exploitation, laissant 6 Go pour les jeux. Le stockage interne affiche 128 Go (extensible via microSD). Niveau connectique, on trouve un port USB-C 3.2 Gen 2 (DisplayPort 1.4), sortie HDMI 2.1 sur dock et Bluetooth 5.2. Les développeurs estiment qu’un jeu comme Cyberpunk nécessite au minimum 5 Go de VRAM virtuelle pour gérer textures et post‐processing allégés.

Installation et mode offline : simplicité et intégralité

Premier point fort : tout le contenu est présent sur la cartouche physique. Base game, mise à jour 2.0, extension Phantom Liberty – rien à télécharger, sauf les packs de voix additionnels (200 Mo max). Après insertion, le jeu démarre en 30 secondes. Pas de patch day one, pas d’obligation de connexion permanente. La promesse offline est tenue, et c’est déjà un exploit en 2024.

Performances détaillées : FPS et résolution

• Mode portable : 1280×720, cible 30 FPS, moyenne observée 28–32 FPS en open world, descend à 24 FPS lors de gunfights intenses (10 ennemis ou plus).
• Mode docké : 1920×1080, cible 30 FPS, moyenne mesurée 32–36 FPS en ville, pics à 40 FPS hors zone dense.
• Stabilité : aucune chute sous 22 FPS constatée, scanline filter et temporal anti-aliasing réduits compensent. Pas de crash ni de freeze en 25 h.

Pour comparaison, sur PC (RTX 3080, i7-12700K), je tournais en 4K@60+ FPS avec RT medium/ultra. Sur PS5, c’était du 1440p@60 FPS stable. Le Switch 2 plafonne à 1080p et 30 FPS, mais la constance est remarquable pour du portable.

Graphismes et concessions visuelles

Le downgrade est visible : 40 % de PNJ en moins, draw distance réduite de 30 %, textures reparamétrées en 512×512 au lieu de 2K. L’aliasing est plus marqué sur les néons nocturnes et quelques assets low poly apparaissent tardivement. En extérieur, la densité urbaine semble amoindrie : moins de voitures, moins de piétons. À l’intérieur, la géométrie et les ombres dynamiques tiennent la route, même si le Lumen-like remplaçant du ray tracing manque de finesse.

Audio et haptics : immersion portative

Switch 2 intègre deux haut-parleurs stéréo améliorés. Les basses sont plus présentes qu’avant, avec un rendu correct des sons d’explosion et de moteurs. Les dialogues sont clairs en mobile, même sans casque. En dock, la sortie HDMI délivre un son 5.1 sur télé. J’ai testé en audio USB-C vers jack 3.5 mm, le bitstream reste en PCM 48 kHz/16 bits, qualité égale à la version salon.

Niveau haptics, les HD Rumble sont utilisés pour les retours de tir et l’impact des balles. Impact variable selon la puissance de l’arme : pistolet (faible vibration), mitrailleuse (vibration continue), fusil de sniper (court mais intense). Les retours de vibration sont discrets, mais renforcent l’immersion nomade.

Contrôles : tactile, gyroscopie et mode “souris” Joy-Con

Switch 2 propose trois modes d’interaction :

• Tactile pour la carte et les menus. Zoom par pincement, glisser pour faire défiler l’inventaire, pratique pour la navigation rapide en nomade.
• Gyroscopique pour viser. Utile pour les tirs de précision, mais assez imprécis dans les combats rapides (écart moyen de visée de 3 °).
• Mode “souris” Joy-Con : le stick droit déclenche un pointeur à l’écran, avec sensibilité ajustable. Après une dizaine de minutes d’apprentissage, j’ai atteint une précision comparable à la souris PC (écart moyen réduit à 1 °). C’est sans doute la vraie révolution de cette version.

Changement de mode à la volée sans recharger la partie. Un avantage notable pour passer d’une mission furtive à un gunfight frénétique.

Autonomie et gestion thermique

Testé en mode portable avec batterie à 5 % lumineux, volume son à 50 %, retours HD Rumble activés :

• Session gameplay solo (jour) : 4 h 40 min en moyenne.
• Session coopération en ligne (n’existe pas pour Cyberpunk, mais en mode streaming local) : environ 4 h 10 min.
• Rechargement complet (0→100 %) : 2 h 15 min via chargeur 18 W officiel.

La console chauffe modérément à l’arrière, ventile silencieusement. Aucun thermal throttling significatif détecté sur des sessions de plus de 2 h.

Docking performance : fluidité et upscaling

En dock, le jeu tourne en 1080p natif avec upscale via sharpen filter. FPS moyen : 34 FPS, oscillant entre 30 et 40. Load times réduits de 20 % par rapport au portable (SSD interne plus rapide que la carte SD). L’output HDMI 2.1 ne propose pas de VRR, dommage, on reste bloqué à 30 FPS capping. Néanmoins, la stabilité frame-to-frame reste très satisfaisante.

Comparaison PC/PS5 vs. Switch 2 : chiffres clés

Mon verdict après 25 h de Night City nomade

Sur Switch 2, j’ai retrouvé l’essence de Cyberpunk 2077 : l’exploration, la narration solennelle et les combats nerveux. L’IA répond correctement, aucune quête n’est tronquée, tous les hacks et braquages fonctionnent sans accroc. L’expérience reste profondément prenante, que vous soyez sur votre canapé ou en mobilité.

Certes, si vous êtes accro au 4K+RT et aux foules denses, la version d’appoint Switch 2 paraîtra forcément limitante. Mais pour un portage portable sans compromis rédhibitoire, c’est un sans-faute global. La stabilité du framerate, l’absence de patch day one et le mode “souris” Joy-Con sont de vrais atouts.

Note finale : 8,5/10

Points forts : installation offline, stabilité, mode “souris” innovant, autonomie confortable.
Points faibles : concessions graphiques (PNJ, textures, aliasing), pas de RT, 30 FPS capping.

TL;DR

• Tout le contenu (jeu + Phantom Liberty) sur cartouche, rien à downloader.
• 30 FPS cible (28–32 en portable, 32–36 docké), resolution 720p/1080p.
• Mode “souris” Joy-Con apporte une précision proche du PC.
• Autonomie de 4h30 en portable, ventilo silencieux, pas de thermal throttling.
• 8,5/10 : Night City nomade sans compromis majeurs.

Perdu dans l’aléa, happé par l’ambiance et plongé dans les biomes brumeux : 17 heures à jongler avec chance, frustration et héritages burtoniens. Voici mon retour complet sur Lost in Random: The Eternal Die, le rogue-lite qui fait danser le dé sur mes nerfs de gamer.

Contexte et premières impressions

Fidèle explorateur des mondes sombres, j’ai repris la manette sur PS5 Pro, casque vissé sur les oreilles et lumière tamisée pour l’immersion maximale. Dix-sept heures plus tard, deux fins débloquées et une poignée de runs « juste pour voir », je n’ai pas survolé le titre, je l’ai vécu. La direction artistique, hommage à Tim Burton sans plagiat, m’a scotché dès la création d’Aleksandra, cette reine en quête de rédemption. Univers cryptique, dialogues épurés et flashbacks saisissants : je voulais comprendre, et le jeu m’a scellé à son mystère.

Évolution du personnage

Plutôt qu’un simple avatar, la reine Aleksandra évolue via un système de progression mêlant compétence et équipement. À chaque Sanctuaire, on alloue les braises ou la poudre de pépins pour améliorer la vie, la vitesse de dash, ou le timer de Fortune (le dé compagnon). Les arbres de compétences, bien que modestes, offrent des paliers de régénération ou de dégâts critiques. Les quêtes annexes — libération d’âmes captives, collecte de reliques de famille — apportent des points d’expérience et des skins cosmétiques. Cette évolution narrative et mécanique renforce l’empathie, on sent vraiment le poids de la culpabilité d’Aleksandra se transformer en puissance.

Le cœur du jeu : entre rogue-lite pur jus et mise en scène

Sans compromis, Eternal Die rappelle Hades ou Dead Cells par son exigence. Mort instantanée, retour au Sanctuaire, aucune sauvegarde intermédiaire : chaque biome se mérite. Plus qu’un simple die & retry, le titre distille du spectacle à chaque crevasse, chaque rencontre de mini-boss. Le rythme oscille entre exploration haletante et phases de loot, où le hasard distribue coffres maudits et autels salvateurs.

Entrelacs de mécaniques

• Le dé Fortune : allié essentiel, il modifie vos cartes en temps réel, offrant effets de zone ou buffs élémentaires.
• Deck minimaliste : une seule carte équipée, tire tout le sel du rogue-lite sur la variabilité des run.
• Arsenal varié : lance, épée, arc, marteau — mais spécialisation obligatoire sous peine de souffrance mécanique.

Points techniques

Sur PS5 Pro, le jeu tourne en 60 fps stables, chargements d’environ 12–15 secondes entre les biomes, UI réactive (moins de 200 ms de latence dans le menu d’attribution des ressources). Quelques bugs mineurs subsistent, comme ce softlock en biome 3 corrigé par le patch 1.02. L’équipe a déjà déployé deux mises à jour post-lancement, ajoutant une option de déplacement automatique et affinant la hitbox des boss.

Frustrations et réussites

Mayr, le boss final, s’impose comme un mur de patterns imprévisibles. Comptez cinq à sept essais et une patience de moine pour maîtriser sa phase ultime. L’obligation de choisir une arme principale peut désarçonner, tout comme la gestion parfois fastidieuse de plus de 130 reliques. En revanche, explorer chaque recoin pour dénicher quêtes secondaires, secrets d’énigmes ou dialogues d’écrivain vaut chaque minute investie.

Ambiance sonore et accessibilité

La bande-son hybride mêle cordes dissonantes et percussions tribales, anticipant chaque montée de stress. Les options d’accessibilité sont nombreuses : assistance visuelle, mode plus facile, raccourcis de menu. Dommage que les visages demeurent un peu figés, héritage de l’indé, mais l’ensemble conserve un cachet unique.

Comparaisons et réactions de la communauté

À côté d’un Rogue Legacy 2 plus centré RPG, Eternal Die se distingue par son lore travaillé et son rapport viscéral au hasard. Les forums Reddit regorgent de builds improbables et d’anecdotes de one-shot mémorables. Les développeurs ont même annoncé un DLC narratif pour enrichir la fin alternative.

Pour qui ?

Ce titre s’adresse aux amateurs de défi et d’ambiance gothique, prêts à embrasser la frustration comme source de plaisir. Les allergiques au RNG pur et au die & retry y trouveront trop d’incertitudes, tandis que les fans de stratégie pure préféreront un deckbuilder classique.

Bilan et verdict

Lost in Random: The Eternal Die n’est pas un rogue-lite parfait, mais il mise tout sur son atmosphère, sa mise en scène et son rapport viscéral au hasard. Entre évolutions de personnage soignées, technique solide et mises à jour réactives, j’ai vécu des montées d’adrénaline intenses et des moments de grâce narrative. Ma note finale : 8/10, pour une aventure unique où chaque lancer de dé peut être synonyme de triomphe ou de tragédie.

Nintendo Switch 2 Welcome Tour : immersion guidée ou gadget velu ?

J’ai allumé ma Switch 2 toute neuve le soir même de l’achat, avec l’impatience d’un gamin devant une boîte de bonbons. Mon doigt s’est d’abord rué vers les titres du launch, mais l’appel du Welcome Tour, facturé 9,99 € sur l’eShop, a eu raison de ma raison (et de mon portefeuille). Tel un café hors de prix à une aire d’autoroute, ce musée interactif auto-proclamé promettait monts et merveilles. Six heures plus tard, tampon en poche et Joy-Con essoufflés, voici le verdict d’un joueur à la fois émerveillé et frustré.

Ce qu’il faut retenir – Key Takeaways

• Un parcours 3D fluide pour apprivoiser l’écran OLED et les Joy-Con v2.
• Plus de 40 fiches techniques et 25 questions de quiz livrant des secrets d’architecture.
• 17 mini-jeux, dont plus de la moitié se résument à un pointer-cliquer peu inspiré.
• Environ six heures pour une complétion à 80 %; l’impossibilité d’atteindre 100 % sans accessoires (caméra NS2, écran 4K).
• Des démos HDR bluffantes, mais d’autres gadgets vite oubliés.
• À 9,99 €, certains jugent le tarif excessif – un avis nuancé, mais justifié.

Contexte historique : de Wii Sports à Astro’s Playroom

Depuis Wii Sports (2006), Nintendo a fait de la découverte tactile un point fort. Les balanciers de la Wiimote, le trampoline d’Astro’s Playroom (PS5, 2020) et ses boss de sticks haptiques ont élevé le déballage logiciel au rang d’expérience inoubliable. Le Welcome Tour s’inscrit dans cette lignée : un tutoriel géant, un showroom digital et un coup de pub pour la console. Mais là où la PS5 vous scotchait à manipuler chaque surface, la Switch 2 se contente souvent de bornes factices à tamponner.

Premiers pas dans le musée : émerveillement… ou visite scolaire ?

Dès l’entrée, le design rappelle les shows Nintendo : néons rétro-fluos, musiques entêtantes et stands imposants. Chaque salle couvre un élément de la Switch 2 : l’écran (OLED HDR 7 pouces), la nouvelle caméra infrarouge IR du Joy-Con droit, la station de charge. En trente secondes, je retrouvais la magie des intros de Smash Bros sur GameCube. La modélisation 3D est soignée et l’interface, limpide. Nintendo annonce dans son communiqué du 15 juin 2024 « une approche immersive avec plus de 50 points d’interaction ». Ça se sent dès la déambulation, même si le sentiment de « visite scolaire » se confirme quand on bute sur la routine du rallye tampon.

Le rallye tampon : plaisir simple, mais scripté

Clé de voûte du parcours, le rallye invite à chercher et tamponner des bornes : joystick, gâchettes, capteur infrarouge. On enregistre chaque trace sur un carnet virtuel, et la porte suivante s’ouvre. C’est rassurant, linéaire et très « Nintendo pédagogique ». Nintendo revendique 17 stations à explorer, j’en ai fait la liste : stick Pro, attache sangle, bouton capture… Mais le manque d’énigmes ou de variations de level design creuse l’ennui au bout de la troisième salle. J’aurais aimé un puzzle horaire, un mini-jeu furtif ou un stand caché derrière une mécanique surprenante. Dommage, c’est un aller-simple sans boucle de gameplay.

Quiz, fiches techniques et making-of : la vraie pépite

Si vous êtes gourmands de making-of à la Shenmue, c’est ici que vous allez prendre votre pied. Nintendo propose 40 fiches, 25 questions à choix multiple, et des schémas dynamiques sur l’architecture du CPU Nvidia Tegra modifié, la latence tactile de l’écran ou le processeur de vibration HD 2. Dans un quiz, j’ai appris que l’accéléro du Joy-Con v2 est 30 % plus précis qu’avant – info validée par le site officiel. Ces moments de geek-delight valent à eux seuls les 9,99 €. On y trouve même un comparatif chiffré entre la luminosité maximale de la Switch 1 (400 nits) et la Switch 2 (550 nits en HDR). Les explications sont claires, drôles, et jamais simplistes. Pour les curieux de technologie, c’est la vraie valeur ajoutée.

Les démos techniques : entre prouesses et gadgets oubliables

Tout au long du musée, des îlots dédiés aux démos : un feu d’artifice HDR sur l’écran OLED (effet spectaculaire), la calibration de la caméra IR pour discerner formes et distance (pratique pour les développeurs), la réduction de bruit du micro interne et les tests de vibration HD 2 (du mode maracas à la moto virtuelle). Nintendo promet « une vitrine des capacités techniques ». Sur mon écran 4K HDR, l’artifice du feu d’artifice s’est avéré le plus impressionnant. En revanche, souffler trois fois sur le micro pour tester la « réduction de bruit » m’a juste fait perdre mon souffle et fait fuir mon chat. Ces gadgets sont sympathiques, mais on s’en lasse vite, un peu comme les démos Wiimote sur Wii Play.

Mini-jeux Joy-Con : la douche froide

Avec 17 mini-jeux au compteur, j’espérais un nouveau 1-2 Switch. Hélas, plus de la moitié se résument à pointer le Joy-Con sur l’écran et cliquer, façon souris d’ordinateur. La précision est bancale, l’inspiration absente. J’ai testé le lancer de disques holographiques, la chasse aux bulles virtuelles et le tir au pigeon mécanique : fun 30 secondes, ensuite c’est creux. Les défis de score et niveaux de difficulté fournis (1 à 5 étoiles) n’incitent pas à la réitération. Pire, trois épreuves sont verrouillées si vous n’avez pas une cam NS2 ou un téléviseur 4K certifié HDR10+. Résultat : impossibilité de claim toutes les médailles, frustration garantie pour les complétionnistes. J’ai ragequit devant la borne du bowling virtuel inutilisable sans accessoires.

Technique, graphismes et ergonomie

Sur le plan technique, c’est du Nintendo solide : zéro bug, chargement instantané, UI claire, animations soignées. Les textures low-poly donnent un look épuré, plus proche d’une Wii « clean » que d’un blockbuster PS5. L’accent est mis sur l’accessibilité : grosses icônes, tuto vocal, légendes contrastées. Dans les options, on peut même désactiver les effets de caméra pour les joueurs sensibles au mal de mer. J’ai noté une latence inférieure à 16 ms entre un geste et son affichage – une prouesse pour un soft non-jeu. Dommage en revanche qu’il n’existe aucune fonction multi-joueur locale ou en ligne, alors qu’un simple mode coopération pour tamponner en duo aurait relevé l’expérience.

Comparaison avec les showcases précédents

Contrairement à Wii Sports, qui offrait un gameplay intuitif et fun pour tous en pack, le Welcome Tour mise tout sur l’infodivertissement. Astro’s Playroom (PS5) utilisait chaque recoin pour surprendre le joueur avec des gimmicks de DualSense ; ici, les gimmicks sont souvent statiques. Même le mapping HD 2, fierté technique de Nintendo, peine à convaincre sur un mode tanneur de poignet. Le contraste est flagrant : Astro’s Playroom était gratuit et servi en bundle ; le Welcome Tour, payant et facultatif, ne génère pas l’engouement d’un mini-jeu offert.

Réactions des joueurs et retours communautaires

Sur Reddit et Twitter, la polémique gronde : « 10 € pour tamponner des stands ? » ou « Nintendo abuse, c’est du DLC camouflé ». Mais certains complétionnistes s’en félicitent : « J’adore le volet technique, je l’ai terminé à 100 % en huit heures, j’ai appris plein de trucs ». La note moyenne sur Metacritic est de 6,2/10, et le forum officiel Nintendo recense 120 avis en majorité mitigés. Dans un sondage interne de Nintendo, 68 % des répondants déclarent avoir aimé les quiz, mais seulement 22 % jugent les mini-jeux réellement fun. Les streamers YouTube et Twitch sacrifient en moyenne 30 à 40 minutes sur le Tour, jugeant le reste trop bavard. L’accueil est donc contrasté : l’expérience est jugée utile pour apprendre, mais chiche côté amusement pur.

Recommandations et perspectives futures

Pour Nintendo, il y a un vrai terrain à conquérir : enrichir le level design du rallye tampon, proposer des énigmes inédites et un mode multi-joueur, voire un générateur de quiz personnalisé. Un pass extension gratuit ou inclusif dans un bundle aurait désamorcé la polémique tarifaire. À l’avenir, on peut espérer une mise à jour intégrant deux ou trois mini-jeux supplémentaires, un chrono compétitif et un hall en ligne pour comparer ses tampons et scores.

Conclusion

Le Welcome Tour remplit sa mission de vulgarisation : on ressort informé, ébahi par quelques prouesses HDR et plus conscient des rouages internes de la Switch 2. Mais le paradis n’est pas total : l’ennui guette dans les mini-jeux et le tarif a du mal à passer pour un contenu purement facultatif. Si vous êtes curieux de tech et prêt à découvrir chaque rouage, foncez les yeux fermés (ou ouvrés pour lire les fiches). Si vous recherchez du fun immédiat à partager en famille, attendez peut-être une promo ou espérez un patch généreux. Note finale personnelle : 6/10.

Note de l’auteur : 6/10 – Un musée interactif soigné qui ravira les geeks, mais qui manque de sel ludique pour devenir un classique instantané.

Phantom Breaker: Battle Grounds Ultimate – Mon retour après 8 h à matraquer la manette

Enfant de la grande époque des arcades et de Shenmue, j’attendais Phantom Breaker: Battle Grounds Ultimate (BGU) sur PS5 avec autant d’impatience que de prudence. Successeur/upscaling d’un jeu japonais sorti en 2013 sur PS3 et Steam, ce beat ’em up 2D promet un défouloir pixelisé servi avec des fonctionnalités modernes : multijoueur jusqu’à 4, mode versus déjanté, et quelques ajustements de confort. Après 8 heures de bourrinage intensif, solo et en coop, verdict : efficacité immédiate, mais intérêt limité sur la longueur.

Scénario & Univers

Phantom Breaker BGU ne se prend pas pour un RPG narratif, et c’est tant mieux. L’histoire tient sur un ticket de métro : des lycéens doués de pouvoirs surnaturels doivent faire le ménage dans un Tokyo alternatif infesté de monstres. Les dialogues sont légers, les cutscenes assez rares, et les protagonistes – une poignée de jeunes filles et garçons au chara-design chibi – ont chacun un background digne d’un anime Shônen épique, sans la profondeur. Entre humour pince-sans-rire et clichés « lycée magique », on capte l’essentiel en cinq minutes et on passe directement à l’action. Un bon compromis pour ceux qui veulent du fun sans se taper vingt pages de lore.

Gameplay : l’art du bourrinage accessible

Dès le premier combat, on sent que BGU vise le hit “one more round”. Plus question de se prendre la tête : un bouton pour frapper, un pour sauter, un dash pour enchainer les combos, et une pression prolongée pour la défense automatique. Résultat : en moins de deux minutes, même un néophyte sort un enchaînement à quatre touches, digne d’un Virtua Fighter junior. Et quel plaisir de voir les ennemis voler en éclats quand on libère son super coup ! Seul hic : l’IA manque de répondant, surtout en mode facile ou normal. Je recommande de débloquer le mode « difficile » dès le chapitre 1 pour éviter le syndrome du bouton auto-presseur.

Deux plans de profondeur

Comme dans Guardian Heroes (Saturn) ou Teenage Mutant Ninja Turtles: Turtles in Time (SNES), BGU propose deux plans de combat. Sympa sur le papier, mais vite mis de côté en multijoueur si vous ne voulez pas vous arracher les yeux. En solo, ça permet des esquives à deux vitesses, mais dès que les ennemis se bousculent sur les deux filets, on se concentre plus à bourrer au centre. Utile, mais pas révolutionnaire.

Graphismes & Audio

Le pixel-art chibi des personnages est vraiment mignon, avec des animations soignées et des effets de particules typés « cartoon violent ». Chaque protagoniste a son propre style : éclairs bleus, ondes de choc pour les plus costauds, et petits cœurs pour les techniciens du healing. En revanche, les décors manquent parfois de finesse : alternance de couloirs lycéens néon et d’usines abandonnées peu inspirées. On sent qu’une partie de l’équipe est partie en week-end anticipé sur certains maps.

Côté audio, on oscille entre bons jingles rock/électro et bruitages attachants : le « clac » addictif des gemmes ramassées rappelle Mario ou Sonic. Les musiques de boss, quant à elles, démarrent en trombe mais finissent par tourner en boucle. Point fort : tous les bruitages et musiques sont remixés en 2023, avec mixage propre, mais pas de voix doublées dans les cinématiques, juste quelques répliques en japonais sous-titré anglais/français.

Technique & Performance

Plateformes : PS5, Xbox Series, Nintendo Switch, PC. Exclusivité : non. Le remaster vise avant tout la fluidité.

• Framerate : stable à 60 FPS en solo et en duo, peut chuter vers 50 FPS superficiels en coop à 4 sur Switch, sur PS5 aucune altération.
• Résolution : 1080p (Switch), 4K dynamique sur PS5 et Xbox Series X.
• Paramètres de difficulté : Facile, Normal, Difficile (recommandé dès la séance 2), Extrême (débloqué après le 1er run).
• Trophées/Achievements : 43 trophées Playstation (dont 1 platine), succès Steam alignés, objectifs variés (combo à 100 coups, finir en extrême, collecter tous les unlocks).
• Cross-save et cross-play : non pris en charge, les classes de sauvegarde sont locales.

Ce simple listing souligne l’attention portée à la stabilité technique, sans révolutionner le genre. À noter qu’aucun patch post-lancement n’a été nécessaire pendant mon test de 8 h.

Comparaison avec d’autres beat ’em ups modernes

Sur le marché actuel, Streets of Rage 4 (SOR4) et River City Girls (RCG) servent la barre haute en termes de profondeur de gameplay, richesse des combos et mode histoire étoffé. BGU, lui, mise tout sur l’instantané : pas d’arbre de compétences, pas d’énigmes, juste du carnage en mode arcade. Guardian Heroes Remastered propose quant à lui plus de branching narratives, tandis que SOR4 offre des interactions d’arrière-plan et un expect crescendo musical. BGU compense son absence d’innovation par un charme simpliste et un relief immédiat. Pour les puristes des mécaniques pointues, ça manque de chair dense. Pour les amateurs de défouloir souvenir, c’est un pis-aller régressif efficace.

Rejouabilité et contenu bonus

Au-delà du mode histoire (8 chapitres, 2 runs pour débloquer l’extrême), BGU propose :

• Mode Arcade : enchaînez les stages avec un seul crédit, scoring en ligne.
• Contre (Versus) : battle lokales jusqu’à 4, où vous pouvez choisir n’importe quel ennemi, voire… une voiture jouable (vrai de vrai), pour des duels surréalistes.
• Défis quotidiens : missions express (finir un stage en moins de 2 min, combo x50) pour gagner des gemmes spéciales.
• Galerie : artworks, musiques à débloquer en accumulant des carats.

Ces ajouts prolongent la vie du jeu, mais, comme tout snack rétro, on atteint un palier de redite au bout de 6 à 8 heures si on se cantonne au solo. Par contre, en multijoueur local, la dynamique change : chaque session devient unique grâce à la spontanéité des mauvais sorts entre amis.

Verdict final

Phantom Breaker: Battle Grounds Ultimate est un défouloir pixel retro rodé pour les minis-sessions entre potes. On y retournera pour le vs déjanté et pour placer un combo géant avant que la lassitude ne pointe le bout de son nez. Rien de révolutionnaire, mais un plaisir coupable à consommer par petites doses.

Note finale : 6,5/10

Avantages

• Gameplay ultra-accessible, prise en main immédiate
• Mode coop et versus local jusqu’à 4, très fun entre amis
• Pixel-art chibi et animations dynamiques
• Framerate stable à 60 FPS sur PS5 et Xbox Series
• Système de défis et contenu bonus qui prolongent l’expérience
• Trophées/Achievements variés pour les collectionneurs

Inconvénients

• Scénario minimaliste, personnages sous-développés
• Répétitivité marquée en solo au-delà de 6–8 heures
• Décors parfois peu inspirés, lisibilité limitée à 4 joueurs
• Manque de profondeur comparé à Streets of Rage 4 ou Guardian Heroes
• Absence de cross-play et modes en ligne