Catégorie : Jeux Vidéo

Pourquoi Medieval 3 me parle autant, après des années de lassitude

Je vais être honnête : ça faisait longtemps que je n’avais pas ressenti un vrai frisson d’excitation pour un Total War historique. J’ai grandi avec Rome, Medieval II et Shogun 2. Ces jeux ont littéralement influencé mes études, mes lectures, ma vision de l’histoire. J’ai passé des centaines d’heures à micro-gérer des phalanges romaines, à faire tenir une ligne de piquiers suisses, à prier pour que ma cavalerie lourde ne s’empale pas sur une forêt de lances.

J’aime beaucoup Total War: Warhammer, je ne vais pas faire semblant du contraire. Je me suis régalé à lancer des comètes de Cassandora sur des armées entières, à voir des dragons faire exploser des lignes entières en une animation. Mais au fond, ce n’est pas pour ça que je suis tombé amoureux de la série. Ce qui me tenait éveillé jusqu’à trois heures du matin à l’époque de Medieval II, c’était cette impression de poids, de crédibilité, de bataille sale, où chaque charge ratée coûtait vraiment quelque chose.

Et ces dernières années, ce feeling s’est barré. Les batailles historiques sont devenues trop rapides, trop « blob », trop arcade, comme si tout devait être consommé en 10 minutes chrono. Ajoute à ça une communication de plus en plus bancale chez Creative Assembly, des lancements douteux, du contenu payant mal reçu… et j’avais honnêtement rangé l’espoir d’un Medieval 3 digne de ce nom dans la même boîte que Shenmue 4 : le fantasme de fan.

Alors quand j’ai vu Creative Assembly ouvrir en grand les coulisses de Total War: Medieval 3, montrer un build ultra-précoce en stream le 5 mars, assumer les prototypes, demander du feedback en direct… là, j’ai levé un sourcil. Et en écoutant leurs plans pour les batailles et les sièges, j’ai eu ce sentiment très précis : ok, là, ils essaient vraiment de revenir à ce qu’on leur demande depuis des années.

Voir un build gris moche en stream : le choc (salutaire) chez un studio AAA

Ce qu’a fait CA avec Medieval 3, ce n’est pas juste un petit « dev diary » proprement monté. Ils ont montré un build qui, dans la plupart des studios, ne sort jamais des murs du studio. Interface temporaire, assets gris, animations pas finies, systèmes qui se contredisent parfois. C’est tout sauf sexy.

Et pourtant, ça a mille fois plus de valeur qu’un trailer cinématique en CGI qui ne reflète rien du vrai jeu. On a vu des batailles test, des sièges en mode sandbox, des unités qui se bousculent aux portes, des murs à moitié texturés… mais surtout, on a entendu les designers expliquer pourquoi ils essaient ces choses-là, ce qu’ils veulent corriger par rapport aux anciens Total War.

Dans une industrie où les gros studios préfèrent planquer le développement derrière des embargos ridicules et des vertical slices sur-polies, voir Creative Assembly dire « voilà l’état réel de Medieval 3 en pré-production, démontez-nous en commentaires » est presque irréel. Surtout venant d’un studio qui, soyons francs, a cramé pas mal de bonne volonté ces dernières années.

Mais ce n’est pas juste la forme qui me parle. C’est le fond : les choix qu’ils mettent sur la table pour les batailles et les sièges. On n’est pas en train de parler d’un énième gimmick ou d’une surcouche de systèmes inutiles. On parle du cœur de Total War : la manière dont deux armées se rentrent dedans.

Des batailles qui retrouvent du poids : cohésion, rythme, lignes qui tiennent (ou pas)

Le mot-clé qui a fait tilt chez moi : cohésion. Dans Medieval 3, les développeurs veulent que les unités ne soient plus juste des blobs de statistiques qui se mélangent, mais de vraies formations qui tiennent, se brisent, se reforment. La cohésion baisse quand tu fais sprinter tes troupes comme un sauvage, quand elles prennent des chocs, quand tu les fais traverser un goulot d’étranglement. Et tant qu’elles ont encore un minimum de cohésion, elles résistent mieux aux charges, tiennent leur formation, gardent cet aspect « mur de boucliers » qu’on fantasmait tous en lisant des bouquins sur Hastings ou Bouvines.

Ce détail change tout. Dans beaucoup de Total War récents, la ligne de front finissait systématiquement en gros tas informe où l’on distinguait à peine qui frappait qui. Tu cliquais, tu voyais les barres de vie baisser, et tu attendais la déroute. Tactiquement, ça devenait pauvre. Là, si la cohésion détermine à quel point tu peux percer une formation, si le résultat d’une charge de cavalerie dépend du timing et de l’état de la ligne ennemie, on retrouve enfin la micro-gestion un peu sale et satisfaisante de Medieval II ou Shogun 2.

Les développeurs parlent aussi d’un rythme plus lent, avec des phases de bataille distinctes : d’abord l’escarmouche, ensuite le choc des lignes, puis la poursuite, la désintégration, les derniers points de résistance. Ça peut paraître évident, mais ça ne l’est plus depuis un moment. Dans Warhammer surtout, tout explose tellement vite, tellement fort, qu’on passe parfois de « rien » à « armée en miettes » en un sort et deux charges monstrueuses.

Je ne demande pas que Medieval 3 devienne un simulateur hyper lent où tu regardes des bonshommes marcher pendant 20 minutes. Mais des batailles où tu as le temps de lire la situation, d’ajuster, de pousser ta réserve dans la brèche, de décider si tu sacrifies tes levées pour sauver tes chevaliers… ça, c’est le Total War que j’ai envie de retrouver. Et de ce qu’on a vu du prototype, c’est clairement l’intention.

Évidemment, tout ça est encore au stade expérimental. Les devs eux-mêmes répètent que rien n’est gravé dans le marbre. Mais pour la première fois depuis longtemps, leurs priorités – lisibilité des lignes, importance de la formation, impact réel des charges, fin des blobs absurdes – sont exactement celles que j’ai listées en rageant avec des potes sur Discord après ma énième bataille débile dans un Total War récent.

Des sièges enfin crédibles : du sang, de la sueur, pas juste des points de capture

Les sièges, c’est l’autre gros morceau. Et là, je vais être cash : les sièges de la plupart des Total War des dix dernières années sont une honte. Des labyrinthes de rues artificiels, des points de capture placés n’importe où, une IA qui se coince, des batailles qui se jouent plus sur le pathfinding que sur la stratégie… Combien de fois j’ai soupiré en voyant « Bataille de siège » dans l’interface, en sachant que ça allait être un carnage d’ergonomie.

Dans Medieval 3, ils veulent repartir de zéro avec une idée forte : un siège, c’est un système défensif vivant. Les défenseurs peuvent adapter leurs défenses avec des barricades, des plateformes, des positions renforcées. On n’est plus sur ces murs abstraits avec des tours automatiques qui vomissent des flèches, mais sur une ville ou un château que tu prépares vraiment, que tu façonnes selon tes priorités.

Autre point qui me semble sain : on ne parle pas d’attaques à 360° ridicules sur des aureoles de villes. L’idée est plutôt d’organiser l’assaut en plusieurs axes crédibles, avec des goulots, des portes, des fossés, des zones préparées en amont sur la carte de campagne – des tranchées, des palissades, des murs extérieurs que tu construis avant le siège et que tu retrouves en bataille.

Et surtout, cette fois, les engins de siège sont au centre, pas un simple prétexte à poser une tour et une échelle avant de passer en mode mêlée géante. Catapultes, béliers, tours, sapeurs… tout ça devrait reprendre une place stratégique. Si la cohésion et les goulots d’étranglement sont réellement pris en compte, prendre une porte peut devenir une boucherie mémorable, pas juste un tas de sprites qui vibrent en l’air.

Ça reste des promesses, mais ce sont les bonnes promesses. Et le fait de voir des versions grises, moches, mais jouables de ces mécaniques en stream me donne beaucoup plus confiance que n’importe quel slogan « sièges repensés » dans un trailer pré-mâché.

Armées levées, paysans épuisés : le retour du médiéval sale et politique

Autre décision qui m’a parlé immédiatement : tu ne commences pas Medieval 3 avec des armées permanentes hyper professionnelles. Au début de campagne, tes forces sont surtout des levées de paysans, tirées directement de la population locale. Lever une armée vide les champs, ruine la production, met ton économie à genoux. Et la qualité de ce que tu peux rassembler dépend de ta légitimité, de ton autorité réelle.

Pour moi qui adore l’époque médiévale justement parce qu’elle est profondément instable, violente, politique, cette approche est logique. On est loin du délire « dix stacks full armure de plates au tour 20 » qu’on a parfois connu. Lever une armée doit être une décision lourde, presque désespérée : est-ce que je vide mon comté de ses hommes pour repousser cette invasion, au risque de ne plus pouvoir récolter ? Est-ce que je sacrifie mes bonnes troupes pour mater une révolte ?

Les développeurs parlent aussi de rétinues régionales, de seigneurs qui amènent avec eux un noyau de troupes attachées à leur terre, à leur histoire. À terme, tu peux accéder à des forces plus professionnelles, des armées permanentes, mais ça se mérite. Là encore, ça colle bien mieux à l’imaginaire médiéval que cette vision « empire industriel » qu’on a parfois eue dans des épisodes plus tardifs.

Est-ce que ça risque d’alourdir la gestion, de rajouter de la micro pénible ? Clairement, c’est un danger. J’ai passé assez d’heures sur Crusader Kings pour savoir qu’on peut vite basculer du sublime au spreadsheet. Mais c’est typiquement le genre de mécanique qui gagne à être testée publiquement, ajustée avec le retour des joueurs. Et c’est exactement ce que fait CA en ce moment avec ses sessions de feedback et ses prototypes joués en live.

Une transparence qui rachète (un peu) des années de bullshit

On ne va pas réécrire l’histoire : Creative Assembly a salement entamé sa relation avec une partie de la communauté. Lancement bancal de Rome II à l’époque, spin-offs mous comme Thrones of Britannia, communication floue autour de certains DLC, fin de support brutale sur des jeux encore ultra-populaires, réception compliquée de titres comme Pharaoh… À force, même les fans les plus loyaux ont cessé de prendre leurs promesses au sérieux.

Du coup, quand je vois un gros studio dire « on va être transparents », j’ai un réflexe de méfiance. Trop souvent, c’est juste un mot-clé marketing pour dire « on va mieux emballer la même merde ». Sauf que là, la transparence n’est pas jolie. Elle est brutale, presque gênante : on voit les systèmes qui ne marchent pas encore, les idées pas finalisées, les mécaniques qui vont probablement disparaître.

Et surtout, ils ne se contentent pas de dire « on vous écoute ». Ils expliquent aussi ce qu’ils ne feront pas. Par exemple, la fameuse demande récurrente de la communauté pour des unités complètement modulaires, où tu customises chaque escouade à l’extrême. Medieval 3 ne va pas dans cette direction. CA le dit clairement, en expliquant pourquoi ça ne colle pas à leur vision, comment ils veulent plutôt jouer sur les rétinues, les traditions régionales, la composition des retinues plutôt que du soldat individuel.

Je ne suis pas forcément d’accord avec tout. Mais je préfère mille fois un studio qui pose une vision cohérente, discutable, que ce flou mou où tout est « à l’étude » jusqu’au jour de la sortie. La transparence qui compte, ce n’est pas montrer des jolis screenshots, c’est assumer ses choix de design, même impopulaires.

Pourquoi certains fans restent sceptiques (et pourquoi je ne les blâme pas)

Je vois très bien pourquoi une partie de la communauté garde les bras croisés. On a déjà entendu des grandes promesses de batailles plus lentes, plus tactiques. On a déjà vu des discours enflammés sur les sièges « entièrement réinventés ». On a déjà eu des engagements sur le suivi à long terme d’un jeu qui ont fini en queue de poisson.

Et oui, il y a toujours le risque que cette transparence serve de bouclier : « on vous avait prévenus que c’était expérimental », « vous avez vu le processus, donc ne vous plaignez pas si certaines features sautent ». C’est un danger réel, et ce serait franchement dégueulasse si CA s’en servait comme ça.

Mais pour être franc, je préfère largement ce risque-là au statu quo précédent : découvrir au lancement que les batailles sont bancales, que les sièges sont ratés, que la moitié des systèmes promis ont disparu dans un coin de patch note. Voir Medieval 3 se construire presque en temps réel, ça me permet de calibrer mon attente. Je ne vais pas précommander un collector hors de prix sur la base de jolis mots, mais je commence à envisager l’idée de refaire ce que je n’avais plus fait depuis longtemps : bloquer une semaine de congés juste pour un Total War historique.

Le scepticisme est sain. La hype aveugle, on en a tous bouffé suffisamment. Mais si on veut que des studios AAA continuent de tenter ce genre d’ouverture, il faut aussi reconnaître quand l’effort est réel. Et là, en tant que vieux fan de batailles historiques, je serais malhonnête de prétendre que Medieval 3 ne va pas dans la bonne direction.

Ce que Medieval 3 peut changer pour l’avenir de Total War

Un truc qu’il ne faut pas sous-estimer : Medieval 3 n’est pas un one-shot. Il tourne sur un nouveau socle technologique, pensé pour être partagé avec d’autres projets, y compris ceux qui vont très loin de l’historique pur (coucou Warhammer 40K). Ça veut dire que si CA réussit à clouer l’ambiance des batailles médiévales, la cohésion, les sièges, tout ce travail peut devenir la base de la prochaine génération de Total War historiques.

On parle aussi de modding dès le lancement, avec des outils plus accessibles. Pour une série dont la longévité dépend énormément de ses communautés de moddeurs, c’est crucial. Combine ça avec un système de campagne où les lois, les formes de succession, la structure politique peuvent évoluer en milieu de partie, et tu commences à entrevoir un jeu qui n’est pas seulement solide au jour 1, mais capable de vivre des années.

Si Medieval 3 rate, ce sera catastrophique pour la confiance envers les Total War historiques. Mais s’il réussit, s’il parvient à offrir ces batailles lourdes, lisibles, crédibles que beaucoup réclament depuis Rome II, il peut servir de feuille de route. Je veux que, dans quelques années, quand on parlera d’un éventuel Empire 2 ou d’un nouveau Shogun, on dise : « OK, ils reprennent la base de Medieval 3, on sait que les batailles seront solides. »

Conclusion : oui, Creative Assembly, continuez de nous montrer les tripes

Je n’ai pas soudainement oublié les ratés de Creative Assembly. Je n’ai pas décidé magiquement que tout est pardonné parce qu’ils ont montré des unités grises qui se cognent dans une porte. Mais en tant que joueur qui a construit une partie de sa passion du jeu vidéo autour de Total War, je préfère largement être ici, maintenant, en train de disséquer un build ultra-précoce de Medieval 3, que d’attendre un trailer bidon à l’E3 qui ne veut rien dire.

J’ai envie d’y croire parce que tout ce qu’ils mettent en avant — la cohésion, le rythme plus lisible, les sièges pensés comme des systèmes vivants, les levées qui saignent ton économie, les retinues régionales — va dans le sens d’un Total War médiéval plus lourd, plus crédible, plus adulte. Pas un simulateur hardcore chiant, pas un spectacle pyrotechnique vide, mais ce juste milieu que la série a effleuré plusieurs fois sans jamais totalement le figer.

De mon côté, cette transparence a déjà eu un effet très concret : j’ai remis Medieval 2 et Shogun 2 sur mon PC. Pas par nostalgie défensive, mais pour me rappeler précisément ce que j’attends d’un grand Total War historique. Je veux ressentir à nouveau cette tension quand deux lignes s’approchent lentement, les tambours qui s’arrêtent juste avant l’impact, le moment où tu sais que tu as mal évalué la charge ennemie et que tu vas le payer cher.

Medieval 3 n’en est pas encore là. On parle de prototypes, de systèmes mouvants, d’un jeu qui va encore changer quinze fois avant sa sortie. Mais pour la première fois depuis longtemps, je peux dire sans cynisme : Creative Assembly est en train d’essayer de faire le Total War médiéval que je réclame depuis des années. Et tant qu’ils continueront à montrer les tripes du projet, à accepter les critiques, à ajuster sans se planquer derrière le marketing, ils auront au moins gagné quelque chose d’immense : le droit que des vieux briscards comme moi leur laissent une vraie chance.

Pourquoi je ne vois plus les zombies de la même façon après Resident Evil Requiem

Je pensais être vacciné contre les zombies. Sérieusement. J’ai rincé Resident Evil 2 sur PS1 au point de connaître les couloirs du commissariat mieux que mon propre lycée. J’ai fait et refait Resident Evil 4, j’ai survécu à des hordes dans Left 4 Dead, j’ai roulé sur des infectés par centaines dans des jeux qui ne savent plus quoi inventer pour rendre le mort-vivant « intéressant ».

Et puis Resident Evil Requiem est arrivé. Et pour la première fois depuis longtemps, un zombie m’a vraiment mis mal à l’aise. Pas parce qu’il courait plus vite, pas parce qu’il était plus gore, mais parce qu’il continuait… à faire son boulot. À suivre une routine humaine, comme si le cerveau avait lâché mais que le corps refusait de comprendre que tout était terminé.

C’est là que j’ai réalisé que Capcom venait de toucher à quelque chose de bien plus profond que « un nouveau type d’ennemi ». Requiem s’appuie sur un concept de neuropsychologie – la mémoire procédurale – pour transformer les infectés en menaces dérangeantes, presque tragiques, et surtout en énigmes vivantes. Et ça, à mes yeux, c’est mille fois plus révolutionnaire pour le survival horror que n’importe quel nouveau fusil à pompe ou mode Mercenaries.

Le moment où tout a basculé : la femme de ménage du couloir B

Ma prise de conscience, je la dois à une scène très précise pendant la campagne de Grace, dans l’aile d’un hôpital déjà bien ravagé. Je rentre dans un couloir plongé dans la pénombre, inventaire à l’os, une seule balle dans le chargeur (classique Resident Evil, on connaît la chanson). Au fond, j’aperçois une silhouette penchée, qui bouge de façon répétitive.

Je m’attends au cliché habituel : le zombie qui se retourne d’un coup quand tu approches trop. Sauf que non. Elle reste là, à frotter le sol. Une femme de ménage, infectée jusqu’à l’os, qui continue d’astiquer le même carré de carrelage dans une boucle absurde, en marmonnant des bribes de phrases sur « la ronde » et « les inspections » comme si son chef allait débarquer à tout moment.

Mon premier réflexe de joueur conditionné ? Viser la tête. Mais j’ai hésité. Parce que, pendant quelques secondes, ce n’était pas « un ennemi ». C’était une personne qui fait simplement ce qu’elle a fait mille fois avant de mourir. Et Capcom me laisse exploiter ça : sa trajectoire est prévisible, ses gestes sont répétitifs. Je peux la contourner, déclencher un bruit derrière pour la faire se décaler, profiter de son obsession du carrelage pour passer derrière elle sans tirer une seule balle.

C’est là que j’ai compris le génie du truc : le jeu ne me propose pas juste une IA « plus intelligente », il me balance en pleine face l’idée que ces corps ne sont pas totalement débranchés. Ils gardent des morceaux de leur vie d’avant, des routines, des réflexes. Et en tant que joueur, je dois apprendre à lire ces habitudes autant que les patterns d’attaque. L’ennemi devient un puzzle comportemental.

La mémoire procédurale expliquée sans cours magistral chiant

Pour comprendre pourquoi cette idée est si puissante, il faut parler de mémoire procédurale. Pas besoin de sortir un diplôme en neuro : c’est simplement le type de mémoire qui gère nos automatismes. Conduire une voiture, faire du vélo, lacer ses chaussures, taper sur un clavier sans regarder – tout ça, c’est de la mémoire procédurale. Tu ne réfléchis pas consciemment à chaque geste, ton corps « sait » quoi faire.

Un cas célèbre a servi de base à tout ça : Henry Molaison, un patient opéré dans les années 50. On lui a retiré une grande partie du lobe temporal pour traiter son épilepsie, et résultat, il ne pouvait plus créer de nouveaux souvenirs durables ni se souvenir correctement de son passé. Le gars pouvait te rencontrer, discuter, puis t’oublier quelques minutes plus tard. En gros, le cauchemar absolu si tu tiens un minimum à ton identité.

Mais voilà le twist : Henry était quand même capable d’apprendre certaines choses. On lui faisait par exemple tracer une forme en ne regardant que son reflet dans un miroir. Au début, il était nul. Puis il s’améliorait de jour en jour… tout en jurant qu’il ne se souvenait pas avoir déjà fait l’exercice. Pas de souvenir conscient, mais un corps qui progresse quand même. C’est ça, la mémoire procédurale : un système de stockage planqué en profondeur, qui survit parfois là où tout le reste est parti en fumée.

Et Resident Evil Requiem prend ce concept, déjà flippant en soi, et le plaque sur ses zombies. Ces infectés ne se rappellent plus qui ils sont, ils ne savent plus ce qui s’est passé, mais leurs corps continuent à enchaîner des routines : nettoyer, patrouiller, vérifier des machines, éteindre des lumières, protéger des outils. Comme Henry qui sait encore faire un geste appris mille fois, même s’il ne sait plus d’où ça vient.

Ce n’est pas juste un habillage pseudo-scientifique. C’est une vraie clé de lecture du gameplay et de la mise en scène. Une infirmière infectée continue sa ronde entre deux chambres, un concierge zombifié garde obstinément un local technique, un ouvrier reste obsédé par le fait de couper l’électricité. Tu ne comprends pas juste « il est agressif ». Tu comprends ce qu’il était, à travers ce qu’il fait encore malgré lui.

Capcom a enfin compris que le plus effrayant, ce n’est pas le monstre… c’est ce qu’il reste d’humain

Dans beaucoup de jeux d’horreur, le zombie finit par devenir une sorte de mobilier agressif. Un obstacle qu’on sait parfaitement décoder : il erre, grogne, te fonce dessus. Point. Les meilleurs Resident Evil ont toujours essayé de casser cette routine avec des variantes — Crimson Heads, Ganados, Molded, etc. — mais au fond, ça restait des versions plus rapides ou plus résistantes du même archétype.

Requiem change la donne en reconnectant le zombie à son identité passée, pas par un journal audio ou une note trouvée au sol, mais par le comportement lui-même. Tu n’as pas besoin de lire que « Maria travaillait comme infirmière de nuit ». Tu le vois : même infectée, elle continue à faire les vérifications de signes vitaux sur un lit vide, à appuyer sur le même bouton, à s’arrêter devant le poste de soin. Sa routine, c’est son background.

Et c’est là que le malaise s’installe. Face à un monstre pur et dur, ton cerveau active le mode survie : danger => riposte. Mais face à un homme qui découpe de la viande avec une précision de boucher, puis qui t’attaque, tu passes par une zone grise : pendant une seconde, tu le reconnais comme « quelqu’un » avant de le reclassifier comme « chose ». Cette bascule mentale est profondément inconfortable, et Requiem joue avec ça constamment.

On sent même que l’équipe a réfléchi au décor autour de ces routines. Le zombie concierge qui garde « son » placard de matériel et qui, s’il t’entend fouiller, fonce directement sur les outils plutôt que sur toi. L’éclairagiste infecté qui éteint systématiquement les interrupteurs de la salle, te plongeant dans le noir dès que tu essaies de sécuriser la zone. Ce ne sont pas juste des scripts rigides, c’est une logique de rôle : qui il était dicte comment il te menacera.

Des ennemis qui se jouent comme des énigmes vivantes

Là où je trouve Capcom vraiment inspirée, c’est dans la façon dont cette idée irrigue le gameplay, surtout dans la partie de Grace, plus lente, plus orientée infiltration et gestion de ressources. On n’est pas juste en train d’éviter des cônes de vision façon jeu d’infiltration basique, on est en train de résoudre des problèmes comportementaux.

Tu dois apprendre les habitudes de ces infectés comme tu apprenais, à l’ancienne, le pattern d’un boss : ce garde zombifié fait toujours le même tour en s’arrêtant devant la machine à café qu’il ne pourra plus jamais utiliser. Cette infirmière réagit à un type de bruit précis mais ignore presque tout le reste. Cet ouvrier infecté s’excite dès que tu touches à un générateur. Tu n’es plus seulement en train de « survivre », tu interprètes une chorégraphie tragique et tu t’y faufiles.

Et le plus fort, c’est que le jeu te récompense vraiment pour ça. En observant ces routines, tu peux économiser des balles, créer des diversions intelligentes, ou carrément transformer l’environnement en piège grâce à ces automatismes. Un exemple : laisser volontairement un zombie proche d’un tableau électrique, parce que tu sais qu’il ira l’éteindre dès que tu déclencheras une alarme dans une autre pièce, ce qui te permettra de traverser un couloir éclairé redevenu sombre sans te faire repérer. C’est bête sur le papier, mais manette en main, ça donne cette sensation rare d’avoir « compris » quelqu’un plutôt que d’avoir juste « outplay » une IA.

Et ironiquement, ça met en lumière le plus gros défaut traditionnel de Resident Evil Requiem : ses puzzles « classiques » sont globalement assez fades, ou du moins, loin de ce que la série a pu proposer de plus iconique. Sauf que, pour moi, ce manque est en partie compensé par ces « énigmes comportementales ». Quand un simple couloir avec trois infectés devient un casse-tête façon Rubik’s Cube organique, je m’en fous un peu de savoir que la clé en forme d’orgue était planquée derrière un tableau cliché.

Oui, parfois ça casse l’illusion… et c’est justement pour ça que j’en veux plus

Tout n’est pas parfait, loin de là, et c’est important de le dire. Il y a des moments où la belle théorie de la mémoire procédurale se fait rattraper par la réalité du jeu vidéo : scripts qui se répètent trop, animations qui bouclent de façon trop visible, ennemis qui restent bloqués dans une routine en ignorant complètement ta présence alors que tu es, objectivement, dans leur champ de vision.

Et puis il y a l’autre moitié du jeu : la campagne de Leon, plus orientée action, qui reprend l’esprit de Resident Evil 4 avec des gunfights beaucoup plus intenses. Ici, la finesse comportementale des infectés passe parfois à la trappe, noyée sous le besoin de rythme et d’explosions. Les ennemis gardent, sur le papier, cette logique de rôles et de routines, mais dans la pratique, quand tu balances des grenades et que tout le monde sort au ralenti dans un bain de sang, tu n’as pas vraiment le loisir d’apprécier la subtilité de la mémoire procédurale.

Est-ce que ça me frustre ? Un peu, oui. Parce que je vois ici un système qui pourrait devenir la nouvelle colonne vertébrale du survival horror moderne, et pas juste une couche de vernis sur quelques segments « prestige ». Quand tu as goûté à ces moments de pure tension émergente — où tu restes immobile dans l’ombre parce que tu as compris qu’un zombie va, mécaniquement, venir appuyer sur l’interrupteur près de toi —, tu as envie que tout le jeu soit à ce niveau-là.

Mais en même temps, cette imperfection me donne de l’espoir. Capcom n’a pas juste trouvé une formule magique ultra-optimisée et cynique. On sent presque l’expérimentation, le bricolage brillant par endroits, plus timide à d’autres. C’est le genre d’idée un peu bancale qui, si le public suit, peut devenir un standard dans deux ou trois générations de jeux.

Ce que ça change pour moi en tant que joueur de survival horror blasé

Je ne vais pas mentir : ces dernières années, je commençais à jouer aux jeux d’horreur en mode pilote automatique. Tu apprends vite les timings, tu devines quand le jumpscare va tomber, tu vois les ficelles derrière le rideau. Même les excellents titres me faisaient plus sourire d’admiration que trembler pour de vrai.

Resident Evil Requiem n’est pas parfait, il ne réinvente pas le genre de A à Z, mais cette utilisation de la mémoire procédurale m’a forcé à réengager mon cerveau autrement. Pas juste pour optimiser mon inventaire ou calculer la meilleure trajectoire dans un couloir, mais pour me poser des questions dérangeantes : s’il ne reste de nous que ces automatismes — conduire, nettoyer, patrouiller, taper un code, lacer nos chaussures —, qu’est-ce que ça dit de notre sacro-sainte « identité » ?

Quand je vois un infecté continuer à accomplir une tâche vidée de son sens, je ne vois plus seulement une menace. Je vois un humain réduit à une boucle de gestes, comme si quelqu’un avait appuyé sur « répétition infinie » sur la partie la moins glamour de notre existence. Et la vraie horreur, pour moi, se loge là : dans l’idée que ce qu’on croit être « nous » — nos souvenirs, nos rêves, nos opinions — peut sauter, alors que la manière dont on tient une serpillière ou un scalpel reste intacte.

Concrètement, ça a aussi changé ma façon de jouer. Là où autrefois j’aurais explosé tout ce qui bouge pour « sécuriser » une zone, je me surprends à laisser certains infectés en vie, précisément parce que leur routine m’arrange. Je garde ce concierge zombie parce que je sais qu’il va continuer à verrouiller et déverrouiller la même porte que je peux suivre à la trace. Je tolère l’infirmière qui fait sa ronde parce qu’elle est mon métronome, mon indicateur de danger, plutôt qu’un simple obstacle.

Et surtout, ça a radicalement remonté mes attentes pour les prochains jeux d’horreur. Je n’ai plus envie de simples sacs à PV avec trois animations d’attaque. Je veux des ennemis avec une logique interne, une histoire qui transpire dans leurs gestes, des comportements que je dois comprendre autant que combattre. Qu’on arrête de me vendre de la « next-gen » parce que les boyaux sont mieux texturés, et qu’on continue plutôt à creuser cette veine cognitive, là où le malaise vient du cerveau autant que de la rétine.

Si le futur du survival horror est là, je signe tout de suite

En sortant de Resident Evil Requiem, je ne me souvenais pas seulement du gros boss final ou du twist scénaristique. Je repensais à des silhouettes anonymes, à des gestes répétés, à des routines absurdes qui refusaient de mourir. Et ça, pour un jeu où tu passes ton temps à démembrer des gens déjà morts, c’est un sacré exploit.

Oui, Capcom mise un peu trop sur la nostalgie par endroits. Oui, la seconde moitié du jeu retombe parfois dans ses vieux réflexes d’action bourrine. Mais cette idée de zombies guidés par leur mémoire procédurale, de corps accrochés à leurs anciennes fonctions comme des fantômes d’habitudes, c’est la première fois depuis longtemps que j’ai l’impression de voir une véritable avancée dans la façon dont on conçoit les ennemis dans un survival horror.

En tant que joueur qui a grandi avec Resident Evil, qui a connu l’époque des portes qui se chargent en full écran pour masquer les temps de chargement, voir la série oser piocher dans la neuropsychologie pour rendre ses monstres plus humains — et donc plus terrifiants —, ça me donne envie d’y croire encore. Tant que des studios auront le courage de toucher à ce qui nous fait vraiment peur, c’est-à-dire l’idée de perdre ce qui fait de nous des personnes tout en restant capables d’accomplir nos petits gestes du quotidien, le genre n’est pas mort.

Si Resident Evil Requiem marque une étape, ce n’est pas juste parce qu’il mélange deux campagnes ou qu’il ramène encore Raccoon City dans l’équation. C’est parce qu’il pose une question brutale, sous couvert de trip gore : et si, demain, il ne restait de toi que la façon dont tu fais ton café ou dont tu tapes ton mot de passe ? Si l’horreur peut nous forcer à regarder ce genre de choses en face tout en nous faisant suer devant l’écran, alors oui, je suis prêt à me refaire infecter encore longtemps.

Pourquoi la mauvaise musique de jeu me hante encore

Je suis obsédé par la musique de jeux vidéo. Pas juste en mode “oh oui, ce thème est sympa” : j’achète des vinyles de OST, je bosse avec des playlists de boss fights en boucle, et j’ai toujours le thème de Shenmue qui traîne quelque part dans un coin de ma tête depuis la Dreamcast. La musique, pour moi, c’est ce qui transforme un bon jeu en souvenir gravé dans le cerveau.

J’ai pleuré sur des cordes de JRPG, transpiré sur des thèmes de versus fighting, frissonné dans des manoirs infestés de zombies. Et justement parce que j’aime tellement ça, il y a un truc qui m’énerve au plus haut point : quand une piste est tellement ratée qu’elle brise tout ce que le jeu essaie de construire. Pas juste “meh”, pas juste oubliable. Je parle de ces morceaux tellement mauvais qu’ils deviennent une blague de communauté, des memes à part entière.

Le pire ? C’est que ces horreurs musicales restent souvent plus longtemps dans ma mémoire que certaines des meilleures OST. Des années après, j’entends trois secondes d’un morceau comme ça et j’ai l’impression qu’on m’enfonce un tournevis dans l’oreille interne. Et oui, Resident Evil: Director’s Cut – DualShock Edition, je parle de toi.

Resident Evil DualShock : le sous-sol le plus traumatisant… pour mes oreilles

Je me souviens encore de ma première run sérieuse de Resident Evil sur PS1. À l’époque, j’étais surtout là pour les jumpscares, les portes qui grincent et cette ambiance de série B qui ne se prend pas tout à fait au sérieux. Musicalement, c’était pas du niveau d’un Silent Hill ultra-mélodique, mais ça faisait le taf : violons stridents, nappes sombres, bruitages chelous. L’OST originale du sous-sol du manoir ? Pas un chef-d’œuvre, mais ça collait à l’ambiance : inquiétant, un peu kitsch, mais jamais ridicule.

Et puis un jour, j’ai lancé la fameuse version Director’s Cut – DualShock Edition. Même jeu, même manoir… et d’un coup, j’arrive dans le sous-sol. Là, au lieu d’être tendu, je suis saisi par une autre émotion : la honte intergalactique pour les gens qui ont validé ça. On dirait qu’on a enfermé un clown triste avec un synthé pour enfant, et qu’on lui a dit “vas-y, fais de l’horreur”.

C’est littéralement l’équivalent sonore de la première fois où une classe de CM2 met les mains sur des claviers Casio et spamme tous les presets de trompettes déglinguées. Tu as cette impression de deux idées musicales écrasées l’une contre l’autre, aucune cohérence, des cuivres numériques déprimés qui tournent en boucle, des dissonances qui n’évoquent pas la peur mais juste une catastrophe de montage. C’est cirque zombie, pas survival horror.

Ce qui me rend dingue, c’est que ce n’est même pas “drôle mauvais” sur le moment. Sur YouTube, dans les fameuses brackets de “pires musiques de jeux vidéo”, c’est hilarant. Mais manette en main ? Tu sens l’immersion s’effondrer en temps réel. Tu n’es plus dans un manoir infesté de créatures en décomposition, tu es dans un mauvais sketch avec des zombies jongleurs.

Et Capcom, là-dedans ? Silence radio. Pas de vrai mea culpa public, pas d’explication officielle claire. Le morceau est devenu un mème depuis des années, régulièrement en finale des tournois communautaires du “pire thème de tous les temps”, et tout le monde fait comme si ce n’était qu’un accident de parcours amusant. Perso, je trouve ça un peu facile. Quand tu touches à un classique comme Resident Evil, tu ne peux pas balancer une telle agression sensorielle et juste espérer que ça passe pour de “l’expérimental”.

Tekken 8 : quand le Colosseum me hurle dessus

Je suis aussi un malade de jeux de baston. J’ai poncé Tekken 3 sur PS1 jusqu’à flinguer les boutons de ma manette, j’ai passé des nuits entières sur Tekken 7 en training pour gratter trois frames de mieux sur mes whiff punish. Et un truc que j’adore dans Tekken, c’est cette évolution des OST : de la techno crade des années 90 aux gros bangers électroniques modernes taillés pour l’e-sport.

Sauf que dans Tekken 8, il y a un morceau qui me sort par les yeux (et les oreilles) à chaque fois : le thème du Colosseum. Le stage est stylé, l’idée est bonne, mais cette piste… c’est comme si quelqu’un avait coché toutes les cases “tendance” sans se demander si ça servait le combat. Grosse prod, drop agressif, et soudain ce passage Vocaloid qui débarque au milieu, en mode diva numérique qui hurle pour détruire mes ennemis.

Le problème n’est même pas le fait d’utiliser une voix synthétique – j’aime bien les morceaux Vocaloid en général. Là, c’est juste mal intégré. Tu es concentré sur ton neutral, tu observes la range des coups adverses, et bam : voix suraiguë autotunée qui bondit par-dessus le reste, comme si quelqu’un avait appuyé sur “karaoké catastrophe” au milieu du match. Sur casque, le mixage te perce littéralement le crâne.

C’est typiquement le genre de track que j’entends et où je me dis : “ok, là vous avez oublié que la musique est censée soutenir le gameplay, pas se mettre en compétition avec lui”. Dans un jeu de baston, le thème doit t’exciter, te pousser à rentrer dedans, mais aussi rester lisible et rythmique, calé sur le flow du match. Là, ça ressemble à un concours de surenchère sonore, avec ce moment où la voix tapisse l’espace sans raison, comme si la chanson elle-même essayait de te mettre au sol.

Résultat : ce stage, je le ban en lobby perso. Pas parce qu’il est moche, pas pour une histoire de taille ou de murs, mais juste parce que je refuse d’infliger ça à mes oreilles pendant des sets entiers. Quand tu commences à adapter ta rotation de stages uniquement pour fuir une musique, c’est qu’il y a un problème.

Mauvaise musique : hier, contraintes techniques ; aujourd’hui, excuses bidon

Honnêtement, j’ai beaucoup de tolérance pour les accidents sonores de l’ère 8-bit et 16-bit. Les compositeurs se battaient avec des puces sonores limitées, des canaux minuscules, des samples dégueulasses. Quand tu écoutes une horreur comme le thème de Crazy Bus, ce vieux homebrew infâme, tu sens qu’on est à la frontière entre bug sonore et “expérimentation naïve”. C’est atroce, mais presque attendrissant.

Pareil pour certains morceaux de l’époque GBA ou DS : la piste “Nocturne” de Sonic Chronicles, par exemple, qui revient tout le temps dans les tournois des pires OST. On dirait un MP3 compressé six fois, réimporté sur un synthé mourant. C’est objectivement ignoble, mais il y a ce côté “on faisait ce qu’on pouvait avec trois bouts de ficelle”. Tu sens la limitation du hardware autant que la maladresse artistique.

Aujourd’hui, ce genre d’excuse ne tient plus. On parle de studios qui peuvent s’offrir des orchestres entiers, des sound designers ultra-calibrés, des outils qui permettent de tester le rendu en temps réel sur chaque séquence de jeu. Quand un AAA sort une piste qui sonne comme des cris incompréhensibles et une agression sensorielle, ce n’est pas une contrainte technique, c’est un mauvais choix, validé par toute une chaîne de décision.

Et c’est là que ça me chauffe : quand on te vend une “vision artistique”, alors que ce que tu entends, c’est juste un morceau mal pensé pour le contexte. Je peux accepter une dissonance volontaire, un thème inconfortable pour un boss malsain, un truc qui te met physiquement mal à l’aise si ça sert la scène. Mais il y a une différence énorme entre “je veux te déranger” et “je ne sais pas ce que je fais”.

Ces morceaux tellement mauvais qu’ils en deviennent cultes

Si vous traînez un peu sur YouTube, vous avez sûrement déjà vu ces brackets communautaires du style “

Worst Video Game Songs Tournament

”. Coney en fait depuis des années : les gens soumettent leurs pires souvenirs musicaux, la communauté vote, et on finit avec une sorte de Coupe du Monde de la honte sonore. C’est cruel, mais fascinant, parce que les mêmes suspects reviennent encore et encore.

Le sous-sol de Resident Evil: Director’s Cut – DualShock Edition est presque toujours en haut du tableau, évidemment. Mais à ses côtés, tu retrouves souvent :

• le thème de titre de Crazy Bus, qui ressemble à un bug de carte son coincé en enfer ;
• la fameuse piste de chocobos dans Final Fantasy X-2, un mélange forcé de pop sucrée et de bruitages débiles – littéralement deux idées musicales écrasées l’une contre l’autre ;
• Locked dans Ace Combat 3D, qui te donne l’impression d’être coincé dans un ascenseur EDM en feu ;
• et bien sûr, certains morceaux regrettables de RPG portables, compressés jusqu’à devenir des huiles essentielles de migraine.

Ce qui est dingue, c’est à quel point ces musiques deviennent cultes à cause de leur nullité. On les écoute entre potes pour se faire mal, on les glisse dans des playlists “anti-chill”, on se marre à les voir progresser dans les brackets. Elles deviennent un langage commun : quand quelqu’un décrit une track comme “niveau Resident Evil DC basement”, tout le monde comprend immédiatement le niveau de catastrophe.

Mais il y a aussi des cas plus ambigus. Des morceaux de Dark Souls 3 par exemple, ou des mashups expérimentaux, que certains trouvent insupportables, et que d’autres défendent bec et ongles parce qu’ils s’accordent, selon eux, à l’ambiance ou au lore. Et là, ça devient intéressant : la frontière entre “mauvais” et “dérangeant mais pertinent” est beaucoup plus floue qu’on le croit.

Perso, j’ai un faible pour quelques horreurs qui, sorties de leur contexte, sont presque écoutables. Un thème de boss atrocement mixé qui, en version isolée, finit par devenir un plaisir coupable. Une chanson avec des paroles d’une niaiserie absolue – du style “tu me manques” répété en boucle sur un beat boiteux – qui reste dans la tête comme un mauvais jingle. On ne va pas se mentir : parfois, le cringe, ça a du charme.

Quand une mauvaise piste casse net l’immersion

Là où je deviens vraiment intransigeant, c’est quand la musique sabote ce que le jeu essaie de faire vivre au joueur. Le sous-sol de Resident Evil, encore lui, est l’exemple parfait : tu explores un endroit qui devrait te mettre mal à l’aise, t’opprimer, et au lieu de ça, tu as l’impression qu’un orchestre de kazoos fantômes est en train de répéter pour un spectacle scolaire.

J’ai eu le même genre de dissonance dans certains FPS modernes. Tu te retrouves dans une scène censée être dramatique, limite intimiste, et derrière tu as une grosse prod épique à la EA/DICE qui en fait trois tonnes, comme si tout devait être un trailer de lancement. À l’opposé, tu as des maps multijoueurs ultra-nerveuses où la musique se contente d’un pad mou sans rythme, totalement déconnecté du tempo du match.

Parfois, c’est encore plus grossier : un morceau sous licence balancé sans réfléchir. Une chanson pop bien trop connue qui débarque au mauvais moment et te rappelle d’un coup le monde réel, la radio, TikTok, tout sauf l’univers du jeu. Immersion détruite en trois secondes. Tu n’es plus un survivant au bout du rouleau ou un as du pilotage : tu es juste quelqu’un qui reconnaît le refrain et l’associe à un clip YouTube.

Et quand ça arrive, ça ne me donne pas juste envie de baisser le son. Ça me donne l’impression que les devs ont considéré la musique comme un simple habillage, un skin sonore interchangeables. Alors que, pour moi, une bonne OST, c’est de la mise en scène pure. C’est ce qui donne du poids à un coup fatal, de la gravité à un game over, de la personnalité à un niveau.

Est-ce que le but, parfois, n’est pas justement de déranger ?

Je vois déjà l’argument inverse : “mais si, c’est voulu, c’est censé être désagréable, c’est l’art”. Et parfois, c’est vrai. Certains compositeurs jouent volontairement avec la dissonance, le bruit, les ruptures de rythme, pour te mettre mal à l’aise. Dans un jeu d’horreur psychologique, un morceau qui semble “erroné” peut te faire sentir que quelque chose cloche, que le décor cache une fissure.

Le problème, c’est qu’on dégaine souvent cette justification à posteriori pour excuser des pistes qui, objectivement, ne servent ni la scène, ni le gameplay. Quand tu as l’impression d’écouter une track faite en cinq minutes sur un synthé moisi, ou un collage maladroit de samples random, il faut arrêter de se cacher derrière la “vision”. Tout n’est pas expérimental, parfois c’est juste raté.

Et franchement, si l’intention de Resident Evil DualShock était vraiment “on veut te sortir de l’expérience en te faisant croire que tu es dans un cirque hanté”, alors là, bravo, mission accomplie. Mais vu le manque total de cohérence avec le reste de la bande-son, j’y crois moyen.

Les studios se taisent, alors entre joueurs, on fait les archives

Ce qui est amusant – ou déprimant, selon l’humeur – c’est la manière dont les éditeurs gèrent ces ratés. Capcom ne commente jamais vraiment le sous-sol maudit. D’autres studios laissent traîner des expérimentations douteuses sans un mot, comme si de rien n’était. Et puis, dix ou vingt ans plus tard, c’est nous, la communauté, qui faisons le boulot de mémoire : playlists, brackets, compilations “top 50 des pires musiques”.

En parallèle, on voit des séries entières qui galèrent à se trouver une vraie identité musicale. Resident Evil est souvent pointé du doigt là-dessus : ambiance solide, sound design monstrueusement efficace, mais pas de thème mondialement iconique que tu peux fredonner en trois notes, contrairement à un Zelda ou un Final Fantasy. Du coup, les rares fois où la licence devient célèbre pour une musique, c’est… pour le pire thème de sous-sol de l’histoire. Ironique.

Heureusement, cette mémoire collective ne sert pas qu’à se moquer. Elle permet aussi de mettre en lumière ce qui fonctionne. Quand tu compares les catastrophes sonores des brackets aux pistes qui reviennent régulièrement dans les “Best OST of All Time”, tu vois très vite ce qui fait la différence : un vrai sens du contexte, des mélodies mémorables sans être intrusives, une production qui n’essaie pas d’écraser le reste du jeu.

Conclusion : je n’excuserai plus jamais une OST bâclée

Je joue depuis assez longtemps pour avoir entendu passer toutes les époques : les bips agressifs des consoles 8-bit, les CD audio PlayStation, les ambiances ultra-cinématographiques d’aujourd’hui. Je sais ce que c’est qu’une OST qui sauve un jeu moyen, et je sais aussi ce que c’est qu’une piste qui flingue une scène parfaite.

Résultat, je suis devenu exigeant – peut-être trop, mais tant pis. Un jeu qui colle une musique atroce sur une zone clé, je ne pardonne plus. Dans un versus comme Tekken 8, je mute le stage ou je le ban. Dans un survival horror, si une piste me sort complètement de l’ambiance, ça va peser fort quand je parle du jeu derrière. Quand on est capable de produire des bandes-son sublimes, il n’y a aucune raison d’accepter un sous-sol de manoir en mode clown triste sur Casio.

Je veux des jeux qui respectent mes oreilles autant que mes yeux et mes neurones. Je veux des devs qui comprennent que la musique n’est pas juste un fond sonore interchangeable, mais un pilier de l’expérience. Et si, de temps en temps, on doit passer par quelques désastres musicaux pour se rappeler à quel point une bonne OST est essentielle, très bien. Mais qu’on les garde dans les brackets YouTube, pas dans les versions “améliorées” de nos classiques.

Parce qu’au final, la différence entre un moment culte et un moment gênant tient souvent à un détail : quelques notes de trop, une voix mal placée, un mixage douteux. Et quand ce détail est suffisamment nul pour qu’on en parle encore vingt ans plus tard, c’est qu’il y avait mieux à faire. Alors oui, j’aime rire des pires musiques de jeux, mais j’aimerais surtout que, dans les nouvelles sorties, on ait de moins en moins matière à alimenter ces tournois de la honte.

Pourquoi l’idée d’une Xbox qui devient un PC me fait flipper (et m’excite un peu)

Je joue sur console et sur PC depuis assez longtemps pour avoir connu l’époque où installer un jeu PC voulait dire prier que ton IRQ ne rentre pas en conflit avec ta carte son. Aujourd’hui j’ai une tour bien costaude sous le bureau, une PS5, une Xbox Series X et un Steam Deck posé à côté du canapé. Bref, je suis exactement le genre de joueur que Microsoft vise avec Project Helix.

Quand Asha Sharma, nouvelle patronne de Microsoft Gaming, a confirmé début mars que le prochain Xbox, nom de code Project Helix, serait une “console nouvelle génération” capable de “jouer vos jeux Xbox et PC”, j’ai eu deux réactions immédiates :

• « Ok, ça peut être la meilleure idée que Microsoft ait eue depuis le Game Pass. »
• « Et si c’était juste un autre PC Windows déguisé en Xbox ? »

Parce que je l’ai déjà vécu. J’ai passé des heures à bricoler des configs sur Windows, à voir une mise à jour Windows 11 ruiner mes perfs dans un jeu, à galérer sur un ROG Ally qui se prétend “console portable Xbox” alors que c’est juste un mini-PC boursouflé d’updates et de pop-ups. À l’inverse, j’ai passé des centaines d’heures sur Steam Deck, et ça, c’est l’expérience “PC qui se prend pour une console” réussie.

Donc oui, je me sens concerné. Helix, c’est littéralement la tentative de fusionner tout ce que j’aime et tout ce que je déteste dans le jeu vidéo moderne, dans une seule boîte. Et je vais être cash : si Microsoft ne fait pas des choix radicaux côté système, Helix va finir comme un PC trop cher, trop confus, avec un logo Xbox collé dessus. Et dans ce cas-là, ils peuvent oublier mon argent.

Ma thèse : Helix doit être une vraie console avec compatibilité PC, pas un PC badgé Xbox

Helix a un test central à passer : fuser la compatibilité PC avec un OS unifié façon console, sans se transformer en Windows de salon. C’est tout. S’ils foirent ça, le reste (puissance, design, marketing) ne sauvera rien.

Une console, ce n’est pas juste un assemblage de composants. Ma Series X et mon PC ont toutes les deux un CPU et un GPU AMD, de la RAM, un SSD. Mais elles ne vivent pas de la même façon. Sur console :

• J’allume, je suis dans mes jeux en 5 secondes.
• Je ne gère pas les drivers, les .ini, les profils GPU.
• Je n’ai pas une notif de sécurité qui me bloque le lancement parce que “cette app veut accéder au réseau”.

Sur PC, je sais pourquoi j’accepte ce bordel : liberté totale, mods, choix de stores, options graphiques poussées, etc. Mais j’accepte ce bordel parce que j’ai signé pour un PC, pas pour une console.

Helix essaie d’être les deux à la fois. Et là, Microsoft doit choisir un camp pour l’âme de la machine :

• Soit Helix est avant tout une console, avec un OS Xbox dédié qui fait tourner les jeux PC via une couche de compatibilité intelligente.
• Soit Helix est avant tout un PC sous Windows, avec une surcouche Xbox qui essaie de faire semblant d’être une console.

Je vais le dire sans tourner autour : la deuxième option, c’est l’échec assuré. J’ai déjà vu ce film avec le ROG Ally, les PC “consoles de salon” et les Steam Machines ratées. Et je n’ai aucune envie de repayer un ticket.

Le matériel : on ne fait pas tourner tout le PC à 4K60 pour le prix d’une console

Sur le papier, “jouer aux jeux PC” ça sonne simple. Dans la vraie vie, c’est un gouffre financier. J’ai monté ma dernière machine en visant un truc honnête : Cyberpunk 2077 en 1440p avec du ray tracing correct et DLSS. Entre la carte graphique, un CPU décent, 32 Go de RAM (parce que les jeux récents sont devenus gloutons) et un SSD de 2 To, la facture a explosé.

Maintenant, imaginons Helix. Microsoft promet que ça va “mener la danse en performance” et lire des jeux PC. Si tu veux que :

• les jeux Xbox tournent comme sur une console next-gen classique,
• les jeux PC pensés pour une jungle de configurations tiennent la route sans adaptations massives,

alors tu ne peux pas viser un petit APU entrée de gamme et 16 Go de RAM. Surtout dans un contexte où la mémoire et le stockage flambent à cause de l’IA et des pénuries. Les premiers analystes parlent déjà d’un lancement pas avant 2027, en partie pour que le SoC AMD custom soit prêt et que les prix se calment un minimum. On verra, mais un constat reste clair : un “PC de salon” vraiment costaud, ça ne se vend pas 500 €.

Et même si Microsoft accepte de vendre Helix à perte, il y a un détail que beaucoup zappent : si la machine accepte Steam, Epic et compagnie sans restriction, Microsoft ne touche rien sur ces ventes-là. Sur une Xbox “classique”, ils récupèrent 30 % sur chaque jeu vendu dans leur store. Sur un Helix qui lance Elden Ring acheté sur Steam, zéro.

Donc soit :

• Helix est un monstre ouvert, qui lit toute ta bibliothèque PC, mais il coûte un rein.
• Soit il reste “consolisé”, limité au store Microsoft et au Game Pass, ce qui trahit à moitié la promesse initiale.

On voit vite le piège. C’est pour ça que, pour moi, le vrai sujet n’est même pas le GPU ou les TFLOPS. Tout se joue sur le logiciel. C’est là que Microsoft peut claquer un coup de génie… ou retomber dans ses travers Windows.

Le vrai combat, c’est l’OS : une Xbox ou un Windows déguisé ?

Honnêtement, c’est là que je suis le plus méfiant. Je connais trop bien Windows 11 pour le vouloir dans mon salon comme OS principal de console. Entre les mises à jour forcées, les redémarrages surprises, les pop-ups de sécurité, les pubs déguisées dans le menu Démarrer… je ne veux pas de ça entre moi et mon pad.

J’ai eu l’occasion de jouer quelques jours sur un ROG Ally. Sur le papier, c’est un “Xbox portable” : gros logo Game Pass, mode plein écran façon dashboard console. En pratique, c’est juste Windows 11 avec une veste verte. Les vrais trucs qui décident de ton expérience – gestion d’énergie, updates, pilotes, antivirus – restent purement PC, avec la même lourdeur. Résultat : tu passes trop de temps à bricoler pour que ça ressemble à une console.

Helix n’a pas le droit de répéter ça. Si je dois cliquer sur un bouton pour “passer en mode Windows” dès que je veux jouer à un jeu Steam, c’est mort, on est déjà dans le compromis foireux. Ce qu’il faut, c’est :

• une bibliothèque unifiée qui affiche tous mes jeux Xbox, Game Pass et PC au même endroit,
• un overlay unique pour les succès, la capture, les amis, peu importe d’où vient le jeu,
• un lancement identique : j’appuie sur A, le jeu se lance, point barre.

Et pour y arriver, il faut accepter une réalité : l’OS d’Helix ne peut pas être un Windows 11 standard avec un skin. Il faut une vraie “XboxOS”, bâtie peut-être sur le cœur de Windows, mais pensée dès le départ comme un système de console, verrouillé, optimisé, priorisant le jeu et rien d’autre.

SteamOS montre déjà le chemin, Microsoft n’a plus d’excuse

La grande ironie, c’est que Valve a déjà résolu en grande partie le problème que Microsoft prétend attaquer avec Helix. Sur mon Steam Deck, 90 % du temps, j’oublie que je joue à des jeux PC faits pour Windows. Je vois juste une interface console, je lance, ça marche.

Comment ? Avec SteamOS, un Linux custom, et Proton, une couche de compatibilité qui traduit à la volée les instructions pensées pour Windows. Est-ce parfait ? Non. Il y a des jeux qui râlent, du anti-cheat capricieux. Mais le ratio emmerdes / temps de jeu est largement meilleur qu’avec un mini-PC sous Windows.

Microsoft a quoi de plus que Valve ? Des moyens colossaux, un contrôle total sur Xbox, Windows et DirectX, des contacts directs avec tous les gros éditeurs. Il n’y a donc aucune raison technique qui empêche un équivalent maison de Proton intégré à un XboxOS propre et pensé pour le salon.

La seule vraie question, c’est : est-ce que Microsoft a les tripes d’accepter que Windows ne soit pas au centre de tout sur Helix ? Ou est-ce qu’ils vont se contenter d’un compromis façon “mode Xbox” au-dessus d’un Windows toujours présent en arrière-plan, avec tous ses défauts ?

Game Pass donne l’illusion que tout est déjà unifié. Ce n’est pas vrai.

On sent bien que ça fait des années que Microsoft prépare ce coup. Le Game Pass a progressivement effacé la frontière artificielle entre “Game Pass console” et “Game Pass PC”. Aujourd’hui, les niveaux d’abonnement intègrent tous du PC, histoire qu’un futur acheteur d’Helix ne découvre pas qu’il ne peut pas lancer un Age of Empires avec son abonnement “Xbox only”.

Sur le papier, c’est une bonne nouvelle. Dans les faits, le service est plus unifié que l’expérience. Lancer un jeu Game Pass sur Series X, sur mon PC Windows ou sur Steam Deck via le cloud, ce n’est pas du tout la même chose :

• Sur Series X, c’est fluide, intégré, pensé pour le pad.
• Sur PC, tu jongles avec l’app Xbox, le Microsoft Store, les permissions, le dossier d’installation crypté.
• En cloud, tu dépendras pour toujours de ta connexion, et la compression flingue certains jeux solo narratifs.

Helix est censé être la matérialisation de cette unification rêvée. Une seule machine, un seul OS, un seul endroit pour tout ton catalogue. Mais sans un système béton derrière, Game Pass ne fera que masquer le bordel logiciel, pas le résoudre.

Clavier-souris, pad, trackpads : l’autre bombe à retardement

Admettons que Microsoft règle la question de l’OS. Il reste un angle mort dont on parle trop peu : les contrôles. Tu ne joues pas à Age of Empires, Football Manager ou un CRPG isométrique comme tu joues à Halo.

Sur mon PC, je switch naturellement entre clavier-souris et pad selon le jeu. Sur console, j’attends qu’on me propose une solution propre côté manette ou que le jeu annonce clairement “clavier-souris requis”. Valve a tenté le pari fou du Steam Controller puis des trackpads sur le Steam Deck, avec un mapping ultra flexible. Ce n’est pas parfait, mais j’ai quand même terminé des jeux pensés clavier-souris affalé dans mon canapé.

Helix, lui, fait face à un dilemme :

• Soit Microsoft fournit d’office des outils de mapping et des contrôleurs adaptés (trackpads, clavier-souris inclus dans le pack ?),
• soit ils vendent ça à part comme “accessoires premium pour joueurs PC exigeants”.

Et connaissant l’industrie, j’ai très peur de la deuxième option. Imagine Helix vendue avec une manette classique, et derrière un pack “Helix PC Master Kit” avec clavier-souris sans fil propriétaires et un pad avec trackpads, facturé 200 € de plus. Résultat : l’accès complet à la promesse “jouer à tes jeux PC” devient conditionné à des achats additionnels.

Si Microsoft considère le côté PC d’Helix comme un délire “enthousiastes élite” à débloquer avec des périphériques hors de prix, la machine perd instantanément son sens. Une console hybride qui te punit dès que tu t’éloignes de FIFA et Call of Duty, c’est tout sauf l’avenir du jeu vidéo.

La vraie question : pourquoi acheter Helix plutôt qu’un PC ?

C’est là que tout retombe sur une question brutale, mais indispensable : pourquoi je paierais pour Helix si j’ai déjà (ou que je prévois d’avoir) un PC correct ?

Historiquement, si tu prends une console plutôt qu’un PC, c’est pour au moins une de ces raisons :

• Le prix : un rapport perf/prix imbattable.
• La simplicité : tu branches, tu joues.
• Les exclus : des jeux que tu n’auras pas ailleurs, ou longtemps après.

Xbox a déjà commencé à saboter la troisième raison en sortant quasiment tout sur PC, parfois day one. Je ne critique pas, en tant que joueur PC c’est génial. Mais ça veut dire qu’Helix ne pourra pas se vendre sur l’argument “viens ici pour les jeux Xbox que tu ne trouveras pas sur PC”. L’ère 360 est finie.

Reste le prix et l’expérience utilisateur. Or :

• Si Helix est vraiment un monstre qui lit la plupart des jeux PC à un bon niveau, elle ne sera pas bon marché.
• Si elle est abordable, c’est probablement qu’elle s’appuiera massivement sur Windows et des compromis lourds côté UX.

Dans ce cas, pourquoi ne pas acheter directement un PC mini-ITX, le brancher à la télé, et garder la liberté totale de la plateforme ? Surtout dans un monde où les PS5/PS6 continueront à jouer le rôle de “vraie” console fermée, simple, avec leurs exclus.

La seule carte que Helix puisse vraiment abattre, c’est celle d’une expérience PC+Xbox unifiée mais radicalement plus simple et agréable qu’un PC classique. L’instant-on fiable, les mises à jour qui ne cassent rien, l’interface cohérente, l’optimisation pensée pour la manette… tout ce qui fait qu’on aime encore les consoles en 2026.

Pourquoi je garde quand même un peu d’espoir

Je suis dur avec Microsoft parce que j’ai l’impression qu’ils flirtent en permanence avec le génie et le sabotage. Le Game Pass, la rétrocompatibilité, le cross-play, l’ouverture au PC : ce sont des idées que j’adore. Mais je me souviens aussi des Steam Machines, de Windows 8 “pensé pour le tactile”, des multiples tentatives bancales de faire rentrer Windows partout, tout le temps.

L’arrivée d’Asha Sharma, qui parle de “retour aux racines Xbox en commençant par la console”, pourrait signifier qu’ils ont compris qu’une marque, ça a besoin d’une identité claire. Et le fait qu’ils annoncent tout de suite Helix comme une “next-gen console” – pas juste “un nouveau PC de salon” – laisse au moins entendre qu’ils ont conscience du problème.

Le calendrier joue aussi en leur faveur. Si on part sur un lancement vers 2027, ça laisse du temps pour :

• peaufiner un nouvel OS Xbox qui ne soit pas un simple skin,
• développer une couche de compatibilité maison façon Proton, adaptée à DirectX et aux attentes des gros éditeurs,
• travailler avec AMD pour intégrer tout ça proprement dans un SoC calibré pour le salon.

Le potentiel est dingue. Une Helix bien pensée pourrait devenir le point de convergence naturel pour tous ceux qui, comme moi, jonglent entre PC, console et portable, et en ont marre de fragmenter leurs bibliothèques et leurs habitudes. Mais ce potentiel n’existe que si Microsoft accepte de sacrifier une vache sacrée : Windows comme centre de l’univers.

Mon deal perso avec Microsoft : voici la seule version d’Helix que j’achèterai

Je vais être très clair, parce que j’en ai marre d’être le beta-testeur malgré moi des lubies logicielles de Microsoft :

• Si Helix tourne principalement sur Windows avec un mode Xbox par-dessus, je n’achète pas.
• Si Helix se contente d’un accès très limité aux jeux PC via un mini-store maison, je n’achète pas.
• Si Helix me force à acheter trois périphériques en plus pour profiter réellement du côté PC, je n’achète pas.

La seule Helix qui m’intéresse, c’est celle-ci :

• Un XboxOS dédié, rapide, sans tout le bloat de Windows, qui met le jeu et rien que le jeu au centre.
• Une couche de compatibilité intégrée qui me permet de lancer proprement une grande partie de mes jeux PC (au moins ceux des gros stores) sans passer par le bureau Windows.
• Une interface unique pour gérer tout mon catalogue, mes sauvegardes, mes amis, mes succès, peu importe la provenance du jeu.
• Un pack de base qui respecte le joueur : manette robuste, options de mapping intelligentes, pas de paywall débile pour accéder à des fonctionnalités de base.
• Un prix qui, même s’il est plus élevé qu’une console traditionnelle, reste sensé face à ce que proposent un bon PC milieu de gamme et une PS5/PS6.

Si Microsoft livre ça, je suis prêt à mettre de l’argent sur la table, même en tant que joueur qui a déjà un PC costaud. Parce que là, Helix aurait une vraie raison d’exister : simplifier le bordel du jeu multi-plateforme, pas juste mettre un sticker Xbox sur un énième PC.

Mais si Helix se contente d’être “un Windows de plus dans mon salon”, alors non seulement je ne vois pas pourquoi je l’achèterais, mais je crains surtout que Microsoft achève ce qui reste de l’identité Xbox. À force de vouloir que “tout soit Xbox” – ton PC, ton cloud, ton frigo connecté – ils risquent de vider le mot de son sens.

Et je le dis en joueur qui a adoré l’époque 360, qui a passé des nuits sur Shenmue en rêvant de ce que pourrait être le futur du jeu vidéo, et qui, aujourd’hui, veut juste qu’on arrête de prendre les consoles pour des PC honteux. Une Xbox, ça doit être plus qu’un badge vert sur un boîtier gris. À Microsoft de prouver qu’ils le savent encore.

Un lancement qui redéfinit ce qu’un indie peut faire sur Steam

Le fait le plus important : Slay the Spire 2 n’a pas seulement « bien » démarré – il a saturé l’attention de Steam. Deux jours après son entrée en Early Access le 5 mars, les rapports de pics simultanés divergent (de ~282 000 selon VidaExtra à 526 000 selon SteamDB relayé par Noisy Pixel), mais tous s’accordent sur l’essentiel : Mega Crit a déclenché un raz-de-marée joueur. Ajoutez-y un taux d’avis positifs autour de 97 % et vous avez le type de lancement qui force l’industrie à regarder.

• Pic de joueurs : chiffres rapportés variés (VidaExtra ~282k, Eurogamer ~327k, Vandal ~430k, Noisy Pixel/SteamDB 526k) – la fourchette est large, mais la tendance est claire : record historique pour la franchise et pour un jeu solo en Early Access.
• Réception : environ 6-7k avis récoltés en quelques jours, avec ~97% de retours positifs (sources : Eurogamer, VidaExtra, Vandal).
• Contenu et promesses : nouveaux slayers, refonte moteur, visuels retravaillés, coop jusqu’à 4 joueurs, meilleure moddabilité et feuille de route Early Access de 1-2 ans ; prix de lancement : 22,99 € (sources : Noisy Pixel, Eurogamer, VidaExtra, Vandal).

Pourquoi ça compte vraiment – et pas seulement pour les chiffres

Le premier Slay the Spire a inventé, à petite échelle, la formule moderne du roguelike deckbuilder. Son successeur n’a pas fait d’itération paresseuse : Mega Crit a réécrit le jeu dans un nouveau moteur, étendu les mécaniques, ajouté du coop et explicitement misé sur la communauté (mods plus faciles, dialogue ouvert avec les joueurs). Ce lancement massif ne prouve pas seulement la nostalgie — il confirme que la combinaison gameplay profond + soutien communautaire reste une stratégie payante pour un studio indie. Et que le public continue de répondre quand on propose du contenu pensé pour durer, pas des microtransactions rapides (Mega Crit a même exclu les micropaiements agressifs d’après les interviews rapportées).

La donnée inconfortable que l’attaché de presse ne vous dira pas

Les PR mettent en avant le pic et le pourcentage d’avis favorables — et à juste titre. Ce qu’ils ne mettent pas en avant : combien de joueurs restent après la frénésie du lancement, et quel sera l’effet réel du passage en sortie complète quand le prix augmentera. Mega Crit annonce une période d’Early Access de 1-2 ans et signale une hausse de prix prévue après cette phase (Noisy Pixel). C’est normal, mais ça pose la vraie question commerciale : maintenir un flux de joueurs actifs suffisant pour que les mises à jour et le coop restent une expérience vivante et stable.

Ce que je demanderais au studio, si j’avais la chance

Trois questions concrètes : quelle métrique de rétention ciblez-vous après 30 et 90 jours ? À quelle fréquence prévoyez-vous de sortir des patchs majeurs et des outils de modding officiels ? Et enfin, comment comptez-vous préserver l’équilibre compétitif/coop sans compromettre l’intégrité du jeu par des microtransactions ou des systèmes de monétisation additionnels ? Les réponses diront si ce succès est durable ou ponctuel.

À surveiller — chiffres et jalons précis

• Pic et rétention : suivre SteamDB et les rapports quotidiens (week-end du lancement et 1ère semaine) pour voir si les pics se convertissent en joueurs réguliers.
• Feuille de route EA : dates des premières mises à jour majeures (Mega Crit parle d’un calendrier sur 1–2 ans).
• Outils de modding : disponibilité officielle des kits et documentation — c’est là que le jeu peut gagner une longévité comparable au premier opus.
• Annonce de prix post-EA : confirmation de la hausse et nouveau tarif — cela influencera la capacité du jeu à attirer de nouveaux joueurs après la hype initiale.

Pour l’instant, la vérité simple : Mega Crit a livré un lancement que peu d’indies voient une fois dans leur carrière. Mais le vrai test commence maintenant — garder ces joueurs, tenir la promesse d’updates régulières, et s’assurer que la coopération et le modding ne deviennent pas des sources de bugs chroniques. Si Mega Crit joue bien ses cartes (jeu de mots inclus), Slay the Spire 2 pourrait devenir non seulement un record à court terme, mais une franchise durable et modelée par sa communauté.

TL;DR

Slay the Spire 2 a explosé les compteurs Steam à son lancement Early Access (pics rapportés entre ~282k et 526k) et empile des avis très favorables (~97%). C’est une victoire de design et de communauté : nouveau moteur, coop, et moddabilité renforcée. À surveiller : rétention post-lancement, calendrier des mises à jour, outils de modding officiels et l’impact de la hausse de prix après l’Early Access.

Le correctif sorti immédiatement après le lancement ne vend pas un rêve : il le stabilise

La vraie histoire n’est pas que The Legend of Khiimori ait lancé – c’est que son équipe a envoyé un correctif massif (0.5.3, daté du 6 mars 2026) dans la foulée pour débloquer des éléments qui empêchaient les joueurs d’avancer. Transactions de chevaux qui échouent, constructions de ponts qui n’apparaissent pas correctement ou ne persistent pas, recettes de campement nomade cassées, plantages sur la révélation d’un poulain : autant de murs entre l’ambition du jeu et l’expérience réelle. Le patch ne rend pas encore le produit fini, mais il rend le jeu jouable là où il comptait le plus.

Points clés

• Patch 0.5.3 (6 mars 2026) corrige les transactions avec le Horse Merchant, les glitches d’apparence d’écurie et augmente la capacité d’écurie de 10 à 20.
• Corrections aux Bridge Projects (construction et persistance), à la recette du Nomad Camping Kit, plusieurs plantages dont un lié à la « Foal Reveal » et amélioration des performances en zones corrompues.
• Les développeurs admettent un bug connu : le skip de la « Foal Reveal » n’est pas entièrement résolu et reste à l’ordre du jour.
• Le cycle de réponses est rapide : un hotfix 0.5.1 était sorti le 4 mars, montrant une cadence de correctifs agressive en Early Access.

Pourquoi ça compte maintenant

Les jeux « orientés cheval » sont un terrain miné : la communauté attend un réalisme des montures sans restaurer des bugs rédhibitoires. Les retours initiaux – notés par PC Gamer et IGN Brasil – louent la simulation d’équitation et le soin des animations; mais louanges et réalisme s’effondrent si tu ne peux pas acheter, vendre ou traverser un pont. Corriger ces points est de la maintenance cruciale, pas du marketing. Aesir Interactive n’a pas juste patché des détails esthétiques : ils ont attaqué les blocages qui rendent l’early access frustrant.

Ce que disent les sources (et où elles s’accordent)

Le post officiel sur Steam liste précisément les éléments corrigés et la promesse d’un suivi continu (source Steam News). PC Gamer, qui a couvert le lancement, met l’accent sur la réception positive des mécaniques équestres tout en rappelant les bugs et l’absence temporaire d’éléments clés comme le récit principal. IGN Brasil résume la sensation générale des joueurs nostalgiques de RDR2, avec une citation de joueur traduisible par « Ce jeu est tout ce que j’ai toujours voulu depuis Red Dead Redemption 2 — juste avec moins d’armes, haha. »

Toutes les sources convergent sur la même chose : 0.5.3 corrige des blocages identifiés par la communauté et Aesir reconnaît explicitement au moins un bug restant (le skip de la Foal Reveal). Il n’y a pas de désaccord notable entre elles — plutôt un récit cohérent : beau, ambitieux, et en réparation active.

La question que l’équipe PR espérait éviter

Ils veulent que vous parliez du réalisme des chevaux et de la roadmap. La vraie question que je poserais en interview : « Quelles garanties avez‑vous que ce modèle de patching rapide transformera l’accès anticipé en progression mesurable vers le contenu annoncé (histoire, quêtes étendues, localisation) plutôt qu’en une série de réparations réactives ? » Les joueurs peuvent apprécier la réactivité — mais ils veulent aussi voir des jalons productifs et des dates, pas seulement des listes de bugs corrigés.

À surveiller — indicateurs précis et datés

• Evolution des avis Steam dans les 7 jours suivant le 6 mars : baisse/hausse de mentions liées à stabilité et transactions de chevaux.
• Threads Discord/Reddit pour signaler si le bug de « Foal Reveal » est contourné ou persistant — cherchez mentions et captures d’écran.
• Prochain patch note ou hotfix annoncé par Aesir : date et priorité des correctifs (performance, taming, histoire).
• Changements concrets sur la roadmap Steam (dates ou nouvelles cibles) — un vrai signal que l’équipe passe du dépannage à l’ajout de contenu.

Verdict rapide

0.5.3 n’est pas une garantie que tout ira bien, mais c’est la preuve qu’Aesir a entendu les murs qui bloquaient l’expérience. Doubler la place dans l’écurie et corriger les transactions/bridges montre une compréhension des priorités des joueurs — pas seulement des jolies captures d’écran. Reste à voir si cette cadence de correctifs se convertira en contenu réel et en stabilités durables, ou si on retombe dans le cycle « joli prototype + correctifs permanents ». Pour l’instant, c’est positif et pragmatique : le jeu redevient jouable, ce qui est la base d’un accès anticipé réussi.

TL;DR

Patch 0.5.3 (6 mars) corrige plusieurs bugs bloquants — Horse Merchant, bridges, craft du Nomad Kit, plantages liés à la Foal Reveal — et augmente la capacité d’écurie de 10 à 20. C’est une réponse rapide et nécessaire après le lancement en Early Access, mais un bug de « Foal Reveal » reste connu. À surveiller : avis Steam, threads Discord/Reddit et la prochaine feuille de route/priorisation des contenus.

South of Midnight pose sa date sur Switch 2 – et met le projecteur sur ses promesses (et ses zones d’ombre)

La nouvelle n’est pas que « le jeu arrive sur une autre console ». En verrouillant le 31 mars 2026 pour la version Nintendo Switch 2 (et une sortie simultanée sur PS5), Compulsion Games transforme un vague « printemps 2026 » annoncé aux Game Awards en une date concrète – et publie un trailer qui rappelle pourquoi son Southern Gothic attire les louanges tout en révélant ce que l’annonce ne dit pas : performances, édition physique et interrogations techniques.

• Points clés : Date confirmée pour Switch 2 le 31/03/2026 ; nouveau trailer « Critical Acclaim » publié début mars ; Hazel, la Weaver, et le folklore sudiste au cœur du marketing (sources : PlayStation LifeStyle, TheSixthAxis, Vandal, PCGames DE).
• Le trailer met en scène des confrontations avec des créatures (« Huggy Molly »), des séquences de tissage magique et la tension narrative autour de la quête de la mère de Hazel – tonalité Southern Gothic marquée (compilation des extraits du trailer).
• Incertitudes importantes : performances techniques sur Switch 2 non détaillées, statut des éditions physiques contradictoire entre annonces, et pas d’informations publiques sur le cross‑save ou les améliorations post‑lancement.

Pourquoi cette date change la donne — pour le meilleur et le plus prudent

Compulsion n’industrialise pas un portage anodin : South of Midnight arrive sur Switch 2 après son lancement original sur Xbox Series et PC en 2025, période durant laquelle le titre a récolté récompenses et critiques mixtes. PlayStation LifeStyle rappelle ses prix (Games for Impact aux Game Awards 2025, distinctions d’animation), ce qui explique en partie pourquoi l’éditeur capitalise maintenant sur un second cycle commercial. L’impact : le jeu réentre sur le radar grand public, mais cette deuxième vie expose aussi le studio aux mêmes questions qu’à la sortie initiale — surtout la technique.

La vraie interrogation : Switch 2 sera‑t‑elle à la hauteur?

Le trailer « Critical Acclaim » (mis en ligne par Compulsion début mars) vend l’expérience — esthétisme stop‑motion, musique immersive, folklore et narration centrée sur Hazel. Mais aucun des comptes‑rendus ne fournit de détails techniques pour la Switch 2 : est‑ce un port natif optimisé, une version upscalée, ou un compromis graphique ? Vandal et les autres médias signalent que le jeu original avait un rendu artistique fort mais un polish inégal. C’est exactement le genre de projet pour lequel la Switch 2 peut surprendre positivement… ou faire office de révélateur des coupes faites lors du portage.

Ajoutez à cela la confusion autour des éditions : Vandal évoque une « Weaver’s Edition » (livre d’art, bande sonore d’Olivier Derivière, comic de Rob Guillory, documentaire), mais d’autres sources et la communication officielle ne confirment pas formellement une disponibilité physique pour la Switch 2. Conflit de messages : cela mérite d’être clarifié avant que les joueurs ne tirent des conclusions hâtives sur le contenu et le packaging.

La question que personne n’ose trop poser (mais que je poserais au PR)

Combien de concessions techniques ont été nécessaires pour que South of Midnight tourne correctement sur Switch 2 ? Et si une « Weaver’s Edition » existe, sera‑t‑elle disponible sur Switch 2 ou seulement sur PS5/PC ? Dernière demande concrète : prévoyez‑vous le cross‑save entre les versions Xbox/PC et la Switch 2, ou s’agit‑il d’une arrivée purement commerciale sans continuité technique ?

À surveiller

• 31 mars 2026 — date de sortie : surveillez les premiers tests techniques et les analyses frame‑rate (Digital Foundry, YouTube) dans les 24-72h suivant la sortie.
• Communiqués de Compulsion Games / Xbox Wire — confirmation officielle d’une édition physique ou détail technique pour la Switch 2.
• Vidéos longues de playthrough et comparatifs PC/Xbox/Switch 2 qui révéleront vraies différences de contenu et de performances.

Sources principales : PlayStation LifeStyle, Vandal, TheSixthAxis, PCGames DE (compilation des annonces et du trailer publié début mars 2026).

TL;DR

South of Midnight sortira sur Nintendo Switch 2 le 31 mars 2026 avec un nouveau trailer qui réaffirme son Southern Gothic et ses mécaniques de « tissage » magique. Le jeu arrive fort de récompenses et d’une direction artistique marquante, mais la communication reste floue sur les performances, le cross‑save et l’existence d’une édition physique sur Switch 2. Ce que je surveille : les premiers tests techniques post‑lancement et une confirmation officielle de Compulsion/Xbox sur l’édition et les spécifications de la version Switch 2.

Pourquoi je me bats encore pour Unity en 2026

Je joue à Assassin’s Creed depuis le premier, celui où Altaïr se déplaçait comme un fantôme en pantoufles sur les toits de Jérusalem. J’ai fait chaque épisode principal, souvent day one, souvent en râlant, parfois en tombant amoureux. Mais il y a un volet pour lequel je me retrouve systématiquement à prendre des coups sur les réseaux, dans les discussions entre potes, dans les commentaires : Assassin’s Creed Unity.

Unity, c’est le jeu qu’on résume encore aujourd’hui à des visages fondus, des bugs grotesques et à un framerate qui ramait comme un bateau percé sur PS4 et Xbox One. Et oui, j’y étais à la sortie en 2014. J’ai subi les chutes à 15 fps quand la foule devenait trop dense, les PNJ qui disparaissaient, les missions coop qui plantaient, les coffres bloqués derrière des applis et des services en ligne. Ubisoft a clairement merdé son lancement, et le backlash était mérité.

Mais douze ans plus tard, en mars 2026, Ubisoft balance un patch 60 fps gratuit pour PS5 et Xbox Series X|S. Pas de remake, pas de version “Ultimate” à 80 €, juste un déverrouillage du framerate en rétrocompatibilité. Et en relançant Unity en 60 images par seconde, je me suis repris la claque que j’avais déjà entrevue à l’époque, sous la boue technique : le cœur du jeu était brillant, et on l’a enterré trop vite.

Le lancement catastrophe a tué la discussion, pas le jeu

Revenons un peu en arrière. En 2014, Unity, c’était censé être la démonstration technique des nouvelles consoles. Paris révolutionnaire, des foules de 5 000 PNJ, un nouveau moteur, du coop… Sur le papier, j’étais en transe. Dans la réalité, j’ai passé mes premières heures à regarder le compteur de fps plus que la cathédrale de Notre-Dame.

Le jeu tournait en 900p, verrouillé à 30 fps, mais incapable de tenir cette cible. Les combats dans des rues bondées, les fumigènes, les grandes cérémonies religieuses faisaient tout s’écrouler. Ajoutez à ça les visuels buggués qui ont fait le tour d’internet, et la couche de microtransactions “temps gagné” dans un jeu solo vendu plein tarif… Franchement, difficile de défendre Ubisoft sur ce front. C’était la génération où beaucoup d’éditeurs ont tenté de nous faire avaler n’importe quoi, et Unity est devenu le symbole de cette arrogance.

Le problème, c’est que le débat s’est arrêté là. Unity a été rangé dans la case “échec” et on a décidé que tout, dans son design, était toxique. Résultat : au lieu de corriger la trajectoire sur une base solide, Ubisoft a jeté la quasi-totalité de ses idées pour repartir vers la formule RPG géant d’Origins, Odyssey, Valhalla et compagnie. Comme si la seule leçon à retenir, c’était “plus grand, plus long, plus loot”. Désolé, mais ça, c’est du bullshit.

Paris, la meilleure ville qu’Assassin’s Creed ait jamais créée

Je vais le dire sans détour : Paris dans Unity est encore aujourd’hui la meilleure ville de toute la série. Pas la plus grande, pas la plus “instagrammable”, mais la plus crédible, la plus dense, la plus mémorable. Et c’est précisément parce qu’Ubisoft a accepté de faire moins “large” pour faire plus “profond”.

Comparé à la Grèce d’Odyssey ou à l’Angleterre éclatée de Valhalla, le Paris de Unity paraît presque modeste sur la carte. Une seule grande ville, quelques zones périphériques, pas de continent entier à parcourir à cheval ou en drakkar. Mais chaque quartier a une identité forte : les faubourgs crasseux, les beaux quartiers, les jardins, les palais, les ruelles écrasées entre deux immeubles, les marchés bondés… En quelques heures de jeu, je m’orientais sans même ouvrir la carte. C’est l’effet Shenmue : un espace limité, mais pensé comme un lieu, pas comme un tableau Excel rempli d’icônes.

Les monuments – Notre-Dame, la Bastille, le Palais-Royal – dominent la ville comme de vrais repères, pas comme des “points d’intérêt” interchangeables. Quand je pense à Athènes dans Odyssey, je revois une jolie carte postale. Quand je pense à Paris dans Unity, je revois des itinéraires, des raccourcis, des ruelles précises où j’ai échappé de justesse à une patrouille.

Et puis il y a les foules. Unity est encore le seul Assassin’s Creed qui ose vraiment remplir ses rues. Des milliers de PNJ qui s’entassent, crient, brandissent des pancartes, s’enfuient quand ça dégénère. On a beaucoup parlé de la charge technique que ça représentait – et pour cause, c’est ce qui faisait s’effondrer le framerate – mais très peu de ce que ça apportait au gameplay : se faufiler, se cacher, se perdre, profiter de la masse comme camouflage vivant. À chaque fois que je relance Unity et que je traverse une place noire de monde, je me demande pourquoi Ubisoft n’a jamais réessayé à cette échelle.

Le parkour à 60 fps : Unity comme il aurait toujours dû être

Unity avait déjà ce qui est, à mes yeux, le meilleur système de parkour de la licence. Un bouton pour grimper, un bouton pour descendre, des transitions plus crédibles, la possibilité d’entrer dans énormément de bâtiments sans écran de chargement. Rien que cette touche dédiée à la descente, après des années à se battre contre un Ezio qui s’accrochait à tout et n’importe quoi, c’était une bénédiction.

Le vrai problème, c’est que ce parkour était prisonnier d’un framerate anémique. Les inputs avaient du retard, les animations perdaient leur fluidité, et ce qui était censé être du free running élégant devenait parfois une lutte contre la machine. Sur PS4, je sentais déjà la beauté du système, mais comme à travers une vitre sale.

Avec le patch de mars 2026, qui déverrouille officiellement les 60 fps sur PS5 et Xbox Series X|S, Unity respire enfin. On reste en 900p, pas de textures refaites, pas de ray tracing miracle, et oui, il y a encore quelques chutes de framerate quand la fumée envahit l’écran ou que la foule est particulièrement dense. Mais dans 90 % du temps de jeu, le parkour est soudainement à la hauteur des animations incroyables que l’équipe avait produites.

Je m’étais déjà amusé, avant ce patch, à utiliser les petites bidouilles : version disque PS4 sans patch, lancer le jeu hors ligne sur PS5 pour profiter d’un framerate parfois débloqué mais ultra instable, ou l’FPS Boost côté Xbox. C’était du bricolage. Là, c’est propre, officiel, et surtout cohérent. À 60 fps, chaque roulade, chaque salto un peu exagéré, chaque glissade sur un toit en pente a enfin l’impact visuel qui les rendait si satisfaisants dans les trailers.

Je ne vais pas faire semblant d’être objectif : me balader sur les toits de Paris en 60 fps avec Arno, c’est littéralement ce que j’attendais de la “next-gen” en 2014. Il aura fallu attendre 2026 pour que la promesse soit tenue, mais mieux vaut tard que jamais.

Un combat enfin dangereux, qui redonne un sens à l’infiltration

Autre point qui me fait défendre Unity bec et ongles : son système de combat. Il n’est pas parfait, parfois un peu rigide, mais il a au moins une qualité que beaucoup d’Assassin’s Creed ont perdue depuis : il fait peur. Se battre, dans Unity, ce n’est pas un défouloir, c’est un risque.

Arno n’est pas une machine de guerre qui découpe une garnison entière en deux minutes. Il encaisse peu, ses adversaires aussi, et les affrontements contre plusieurs ennemis peuvent vite virer au cauchemar si on se croit encore dans les grands jours d’Ezio. Il faut parer, esquiver, choisir ses coups, et surtout accepter l’idée que parfois, la meilleure solution, c’est de fuir.

C’est précisément parce que le combat n’est pas un bouton “gagner” que l’infiltration reprend sa place centrale. Beaucoup disent que “l’infiltration a toujours été importante dans Assassin’s Creed”, mais soyons honnêtes : dans la plupart des épisodes, se faire repérer, c’était juste passer d’un mode à l’autre. Dans Unity, se rater sur un assassinat silencieux pouvait signifier la mort en quelques secondes.

Ajoutez à ça deux décisions de design brillantes : le bouton pour se baisser – oui, il a fallu attendre 2014 pour ça – et les missions d’assassinat “ouvertes”, presque à la Hitman, où l’on choisit ses entrées, ses opportunités, ses diversions. Quand je pense à ce que la série aurait pu devenir en approfondissant cette formule sur plusieurs épisodes, j’ai presque mal au cœur. À la place, on a surtout eu des barres de vie qui gonflent, des dégâts par seconde et du loot de plus en plus coloré.

Comment Ubisoft a paniqué – et abandonné ses meilleures idées

Je ne nie pas que Unity a coûté cher en image. Enchaîné avec Syndicate, qui a eu un accueil plus tiède encore en termes de ventes, il a poussé Ubisoft à faire une pause et à repenser la série. D’un point de vue business, je comprends la tentation du grand virage RPG à la Origins/Odyssey : c’est plus simple à marketer (“le plus grand Assassin’s Creed jamais réalisé”), plus facile à monétiser sur la durée, plus compatible avec les modèles de rétention modernes.

Mais sur le plan créatif, c’était une reddition. Toute cette idée d’un Assassin fragile, obligé de réfléchir, de planifier, d’utiliser la verticalité et les foules, a été sacrifiée sur l’autel du contenu “infini”. On nous a vendu des cartes gigantesques où la moitié des activités sont des micro-variantes de la même chose, des arbres de talents lourds, du gear score, des niveaux qui t’interdisent littéralement de t’approcher d’une cible sous peine de voir ta lame secrète rebondir comme un couteau en plastique.

Unity n’est pas exempt de défauts de rythme, son scénario a du mal à exploiter tout le potentiel de la Révolution française, certaines missions secondaires sont oubliables. Mais l’ADN de ce que devrait être un jeu “Assassin’s Creed” – un assassin, une ville, des cibles, de l’infiltration, un parkour riche – est plus présent là-dedans que dans n’importe quel épisode post-Origins. Et ça, je ne pardonne pas à Ubisoft de l’avoir abandonné simplement parce que la technique et le business model de 2014 ont explosé en plein vol.

Pourquoi ce patch 60 fps est plus qu’un simple coup de polish

Le patch de 2026 ne transforme pas Unity en jeu “next-gen” au sens marketing. La résolution reste modeste, les textures accusent leur âge si on colle le nez dessus, et ce n’est toujours pas un 60 fps parfaitement verrouillé. Techniquement, c’est une mise à niveau minimaliste : on déverrouille la limite, on laisse les machines actuelles faire le gros du travail, et basta.

Mais en pratique, c’est un changement de perception. Tout d’un coup, la conversation peut enfin se focaliser sur ce qui compte : le game design. Quand je montre Unity aujourd’hui à des gens qui ne l’ont connu qu’à travers des memes, la première réaction n’est plus “ah oui, le jeu bugué de 2014”, mais “putain, Paris est encore magnifique” ou “le parkour est tellement plus classe que dans Valhalla”. C’est tout ce que je demandais depuis des années : que l’on juge le jeu sur ce qu’il essaie de faire, pas sur son état catastrophique au jour 1.

Le timing n’est pas anodin non plus. Ubisoft, ces dernières années, a commencé à bichonner ses vieux titres : patchs 60 fps pour Origins, Odyssey, Syndicate, opérations promotionnelles, week-ends gratuits. Unity profite clairement de ce mouvement, avec en bonus du contenu additionnel offert pendant les promos. Oui, c’est aussi du marketing pour relancer une licence en perpétuel chantier. Mais pour une fois, ce marketing nous donne quelque chose d’utile : une seconde chance honnête de juger un jeu massacré par son propre lancement.

Ce que ça change pour moi en tant que joueur

Revenir sur Unity en 2026 m’a forcé à revoir ma propre manière de consommer les jeux. À l’époque, j’étais le cliché du joueur “core” : précommande, nuit de lancement, rafale de tweets sur le day one. Unity m’a vacciné contre ça pour un bon moment. Aujourd’hui, je me méfie instinctivement des promesses trop belles, des trailers trop propres, des éditeurs qui jurent la main sur le cœur que “ça tourne nickel sur toutes les plateformes”.

Mais paradoxalement, Unity m’a aussi appris à laisser une seconde chance à certains jeux. Tous ne le méritent pas : un design creux ne deviendra pas brillant avec un patch. Par contre, un jeu ambitieux, avec un vrai parti pris de structure et de mécaniques, peut être littéralement sauvé par les années et le hardware. C’est le cas ici : entre les correctifs accumulés et le passage au 60 fps, Unity, aujourd’hui, ressemble plus à un prototype de ce que devrait être la série qu’à un ratage historique.

Concrètement, ça change aussi mes attentes pour l’avenir d’Assassin’s Creed. On peut me promettre 200 heures de contenu dans le Japon féodal, des arbres de talents délirants et des crossovers à gogo, ça ne m’excite plus. Mais si Ubisoft annonçait demain un épisode recentré sur une seule ville dense, un système d’infiltration exigeant et un parkour au niveau de Unity, je serais à nouveau prêt à prendre un risque en day one. C’est dire à quel point ce jeu, malgré tout ce qu’il a subi, continue à définir ce que j’attends de la licence.

Unity, prototype brillant plutôt qu’échec honteux

Je ne vais pas réécrire l’histoire : le lancement de Assassin’s Creed Unity a été un désastre. Les memes, la colère, le sentiment d’avoir servi de bêta-testeurs payants, tout ça était légitime. Mais laisser ce lancement définir à jamais la place du jeu dans la série, c’est injuste pour le travail de design qui se cache derrière, et complètement à côté de la plaque en 2026, alors que la plupart de ces problèmes appartiennent au passé.

Tel qu’il existe aujourd’hui, avec ses patchs et son 60 fps sur PS5 et Xbox Series X|S, Unity est un superbement imparfait bac à sable d’infiltration, soutenu par l’une des reconstitutions de ville les plus travaillées du jeu vidéo. C’est un épisode qui ose dire non à la surenchère de contenu pour se concentrer sur une ville, un assassin, des cibles, une foule. Et même si tout n’est pas abouti, il montre clairement une voie que la série aurait pu emprunter au lieu de se diluer dans le “toujours plus grand”.

Alors oui, je continuerai à défendre Unity, à rappeler que sous les bugs de 2014 se cachait l’un des Assassin’s Creed les plus cohérents jamais conçus, et à conseiller aux joueurs équipés d’une PS5 ou d’une Xbox Series de lui redonner sa chance en 60 fps. Parce que si on veut vraiment que l’industrie arrête de tout miser sur la taille des open worlds et les heures de grind, il faut aussi qu’on soit capables, nous, de reconnaître quand un jeu a essayé autre chose – même s’il s’est lamentablement vautré au départ.

Douze ans plus tard, entre deux mastodontes RPG et des open worlds qui se ressemblent tous, retourner dans le Paris dense, sale, vertical et dangereux de Unity me rappelle pourquoi je me suis attaché à cette série. Et rien que pour ça, ce patch 60 fps valait largement la peine.

Pourquoi la mort de mes addons préférés m’a fait du bien (à contrecœur)

Je joue à World of Warcraft depuis Burning Crusade. J’ai connu l’ère où tu téléchargeais un pack d’addons de 300 Mo sur un forum douteux, où Deadly Boss Mods hurlait dans tes oreilles comme une alarme incendie, et où WeakAuras transformait ton écran en cockpit d’avion. J’ai passé plus d’heures à configurer des auras qu’à parler à certains de mes proches. Ce n’est pas une hyperbole dont je suis fier.

Donc quand j’ai vu que la pré-mise à jour de World of Warcraft: Midnight sabrait purement et simplement les addons de combat – en pratique en coupant l’accès à plein d’informations temps réel dont vivaient WeakAuras, DBM & compagnie – ma première réaction, c’était la panique. On allait faire comment en raid sans cinquante timers, sans checklists visuelles, sans ces petits sons dégueulasses qui te disent quoi faire à ta place ?

Et puis j’ai joué. Longtemps. J’ai monté mon Voleur Hors-la-loi, j’ai fait des donjons, des premiers raids en mode normal avec la guilde, un peu de PvP organisé, le tout sans mes vieux mods de combat. Et le constat est violent : je ne veux plus revenir en arrière. Mon jeu est plus silencieux, plus fluide, plus lisible. Et surtout, je n’ai plus cette angoisse permanente de devoir re-importer des profils WeakAuras et de les recoller sur tous mes rerolls.

Ça ne veut pas dire que tout est parfait – loin de là. Mais sur le front du combat pur, je vais le dire franchement : bon débarras, addons de combat. Là où ça se complique, c’est que Blizzard a profité de cette purge d’UI pour charcuter les classes. Et toutes n’en sortent pas gagnantes, loin de là.

Midnight sans addons : un WoW plus lisible, plus calme… et moins idiot-proof

Concrètement, qu’a changé Midnight ? Les gros addons de combat n’ont pas disparu du dossier Interface, mais Blizzard les a vidés de leur substance. Plus de WeakAuras capables de t’afficher un panneau « BOUGE » en rouge fluo pile au bon GCD, plus de DBM qui te dicte la marche à suivre seconde par seconde sur chaque boss, plus de damage meters ultra précis branchés en temps réel sur tous les buffs et procs possibles.

À la place, Blizzard a blindé l’UI de base : les barres de vie au-dessus des ennemis affichent maintenant des indicateurs visuels clairs quand un sort important part. Certains casts ont un halo coloré, d’autres une petite icône au-dessus de la tête. On a des barres de cast plus lisibles, des effets de sol plus contrastés, un gestionnaire de temps de recharge intégré, et même un petit récapitulatif de dégâts/heal plutôt correct. Ce n’est pas aussi sophistiqué que mes vieux packs personnalisés, mais ça fait le job.

Résultat : en donjon Midnight et en raid normal, je suis beaucoup plus en train de regarder le jeu que mon interface. C’est con dit comme ça, mais ça faisait longtemps que je n’avais pas autant levé les yeux de mes barres et de mes cadres. Quand un boss canalise un cône violet, je le vois. Quand une add commence un sort interruptible, son nameplate explose visuellement, pas besoin qu’un addon me hurle « KICK NOW » comme si j’étais débile.

Et niveau performances, c’est le jour et la nuit. Les gros soirs de raid, mon framerate ne s’effondre plus au moment où tous les timers se déclenchent en même temps. Je sens que le jeu respire mieux. Tous ceux qui ont déjà vu leur UI freezer parce que WeakAuras essaye de recalculer 50 conditions en simultané savent de quoi je parle.

Est-ce que ça remplace 100 % de ce qu’on faisait avec les addons ? Non. Il manque clairement des options de personnalisation sur les nameplates, sur la taille et la position de certains indicateurs. Et il y a un problème que je déteste : le « whack-a-mole » à la cible d’interruption. Quand tu dois jongler entre plusieurs mobs qui castent dans tous les sens, taper Tab comme un damné pour choper le bon au bon moment, c’est nettement moins confortable que d’avoir une aura qui te pointe l’ennemi précis à couper.

Blizzard pourrait très bien piquer une idée à d’autres MMO et nous laisser définir une « cible d’interruption » dédiée, ou des touches contextuelles un peu plus intelligentes. S’ils veulent vraiment qu’on joue en UI « vanilla », il va falloir aller au bout du concept. Mais même avec ces défauts, je préfère largement ce nouveau WoW-là que le cirque de mods qu’était devenu Retail.

Mon Voleur Hors-la-loi est un gagnant de la purge (et c’est presque injuste)

Je vais être transparent : si je suis aussi détendu sur la disparition des addons, c’est aussi parce que ma spé actuelle est une grande gagnante de Midnight. Le Voleur Hors-la-loi, que je jouais déjà pas mal sur Dragonflight, a été taillé dans le gras, et pour une fois, la chirurgie a été réussie.

Avant Midnight, Outlaw c’était ce mélange bizarre entre pirate RNG et pianotage permanent. Tu avais un nombre délirant de boutons, des fenêtres de burst basées sur Vanish, des proc à la chaîne, et Roll the Bones qui pouvait te filer soit un jackpot, soit un jet tout pourri, te forçant à reroll trois fois de suite pendant que le raid pullait déjà. J’avais littéralement une WeakAura gigantesque pour me dire quel buff garder ou relancer. Sans elle, la spé devenait un enfer d’approximation.

Avec Midnight, Roll the Bones a enfin une progression plus linéaire : tu sens mieux la différence entre un mauvais roll et un bon, mais tu n’es plus dans la loterie totale. Les principaux buffs sont plus clairs, plus cohérents, et surtout, tu as des moyens de les prolonger de façon contrôlée. Le talent qui te permet d’étirer tes meilleurs jets (le fameux moment « allez, on garde le bon coup de dés un peu plus longtemps ») est incroyablement satisfaisant, sans exiger une macro de 15 lignes.

Ma barre d’action principale tient sur 4–5 boutons importants pour le cycle, le reste étant du confort ou des utilitaires. Mon APM a un peu baissé, mais je suis plus focus sur quand appuyer et sur l’état de mes buffs/debuffs plutôt que sur le spam bête et méchant. Ça me rappelle l’époque Burning Crusade / WotLK où tu jouais une rotation simple sur le papier, mais avec des timings exigeants pour en tirer le maximum.

Je ne vais pas prétendre que tout est parfait. Le héros-spéc Fatebound (celui que j’aimais bien tripoter avec une WeakAura custom bien crade) est devenu plus fade sans mes scripts maison : les petits signaux visuels intégrés ne suffisent pas encore à lui donner autant de personnalité. Mais globalement, j’ai un kit cohérent, punchy, qui fonctionne sans dépendre d’addons. Et ça, c’est exactement le genre de design que Blizzard dit vouloir viser avec Midnight.

Est-ce que je regrette mes anciennes fenêtres de burst basées sur Vanish ? Un peu, par nostalgie. Mais je ne regrette absolument pas les moments où je jouais à la roulette d’aggro en monde ouvert parce que tout mon burst partait d’un coup. Aujourd’hui, mes gros moments viennent d’Adrénaline, de bons dés prolongés, de la gestion de mes buffs. C’est moins « clip YouTube de 5 secondes », plus « combat entier bien géré ». Pour moi, c’est un trade gagné.

Le problème, c’est que toutes les spés n’ont pas été aussi bien traitées

Le revers de la médaille, je le vois tous les soirs sur Discord. Là où mon Outlaw brille, d’autres classes semblent avoir perdu leur âme dans la grande opération de « pruning ». Rien que chez les Voleurs, les retours sont déjà bien plus tièdes : Subtilité qui se joue comme une tranche de pain de mie sans beurre, Assassinat qui donne l’impression d’avoir perdu la moitié de ses dents.

Et ce n’est pas spécifique aux Rogues. Un de mes mates, Prêtre main depuis des années, est revenu pour Midnight tout excité… pour rebondir en deux soirs. Son kit habituel – entre sa gestion de DoT, ses gros CDs défensifs/raid, ses petits tricks propres à sa spé – s’est retrouvé raboté dans tous les sens. Il a littéralement décrit son perso comme « un squelette de ce que je jouais avant, mais sans la chair autour ». Il a fini par reroll, blasé.

Je le comprends. Quand tu reviens sur un MMO après quelques années, tu acceptes que ta rotation ait changé, que ton arbre de talents soit différent. Mais retrouver ta classe vidée, amputée de ce qui te donnait ta sensation de jeu, c’est autre chose. Et là-dessus, j’ai du mal à ne pas voir la patte de Blizzard qui a décidé, un peu brutalement, que beaucoup de spés étaient « trop pensées pour les addons » et qu’il fallait tout simplifier d’un coup.

C’est là que je commence à tiquer. Oui, il fallait arrêter le délire des rotations illisibles sans WA custom et timers sonores pour chaque buff. Mais entre « illisible sans addons » et « plate au possible », il y avait de la marge. Certaines spés de Midnight donnent l’impression d’être restées coincées au milieu du gué : pas assez complexes pour les vieux briscards, pas assez claires pour les nouveaux, et surtout pas assez fun pour personne.

On sent que Blizzard attend de voir comment les joueurs digèrent les nouveaux talents d’apex et les héros-spéc pour ajuster le tir. Très bien. Mais lancer une extension avec une telle différence de traitement entre les gagnants (comme Outlaw) et les perdants (coucou certains Prêtres, Démonistes, et même la nouvelle spé Chasseur de démons Devourer que beaucoup trouvent bancale) c’est, à minima, un pari sacrément risqué.

Le mythe du « vrai joueur » et du skill ceiling dicté par les addons

Depuis la pré-patch, je vois un discours revenir en boucle : « Blizzard ruine le jeu des vrais joueurs haut niveau, on ne peut plus push sans WeakAuras, ils tuent le skill ceiling. » Désolé, mais là, il faut qu’on parle franchement.

En tant que joueur de jeux de baston à côté – des trucs où tu n’as littéralement aucun addon pour t’aider, juste tes yeux et ton sens du timing – j’ai du mal à avaler l’idée que ton niveau de jeu soit exclusivement défini par ta capacité à suivre 25 timers et des boîtes de texte qui s’allument en plein milieu de l’écran. Un bon joueur, c’est quelqu’un qui lit la situation, place ses CDs au bon moment, gère son positionnement, adapte son cycle. Les addons peuvent t’aider, mais ils ne devraient pas être ta béquille principale.

Qu’on soit clairs : les joueurs de raid Mythique et de très hautes clés ont perdu des outils vraiment utiles pour coordonner des mécaniques de psychopathes. Et oui, ça va rendre leur vie plus compliquée. Mais c’est justement ce que vise Blizzard : des combats où la difficulté vient de la stratégie, de la communication, pas de la capacité à empiler des scripts WeakAuras toujours plus tordus.

Le skill ceiling ne disparaît pas avec la mort des addons de combat. Il se déplace. Il n’est plus « qui a le meilleur pack WA importé de tel top guild », mais « qui lit le mieux le fight, qui communique le mieux, qui arrive à rester propre sans être tenu par la main. » Et, franchement, pour moi, c’est plus sain pour le jeu à long terme.

Ce qui ne veut pas dire que Blizzard a carte blanche pour nivellement par le bas. Si tu simplifies les spés au point que le seul skill ceiling restant, c’est « ne pas s’endormir sur le clavier », là oui, tu tues une partie de la magie. Mais ce n’est pas une fatalité liée à la suppression des addons ; c’est juste du mauvais game design.

Où Blizzard a raison… et où c’est du foutage de gueule

Sur le fond, je pense que Blizzard a eu raison d’exploser la dépendance aux addons de combat. Le jeu se jouait de plus en plus dans des feuilles Excel et des scripts Lua plutôt que dans Azeroth. Les devs l’ont dit eux-mêmes : ils en étaient arrivés à designer certaines mécaniques en partant du principe que WeakAuras allait les rendre jouables, ce qui est un aveu d’échec monumental.

Midnight essaie de casser ce cercle. Plus de mécaniques de raid qui ne sont lisibles que via huit lignes de texte que seul un addon peut traiter. Plus de classes dont le cycle ne tient debout qu’avec trois overlays sonores et un HUD custom. Sur le papier, je signe.

Là où c’est du foutage de gueule, c’est quand la purge de classe se fait à moitié. Quand certaines spés comme Outlaw sont peaufinées pour briller sans addons, alors que d’autres sont laissées avec des kits mous, sous-tunés, sans identité, en mode « on verra plus tard avec les patchs. » On ne parle pas d’un petit jeu indé en accès anticipé : c’est World of Warcraft, un MMO qui a vingt ans et des moyens démesurés.

Si tu as le courage de couper la perfusion WeakAuras/DBM à toute ta base de joueurs, tu dois avoir la même énergie pour rééquilibrer agressivement toutes les spés qui se cassent la gueule derrière. Pas dans six mois, pas « quand on aura assez de data ». Là, maintenant, tant que les joueurs reviennent tester l’extension. Sinon, tu en perds une partie pour de bon.

Et pour l’instant, c’est exactement ce que je vois : des joueurs qui reviennent, adorent les nouvelles zones, la vibe « ça redevient un peu Warcraft », apprécient même le nouveau UI… puis réalisent que leur classe main est méconnaissable ou insipide, et repartent aussi vite qu’ils sont venus. On ne rattrape pas dix ans de stagnation de design avec un gros coup de tronçonneuse et quelques talents brillants sur deux ou trois spés.

Ce que tout ça change pour ma façon de jouer WoW

Sur un plan purement personnel, Midnight m’a fait quelque chose d’assez inattendu : j’ai moins peur de relancer WoW. Avant, chaque retour sur le jeu signifiait : mettre les addons à jour, corriger ceux qui buguent, réimporter mes Weakauras, refaire l’interface de zéro sur chaque reroll. J’avais l’impression de bosser sur un tableau de bord de F1 avant de pouvoir simplement taper un sanglier.

Aujourd’hui, j’installe le jeu, je pousse un peu les options UI, je me fais une barre d’action propre… et je joue. Mon Voleur fonctionne sans béquilles, je peux tester d’autres classes sans devoir chercher « pack WA 10.2.7 updated 2026 » sur Google. Ça enlève une couche de friction mentale énorme. Et oui, en tant que joueur qui teste aussi FFXIV, Guild Wars 2, et d’autres MMO, je peux vous dire que ne pas avoir à dompter un zoo d’addons fait une vraie différence.

Mais je ne vais pas faire semblant d’être au-dessus de la mêlée. Si demain Blizzard massacre ma spé fétiche dans un patch d’équilibrage foireux, je serai aussi salé que le Prêtre de ma guilde qui a rangé sa soutane. La confiance se mérite, surtout après des années où chaque extension semblait réinventer la roue en cassant au passage ce qui fonctionnait.

Mon espoir, c’est que Midnight marque un vrai tournant : un WoW où l’interface de base est enfin suffisante pour jouer bien, où les addons ne sont plus un oxygène vital mais un bonus cosmétique ou de confort, et où les classes trouvent un équilibre entre lisibilité et profondeur. À moitié, c’est déjà le cas ; l’autre moitié attend encore que Blizzard se sorte les doigts.

En attendant, je profite. Je profite du silence après la mort de DBM, des combats où je regarde l’arène plutôt qu’un mur d’icônes, d’un Outlaw qui claque sans se noyer dans les macros. Mais à chaque fois que j’entends un pote dire « ma spé est morte, je ne reconnais plus mon perso », je me souviens que je fais partie des gâtés de la loterie Midnight.

Si Blizzard veut que cette nouvelle ère sans addons de combat soit un succès, il va devoir amener tout le monde au même niveau de satisfaction. Sinon, le message qu’ils envoient est clair : « désolé pour ta classe, reroll ou va voir ailleurs. » Dans un MMO qui se veut éternel, c’est un luxe qu’ils ne peuvent plus vraiment se permettre.

Je n’y croyais plus, mais Elpis vient peut-être de sauver Resident Evil

Je vais être honnête : ça faisait des années que je jouais à Resident Evil par habitude, plus par passion. J’ai découvert la série ado, sur une vieille PlayStation fatiguée, avec RE2 et son premier Licker qui déboule à travers la vitre. J’ai flippé comme rarement dans ma vie de joueur. Des années plus tard, j’ai enchaîné RE4, Code Veronica, Revelations… et puis le virage action, les attaques bio-terroristes à la chaîne, Chris qui soulève des rochers, Leon qui cabriole dans des villes entières en flammes. À force, tout ce cirque de « menace globale » m’a complètement anesthésié.

Resident Evil Requiem, je l’ai lancé plus par complétisme que par réel enthousiasme. Et puis j’ai atteint la fin, j’ai tapé ce foutu mot de passe, j’ai vu ce que faisait vraiment Elpis… et pour la première fois depuis Resident Evil 7, je me suis dit : « OK, Capcom, là vous tenez quelque chose de grand. »

Gros avertissement au passage : je vais démonter l’histoire de Requiem, ses fins, et surtout le rôle d’Elpis. Si vous n’avez pas fini le jeu sur PC, PlayStation ou Xbox, arrêtez de lire maintenant. La suite, c’est full spoilers et full implications pour l’avenir de la saga.

Elpis, pas un super-virus de contrôle mental… mais un putain d’antivirus universel

Tout Requiem te fait croire qu’Elpis (que certains personnages appellent même à tort une nouvelle « arme virale ultime » d’Oswell Spencer) est une sorte d’Alpus/Elpus : un dernier délire de contrôle mental, le fantasme final du fondateur d’Umbrella. Les Connections, Zeno, Gideon… tout le monde se l’arrache en pensant mettre la main sur un nouveau jouet pour dominer la planète. Classique Resident Evil, quoi.

Et puis tu arrives à l’ARK, le laboratoire planqué, tu découvres la vérité : Elpis n’est pas une arme, c’est un antidote. Un antiviral à large spectre conçu par Spencer sur son lit de mort, quand il réalise (un peu tard, hein) que balancer des armes biologiques partout sur la planète et jouer au darwiniste fasciné par l’eugénisme, c’était peut-être la pire idée de sa vie.

Elpis neutralise tout ce qui dérive du Progenitor : T-Virus, G-Virus, C-Virus, Uroboros… tout l’arbre généalogique toxique d’Umbrella. Dans la fin canon – celle où Grace tape « HOPE » sur le terminal pour « Release Elpis » – Zeno s’injecte la solution, perd ses pouvoirs, Leon est soigné de son fameux syndrome post-Raccoon City, et le jeu nous laisse clairement entendre que toutes les infections Progenitor dans le monde sont en train d’être éradiquées.

On a même un épilogue et une scène post-crédits qui montrent les retombées : Leon vivant, la BSAA qui récupère tout le monde, Sherry et Emily guéries… tout pointe vers un effet massif, global, mais dans l’autre sens. Pendant trente ans, la saga n’a fait qu’empiler des virus. Là, d’un coup, un seul événement peut les balayer tous.

Et ça, pour moi, c’est peut-être la décision de lore la plus excitante de toute l’histoire de Resident Evil. Pas parce que je veux « sauver Leon » à tout prix, mais parce que ça donne enfin à Capcom une porte de sortie élégante au plus gros problème de la série : l’escalade permanente.

Resident Evil a un problème d’escalade depuis Raccoon City

Le jour où Capcom a décidé de cramer Raccoon City au nucléaire à la fin de Resident Evil 3, la série est entrée dans un engrenage. Tu ne fais pas sauter une ville américaine entière, avec des centaines de milliers de morts, sans que ça ait des conséquences monstrueuses sur ton univers. À partir de là, impossible de revenir à « oh non, un chien-zombie dans un manoir paumé » comme si de rien n’était.

Résultat : au fil des épisodes, on s’est retrouvés avec des villes décimées, des bateaux de croisière infestés, des pays entiers ravagés. Terragrigia, Kijuju, Edonia, Tall Oaks, Lanshiang… chaque jeu rajoute son petit génocide viral sur la pile. Des organisations type BSAA ou TerraSave deviennent presque banales, les journaux télé de l’univers Resident Evil ne parlent littéralement que de nouvelles armes bio-organiques.

Et du côté des héros, c’est encore pire. Chris, Jill, Leon, Claire… ce ne sont plus des survivants pris dans un cauchemar incompréhensible. Ce sont des super-soldats qui ont buté plus de monstres que la moyenne des joueurs de Monster Hunter. Honnêtement, comment tu veux qu’un gars comme Leon flippe face à un nouveau virus après trente ans de carnage ? Capcom l’a bien compris en créant Grace pour Requiem : un personnage vierge de tout ce background, justement pour remettre un peu de peur là où Leon ne peut plus être qu’un action hero blasé.

Je l’ai senti en jouant moi-même. Les premiers Resident Evil me faisaient jouer prudemment, compter mes balles, trembler au moindre couloir sombre. Dans Resident Evil 5 ou 6, je fonçais dans le tas, enchaînant roulades et headshots comme dans un TPS bourrin lambda. La « menace biologique » était devenue un décor, pas un traumatisme.

Et tant que le Progenitor et ses rejetons continuaient d’alimenter ce cirque, Capcom était coincé dans une surenchère permanente : plus de virus, plus de monstres, plus de explosions. Ce n’est pas un hasard si la série est devenue plus action que horror à partir d’un moment. Quand tout le monde dans ton univers connaît les BOWs, ce n’est plus vraiment… horrifique.

Resident Evil 7 avait déjà tenté un soft reset de la peur

Le premier vrai signal que Capcom savait qu’il fallait casser cette spirale, c’était Resident Evil 7. Nouveau héros paumé, Ethan, en première personne, une baraque pourrie au fin fond de la Louisiane, une famille de tarés, et – surtout – des monstres qui ne rentraient pas immédiatement dans la grille de lecture habituelle « ah oui, ça c’est un mutant du T-Virus ».

Je me souviens encore de ma première heure sur RE7 : chaque bruit de plancher devenait suspect, chaque porte fermée me donnait ce mélange d’envie et de terreur. C’était la première fois depuis RE4 que je me demandais vraiment : « Mais bordel, qu’est-ce que c’est que ce truc ? » Et quand le jeu commence à t’expliquer l’histoire du Mold, d’Eveline, des expérimentations… tu te dis : « OK, là c’est du Resident Evil, mais j’ai quand même passé trois quarts du jeu dans le noir sur le fond. »

Le problème, c’est que RE7, aussi brillant soit-il, fait ça en douce, un peu à côté de la continuité lourde de la saga. Il rajoute une nouvelle couche (le Mold) sans vraiment régler le problème des couches précédentes. On a un îlot de vraie peur, mais le continent autour reste ce gigantesque cirque bio-terroriste dont plus personne ne s’étonne.

Elpis, lui, change la donne à un niveau beaucoup plus profond : ce n’est pas un simple détour horrifique dans un coin reculé, c’est une bombe nucléaire lore qui peut restructurer l’univers tout entier… mais dans l’autre sens.

Elpis, antivirus du Progenitor : enfin un vrai bouton reset crédible

En admettant – comme le laissent entendre la fin canon, les fichiers du jeu et les analyses – qu’Elpis agit comme un antivirus global sur tous les dérivés du Progenitor, Capcom vient de se donner une excuse cohérente pour faire ce que beaucoup de fans réclament depuis des années : réduire l’échelle.

Plus de T-Virus qui fuit random d’un labo russe. Plus de G-Virus qui resurgit dans un marché noir obscur. Plus de C-Virus balancé par des terroristes pour faire grimper les enchères. Plus d’Uroboros qui bouffe le sol africain. Toute cette bouillie de lettres qui transformait chaque nouveau jeu en concours de la mutation la plus débile peut, théoriquement, être balayée par l’activation d’Elpis.

Les derniers BOWs encore en circulation ? Soit guéris, soit neutralisés, soit en voie d’extinction. Les groupes qui vivaient de la vente d’armes biologiques ? Fauchés, en panique, obligés de se réinventer. La BSAA elle-même ? Confrontée à la perspective d’un monde où le « biohazard » n’est plus une routine quotidienne, mais un truc qui redevient rare, choquant, inconcevable.

Alors oui, il reste des zones grises : Elpis ne touche pas au Mold de RE7/8 ni aux Plagas de RE4, a priori. Rien ne dit non plus que tous les stocks de virus sont magiquement vaporisés du jour au lendemain. Et surtout, Capcom n’a officiellement rien promis sur l’utilisation de ce twist pour « redémarrer » la saga. Pour l’instant, on est au niveau spéculation intelligente, pas au niveau confirmation.

Mais pour une fois, la spéculation tient debout. On n’est pas en train de fantasmer sur un reboot à la Mortal Kombat sorti de nulle part ; on a un élément scénaristique clair, validé par la fin canon (celle avec le boss Gideon, le retour de la BSAA, la scène post-crédits), qui peut servir de point de bascule. La balle est littéralement dans le camp de Capcom : soit ils osent utiliser Elpis comme ligne de fracture, soit ils laissent passer l’opportunité la plus propre de toute l’histoire de Resident Evil pour se réinventer.

Ce que pourrait devenir Resident Evil après Elpis (et pourquoi ça m’excite autant)

Imaginons deux secondes qu’ils assument. Tu enlèves Progenitor de l’équation. Qu’est-ce qu’il reste ? Des poches d’horreur isolées, des expériences ratées qui ont échappé au nettoyage, des cultes qui vénèrent les anciens monstres, peut-être de nouvelles formes de contamination complètement différentes. Tu peux revenir à des intrigues locales, cloisonnées, sans avoir à justifier pourquoi le reste du monde ne s’en mêle pas toutes les cinq minutes.

C’est ça qui me rend réellement optimiste : la possibilité de retrouver la sensation d’inconnu. Dès que tu vois un zombie classique dans un Resident Evil moderne, ton cerveau coche immédiatement la case « Progenitor dérivé ». Tu connais déjà la logique, les faiblesses, même la philosophie derrière : arme biologique, marché noir, terrorisme. Il n’y a plus de mystère, juste un skin différent sur une structure identique.

Avec un monde « nettoyé » des souches historiques, Capcom peut recommencer à surprendre. De nouveaux monstres qui ne sont pas juste des variations de tyrans et de lickers. Des lieux qui ne sont pas systématiquement des laboratoires secrets mais, je ne sais pas, un village perdu où les gens ont pactisé avec une entité qu’on ne comprend pas, une prison abandonnée où quelque chose d’autre a proliféré, un immeuble urbain infesté mais coupé du reste du monde par la censure d’un gouvernement paniqué.

Et surtout, des protagonistes qui ne savent rien. Grace dans Requiem est déjà un pas dans la bonne direction, mais imagine un prochain Resident Evil entièrement construit autour de ce point de vue naïf, sans qu’un super-flic de la vieille garde vienne tout rationaliser. En tant que joueur, tu redeviens vulnérable. Tu ne sais pas quels ennemis t’attendent, ni comment les gérer, parce que toi non plus tu n’as plus la grille « c’est encore un virus Umbrella » pour te rassurer.

Pour quelqu’un comme moi qui a grandi avec la peur viscérale des premiers épisodes, c’est le Graal. J’ai envie que Resident Evil me refasse sentir petit, fragile, paumé dans un univers qui m’échappe. Requiem, via Elpis, donne enfin les moyens structurels de revenir à ça, sans avoir à tout rebooter façon « univers parallèle » ou à faire semblant que Raccoon City n’a jamais explosé.

Le risque : que Capcom se dégonfle (encore)

Maintenant, soyons clairs : Capcom a déjà montré qu’ils savaient appuyer sur l’accélérateur… et ensuite freiner net par peur de froisser la fanbase. Requiem en est la preuve : le jeu propose une « mauvaise » fin incroyablement audacieuse, où Leon meurt pendant le compte à rebours de l’ARK pendant que Grace s’échappe seule. C’est brut, nihiliste, cohérent avec le ton de la série quand elle ose être cruelle.

Et puis, bien sûr, la fin canon c’est la version où tout le monde s’en sort, Leon est sauvé, les héros emblématiques restent intouchables. On nous donne le frisson d’un vrai risque… pour ensuite nous rappeler que les icônes marketing, on n’y touche pas. J’adore Leon, mais à force, cette protection scénaristique devient ridicule.

Le danger avec Elpis, c’est exactement ça : que ça reste un twist cool de fin de jeu, évoqué dans quelques fichiers, et complètement ignoré ensuite. Qu’on se retrouve dans Resident Evil 10 avec un nouveau virus à la con vaguement lié au Progenitor parce que « les fans adorent les références », et qu’Elpis soit relégué au rang d’anecdote de wiki.

Et là, franchement, ce serait une trahison. Parce qu’on n’est pas en train de parler d’un petit détail de lore. On parle d’un cadeau scénaristique énorme : la possibilité de clore dignement un cycle de trente ans pour en ouvrir un autre. Si Capcom n’en fait rien, c’est qu’ils préfèrent continuer à recycler les mêmes menaces, les mêmes armes biologiques, les mêmes arcs BSAA contre terroristes, simplement parce que c’est plus confortable.

En tant que joueur qui a déjà vu la série se perdre dans la surenchère action, je le dis très clairement : si, après Elpis, on repart sur un RE6 bis à coups de virus alphabétique et d’explosions globales, je décroche. Je ne vais pas continuer éternellement à payer pour voir les mêmes enjeux gonflés aux stéroïdes, sans la moindre once de peur sincère derrière.

Pourquoi Elpis a ravivé ma hype (et ce que j’attends maintenant)

Malgré toutes ces réserves, je ne vais pas mentir : en posant la manette après la fin canon de Requiem, j’étais excité comme un gosse. Pas parce que tout est réglé, pas parce que « les gentils gagnent », mais parce que, pour la première fois depuis longtemps, j’ai l’impression que la saga est à un vrai tournant.

Si Capcom joue bien ses cartes, le prochain Resident Evil principal n’a pas besoin d’être un énième blockbuster apocalyptique. Il peut être plus contenu, plus étrange, plus intimiste. Il peut se permettre d’être vraiment horrifique, sans avoir en arrière-plan un monde déjà habitué aux monstres et aux carnages viraux.

Moi, ce que j’aimerais voir, c’est un jeu qui ose ralentir. Qui arrête de me balancer un boss toutes les dix minutes pour remplir un trailer, et qui mise plutôt sur cette tension crade et poisseuse que RE7 avait parfaitement capturée. Limite, je veux un Resident Evil qui ait le courage d’avoir des passages quasi « slice of life » à la Shenmue, juste pour que le moindre dérapage vers l’horreur te colle une claque encore plus violente.

Et pour que ça marche, il faut couper le cordon avec l’overdose de Progenitor. Elpis est conçu exactement pour ça. Ce n’est pas un Deus Ex Machina sorti du chapeau, c’est le Requiem logique de l’ère Umbrella. Oswell Spencer, dans un ultime sursaut d’humanité tordue, laisse derrière lui la clé qui peut effacer son héritage. À Capcom maintenant de décider si cette clé ouvre vraiment une nouvelle porte, ou si elle reste juste un joli symbole dans une cinématique.

Je ne suis pas naïf : je sais très bien qu’aucune interview, aucun roadmap officiel ne dit pour l’instant « Elpis va tout reset et RE10 sera une petite histoire horrifique en vase clos ». Mais après des centaines d’heures passées à traverser cette saga, à voir ses hauts (RE1, RE2, RE4, RE7) et ses bas (RE6, je te regarde), je reconnais un moment charnière quand j’en vois un.

Alors oui, je suis prêt à prendre le risque de me tromper, de me faire encore une fois balader par Capcom. Mais au moins, Requiem m’a rendu ce que je n’avais plus ressenti depuis longtemps avec Resident Evil : l’envie de voir où tout ça peut aller. Elpis n’est pas juste un antivirus dans l’histoire. C’est potentiellement le remède à la lassitude qui ronge la série depuis des années.

À Capcom de ne pas gâcher l’injection.