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Mon contexte de fan : entre N64, Switch… et une pile de boîtes LEGO

Je fais partie de cette génération qui a découvert la forêt Kokiri sur Nintendo 64 et qui a retrouvé le Grand Arbre Mojo des années plus tard dans Breath of the Wild sur Switch. Autant dire que ce LEGO Great Deku Tree (2 500 pièces, 2-en-1 Ocarina of Time / BOTW) était taillé pour me faire perdre un week-end entier. J’ai monté pas mal de sets gaming – Mario, Sonic, quelques dioramas Nintendo, et même Rivendell côté fantasy – mais celui-ci m’a vraiment attrapé différemment.

Au moment où les nouveaux sets Pokémon arrivent, je voulais voir si ce grand arbre pouvait vraiment servir de mètre-étalon pour les LEGO basés sur des jeux vidéo. Après environ 12 heures de construction étalées sur trois soirées, je peux le dire sans trembler : c’est, de loin, le meilleur set gaming que j’ai monté à ce jour.

Première rencontre avec la boîte : « oh, ok, on ne rigole pas »

Première claque en sortant la boîte : le volume. On parle d’un set 18+ à 2 500 pièces, affiché à environ 299,99 $ / 259,99 £. Sur ma table, les sachets ont littéralement recouvert tout le tapis de build. J’avais déjà eu ce sentiment avec Rivendell, mais ici, la différence, c’est que chaque morceau de plastique est chargé de références à Zelda plutôt que de générique médiéval.

Ce qui m’a tout de suite intrigué, c’est la promesse 2‑en‑1 : soit la version Ocarina of Time (Kokiri Forest, jeune Link, ambiance marécageuse), soit la version Breath of the Wild / Tears of the Kingdom (Korogu, Forêt Korogu, piédestal de l’Épée de légende). J’avais un peu peur du côté « faux double set » où une des deux versions ressemble à une variante paresseuse. Spoiler : ce n’est pas du tout le cas.

Mon build BOTW : 8 heures de forêt Korogu et de petits sourires béats

J’ai commencé par la version Breath of the Wild, parce que c’est encore frais dans ma mémoire : j’ai poncé Hyrule sur Switch, 200+ heures au compteur. Les premières heures de construction sont assez techniques, on monte le socle, la structure interne du tronc et la mécanique Technic qui anime le visage du Grand Arbre.

Le moment où j’ai enclenché pour la première fois le petit levier à l’arrière pour bouger les sourcils et la bouche du Deku Tree m’a vraiment fait rire. Je m’attendais à un gimmick, mais le rendu est ultra expressif, ça rappelle parfaitement les mimiques du personnage dans les jeux. On se surprend à lui faire faire la moue ou un grand sourire, comme un gamin qui joue avec sa première figurine articulée.

Ensuite, la construction devient une sorte de méditation végétale : branches, feuillage, champignons, petites plantes. Là où certains sets se répètent au point d’être lassants, ici le rythme est brisé par les Easter eggs. À un moment, je pose un petit champignon en me disant « tiens, on dirait un Stamella », je regarde la notice… évidemment, c’est un Stamella. Plus loin, ce sont des fleurs de Princesse silencieuse, des variétés de champignons bien reconnaissables de BOTW, et même des petits œufs d’oiseaux sur une branche.

Les Korogus sont disséminés un peu partout. Il y a leur camp au pied de l’arbre, Walton perché dans les hauteurs, et toute une flopée de korogus minuscules réalisés avec quelques pièces seulement. C’est simple mais terriblement malin visuellement. Mon moment préféré : la petite Hestu avec ses maracas qui font du bruit quand on les secoue, grâce à des 1×1 cachés à l’intérieur. J’ai passé cinq bonnes minutes à secouer ce truc en murmurant « sha-ka-la-ka » comme un idiot. C’est ce genre de détail qui fait oublier étiquette « set adulte ».

Switcher vers Ocarina of Time : même squelette, autre ambiance

Après avoir admiré la version BOTW quelques jours sur une étagère, j’ai pris mon courage à deux mains pour démonter et remonter une partie du set en mode Ocarina of Time. Là, je ne vais pas mentir : la transformation 2‑en‑1 n’est pas un simple « swap » de quelques branches. Il faut démonter une bonne portion de la canopée et du socle. C’est faisable, mais un peu fastidieux, surtout si vous êtes du genre à bien tasser les pièces au montage.

En revanche, la récompense est à la hauteur de l’effort. La base devient plus marécageuse, avec des plantes carnivores façon piranha (écho évident aux ennemis végétaux du donjon), et quand on retourne l’arbre, on découvre un intérieur de donjon avec une Skulltula dorée cachée. La silhouette du Deku Tree change vraiment : visage plus grave, branches moins touffues, une vibe beaucoup plus N64, plus sombre.

Ce qui est malin, c’est que même si les deux versions partagent un squelette commun, l’impression visuelle une fois sur l’étagère est radicalement différente. Chez moi, la version BOTW avait une aura de forêt enchantée tranquille, alors que l’itération Ocarina rappelle plutôt les premières heures un peu inquiétantes du jeu, quand on rentre dans le tronc pour la première fois. On sent que les designers ne se sont pas contentés de recolorer des pièces.

Les bonus qui tuent : cabane de Link, piédestal de l’Épée, scènes annexes

Un truc que j’ai adoré : certains éléments se construisent indépendamment de la version choisie. Vous pouvez assembler la cabane de Link dans la forêt Kokiri (petit arbre avec l’échelle et le lit) et, en même temps, le piédestal de l’Épée de légende issu de BOTW. Du coup, même si votre arbre principal est en mode Ocarina, vous pouvez quand même avoir un clin d’œil BOTW sur le côté, et inversement.

Visuellement, ça donne un mini diorama Zelda autour de l’arbre, et pas juste un gros bloc unique. Sur mon bureau, j’ai fini par placer la cabane de Link côté gauche, le piédestal de l’Épée côté droit, et l’arbre un peu en retrait. L’ensemble prend de la place, mais raconte une sorte de timeline Zelda condensée. C’est aussi super pratique si vous manquez de profondeur sur une étagère : on peut séparer les éléments sur deux niveaux.

Minifigs : trois Link, une Zelda, aucun recyclage paresseux

Côté figurines, LEGO n’a pas fait les choses à moitié : jeunes Link, Link adulte, Link version BOTW et une très belle Zelda premium, tous avec des tampographies propres, opaques, sans impression baveuse. Ce qui m’a surpris, c’est qu’aucun des personnages n’est un simple réemploi d’une autre sous-version. Chacun a droit à sa tenue, ses couleurs et ses accessoires adaptés.

Les accessoires, justement, c’est un festival : Ocarina, Bouclier Hylien, Épée de légende… Tout a cette finition « Nintendo‑grade » qu’on n’a pas toujours sur d’autres licences. En main, Link BOTW avec son bouclier et l’Épée devant le piédestal, ça donne vraiment l’impression de tenir une petite scène sortie de la Switch. Et le jeune Link devant la cabane, avec Navi qui flotte à côté, c’est le genre de truc qui fait tilt chez tous ceux qui ont grandi avec la N64.

Une densité d’Easter eggs qui frôle l’obsession

Ce set a un truc en commun avec Rivendell : chaque recoin cache un clin d’œil. Des champignons de cuisine BOTW planqués derrière une racine, une tablette Sheikah terminaux stylisée, des bombes télécommandées suggérées par de petites pièces bleues, des noix, des glands… On passe plus de temps que prévu à tourner le modèle pour vérifier qu’on n’a rien raté.

Après le montage, je me suis surpris à m’arrêter devant l’arbre en allant chercher un café, juste pour repérer un nouveau Korogu ou un détail de plante que je n’avais pas remarqué. On sent que le set a été pensé par des gens qui ont joué aux jeux, pas juste lu un brief marketing avec quelques captures d’écran.

Construction et ergonomie : long, parfois répétitif, mais rarement ennuyeux

Niveau temps, comptez grosso modo 10 à 15 heures selon votre rythme. Moi j’ai pris mon temps : trois sessions pour BOTW, deux de plus pour transformer en Ocarina. La construction du tronc et des branches implique quelques séquences répétitives (surtout les feuilles), et le remontage en seconde version peut être un peu pénible, avec des sous-assemblages à déclipser sans tout exploser.

Ceci dit, j’ai rarement eu la sensation de « boulot » que j’ai parfois sur des sets très massifs. La présence régulière d’un petit détail Zelda, d’un sous-modèle (un Korogu, un bout de rocher, un champignon spécifique) donne à chaque sachet un mini objectif satisfaisant. Et une fois assemblé, l’arbre a une vraie présence physique : plus profond et plus imposant qu’il ne paraît sur les images officielles.

Prix et valeur : cher, oui… mais clairement dans le haut du panier

On ne va pas tourner autour du pot : 299,99 $ (ou l’équivalent en euros/livres), c’est une somme. Pour un fan de Zelda, la question n’est pas « est-ce que c’est cher ? » mais « est-ce que ça les vaut ? ». Après l’avoir monté, démonté partiellement et affiché sous deux formes différentes, je dirais que oui, surtout si on le compare aux autres grosses licences LEGO.

Par rapport aux sets Mario modulaires, c’est un monde au-dessus en termes de finition et de densité d’Easter eggs. Face aux sets Pokémon qui arrivent – dont certains s’annoncent très ambitieux en nombre de pièces – le Great Deku Tree place la barre très haut côté cohérence d’univers. Il ne se contente pas d’être « une grosse figurine d’arbre Zelda » : c’est un résumé physique de deux jeux cultes, plus des scènes annexes, plus une mécanique interactive. On sent que chaque dollar est passé quelque part dans le modèle.

Pour qui ce set est-il fait ?

Après avoir vécu avec ce mastodonte sur mon bureau et dans mon salon, je vois clairement à qui il s’adresse :

• Fans hardcore de Zelda : si vous avez terminé Ocarina et BOTW plusieurs fois, c’est presque un no-brainer.
• Constructeurs adultes qui aiment les dioramas denses : la construction est satisfaisante, jamais simpliste, sans être aussi intimidante qu’un énorme set UCS type Star Wars.
• Collectionneurs de LEGO gaming : si vous avez déjà du Mario, Sonic, éventuellement des dioramas Nintendo, ce set devient le centre de gravité de la collection.
• Joueurs nostalgiques N64 + Switch : le côté double-timeline marche à fond si vous avez connu les deux époques.

En revanche, si vous cherchez avant tout un set très « jouable » pour de jeunes enfants, ce n’est clairement pas la meilleure option : ça reste un gros display 18+, avec des zones un peu fragiles et beaucoup de petits détails qui n’aiment pas trop les mains brusques.

Bilan personnel : un nouveau standard pour les LEGO basés sur des jeux vidéo

Après une bonne douzaine d’heures passées à clipser des feuilles, traquer des Korogus et ajuster les sourcils d’un vieil arbre légendaire, mon impression est assez nette : ce Great Deku Tree est, pour l’instant, le meilleur set gaming LEGO que j’ai monté. Il réussit quelque chose que beaucoup de sets sous licence ratent : raconter une histoire complète en briques, sans sacrifier ni la fidélité ni le plaisir de construction.

La double identité Ocarina / BOTW ne sonne pas comme un argument marketing creux. Ce sont deux vraies interprétations, chacune avec sa personnalité, ses scènes, ses ennemis et ses couleurs. Les figurines sont soignées, les mécaniques (notamment le visage articulé, les maracas d’Hestu) donnent envie d’interagir avec le modèle, et la densité d’Easter eggs fait qu’on découvre encore de nouvelles choses une semaine après la fin du build.

Oui, le prix pique et le passage d’une version à l’autre demande un peu de patience. Mais si on regarde le paysage actuel des sets LEGO liés au jeu vidéo – Mario, Sonic, les premiers Pokémon, quelques dioramas Nintendo – le Great Deku Tree s’impose clairement comme le modèle à battre. Pour les futurs sets Pokémon XXL annoncés, la barre est posée, et elle est très haute.

Note finale : 9/10. Un set cher mais exceptionnel, qui capture l’âme de deux des meilleurs jeux Zelda et redéfinit, à mes yeux, ce que devrait être un LEGO « gaming » digne de ce nom.

TL;DR – LEGO Great Deku Tree en résumé

• 2 500 pièces pour un énorme set d’exposition très imposant en vrai.
• Véritable 2‑en‑1 : deux esthétiques distinctes (BOTW / Ocarina), pas une simple recoloration.
• Densité d’Easter eggs Zelda hallucinante (Korogus, fleurs, champignons, donjon, Skulltula dorée…).
• Mécaniques fun : visage articulé du Deku Tree, maracas d’Hestu qui font vraiment du bruit.
• Scènes bonus (cabane de Link, piédestal de l’Épée de légende) qui enrichissent l’affichage.
• Minifigs premium (trois Link, une Zelda) avec des accessoires iconiques impeccablement réalisés.
• Construction longue mais plaisante, quelques passages répétitifs et rebuild 2‑en‑1 un peu pénible.
• Prix élevé, mais à mon sens justifié pour un fan sérieux de The Legend of Zelda.

Mon premier visionnage de Las 13 Rosas : l’Histoire qui se referme comme une porte de cellule

J’ai lancé Las 13 Rosas un soir où, pour être honnête, je n’avais pas spécialement envie d’« Histoire avec un grand H ». Je cherchais plutôt quelque chose de calme, pas un grand fresque guerrière pleine de discours enflammés. Et c’est précisément là que le film de Emilio Martínez-Lázaro m’a cueilli : en refusant le grand spectacle pour se coller au visage, aux silences et aux gestes minuscules de treize jeunes femmes enfermées dans une prison franquiste en 1939.

Au bout de 20 minutes, je n’étais plus en train de me dire « tiens, intéressant, un film sur la répression franquiste », mais « ok, celle-là pourrait être ma sœur, celle-ci une amie d’amie ». Le passage de l’Histoire abstraite à la peur très concrète, à la blague murmurée pour tenir le coup, se fait presque sans qu’on s’en rende compte. C’est le plus grand atout du film, et aussi ce qui m’a poursuivi longtemps après le générique.

Pour situer rapidement : le film revient sur l’histoire réelle de treize jeunes femmes fusillées le 5 août 1939, accusées d’appartenir à la Juventud Socialista Unificada et d’avoir comploté contre le régime de Franco. Plutôt que de multiplier les scènes de procès ou de reconstituer mille événements politiques, Las 13 Rosas choisit le couloir, la cellule, le parloir. L’après-guerre espagnole, ici, ce sont surtout des murs épais, des fenêtres hautes, et ces femmes qui tentent de rester elles-mêmes dans un système qui cherche à les effacer.

Un huis clos de prison qui transforme l’atrocité en expérience intime

Dès qu’on entre dans la prison, le film change de rythme. Les arrestations et les perquisitions du début sont presque classiques pour un drame historique ; une fois la porte de la cellule refermée, le film se met à respirer différemment. Ce n’est plus la grande mécanique de la répression, mais la micro-chorégraphie de la survie quotidienne : partager une couverture, se disputer un coin de lumière, inventer un jeu idiot pour oublier l’heure de l’interrogatoire.

Ce qui m’a frappé, c’est la manière dont la mise en scène refuse l’escalade du sordide. On sait que ces femmes ont été torturées, humiliées, confrontées à une violence d’État inimaginable. Le réalisateur a expliqué qu’il avait volontairement atténué ce qui s’est réellement passé : « ce qu’on voit à l’écran n’est qu’un centième de la brutalité franquiste ». Au lieu de nous écraser par la cruauté frontale, il va chercher la violence dans les regards, les phrases qui s’arrêtent net, la peur animale au moment où la clé tourne dans la serrure.

Un exemple qui m’a marqué : une scène toute simple où les prisonnières chantonnent pour une nouvelle venue qui tremble de peur. La caméra reste à hauteur de leurs visages, le couloir est flou derrière, les gardiens sont hors-champ. Techniquement, il ne « se passe » rien. Mais c’est là que le film devient terrassant : ce chant maladroit, à peine audible, est à la fois un geste de solidarité et une manière désespérée de se persuader qu’il reste quelque chose de normal dans ce monde tordu.

Ce choix d’un point de vue très intime évite aussi un piège classique de ce genre de film : transformer les victimes en symboles figés. Ici, on les voit rire, bouder, se jalouser, se réconcilier. L’atrocité historique reste en toile de fond, mais le film s’accroche à l’idée que, jusqu’au dernier moment, ces femmes sont autre chose qu’un paragraphe dans un manuel scolaire.

Des performances contenues qui laissent parler les silences

Je suis allergique aux drames historiques qui en rajoutent, avec des cris, des larmes au ralenti, des grands monologues « pour l’Oscar ». Las 13 Rosas fait exactement l’inverse, et c’est ce qui le rend si puissant. Le jeu des actrices est constamment sur la retenue. Pilar López de Ayala, Verónica Sánchez, Marta Etura et les autres construisent des personnages qu’on croit immédiatement, sans avoir l’impression qu’elles posent pour l’Histoire.

Blanca, la seule mère du groupe, est un bon exemple. Elle bénéficie dans le récit d’un traitement un peu différent des autres : on la voit sortir de la cellule pour aller jouer de l’orgue, on la voit avec son enfant. Sur le papier, cela aurait pu tourner à la caricature de la mère martyre sacralisée. Mais la performance reste simple, presque pudique. Quand elle parle de son fils, sa voix ne tremble pas de manière théâtrale ; on sent plutôt une fatigue profonde, une peur qui se faufile dans chaque phrase.

La plus jeune, Carmen, sert souvent de point d’entrée émotionnel au spectateur. C’est à travers ses yeux qu’on mesure l’absurdité de ce qui se passe. Elle passe de la naïveté un peu joyeuse à une lucidité brutale, sans jamais devenir une « petite héroïne » fabriquée. Une scène m’a retourné : lorsqu’elle comprend, avant même qu’on ne le lui dise clairement, que personne ne sortira vivante de cette histoire. Il n’y a pas de longues explications ; juste un changement dans la façon dont elle s’accroche au bras d’une codétenue.

Ce que le film réussit très bien, c’est la dynamique de groupe. Après dix heures de visionnage de séries actuelles, on finit souvent par voir les ensembles féminins comme des collections d’archétypes (la forte tête, la timide, la drôle…). Ici, même si quelques traits sont parfois appuyés, l’ensemble fonctionne de manière organique. Les dialogues respirent, les silences ne font pas « pose » ; on a vraiment l’impression d’entrer dans une communauté forcée, cimentée par la peur et la solidarité.

Une mise en scène austère au service de la mémoire

Visuellement, Las 13 Rosas est à mille lieues du baroque de films comme Le Labyrinthe de Pan. Ici, pas de symbolisme flamboyant, pas de visions fantastiques : la caméra reste collée à la pierre, au béton, aux uniformes. La reconstitution du Madrid de l’après-guerre est grise, presque poussiéreuse, avec cette lumière blafarde qui donne l’impression que le soleil ne se lève jamais complètement.

J’ai particulièrement apprécié la façon dont le film utilise l’espace de la prison. On y revient sans cesse, mais jamais de la même manière. La cour, vue du centre, puis depuis une fenêtre, puis depuis le couloir juste avant une exécution, devient un véritable personnage. Sans grands mouvements de caméra ostentatoires, Martínez-Lázaro réussit à rendre chaque retour dans ce décor un peu plus oppressant que le précédent.

La photographie suit la même logique de sobriété. Les couleurs sont désaturées mais pas stylisées à l’excès. Ce n’est pas le gris chic des séries prestige modernes ; c’est un gris fatigué, celui des murs sales, des vêtements rapiécés. Par moments, une touche de couleur – un foulard, un rayon de soleil sur un visage – ressort presque violemment et rappelle que ces jeunes femmes n’ont pas encore renoncé à vivre, à être coquettes, à espérer.

La musique, elle aussi, reste en retrait. Elle accompagne, elle ne commande pas. Quelques thèmes reviennent, discrets, comme des souvenirs qui remontent à la surface plutôt qu’une bande-son qui exige qu’on ressente telle ou telle émotion. Dans les scènes les plus dures – les adieux, l’attente du verdict – le film ose souvent le quasi-silence, laissant les bruits de pas, les clés, les respirations faire le travail. Cette retenue sonore fait beaucoup pour ancrer le film dans une tonalité de respect plutôt que de spectacle.

Politique en sourdine, dignité en premier plan

En fouillant un peu après le visionnage, j’ai découvert que le film est adapté du livre Trece rosas rojas de Carlos Fonseca, qui documente de manière très précise les faits, lettres et archives autour de ces exécutions. Le film, lui, choisit délibérément de mettre en sourdine une partie de la dimension militante et communiste que le livre met en avant, pour se recentrer sur l’expérience humaine et la dignité individuelle.

On sent ce choix tout au long du récit. Les discussions idéologiques existent, mais restent rares et courtes. On parle plus souvent d’amours ratés, de familles laissées derrière, de petits souvenirs de la vie d’avant. Pour certains spectateurs, surtout ceux qui connaissent bien l’histoire de la répression franquiste, cela pourra sembler une forme d’édulcoration politique. On peut légitimement se demander si, en atténuant la dimension communiste du groupe, le film ne rend pas plus digestible pour le grand public quelque chose qui ne devrait pas l’être.

Personnellement, après y avoir repensé quelques jours, je vois ce choix comme un compromis discutable, mais pas un renoncement total. En mettant au centre la dignité des victimes, le film rappelle que, quelle que soit la couleur politique des exécutés, il ne devrait jamais être acceptable de transformer des jeunes femmes en exemples sanglants pour asseoir un régime. Cela n’empêche pas qu’on puisse regretter une certaine neutralisation du contexte militant : les 13 Roses n’étaient pas seulement des victimes innocentes, elles étaient aussi, pour beaucoup, des militantes engagées.

Ce tiraillement entre mémoire politique et mémoire humaine traverse tout le film, parfois de façon un peu frustrante, mais aussi très révélatrice de la manière dont nos sociétés préfèrent souvent se souvenir des victimes plutôt que des combats qu’elles menaient.

Ce qui fonctionne moins bien : quelques facilités de drame historique

Tout n’est pas parfait dans Las 13 Rosas, et autant le dire clairement. Sur la deuxième moitié, j’ai commencé à sentir un léger schéma se répéter : scène d’espoir, coup de massue, moment de solidarité, puis nouvelle mauvaise nouvelle. C’est cohérent avec la situation, qui est objectivement un engrenage sans issue, mais le montage accentue parfois un peu trop le côté montagnes russes émotionnelles.

Certains seconds rôles du côté franquiste restent aussi très archétypaux : le tortionnaire brutal, le fonctionnaire lâche, le prêtre plus ou moins complaisant… On comprend l’intention – il s’agit d’un film centré sur les femmes, pas sur les états d’âme de leurs bourreaux – mais cette simplification rend parfois l’univers extérieur moins nuancé que le monde intérieur de la prison.

Enfin, il y a quelques moments où le film flirte avec un pathos plus appuyé, notamment dans la représentation de la maternité de Blanca. La caméra insiste à plusieurs reprises sur son statut de mère, presque comme si c’était ce qui la rendait plus digne de notre compassion. On sent poindre ici un certain conservatisme symbolique : la victime ultime, c’est la mère. Le film n’en fait pas un motif écrasant, mais c’est un élément qui m’a un peu fait lever un sourcil.

Pourquoi revoir Las 13 Rosas aujourd’hui ?

Regarder ce film en 2026, c’est forcément le mettre en regard avec la manière dont on parle aujourd’hui des violences politiques, des dictatures, et de la mémoire collective. On vit une époque où les débats sur les lois mémorielles, les monuments, les excuses officielles se succèdent, que ce soit en Espagne, en France ou ailleurs. Las 13 Rosas arrive avec une proposition assez claire : et si, pour une fois, on écoutait simplement ceux et celles qui n’ont pas eu le temps d’écrire eux-mêmes leur récit ?

Le film ne propose ni tribunaux symboliques ni réconciliations nationales en grande pompe. Il nous enferme dans une prison de 1939 et nous demande de rester là, d’écouter, de regarder, de nous rendre disponibles. C’est presque le contraire de la culture de la polémique instantanée : ici, pas de petites phrases, pas de clash, juste une immersion lente dans la vie volée de treize personnes.

Pour moi, la scène la plus politique du film n’est pas un discours, mais un geste : une des prisonnières qui, avant d’être emmenée, remet ses effets personnels à une autre en lui disant, en substance, de se souvenir, de raconter. Tout est là. Las 13 Rosas n’essaie pas de clore le débat sur le franquisme ; il rappelle que la première dette que nous avons envers les victimes, c’est de ne pas les réduire au silence une seconde fois par l’oubli.

Verdict : un film sobre, nécessaire, qui reste en tête longtemps (8/10)

Après le générique, j’ai eu ce réflexe que j’ai parfois avec les bons films historiques : aller vérifier les dates, les noms, lire des lettres, confronter ce que je viens de voir à ce qui est documenté. Et Las 13 Rosas passe plutôt bien cette épreuve-là. On sent le travail de documentation, la fidélité globale aux faits principaux, même si la mise en scène choisit d’en atténuer certains aspects les plus insoutenables.

Ce n’est ni le film le plus radical, ni le plus formellement audacieux sur la Guerre d’Espagne. Si vous cherchez quelque chose de plus frontal, d’autres œuvres – plus militantes, plus expérimentales – vous parleront sans doute davantage. Mais si vous voulez un film qui transforme une atrocité historique en expérience intime, sans complaisance mais sans chantage émotionnel, Las 13 Rosas est un choix précieux.

Je lui donne un solide 8/10. Pas parce qu’il serait parfait, mais parce qu’il remplit avec honnêteté et sensibilité une mission délicate : faire exister, pendant deux heures, treize jeunes femmes que l’Histoire officielle a longtemps préférées muettes. Et ça, à l’heure où la mémoire est souvent instrumentalisée dans tous les sens, c’est déjà énorme.

TL;DR – Faut-il (re)voir Las 13 Rosas ?

• Ce que c’est : un drame historique espagnol (2007) centré sur treize jeunes femmes fusillées par le régime franquiste en 1939, raconté principalement depuis l’intérieur de la prison.
• Point fort majeur : une approche intime et sobre qui privilégie la dignité individuelle et le quotidien des prisonnières plutôt que le grand spectacle politique.
• Interprétations : un ensemble d’actrices excellentes, dans un registre contenu, qui laissent parler les silences et les gestes plutôt que les grands discours.
• Mise en scène : photographie austère, reconstitution convaincante du Madrid de l’après-guerre, usage intelligent de l’espace carcéral et d’une musique discrète.
• Limites : atténuation de la dimension militante et communiste des protagonistes, quelques personnages secondaires un peu archétypaux, quelques touches de pathos.
• Pour qui : ceux qui s’intéressent à l’Histoire espagnole, aux récits de prison, aux drames humains à hauteur de personnage plutôt qu’aux grandes fresques épiques.
• Note finale : 8/10, un film important sur la mémoire et la dignité, qui marque sans passer par le choc graphique ou la surenchère émotionnelle.

Un Fallout de fantasy en vue de dessus : mon tout premier contact

Je ne m’attendais pas du tout à ça. Quand j’ai lancé la démo d’Alabaster Dawn sur Steam, installé tranquillement sur mon PC avec une manette Xbox branchée, je pensais tomber sur un « simple » action-RPG pixel art à la CrossCode. Et puis les premières minutes m’ont balancé un faux air de Fallout en pleine figure : les foules qui se ruent dans des abris, les portes massives qui se verrouillent, la cryostase, les explosions qui rasent l’horizon… sauf qu’ici, on est dans un univers de fantasy.

Au bout de cinq minutes, j’étais déjà intrigué. Il y a cette vibe de fin du monde, mais traitée comme un mythe religieux raté : les dieux ont tourné le dos au monde, et nous, on se réveille parmi les ruines. Quand Juno, l’héroïne, sort enfin de son « vault » pour mettre le pied dans un paysage dévasté, j’ai senti la parenté avec Fallout… puis la démo m’a vite rappelé qui tenait la manette : Radical Fish Games, les créateurs de CrossCode.

Et là, tout s’aligne : vue de dessus, pixel art ultra chiadé, interfaces propres, dialogues qui vont droit au but… et surtout, une promesse claire dès les premières secondes de combat : ici, c’est le gameplay qui mène la danse.

Prise en main : retrouver CrossCode, sentir Devil May Cry

Après une petite intro narrative, un capybara céleste (oui, un capybara divin, et il assume son statut) vient littéralement nous armer : une épée bénie pour le corps-à-corps, une arbalète pour la distance. Cette scène m’a fait sourire, mais surtout, c’est le moment où j’ai compris que la filiation avec CrossCode n’était pas qu’un argument marketing. Les sensations manette en main sont immédiatement familières, mais plus tendues, plus rapides.

Sur la démo, j’ai joué environ quatre heures, en refaisant plusieurs combats et en essayant différentes voies de talents. Le schéma de base est classique : attaque légère en chaîne, esquive à la roulade, tir de projectiles avec l’arbalète, un bouton de parade. Mais dès les premiers affrontements, on sent le vernis Devil May Cry / Kingdom Hearts dont parlent les devs : les ennemis agressent vite, les fenêtres de parade sont serrées, et si tu joues en dilettante, tu te fais vite punir.

Les premières 20 minutes m’ont servi de claques pédagogiques : j’ai voulu foncer tête baissée, en bourrinant le combo de base. Résultat : deux morts stupides sur un groupe de créatures démoniaques qui télégraphient leurs attaques de façon très lisible… si on prend la peine de les regarder. La démo t’apprend très tôt que l’esquive et la parade ne sont pas optionnelles, elles font partie du cœur du jeu.

Un système de combat nerveux qui récompense vraiment le skill

Ce qui m’a scotché, après une petite heure, c’est la façon dont le combat évolue au fur et à mesure que tu déverrouilles des compétences. Chaque arme a son propre arbre de talents, et ça change tout. L’épée de base est déjà agréable, mais dès que j’ai débloqué une compétence qui prolonge le combo après une parade parfaite, j’ai senti le jeu basculer dans quelque chose de beaucoup plus technique.

Concrètement, tu commences par un enchaînement simple, puis tu ajoutes petit à petit des couches : un coup qui exploite les ennemis étourdis, un follow-up automatique après un contre, un bonus de dégâts si tu termines un combo avec un dash précis… La démo ne donne évidemment qu’un aperçu, mais les quelques nœuds d’arbres que j’ai testés suffisent à sentir cette montée en puissance. Ce n’est pas juste « +5 % de dégâts » partout, ce sont de vraies options de gameplay.

La parade mérite son paragraphe à elle seule. Au début, je la trouvais un peu ingrate : timing serré, pas d’indicateur flashy. Puis j’ai débloqué un talent lié à l’épée qui récompense les parades parfaites par un gros coup de riposte. À partir de ce moment-là, mon style de jeu a changé. Au lieu de rester toujours en mouvement, je me suis mis à attendre certains swings ennemis, juste pour placer cette fenêtre parfaite. Les combats ont pris un côté « duel » hyper satisfaisant, même au milieu du chaos.

Ce qui est malin, c’est que le jeu ne cherche pas à tout prix à devenir un soulslike punitif. Les esquives ont des frames d’invulnérabilité raisonnables, les agressions ennemies restent lisibles, et la démo te laisse quelques erreurs avant de te punir. Mais si tu joues propre – esquives justes, parades, alternance des armes – tu sens vraiment la différence. La boucle « j’apprends → je maîtrise → je roule sur la salle » fonctionne à plein régime.

Progression, armes et arbres de talents : la carotte parfaite

Radical Fish a déjà prouvé avec CrossCode qu’ils savaient construire des systèmes de progression malins. Alabaster Dawn reprend cette logique, mais en la spécialisant davantage autour du combat. Il y a deux couches principales dans la démo : un grand arbre de talents « général », et des arbres spécifiques à chaque arme.

L’arbre général te propose des bonus offensifs et défensifs plus transversaux : plus de vie, plus d’endurance, quelques passifs qui améliorent tes esquives ou tes projectiles, ce genre de choses. C’est ton squelette de build, ta manière de dire « je veux être plus safe » ou « je veux prendre plus de risques pour plus de dégâts ».

Les arbres d’armes, eux, sont là pour donner une vraie identité à chaque outil. Dans la démo, j’ai surtout joué avec l’épée et l’arbalète, mais on sait déjà qu’il y aura au total huit armes différentes, chacune avec sa petite personnalité, ses combos et son arbre. Dès ce petit échantillon, on sent la promesse : tu ne vas pas seulement changer de DPS, tu vas changer de rythme de jeu.

Un détail que j’ai beaucoup apprécié : les améliorations sont rarement « vides ». Il m’est arrivé plusieurs fois de rester une bonne minute sur l’écran d’arbre de talents à hésiter entre deux nœuds, parce que les deux ouvraient de vraies possibilités de gameplay. C’est exactement le genre de choix qui, pour moi, différencie un action-RPG oubliable d’un jeu dans lequel tu as envie de théoriser ton build entre deux sessions.

La démo laisse aussi entrevoir d’autres systèmes, comme l’équipement de gemmes et un peu de craft, sans tout dévoiler. On sent la patte « RPG japonais » dans la façon de présenter les menus et l’équipement, mais greffée sur un ADN beaucoup plus orienté « action pure ». C’est un mélange qui m’a rappelé autant Zelda: A Link to the Past que certains Final Fantasy, mais passé par le prisme très moderne de CrossCode.

Pixel art d’orfèvre : l’école Radical Fish à son sommet

Visuellement, j’ai eu plusieurs moments de pause volontaire. Pas parce que le jeu rame ou autre, simplement parce que je voulais regarder. Les screenshots que vous avez peut-être vus ne rendent pas totalement justice à ce qu’on ressent manette en main : les animations, la densité de petits détails, la lisibilité en plein chaos… tout se répond.

Le décor « monde ruiné par les dieux absents » aurait pu être gris et déprimant. Radical Fish en fait quelque chose de paradoxalement luxuriant : des ruines envahies par une végétation très colorée, des éclats de lumière qui rappellent le côté divin, des ennemis démoniaques dont la silhouette est immédiatement lisible. Chaque créature a un design suffisamment unique pour qu’on la reconnaisse au loin, ce qui est crucial quand tu relies beaucoup tes décisions de combat aux patterns ennemis.

Juno, de son côté, a un des meilleurs walk cycles que j’ai vus en pixel art depuis un moment. Il y a cette petite nervosité dans sa démarche, un peu raide mais décidée, qui matche parfaitement avec le rythme du jeu. Les coups portés avec l’épée ont un poids visuel, les impacts sont soutenus par des effets de particules hyper propres, et l’arbalète trouve pile le bon équilibre entre « lisible » et « pas envahissante » à l’écran.

Ce qui m’a frappé, c’est que malgré cette profusion de détails, l’action reste toujours claire. C’est un des reproches que j’ai souvent avec les action-RPG en 2D : trop de particules, trop de couleurs, et au final tu perds de vue ton personnage. Ici, même dans les affrontements les plus chargés de la démo, je n’ai jamais eu cette sensation de brouillard visuel. On sent que Radical Fish maîtrise son langage : chaque effet a une raison d’exister.

Technique, ergonomie et confort de jeu sur PC

Côté technique, la démo tourne comme un charme. Sur ma config (Ryzen 5, RTX 3060, 16 Go de RAM), on est sur un jeu 2D donc forcément peu exigeant, mais je n’ai pas rencontré le moindre souci de framerate, ni bug bloquant, ni crash pendant mes sessions. Pour une build de démo Next Fest, c’est carrément rassurant.

Les contrôles à la manette sont soignés. Les touches sont placées là où on s’y attend (attaque sur X/Y, esquive sur B, parade sur LB dans mon cas), avec une latence inexistante. J’ai testé vite fait le clavier/souris par curiosité : ça reste jouable, mais on sent clairement que le jeu a été pensé « manette d’abord », ce qui ne me choque pas pour un action-RPG aussi orienté timing.

L’interface, sans être minimaliste, ne t’agresse jamais. Les barres de vie et d’endurance sont lisibles sans voler l’attention, les indications de loot restent discrètes, et les menus de talents sont clairs. J’ai apprécié le fait que la démo ne passe pas trois heures à te noyer sous des pop-ups de tutoriel : quelques encarts au moment clé, puis à toi de jouer. C’est un pari risqué pour certains publics, mais pour moi, ça participe à ce sentiment de jeu « exigeant mais respectueux ».

Ce que la démo ne montre pas encore (et ce qui m’inquiète un peu)

On parle d’une démo Next Fest, donc forcément, tout n’est pas là. Ça vaut le coup de poser les limites.

D’abord, la structure globale du jeu reste floue. On a un aperçu d’une zone, quelques combats scriptés, un début de progression, mais difficile de dire si Alabaster Dawn va pencher vers une structure très linéaire, ou quelque chose de plus ouvert avec villages, donjons optionnels, etc. On sait qu’il y aura différentes régions et des villages, mais la démo reste concentrée sur l’action pure.

Ensuite, on n’a qu’un échantillon des huit armes annoncées. Sur le papier, c’est ultra excitant, mais ça peut aussi devenir un casse-tête d’équilibrage monstrueux. Si Radical Fish veut que chaque arme ait son style, ses combos, son arbre et, idéalement, une vraie identité de build, ça représente une masse de boulot importante. Pour l’instant, ce qu’on a entre les mains est solide, mais évidemment très ciblé.

Enfin, il y a la question classique du jeu en accès anticipé. Alabaster Dawn est prévu pour un lancement en Early Access sur Steam dans la première moitié de 2026. Comme toujours avec ce type de planning, il faut garder à l’esprit que la route peut bouger : contenu ajouté, systèmes ajustés, priorités changées en fonction des retours. La bonne nouvelle, c’est que ce qui est là – le cœur du combat, les sensations, l’esthétique – a déjà l’air extrêmement abouti. Mon seul vrai souhait, à ce stade, c’est qu’ils n’essaient pas de trop compliquer une base aussi propre.

Pour qui est Alabaster Dawn ?

Après ces quelques heures sur la démo, j’ai une vision assez claire du public qui va tomber amoureux d’Alabaster Dawn… et de celui qui risque de rebondir.

Si tu as aimé CrossCode, c’est presque un no-brainer. On retrouve la même obsession pour le « feel » du combat, cette exigence dans les timings, ce plaisir à optimiser son build et ses réflexes. Si en plus tu as grandi avec Zelda: A Link to the Past ou Secret of Mana, et que tu as envie de retrouver ce type de vue top-down mais dopée à une nervosité moderne, tu peux foncer sur la démo sans hésiter.

Si, en revanche, tu cherches un RPG plus posé, centré sur les dialogues, les choix moraux et les embranchements narratifs, pour l’instant Alabaster Dawn ne montre pas ce visage-là. L’écriture n’est pas absente, loin de là, mais la démo met clairement le combat au centre. À voir ce que donnera le jeu complet, mais je ne m’attends pas à une expérience façon CRPG verbeux.

Enfin, si tu es allergique aux jeux qui te demandent d’apprendre des patterns, de mourir un peu au début, de t’accrocher à un système de combat technique, tu pourrais trouver le début un peu sec. Le jeu n’est pas injuste, mais il n’est pas non plus là pour flatter ton ego en mode auto-pilote.

Verdict provisoire : mon meilleur Next Fest, et de loin

En sortant de ma session, j’ai fait le tour de la liste de mes demos Next Fest jouées cette année. Il y avait du bon, parfois du très bon… mais Alabaster Dawn est le seul qui m’a laissé avec cette sensation très précise : « je veux relancer tout de suite, même si la démo est finie ».

C’est un jeu qui sait exactement ce qu’il veut être : un action-RPG top-down à la fois lisible, technique et jouissif, porté par un pixel art de malade et un système de progression qui donne envie de refaire les mêmes combats juste pour tester un autre nœud d’arbre de talent. La filiation avec CrossCode est claire, mais Alabaster Dawn ne se contente pas de recycler la formule : le rythme est plus tendu, la mise en scène plus ambitieuse, l’identité visuelle plus affirmée.

Il reste des inconnues – l’ampleur du monde, la variété des armes plus tard, la gestion du contenu en accès anticipé – mais pour un premier contact, c’est franchement impressionnant. Si Radical Fish tient ce niveau de qualité sur la longueur, on tient sans doute l’un des action-RPG les plus excitants à venir sur PC.

Note provisoire pour la démo : 9/10

TL;DR – Faut-il jouer à la démo d’Alabaster Dawn ?

• Ouverture façon Fallout en mode fantasy : tu te réveilles dans un monde ruiné, abandonné par les dieux, et tu incarnes Juno, armée par un capybara céleste.
• Combat ultra nerveux, clairement inspiré par CrossCode, Devil May Cry et Kingdom Hearts, avec esquive, parade et patterns ennemis exigeants mais justes.
• Chaque arme possède son propre arbre de talents, en plus d’un arbre général : les améliorations modifient réellement ta manière de jouer.
• Pixel art somptueux : décors détaillés, ennemis parfaitement lisibles, animations de Juno et effets d’impact d’un niveau rare.
• Techniquement propre sur PC, aucun souci majeur rencontré sur la démo, contrôles manette excellents.
• Beaucoup d’inconnues subsistent (structure globale, huit armes complètes, contenu d’accès anticipé prévu pour 2026), mais le cœur du jeu est déjà solide.
• Si tu aimes CrossCode, Zelda 2D, les action-RPG techniques et les jeux indés au pixel art léché, c’est une démo à installer immédiatement.

Contexte perso : de GameBuds à un vrai casque “deck + PC”

J’étais déjà intrigué par les GameBuds de SteelSeries, ces petits écouteurs taillés pour le Steam Deck. Mais au bout de quelques semaines, j’en ai eu marre des intra : oreilles sensibles, fatigue rapide, et isolation parfois trop agressive. Du coup, quand j’ai vu débarquer le SteelSeries Arctis Nova 3X Wireless, présenté comme une sorte de version circum-aurale des GameBuds, avec le même petit dongle USB‑C 2,4 GHz, j’ai sauté dessus.

Mon usage type : la journée sur un PC fixe (Windows) avec un clavier mécanique bien bruyant, le soir affalé sur le canapé ou dans le lit avec le Steam Deck OLED. J’ai passé une bonne quinzaine de jours avec le Nova 3X vissé sur la tête, façon “casque principal”, histoire de voir si c’était juste un bon plan pour le Deck… ou un vrai remplaçant de mon casque habituel.

Verdict après ces sessions : ce n’est pas le casque le plus premium que j’ai eu entre les mains, ni le plus détaillé en audio. Mais pour ce que je lui demande – jongler en douceur entre PC et Deck, rester confortable longtemps, tenir une batterie indécente et offrir un micro propre pour le vocal – il coche quasiment toutes les cases. Avec quelques concessions qu’il faut bien accepter à ce tarif.

Premiers contacts : léger, un peu plastique, mais vite oublié sur la tête

En sortant le Nova 3X de la boîte, mon premier réflexe a été : “Ah ouais, on n’est clairement pas sur du Nova Pro.” Le plastique est très présent, la structure grince un peu quand on la tord, et ça ne respire pas la débauche de métal brossé. Par contre, deux choses m’ont frappé immédiatement :

• son poids plume (autour de 260 g), surtout comparé à des modèles plus haut de gamme,
• le bandeau “suspension” façon serre‑tête de ski, qui répartit très bien la pression.

Les oreillettes gardent la forme un peu “ovale-étroite” qu’on avait déjà sur l’Arctis Nova 7X. Sur ma tête, ça passe, mais on sent que SteelSeries a optimisé pour la légèreté plutôt que pour un espace d’oreille XXL. Après une heure, rien à signaler. Au bout de trois heures d’Apex Legends et de Hades II, je sentais un petit contact du cartilage en haut de l’oreille, mais rien de dramatique. Si vous avez de très grandes oreilles, par contre, ça peut valoir le coup d’essayer avant d’acheter.

En termes de confort pur, le Logitech G325 que j’ai aussi à la maison reste imbattable, mais le Nova 3X n’est pas loin derrière, avec un point en plus : le maintien. Il tient mieux quand on bouge la tête, ce qui est appréciable si vous vous levez souvent de votre bureau ou que vous jouez allongé avec le Deck, comme moi.

Connexion et usage au quotidien : le bonheur du dongle USB‑C

Le vrai truc qui m’a accroché, c’est ce petit récepteur USB‑C 2,4 GHz. Je l’ai planté directement dans le Steam Deck, testé aussi sur un ROG Ally d’un pote et sur mon PC via l’adaptateur USB‑A fourni : dans tous les cas, c’est plug‑and‑play complet, aucune bidouille. Le mode 2,4 GHz est clairement la voie royale pour le jeu : latence imperceptible, audio stable, pas de décrochage bizarre.

Le casque gère aussi le Bluetooth (5.3), ce qui m’a permis de l’utiliser avec mon téléphone Android pour mater YouTube ou un épisode de série dans le lit après une session Deck. Important : on ne peut pas avoir le flux 2,4 GHz et le Bluetooth en simultané (pas de double audio comme sur un Nova Pro), mais le basculement entre les deux reste rapide via le bouton dédié.

Dans mon cas, le scénario typique, c’était : journée sur PC en 2,4 GHz, je débranche le dongle, je le plante dans le Steam Deck pour la soirée, puis je passe au Bluetooth sur le smartphone pour finir la nuit. Le Nova 3X ne m’a jamais lâché dans ce petit manège, et surtout, je n’ai jamais eu de sensation de “lag audio” sur le Deck – même sur des jeux où le timing sonore est crucial, comme Hi‑Fi Rush ou des roguelites nerveux.

Qualité sonore : un vrai profil “gaming”, avec un chouïa moins de précision que les grands frères

Niveau son, j’ai commencé par le test classique : Hades II, Doom Eternal, quelques parties compet’ sur Valorant et des sessions plus tranquilles sur Baldur’s Gate 3. Le casque utilise des drivers 40 mm “classiques” SteelSeries, et on sent immédiatement que le profil est pensé pour le jeu :

• basses bien présentes, avec du punch sans se transformer en bouillie,
• aigus propres, parfois un poil agressifs à volume élevé,
• médiums légèrement en retrait, ce qui donne ce rendu “ciné” typique gaming.

Sur Doom Eternal, les basses des roquettes et des gros démons ont ce côté “impact” satisfaisant, sans masquer complètement la bande-son. Sur Valorant, les pas et rechargements sont faciles à placer dans l’espace. La scène sonore n’est pas démente comme sur un casque audiophile ouvert, mais pour un modèle fermé sans ANC, la séparation gauche/droite et la précision directionnelle sont tout à fait au niveau, surtout pour l’horreur ou le compétitif.

Comparé à mon Arctis Nova 7X Gen 2, par contre, j’ai senti une petite marche sur la clarté. La 7X offre un poil plus de détail dans les médiums et une meilleure séparation des instruments sur la musique. Sur le 3X, certains morceaux que je connais bien (genre le morceau “BFG Division” ou des OST orchestrales) sonnaient un peu plus tassés, moins “aérés”. Rien de dramatique, mais si vous venez d’un casque plus haut de gamme, vous allez le sentir.

En revanche, pour le prix, et pour du pur jeu vidéo, le tuning est très honnête. Les explosions claquent, les voix restent compréhensibles, et les sons clés (rechargements, pas, sorts) ressortent bien. Sur Netflix et Spotify, je me suis surpris à continuer de l’utiliser sans me dire “vivement que je remette mon casque hi‑fi”. Ce qui est déjà un bon signe.

Le micro : enfin un boom mic qui ne donne pas envie de s’excuser en vocal

Grosse curiosité de ma part : le micro. Parce que sur certains modèles SteelSeries récents, il m’a fallu tripatouiller Sonar pendant 20 minutes pour atteindre un résultat correct. Avec le Nova 3X, dès le premier soir sur Discord, mes potes m’ont sorti un “ah ouais, là on t’entend bien mieux que d’habitude”.

Le boom mic est simple, flexible, pas trop long. De base, la voix est claire, assez naturelle, sans ce côté compressé/étouffé qu’on trouve souvent sur les casques milieu de gamme. Il chope un peu les bruits du clavier mécanique quand je pars en full rage sur un FPS, mais rien de catastrophique : sur Discord, les gens n’entendaient pas en permanence mes switches, seulement quand je bourrine vraiment.

En comparaison, le micro de mon Nova 7X Gen 2 demande beaucoup plus de réglages pour arriver au même niveau : réduction du bruit, filtres, etc. Ici, on peut brancher, parler, et c’est tout à fait exploitable pour du jeu, du chat, voire un petit stream occasionnel. Pour du contenu sérieux ou du podcast, non, on est d’accord, mais on n’est pas dans cette gamme de produit de toute façon.

Logiciel et EQ : Sonar est puissant, mais l’obligation de compte reste agaçante

Côté logiciel, SteelSeries pousse toujours son écosystème GG + Sonar. Sur PC, je me suis amusé à tester quelques presets (FPS, RPG, Musique, etc.) et à ajuster l’EQ pour calmer un peu les aigus sur la tranche 3–5 kHz, qui me fatiguaient les oreilles à long terme.

Les outils Sonar sont efficaces : on peut vraiment modeler le son pour faire ressortir les pas, la voix, ou lisser les aigus. En revanche, le fait de devoir créer un compte lié à un mail pour débloquer toutes les options avancées reste pénible. Pour un casque de cette gamme, j’aurais préféré quelque chose de plus léger, même si une fois tout réglé, on n’y touche plus vraiment.

Sur Steam Deck, évidemment, on oublie tout ça : c’est le profil par défaut du casque qui travaille. Bonne nouvelle, il est déjà très correct, donc on ne se sent pas amputé en quittant le PC. J’ai passé plusieurs soirées complètes sur le Deck sans ressentir le besoin de bidouiller un EQ système.

Autonomie : SteelSeries annonce 30 h, mon exemplaire a fait mieux

Là où le Nova 3X m’a vraiment surpris, c’est sur la batterie. Officialement, SteelSeries parle d’environ 30 heures. Dans la pratique, sur mon exemplaire, j’ai systématiquement dépassé ce chiffre.

Un soir, j’ai noté la charge avant de lancer ma session : 100%. Après deux heures et demie de Hades II sur Steam Deck, uniquement en 2,4 GHz, j’étais descendu à 94%. Sur plusieurs jours d’usage mixte (PC en journée, Deck le soir, Bluetooth ponctuel sur smartphone), je tournais plutôt autour de 36 à 40 heures avant de voir la batterie vraiment fléchir.

Résultat concret : je ne me souviens même pas de la dernière recharge, ce qui est exactement ce que j’attends d’un casque sans fil. Aucun stress de tomber en rade en plein raid ou en run. Et quand on le branche, une petite recharge rapide de 15–20 minutes m’a suffi plusieurs fois pour passer la soirée sans souci.

Les limites : pas d’ANC, pas de mode filaire, et une fabrication parfois inégale

Tout n’est pas parfait, évidemment. D’abord, il faut accepter que le Nova 3X n’a ni réduction de bruit active (ANC), ni mode filaire. Si vous espériez un câble jack pour l’utiliser éteint sur une Switch en avion ou sur un vieil appareil, ce n’est pas le bon casque. Et si vous jouez dans un environnement très bruyant (open space, colocation bruyante), l’isolation passive est correcte mais pas folle. On est loin d’un casque fermé avec ANC qui coupe vraiment le monde.

Ensuite, il y a la question de la constance de fabrication. Je n’ai eu aucun souci de distorsion ou de craquement suspect sur mon unité, même à volume élevé. Mais certains retours que j’ai pu voir mentionnaient des premiers lots un peu foireux, avec de la distorsion très marquée. SteelSeries semble avoir corrigé le tir et remplace les unités défectueuses, mais ça reste bon à savoir : si le vôtre sonne vraiment sale dès la sortie de boîte, ce n’est pas “normal”.

Enfin, le côté très plastique fait un peu tache si vous venez d’un casque premium. Personnellement, au bout de quelques jours, je ne le voyais plus, tant le confort et la légèreté prenaient le dessus. Mais en main, ce n’est clairement pas un objet “wahou”. Il fait le job, point.

PC vs Steam Deck : où le Nova 3X brille vraiment

Si je dois résumer où le Nova 3X m’a le plus convaincu : c’est précisément dans ce duo PC / Steam Deck. Au bureau, il me donne un son largement suffisant pour le jeu, un micro propre pour bosser en vocal et une autonomie telle que je le recharge à peine une fois par semaine. Le soir, je claque le dongle dans le Deck, et j’ai la même expérience audio, sans config à refaire, sans app à relancer.

Sur le pur “plaisir d’écoute” assis à mon bureau, je continue de préférer un Razer BlackShark V3 filaire ou un bon casque hi‑fi ouvert. Mais la liberté sans fil, le multi‑appareils et le confort sur la durée font que le Nova 3X est celui que je prends par réflexe, parce que je sais qu’il va marcher dans tous les cas, et qu’il a encore de la batterie.

Pour qui ce casque fait vraiment sens ?

Après une quinzaine de jours en sa compagnie, je vois assez clairement à qui je recommanderais le SteelSeries Arctis Nova 3X Wireless :

• Les joueurs PC + Steam Deck / autres PC portables de jeu qui veulent un seul casque sans fil pour tout faire, avec un dongle USB‑C qu’on balade en 2 secondes.
• Ceux qui priorisent le confort et la batterie sur la pure qualité audiophile. Si vous cherchez un son “correct +”, longévité, légèreté, c’est dans sa zone de confort.
• Les joueurs multi‑plateforme qui veulent ajouter un smartphone ou une console en Bluetooth de temps en temps, sans se ruiner sur un Nova Pro.

À l’inverse, si vous êtes obsédé par la clarté maximale, que vous écoutez surtout de la musique et peu de jeux, ou que vous voulez un casque capable de faire à la fois ANC, double flux audio et mode filaire, autant viser plus haut dans la gamme (Nova 7X, Nova Pro, ou carrément un casque hi‑fi + micro séparé).

Verdict final : un excellent “daily driver” pour joueurs nomades, avec quelques compromis assumés

Le SteelSeries Arctis Nova 3X Wireless m’a fait exactement l’effet que j’attendais… en un peu mieux. Je m’attendais à un casque “correct” pour le Steam Deck, je me retrouve avec un vrai daily driver qui tient la route sur PC, Deck, téléphone, et qui ne me casse ni les oreilles ni le crâne.

Oui, le son manque un peu de finesse si vous le comparez à des références plus chères. Oui, l’absence de mode filaire et d’ANC pourra être rédhibitoire pour certains. Oui, le côté plastique ne fera pas rêver. Mais l’équilibre global – confort, autonomie, micro propre, sans‑fil simple et efficace, dongle USB‑C ultra pratique – en fait un des meilleurs casques milieu de gamme que j’ai testés pour un usage PC + handheld.

Note FinalBoss : 8/10. Pas un tueur de flagships, mais un excellent couteau suisse audio pour joueurs qui jonglent entre bureau et canapé, clavier mécanique et Steam Deck.

TL;DR – SteelSeries Arctis Nova 3X Wireless en résumé

• + Confort : très léger, bandeau suspendu efficace, porté plusieurs heures sans gêne majeure.
• + Autonomie : dépasse largement les 30 h annoncées sur mon exemplaire (plutôt 36–40 h).
• + Son : profil clairement gaming, basses solides, bonne précision directionnelle pour FPS et horreur.
• + Micro : boom mic étonnamment clair, utilisable sans réglages lourds.
• + Dongle USB‑C : parfait pour Steam Deck, PC portables et consoles compatibles, latence imperceptible.
• − Pas d’ANC : isolation correcte, mais rien pour couper un environnement vraiment bruyant.
• − Pas de mode filaire : entièrement dépendant de la batterie et du sans‑fil.
• − Finition très plastique : solide en pratique, mais ne donne pas une impression premium.
• − Clarté un cran sous les modèles plus haut de gamme (Nova 7X, Nova Pro, etc.).

Si votre priorité, c’est d’avoir un casque sans fil qui suit naturellement vos allers‑retours entre PC et Steam Deck sans prise de tête, le Nova 3X mérite clairement une place en haut de votre liste.

Esoteric Ebb, mes 20 premières heures : un livre-jeu possédé par des dés (et c’est un compliment)

Mon premier contact avec Esoteric Ebb, je l’ai vécu comme un test de patience. Installation sur PC, je lance la partie, je crée mon clerc… et au bout de 45 minutes, je n’avais pas encore frappé quoi que ce soit. Pas de tutoriel de combat, pas de « va tuer dix rats ». Juste des dialogues, des jets de dés, et ma propre feuille de personnage qui me coupe la parole. J’ai eu cette petite voix qui dit : « si tout le jeu est comme ça, je vais décrocher ». Quatre sessions plus tard, à environ 18 heures de jeu au compteur, j’étais complètement happé. Et oui : tout le jeu est comme ça.

Je précise le contexte : j’ai joué sur PC (i5 + RTX 3060, 1440p, clavier-souris), en mode fenêtre, son au casque, et j’ai fini l’enquête principale une fois, puis recommencé une seconde run pendant quelques heures en changeant complètement mon build. J’adore Disco Elysium, j’ai un passé de rôliste papier (D&D, L’Appel de Cthulhu, etc.), et je suis du genre à tout lire, fouiller chaque entrée de codex. Autant dire que je suis exactement le public visé. Si vous ne l’êtes pas, il vaut mieux le savoir tout de suite : Esoteric Ebb ne fait aucun effort pour vous séduire autrement que par du texte, des dés et de la politique.

Une enquête de fantasy arcanepunk où vos stats n’arrêtent pas de la ramener

D’emblée, le pitch m’a plu : on joue « le Clerc », une sorte d’agent d’État spécialisé dans les phénomènes ésotériques, ressuscité après… eh bien, après une mort un peu floue. On débarque dans la ville de Norvik, coincée en plein tumulte politique – une élection historique, des tensions de classe, des mages syndiqués – et on doit enquêter sur l’explosion d’une maison de thé. Sauf que, comme dans Disco Elysium, l’enquête n’est qu’une excuse pour disséquer une société, un système, des gens paumés.

Le gros twist, c’est la façon dont vos attributs interviennent. Vous avez des stats très D&D dans l’esprit (Force, Dextérité, Intelligence, Sagesse, Charisme, Constitution) et un tas de compétences affiliées. Mais au lieu d’être juste des chiffres qui modifient des pourcentages, ce sont littéralement des voix dans votre tête. Elles interviennent dans les dialogues, se contredisent, vous tentent, vous sabotent. Genre :

[INTELLIGENCE (échec)] : Tu n’as absolument pas les références historiques pour comprendre ce que ce politicien sous-entend. Hoche la tête comme si tu suivais.

[CHARISME (réussite)] : Tu sens le moment parfait pour un petit sermon moralisateur qui le mettra dans les cordes.

Concrètement, quand un test se présente, un jet de dés apparaît (façon JDR papier), avec modificateur lié à ta stat et un indicateur de difficulté. Si ça passe, tu obtiens une réplique, une intuition, parfois un nouveau chemin de dialogue. Si ça loupe, c’est rarement un simple « échec ». C’est un autre embranchement, souvent embarrassant, mais presque toujours intéressant. Au bout de quelques heures, j’ai arrêté de recharger ma sauvegarde pour forcer les réussites, parce que les ratés créaient des scènes trop savoureuses.

Un moment marquant : lors d’une conversation avec une vieille naine témoin de l’explosion, j’ai raté un jet de Sagesse qui devait me permettre de sentir qu’elle mentait. Résultat, j’ai suivi sa version des faits trop longtemps, ce qui a fait dévier l’enquête vers un suspect complètement innocent. Sur le coup, j’ai pesté contre les dés, puis j’ai réalisé que le jeu venait de simuler, brillamment, un enquêteur qui se trompe de piste à cause de son propre biais. Je n’avais pas « perdu », j’avais vécu une histoire différente.

Un CRPG presque entièrement fait de dialogues (et c’est assumé à 200%)

Esoteric Ebb s’inspire clairement de Disco Elysium, mais il le transpose dans une fantasy très verbeuse, avec races classiques (elfes, nains, orcs) et une lore tellement épaisse qu’on pourrait assommer un troll avec l’encyclopédie in-game. On passe l’écrasante majorité du temps dans des écrans de dialogue, à lire, choisir des réponses, déclencher des jets de dés et parfois même lancer des sorts… toujours dans des conversations.

Oui, même le « combat » ressemble plus à un débat structuré qu’à un champ de bataille. Quelques rencontres se jouent en tours, avec des options de sortilèges, de posture, d’usage du décor, mais ça reste mis en scène comme un dialogue avancé, avec des répliques, des états mentaux, des concessions. À un moment, j’ai « affronté » un groupe de manifestants en colère devant un bureau de vote : techniquement, c’était un combat, mais j’ai passé mon temps à apaiser les leaders, menacer subtilement, rappeler des lois obscures… Le jeu me donnait des tours, des actions, des bonus de terrain, mais tout dans le texte, sans grille tactique ni déplacements de figurines.

Pour quelqu’un qui vient de Baldur’s Gate 3 ou Pathfinder, c’est déroutant. Moi, j’ai fini par adorer l’idée qu’un clerc puisse résoudre une « rencontre hostile » uniquement par la parole, la magie mentale et un ou deux miracles bien placés. Mais il faut être clair : si vous espérez un CRPG équilibré entre narration et combats, ce n’est pas ça. C’est un roman interactif extrêmement sophistiqué, avec un squelette de JDR sous le capot.

La magie, les dés et le build : un vrai personnage de JDR papier

L’un des trucs qui m’ont vraiment accroché, c’est la sensation de créer un personnage de table réelle. Au début, vous répartissez vos points d’attributs, choisissez des « domaines » divins, des compétences, des dons. Tout ça est très inspiré D&D 5e sans en être une copie mot pour mot. Ensuite, le Clerc prépare des sorts, que vous pouvez utiliser dans les dialogues : lire les pensées, forcer à dire la vérité, apaiser la douleur, renforcer votre présence.

Sur ma première run, j’ai fait un Clerc très Charisme/Sagesse, spécialisé dans les manœuvres sociales et la manipulation douce. Je me suis retrouvé à résoudre une bonne partie de l’enquête en me glissant dans la tête des suspects, en jouant sur la culpabilité religieuse, en promettant la rédemption… C’était jouissif, surtout quand un simple sort me donnait accès à une information que j’aurais mis deux heures de plus à soutirer sans.

Ma seconde run, en revanche, j’ai boosté Force et Constitution, avec un côté « bras armé » du culte. Là, certains dialogues ouvrent des options beaucoup plus directes : intimider physiquement, encaisser sans broncher, imposer le silence par la seule présence. Les dés restent au centre de tout, mais en changeant le build, j’ai vraiment senti la personnalité du Clerc se transformer, pas juste quelques lignes alternatives planquées dans un coin.

C’est là que le jeu se distingue : il arrive à rendre les jets de dés visibles, lisibles, tout en les intégrant dans une narration fluide. On voit la difficulté, le modificateur, la marge. On sait pourquoi on échoue. Et surtout, l’écriture est suffisamment solide pour qu’un échec reste intéressant à jouer. Très peu de CRPGs assument autant cette philosophie.

Le « Questing Tree » : un journal de quêtes qui ressemble au cerveau du Clerc

Autre trouvaille que je n’attendais pas : le fameux « Questing Tree », un arbre de quêtes qui fait office à la fois de journal, de carte mentale et, d’une certaine façon, de feuille de perso secondaire. Au lieu d’une liste de quêtes classique, vous avez un grand schéma : chaque fil de l’enquête, chaque relation, chaque piste est représenté par un nœud relié à d’autres. Au fur et à mesure, ça se déploie dans tous les sens.

Au bout de 10 heures de jeu, j’avais devant moi un arbre d’enquête qui ressemblait vraiment à ma propre compréhension de l’affaire. J’avais lié tel suspect à tel parti politique, tel événement à telle faction religieuse, etc. On peut cliquer sur un nœud pour relire un résumé, voir les choix possibles, les impasses, les réussites. C’est pratique pour se repérer, mais surtout, ça donne l’impression d’observer l’esprit du Clerc en train de cartographier le monde.

Ce système sert aussi de progression : certaines branches se débloquent grâce à des talents, à des décisions ou à des réussites de jets. Ce n’est pas un « arbre de compétences » dans le sens habituel, mais plutôt un réseau de conséquences. Quand j’ai finalement percé à jour la manipulation derrière l’explosion de la maison de thé, j’ai vu tout un pan de mon arbre se réorganiser, avec des connexions qui se redessinaient. Moment très satisfaisant, à la fois mécaniquement et narrativement.

Univers, ton et écriture : de la high fantasy, mais avec des dents

Sur le papier, Esoteric Ebb ressemble à de la fantasy assez classique : races familières, clergés, magie, guildes. Sauf que le ton est franchement plus mordant qu’attendu. Norvik a un parfum d’arcanepunk : technologie imprégnée de magie, politique urbaine, luttes de classes, questionnements sur la place des dieux dans une société moderne. On est plus proche d’un mélange entre Disco Elysium et un D&D politisé que d’un héroïc fantasy à la Tolkien.

L’écriture m’a accroché pour deux raisons. D’abord, elle réussit à être dense sans être hermétique. Il y a une encyclopédie intégrée, avec des termes soulignés dans le texte : on peut cliquer pour lire un article de lore quand on veut, ou juste ignorer. Au début, je cliquais sur tout, puis j’ai relâché et je me suis rendu compte que le jeu laissait filtrer l’essentiel par le contexte. Ensuite, le ton alterne constamment entre sérieux politique, mysticisme sincère et humour absurde.

Un exemple : au milieu d’un interrogatoire très tendu d’un candidat aux élections, mes attributs se sont mis à se chamailler entre eux, au point de transformer une question cruciale en débat interne sur la bonne manière de définir la « vertu ». Le politicien, lui, ne voyait que mon regard dans le vague. J’ai éclaté de rire devant mon écran, tout en réalisant que cette scène parlait d’un cleric sincèrement déchiré entre dogme et pragmatisme.

Il y a aussi des moments plus touchants, notamment dans les échanges avec les morts (oui, on peut leur parler). Un entretien avec la victime principale de l’explosion m’a vraiment scotché, parce que je me suis surpris à plaider autant pour sa paix personnelle que pour les besoins de mon enquête. Peu de jeux arrivent à rendre le simple fait de choisir un ton compatissant ou froid aussi lourd de conséquences émotionnelles.

Direction artistique et technique : modeste, malin, jamais envahissant

Visuellement, on est loin des superproductions. Esoteric Ebb est fait avec Unity par un seul développeur, et ça se sent… mais pas dans le mauvais sens. Les décors isométriques ont ce côté peint à la main projeté sur une géométrie 3D, avec des lumières dynamiques qui donnent beaucoup de personnalité aux intérieurs de maisons, de temples, de ruelles. Les personnages et objets dynamiques ont un cell-shading simple mais lisible.

Ce n’est pas un jeu qu’on lance pour se prendre une claque visuelle, mais il sait créer l’ambiance qu’il faut : une maison de thé cosy ravagée par une explosion magique, un bureau bureaucratique oppressant éclairé à la bougie, une place de marché où les banderoles politiques pendent entre deux tours branlantes. L’UI est fonctionnelle, un peu chargée par moments (surtout quand les jets de dés, les voix intérieures et les infobulles s’empilent), mais on s’y fait vite.

Niveau performance, sur ma machine moyenne-haut de gamme, c’était impeccable : 60 fps verrouillés sans souci, chargements rapides, aucun souci de crash. J’ai eu une fois un dialogue qui s’est figé (plus moyen de cliquer sur les options), mais un retour au menu et un rechargement de sauvegarde ont réglé le problème. Pour un projet solo de cette ampleur narrative, c’est franchement impressionnant.

Côté son, on est sur quelque chose de discret : musiques d’ambiance assez sobres, bruitages légers. Pas de doublage, et c’est un choix qui fait sens vu la quantité de texte à l’écran. Si vous avez besoin de voix pour rester investi, ce sera peut-être un frein ; personnellement, ça m’a rappelé mes CRPGs old school, où l’imagination faisait une partie du travail.

Un jeu incroyablement pointu… qui ne plaira pas à tout le monde

Après une vingtaine d’heures, je suis assez sûr d’une chose : Esoteric Ebb est un des meilleurs RPG de 2026… pour un cercle très précis de joueurs. Il ne cherche pas à séduire par l’action, par l’exploration libre ou par le spectacle. Tout est canalisé dans la conversation, la décision et le jet de dés.

Les limites sont claires :

• C’est extrêmement verbeux. Si vous lisez lentement ou que vous jouez fatigué, vous allez décrocher.
• La structure est assez resserrée : on enquête dans une ville, avec quelques zones, mais ce n’est pas un monde ouvert. Ceux qui aiment vagabonder seront frustrés.
• Le côté « échec intéressant » peut agacer les joueurs qui veulent optimiser. Si votre réflexe est de recharger au moindre jet raté, vous allez lutter contre vous-même.
• Pas de combats tactiques classiques, pas de loot porn, pas de construction de groupe : on joue un seul personnage, point.

De mon côté, ce radicalisme m’a justement plu. C’est un jeu qui sait exactement ce qu’il veut faire et qui ne se perd pas en chemin. Mais j’ai aussi ressenti une certaine fatigue vers la fin de mon premier run : enchaîner des dialogues aussi denses pendant plusieurs heures de suite, c’est épuisant. J’ai dû m’imposer des sessions plus courtes pour vraiment savourer.

Alors, pour qui est Esoteric Ebb, et vaut-il son prix ?

Esoteric Ebb tourne autour de 25 € sur Steam au moment où j’écris ces lignes. Pour ce tarif, vous avez une enquête principale qui peut facilement varier entre 12 et 20 heures selon votre rythme de lecture et de fouille, et une vraie rejouabilité si vous aimez tester d’autres builds et d’autres attitudes morales.

Si vous vous reconnaissez dans au moins deux points de cette liste, il y a de grandes chances que vous tombiez amoureux du jeu :

• Vous avez adoré Disco Elysium et vous rêviez d’une version fantasy assumant ses racines JDR.
• Vous aimez les systèmes de stats visibles, les jets de dés transparents, et vous êtes prêt à accepter l’échec comme partie intégrante de l’histoire.
• Vous appréciez les RPG centrés sur un seul protagoniste très écrit, plutôt que sur un groupe à gérer.
• Lire de gros blocs de texte ne vous fait pas peur, au contraire.

Si, au contraire, vous cherchez :

• Des combats tactiques réguliers.
• Un monde immense à explorer librement.
• Beaucoup de cinématiques, de mise en scène « triple A ».
• Un jeu à picorer cinq minutes de temps en temps.

… alors Esoteric Ebb risque de vous tomber des mains, malgré ses qualités.

Verdict : un futur jeu culte pour les rôlistes textophiles

En sortant de ma première partie, j’avais cette sensation rare d’avoir joué à quelque chose de profondément sincère. Esoteric Ebb, c’est le projet d’un seul développeur qui a pris tous les risques pour pousser une vision très particulière du RPG : un jeu où les attributs deviennent des personnages, où les conversations sont des donjons et où les dés dictent autant vos ratés que vos triomphes.

Ce n’est pas un jeu que je recommanderais aveuglément à tout le monde. Mais pour celles et ceux qui aiment vraiment le jeu de rôle comme exercice d’interprétation, de prise de position et de négociation avec un système de règles, c’est déjà un incontournable de 2026. Et pour être honnête, j’ai hâte de voir ce que ce développeur fera ensuite, tant Esoteric Ebb respire la passion du JDR sur chaque écran.

Note FinalBoss : 9/10 pour ce qu’il vise, 5/10 si vous détestez lire – mais si vous faites partie du premier camp, foncez.

TL;DR – Esoteric Ebb en bref

• CRPG solo ultra narratif, fortement inspiré de Disco Elysium mais transposé dans une fantasy arcanepunk.
• Dialogue systeme à base de stats qui parlent et de jets de dés visibles, avec échecs intéressants et conséquences réelles.
• Quasi tout le jeu se passe en conversations et en enquêtes ; combats rares et très textuels.
• « Questing Tree » brillant qui fait office de journal, de carte mentale et de réseau de conséquences.
• Écriture dense, politisée, souvent drôle, avec une encyclopédie intégrée pour la lore.
• Direction artistique modeste mais cohérente, excellente stabilité technique pour un projet solo.
• Expérience pointue et exigeante, à réserver aux joueurs qui aiment vraiment lire et jouer avec des systèmes de JDR papier.
• Pour ces joueurs-là, l’un des RPG les plus mémorables de 2026.