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J’arrive en retard à la fête, mais UNI2 squatte encore mon écran en 2026

Tu as parfaitement le droit de lever un sourcil : “Sérieux, un test de Under Night In-Birth 2 Sys:Celes en 2026 ?” C’est exactement ce que je me suis dit quand je l’ai enfin lancé sur mon PC, presque deux ans après sa sortie. J’avais déjà une garde-robe pleine de jeux de baston récents (Street 6, Tekken 8, Guilty Gear Strive…) et je pensais honnêtement que UNI2 allait juste passer, me plaire deux semaines, puis retourner dans le backlog.

Spoiler : ça ne s’est pas passé comme ça. Trois mois plus tard, c’est le seul fighter 2D qui reste installé en permanence sur ma machine. Entre ses sprites somptueux, son système de combos ultra libre, le fameux GRD qui transforme chaque round en jeu d’échecs sous amphétamines, et un netcode exemplaire, j’ai compris pourquoi la scène en parle encore autant.

En bref : pourquoi Under Night In-Birth 2 vaut encore le coup

• Combos ultra flexibles : presque tout se chaîne dans tous les sens, sans être dépendant d’auto-combos.
• Système GRD / Vorpal / Chain Shift unique qui récompense autant l’attaque que la défense intelligente.
• Mission mode et tutos très complets, parfaits pour apprendre sérieusement un perso.
• Netcode rollback propre, matchmaking encore actif en 2026, Replay Takeover ultra utile.
• Pixel art et animations 2D magnifiques, cast bourré de personnalité.
• Mais : mode histoire opaque, peu de contenu solo annexe, univers difficile à apprivoiser pour les nouveaux.

Mes premières heures : pris par la vitesse, puis par l’envie de m’acharner

Contexte : je viens des anime fighters “classiques” type Guilty Gear Xrd, BlazBlue, Melty Blood. J’aime les jeux rapides, avec des mécaniques cheloues à gérer en plus de la baston de base. Sur le papier, Under Night est pile là-dedans. En pratique, mes deux premières heures ont été un grand moment de : “OK, je ne vois rien, pourquoi tout le monde est déjà dans ma garde ?”

Le jeu va très vite. Les dashs fusent, les sauts sont nerveux, certains personnages te collent littéralement au pixel. Ma première session en ligne avec un Seth agressif m’a donné l’impression de jouer en accéléré : mixups gauche/droite, téléportations, et moi au milieu qui pensais encore à charger ma barre de GRD.

Mais là où beaucoup de jeux rapides peuvent décourager, UNI2 a eu l’effet inverse sur moi. Dès la fin de cette première soirée (une bonne 4-5 heures, pad Xbox branché sur PC, écran 144 Hz même si le jeu tourne logiquement en 60), j’avais déjà lancé le mode mission de Linne et Hyde “pour juste voir”, et je me suis retrouvé à grinder les défis jusque tard dans la nuit.

La raison est simple : le jeu est exigeant, mais il te donne immédiatement la sensation que tout peut devenir optimal si tu t’acharnes un peu. Chaque touche peut mener à un combo sérieux, même avec un niveau moyen. C’est rare, et extrêmement satisfaisant.

Un système de combos qui te lâche enfin la bride

Under Night 2 utilise un schéma à quatre boutons : léger, moyen, fort et une touche “Exs Action” multifonction (saut offensif, garde spéciale, charge de ressource…). Dit comme ça, rien de fou. Le truc, c’est la liberté de chaînage.

Dans la plupart des jeux, tu as une logique assez stricte : petit → moyen → gros, avec quelques variations. Ici, le jeu te regarde droit dans les yeux et te dit : “Vas-y, improvise.” Tu peux faire fort → léger, re-moyen derrière, repartir sur un coup spécial, puis super, tant que tu restes dans les limites de l’engine. Tu confirmes un petit poke un peu perdu au milieu de l’écran ? Tu peux souvent convertir en combo sérieux.

Après deux-trois heures en training, j’avais déjà une dizaine de routes possibles avec Linne selon la distance, avec ce petit sentiment grisant d’être “créatif” même en restant relativement basique. Pas besoin de s’en remettre à des auto-combos pré-faits pour avoir un rendu stylé. Et ça, ça change tout pour apprendre un nouveau perso : tu peux être dangereux rapidement, juste en comprenant la logique générale de ses coups.

Attention, ça ne veut pas dire que le jeu est facile. La marge entre “je fais 2-3 touches potables” et “j’optimise la moindre ouverture avec Chain Shift et gestion de ressource” est énorme. Mais même en jouant “sale” au début, tu as déjà la sensation de jouer au même jeu que les bons, pas à une version bridée.

GRD, Vorpal State, Chain Shift : le vrai cerveau du jeu

Le cœur de UNI2, ce n’est pas juste les combos. C’est cette fameuse jauge en bas de l’écran, le GRD, qui ressemble à deux barres de losanges qui se tirent la bourre. Au début, je l’ai complètement ignorée. Au bout de 10 heures, j’ai compris que c’était une erreur monumentale.

Concrètement, tu as une rangée de diamants de ton côté, et la même pour l’adversaire. Tout ce que tu fais dans le round nourrit ou vide cette jauge : avancer, attaquer, garder, utiliser la garde spéciale (le “Shield”), ou même rester immobile en maintenant la touche Exs pour “concentrer” et charger le GRD. À l’inverse, reculer trop, te faire toucher, ou voir tes coups bloqués par un Shield adverse te fait perdre des diamants.

Toutes les quelques secondes, un compteur au centre se termine et regarde qui a gagné ce mini bras de fer. Le vainqueur passe en Vorpal State : damage buff, et surtout accès au Chain Shift. Là, le jeu s’ouvre d’un coup : tu peux annuler la récupération de (presque) n’importe quel coup, récupérer une partie de ce GRD en jauge EXS (celle des supers et EX), et transformer une situation neutre en combo ou en pression monstrueuse.

La première fois que j’ai vraiment “vu” le GRD, c’était contre un Waldstein qui ne bougeait presque pas. Il avançait lentement, me bloquait avec des Shields propres, me faisait reculer à force de gros buttons. J’étais persuadé de “dominer” parce que je touchais plus souvent. En réalité, je me faisais voler le GRD cycle après cycle. À chaque Vorpal, il me choppait dans un coin avec Chain Shift pour prolonger la mise au sol. Je prenais trop cher, sans comprendre pourquoi.

C’est là que j’ai pris une soirée complète pour ne jouer que sur la gestion de GRD : avancer juste ce qu’il faut, accepter parfois de bloquer plutôt que de sauter, utiliser Shield avec parcimonie, et surtout ne plus reculer gratuitement. Le jeu change totalement de visage. Tu ne joues plus seulement contre ton adversaire, mais contre le timer du GRD. Et contrairement à beaucoup de mécaniques “avancées”, celle-ci est presque invisible pour un débutant : si tu t’en fiches, tu peux quand même t’amuser. Mais si tu t’y intéresses, c’est une profondeur monstrueuse qui s’ouvre.

Un cast barré et un pixel art qui n’a pas pris une ride

Je ne vais pas tourner autour du pot : visuellement, Under Night 2 m’a fait retomber amoureux du gros sprite 2D. En 2026, on est gavé de 3D stylisée façon ArcSys – que j’adore hein – mais voir des sprites aussi propres, aussi bien animés, ça fait un bien fou.

Le roster de base est déjà généreux et surtout ultra varié. Tu as le classique héros à épée (Hyde), des zoners dégueulasses qui remplissent l’écran (Hilda, que j’ai maudit plus d’une fois), le gros grappler aux bras grotesques (Waldstein, un monstre de charisme façon boss SNK), le ninja assassin ultra mobile (Seth), et des designs plus… hors-norme comme Minerva, toute en longs cheveux et mouvements exagérés. Chaque perso a une silhouette hyper lisible et une identité immédiatement reconnaissable.

Perso, je suis naturellement allé vers Linne, pur personnage rushdown. Son run est tellement rapide qu’elle traverse l’écran en un clin d’œil. Même en ne maîtrisant que ses options de base – dash, light, dash throw, petit overhead – je me suis déjà senti dangereux. Puis, en creusant le mission mode, j’ai commencé à caler des routes plus longues, à utiliser Chain Shift pour prolonger les pressings, et là, c’est devenu addictif.

Côté environnements, c’est moins spectaculaire que certains mastodontes récents, mais l’identité est forte : villes nocturnes, ciels violets, zones urbaines à moitié figées dans une nuit éternelle. L’ensemble colle parfaitement au ton “urban fantasy” du jeu. La bande-son, très électro / rock, accompagne bien l’action : certains thèmes sont devenus mes musiques de fond de training sans que je m’en rende compte.

Un mission mode qui fait vraiment le boulot pour progresser

Si j’ai accroché aussi longtemps, c’est en grande partie grâce aux outils d’apprentissage. UNI2 ne se contente pas d’un simple tuto générique du type “voici comment tu sautes et tu gardes”. On est beaucoup plus proche d’un “dojo” complet.

Tu as d’abord un tutoriel système qui explique proprement toutes les mécaniques (GRD, Vorpal, Chain Shift, Shield, Assault, etc.) avec des exercices concrets. Rien que ça m’aurait évité pas mal de souffrance si je l’avais pris au sérieux dès le début au lieu de foncer en ligne comme un idiot.

Mais le vrai bijou, c’est le mission mode par personnage. Pour chaque membre du roster, tu as une série de défis qui commence par les bases (petits combos de proximité) et monte progressivement vers des routes plus élaborées :

• combos de low rapides au corps à corps ;
• combos à partir de ton poke le plus long ;
• routes anti-air spécifiques ;
• routes de coin, pour quand tu as coincé l’adversaire ;
• versions “optimisées” de combos déjà vus, qui rajoutent une touche, un cancel, un super, un Chain Shift.

Ce que j’ai adoré, c’est la façon dont ça construit un vrai gameplan. En finissant la liste de Linne, je n’avais pas seulement “appris des combos”. J’avais une idée claire de quoi faire à chaque distance et dans chaque situation. Les derniers défis, qui mélangent Chain Shift, super, et gestion de ressources, sont de vrais mini-examens de fin de cursus.

Je ne vais pas dire que tout est parfait : l’interface est un peu austère, et le jeu ne dit pas toujours explicitement pourquoi tel combo est intéressant stratégiquement. Mais comparé à la majorité des jeux de baston, UNI2 coche toutes les cases pour qu’un joueur motivé puisse vraiment progresser sans aller chercher des docs ailleurs.

Netcode, online et Replay Takeover : ta salle d’arcade perso

Je joue principalement sur PC, en filaire, région Europe. En 2026, je trouve encore des matchs classés en quelques secondes à n’importe quelle heure raisonnable, ce qui est déjà une bonne surprise pour un jeu de niche. Mais le vrai point fort, c’est la qualité du rollback.

Sur une cinquantaine de matchs classés et pas mal de sets en salon avec des amis (distance 500–1500 km grosso modo), j’ai rarement eu plus que quelques rollback visuels ici ou là. Rien d’ingérable, et surtout aucune de ces sensations de “téléportation permanente” qu’on se tape encore trop souvent ailleurs. Même sur Switch, testée rapidement chez un pote, le jeu tenait la route tant que tout le monde était en Ethernet ; le souci vient plutôt, comme toujours, des joueurs en Wi-Fi.

Les salons sont simples mais efficaces, les options de rematch sont rapides, et le classement donne juste assez de carotte pour continuer à grimper sans transformer ça en usine à gaz. Mais la feature qui m’a le plus marqué, c’est le Replay Takeover.

Tu peux revoir n’importe quel replay et, à l’instant que tu veux, prendre le contrôle d’un des deux personnages. La première fois que je l’ai utilisé sérieusement, c’était après m’être fait ouvrir dix fois de suite par le même setup de Seth : un cross-up quasi invisible dans le coin, qui finissait systématiquement en combo 40% + oki.

En Replay Takeover, j’ai rejoué la séquence en boucle, en testant différentes options : backdash, reversal invincible, Shield, mash… C’est là que j’ai trouvé la frame où un reversal bien timé sortait proprement. La fois suivante où je suis tombé sur ce setup en ligne, j’étais prêt. Ce genre d’outil change réellement la façon d’apprendre ses matchups ; tu ne subis plus juste tes défaites, tu peux les disséquer.

Solo et histoire : un mur de jargon pour peu de récompense

Là où UNI2 m’a clairement moins convaincu, c’est sur la partie solo / narration. L’univers d’Under Night est ancien, dense, et ce deuxième épisode est censé conclure un long arc. Résultat : si tu n’as pas suivi les épisodes précédents, on te jette des termes comme “Hollow Night”, “EXS” ou “In-Birth” à la figure sans vraiment t’expliquer.

Le mode histoire est essentiellement une succession de dialogues assez verbeux entrecoupés de combats. Il n’y a quasiment aucun effort pour remettre les nouveaux dans le bain, pas d’encyclopédie claire ni de résumé accessible. Au bout de quelques chapitres, j’ai commencé à zapper les textes pour retourner en training, ce qui est dommage parce qu’on sent qu’il y a un vrai lore derrière.

Côté contenu solo pur, c’est le strict minimum : arcade, score attack, time attack, survie… Rien de honteux, mais si tu viens d’un Street Fighter 6 avec son mode aventure ou d’un Mortal Kombat blindé de modes annexes, tu vas trouver l’offre assez maigre. On sent clairement que le jeu est pensé avant tout pour le versus et le training, et très peu pour le joueur qui veut surtout jouer offline contre l’IA et suivre une histoire.

Technique et plateformes : ça tourne bien presque partout

Sur mon PC (Ryzen récent, RTX milieu de gamme, SSD), UNI2 tourne comme un charme. C’est un jeu 2D assez léger techniquement, donc même une config modeste fera l’affaire. Les chargements sont ultra courts, le framerate est verrouillé en 60 fps comme il se doit pour un fighter, et je n’ai jamais eu de crash en une cinquantaine d’heures.

Sur PlayStation 5, que j’ai pu essayer chez un ami, l’expérience est très proche : 60 fps stables, temps de chargement quasi inexistants. Sur Switch, l’image est plus floue, surtout en dock, et les sprites perdent un peu de leur finesse, mais la fluidité reste correcte. Clairement, si tu veux profiter au mieux du pixel art, PC ou PS5/PS4 restent les meilleures options, mais le port Switch fait le boulot pour jouer en portable ou en mode canapé occasionnel.

Pour qui Under Night In-Birth 2 est-il vraiment fait ?

Après ces dizaines d’heures, je vois assez bien à qui je peux conseiller UNI2 sans hésiter, et à qui je dirais d’y réfléchir à deux fois.

Si tu aimes déjà les jeux de combat, que tu n’as pas peur d’apprendre un système un peu tordu, que tu adores l’idée de décortiquer tes replays, de bosser des routes de combos en mission mode, et que l’online compétitif ne te fait pas peur : fonce. UNI2 est, à mes yeux, l’un des meilleurs fighters 2D “anime” modernes, point.

Si en revanche tu cherches surtout :

• un gros mode histoire cinématique,
• plein de modes solo variés,
• ou un univers immédiatement lisible sans avoir à accepter une avalanche de jargon,

tu risques de trouver le package un peu sec. On est plus proche d’un jeu de baston “à l’ancienne”, taillé pour les gens qui veulent grinder, que d’un produit pensé pour un très grand public cherchant un solo bien emballé.

Verdict : un des meilleurs versus 2D modernes, malgré ses angles morts

Arriver sur Under Night In-Birth 2 Sys:Celes en 2026 m’a permis de le juger avec un peu de recul, à froid, en dehors de la hype de la sortie. Et honnêtement, même face aux mastodontes sortis depuis, il tient largement la comparaison.

Ses forces sont claires : un système de combat à la fois explosif et cérébral grâce au GRD, des combos d’une liberté rare, un cast au caractère affirmé, des outils d’apprentissage sérieux et un online solide porté par un rollback fiable et un Replay Takeover génial. C’est exactement le genre de jeu qui peut rester installé des années si tu accroches à sa logique.

Ses faiblesses le sont tout autant : un habillage solo rachitique, une histoire hautement opaque pour les nouveaux venus, et très peu de choses à faire si tu n’as pas envie de t’investir dans le versus. C’est assumé, mais ça limite clairement le public.

Pour moi, ça reste malgré tout un incontournable du genre. Pas le jeu de baston que je conseille à quelqu’un qui débute complètement, mais un choix de luxe pour quiconque a déjà un pied dans le milieu et cherche un jeu profond à creuser sur le long terme.

Note personnelle : 9/10 – Un fighter 2D brillant, exigeant et durable, qui sacrifie le grand spectacle solo pour offrir un terrain de jeu parfait aux joueurs passionnés.

TL;DR

• Ce que j’ai adoré : combos ultra libres, système GRD/Vorpal/Chain Shift unique, mission mode très complet, pixel art superbe, netcode rollback solide, Replay Takeover ultra pratique.
• Ce qui m’a frustré : histoire illisible pour les nouveaux, modes solo maigres, univers balancé sans pédagogie, interface un peu austère.
• Pour qui ? : joueurs de versus qui veulent un anime fighter profond, technique et pensé pour le long terme. À éviter si tu cherches surtout un gros mode histoire ou un jeu de baston “casual” de soirée.

Phanteks XT V3 : mon nouveau chouchou Micro-ATX surprise

Je ne pensais pas m’enthousiasmer autant pour un boîtier à 60 £ / 66 $. Franchement. Pourtant après quelques soirées passées à monter, démonter, rerouter des câbles et bench dans le Phanteks XT V3, je me suis surpris à me dire : « ok, c’est peut‑être l’un des meilleurs plans actuels pour un build compact et pas trop cher. »

Je suis un gros fan des formats réduits depuis des années. J’ai eu des Mini‑ITX ultra serrés façon Fractal Design Terra, des cubes improbables, des tours ATX raccourcies… mais là, ce XT V3 tape pile où il faut : Micro‑ATX, compact mais pas étouffé, capable d’accueillir des composants modernes sans devoir sortir la Dremel, et vendu au prix d’un bon ventirad.

Je l’ai monté sur mon bureau habituel, coincé entre un écran 27″ et une pile de boîtes de GPU (oui, je garde tout, c’est maladif), et dès le premier allumage avec les trois ventilateurs RGB inversés au plancher, je me suis dit que Phanteks tenait quelque chose de très sérieux dans cette gamme de prix.

En bref : ce qu’il faut retenir du Phanteks XT V3

• Boîtier Micro‑ATX compact (~46 × 23,5 × 37 cm) qui tient bien sur un bureau sans l’encombrer.
• Support de cartes mères ITX et Micro‑ATX, GPU jusqu’à ~430 mm de long et 175 mm de large.
• Jusqu’à 7 ventilateurs de 120 mm, dont 3 RGB reverse-blade déjà fournis au plancher.
• Support d’un radiateur de 360 mm au top, plus un 120 mm à l’arrière.
• Alimentation ATX (jusqu’à 150 mm) installée en haut, avec câble de rallonge intégré vers l’arrière.
• Airflow étonnamment bon pour un boîtier vitré, grâce à la convection verticale.
• Finition correcte mais clairement orientée budget : plastique un peu cheap, intérieur très sobre.
• Stockage limité à 2× 2,5″ et 1× 3,5″ seulement.
• Quelques particularités pas intuitives pour l’installation de l’alim, à connaître pour éviter de s’énerver.
• Autour de 66 $ / 60 £, ce qui en fait un des meilleurs rapports refroidissement/compatibilité/prix en Micro‑ATX.

Design, format et première prise en main

Mon premier contact avec le XT V3, c’est son gabarit. Phanteks annonce un format compact autour de 460 × 235 × 370 mm, suivant les fiches. Les mesures varient d’une doc à l’autre au millimètre près, mais en pratique, on est clairement sur une tour Micro‑ATX ramassée qui n’a rien du monolithe ATX classique.

Posé sur le bureau, il prend à peu près autant de place qu’un gros Mini‑ITX type NZXT H3 Flow, mais offre un peu plus de volume intérieur pour respirer. La façade est en plastique avec panneau avant vitré (sur la version V3), ce qui ne respire pas le luxe comme un Terra en alu brossé, mais pour un boîtier à ce tarif, je n’allais pas chipoter. Une fois allumé, entre le verre latéral et le plancher illuminé par les trois ventilateurs RGB, l’ensemble a honnêtement bien plus de gueule que ce que le prix laisse imaginer.

À l’avant, on a le minimum vital bien pensé : un USB 3.0 Type‑A, un USB‑C 3.2 Gen2x2, et un combo casque/micro. Le genre de détail qui fait plaisir sur un boîtier budget : combien de châssis à 100 € se contentent encore de deux pauvres USB 3.0 ?

Compatibilité : petit boîtier, composants modernes

Sur le papier, le XT V3 coche à peu près toutes les cases que j’attends d’un boîtier compact moderne :

• Cartes mères Micro‑ATX et Mini‑ITX (y compris avec connecteurs à l’arrière).
• 4 slots d’extension horizontaux.
• GPU jusqu’à 430 mm de long et 175 mm de large (donc les cartes quatre slots massives passent sans problème).
• Jusqu’à 7 ventilateurs de 120 mm (3 en haut, 3 en bas, 1 à l’arrière).
• Radiateur jusqu’à 360 mm au toit, plus un 120 mm à l’arrière.
• Alimentation ATX jusqu’à 150 mm de long.
• Stockage : 2× 2,5″ et 1× 3,5″, tous fixés derrière le plateau de carte mère.

Dans ma config de test, j’ai installé :

• CPU : Intel Core i9‑14900K
• Carte mère : MSI MPG Z790I Edge WiFi (Mini‑ITX)
• RAM : 32 Go DDR5 6000 MHz
• GPU : une GeForce RTX 5060 Ti 16 Go (format assez long, triple ventilateur)
• SSD : Samsung 990 Pro 2 To en M.2
• Refroidissement CPU : AIO NZXT Kraken Elite 240 RGB en top (puis en front pour comparer)
• Alim : 1000 W NZXT C1000 Gold

J’ai ensuite remplacé la 5060 Ti par une carte quad‑slot plus longue histoire de voir si le boîtier allait hurler « stop ». Il n’a absolument rien dit : la carte est entrée sans que je doive forcer sur aucun câble. Le dégagement vertical grâce au PSU monté en haut laisse beaucoup de place au GPU, surtout avec les ventilateurs au plancher qui soufflent directement dessus.

Honnêtement, c’est là que le XT V3 « surperforme » pour son gabarit et son prix : on est loin des Mini‑ITX ultra serrés où chaque millimètre se négocie. On garde un encombrement raisonnable, mais on peut mettre dedans un CPU très chaud, une grosse carte graphique et un AIO 360 mm sans se retrouver en mode puzzle infernal.

Expérience de montage : malin, mais avec son petit caractère

Le montage m’a pris un peu plus de temps que d’habitude, non pas parce que le boîtier est mal fichu, mais parce qu’il a sa logique bien à lui. Une fois qu’on la comprend, ça devient fluide, mais la première fois, j’ai pas mal tourné autour.

Tout commence par le toit : on enlève le panneau supérieur en le faisant coulisser vers l’arrière. Dessous, on découvre la structure nue, avec les emplacements pour le radiateur de 360 mm et l’alimentation. C’est aussi là que se trouvent deux vis cruciformes qui maintiennent les panneaux de verre latéraux. On retire ces vis, on déclipse doucement les deux vitres et on les met à l’abri. Ensuite, on a accès au panneau avant, lui aussi vissé sur le côté.

Je trouve ce système très malin pour le transport : une fois les vitres revissées par le haut, elles ne bougeront pas d’un millimètre dans un carton. On sent que Phanteks a pensé à la réalité des expéditions et des déménagements.

Côté backplate, on a quelques touches bienvenues pour un boîtier de cette gamme :

• Un cache pour la zone alimentation, qui sert aussi de planque parfaite pour les nappes en trop et, dans mon cas, un contrôleur de ventilateurs NZXT.
• Les deux caddies de stockage (un pour 2× 2,5″, un pour 1× 3,5″) accessibles facilement.
• Des ancrages de colliers rilsan à des endroits utiles (pas partout, mais suffisamment pour faire une gestion de câbles correcte).

La partie la plus « particulière » du XT V3, c’est clairement l’alimentation. Elle se monte horizontalement, en haut du boîtier, et se visse par le toit. Un câble de rallonge interne vient ensuite la relier à la prise d’alim située à l’arrière, juste au‑dessus de l’I/O de la carte mère.

Deux points importants à connaître si vous ne voulez pas répéter mes erreurs :

• Branchez tous vos câbles modulaires avant de visser l’alim en haut. Une fois en place, accéder aux ports modulaires est une galère sans nom.
• N’oubliez pas de mettre l’interrupteur de l’alim sur « On » avant de refermer le boîtier. Je me suis déjà retrouvé à pester sur un « PC mort‑né » qui était juste… éteint côté PSU, caché sous le toit.

Ma méthode qui a le mieux marché après quelques essais : installer la carte mère, l’AIO et les ventilateurs, tirer tous les câbles (24‑pins, EPS, PCIe, SATA), les faire ressortir dans la zone alimentation, puis seulement à la fin visser l’alim au toit et la brancher. Le GPU vient vraiment à la toute dernière étape. De cette façon, je n’ai quasiment pas juré.

Petit bonus très appréciable : Phanteks fournit un support anti‑sag pour la carte graphique. Vu les monstres quad‑slots qu’on se trimballe en 2026, c’est loin d’être un gadget.

Airflow et températures : la convection comme philosophie

Ce qui m’a le plus surpris avec le XT V3, c’est à quel point il respire bien pour un boîtier qui n’est pas vendu comme un « airflow case » à façade mesh. Tout repose sur un concept très simple : trois ventilateurs de 120 mm en bas, trois en haut, un à l’arrière, et on laisse la convection faire le reste.

Phanteks fournit d’origine trois 120 mm RGB reverse‑blade au plancher. Ce sont des modèles orientés pour aspirer l’air par le haut et le propulser vers le bas, ce qui permet de les garder visuellement jolis tout en créant un énorme flux d’air frais directement vers le GPU et l’AIO. Rien que ce pack de trois coûterait dans les 20 $ en retail, donc le voir inclus dans un boîtier à 66 $, c’est vraiment un cadeau.

En configuration « idéale », avec un AIO 360 mm en extraction au toit, un ventilateur 120 mm à l’arrière et les trois ventilateurs de sol en admission, on obtient un tunnel vertical très efficace : l’air froid entre par le bas, passe sur la carte graphique, traverse le radiateur CPU et ressort par le haut. Dans mes tests, le 14900K est resté dans des valeurs raisonnables pour un boîtier compact, et la carte graphique était sensiblement plus fraîche qu’en montage classique front‑intake dans un boîtier ATX moyen de gamme.

Sans aller jusqu’à sortir la sonde et faire un graphe, la différence se sent très vite à l’oreille : les ventilateurs de la carte graphique restaient moins souvent au taquet, notamment en charge prolongée sur des jeux bien lourds. C’est là qu’on voit que le format Micro‑ATX bien ventilé est souvent plus malin qu’un petit Mini‑ITX étouffé où tout tourne 24/7 à fond.

Il y a toutefois un revers : le boîtier est très percé à l’arrière, avec une multitude d’aérations sans aucun filtre. Le plancher est protégé par un filtre amovible (facile à nettoyer), mais le dos, lui, avalera forcément un peu de poussière avec le temps. Concrètement, ça veut dire sortir la bombe à air comprimé un peu plus souvent que sur un boîtier plus fermé.

Bruit, RGB et quotidien

Au quotidien, le XT V3 se fait assez discret tant qu’on reste sur un profil de ventilation raisonnable. Les trois ventilateurs fournis ne sont pas les plus silencieux du marché, mais ils ne sont pas non plus des turbines low‑cost horribles. À régime moyen, avec un 14900K et une carte de milieu/haut de gamme, on entend surtout un souffle régulier, sans vibrations ni bruits parasites particuliers.

Côté RGB, Phanteks reste sobre : c’est surtout le plancher qui attire l’œil. Avec les pales inversées, on profite des anneaux lumineux sans voir la structure « pas très sexy » des ventilateurs. Si vous avez un AIO ou des barrettes de RAM RGB, l’ensemble donne un petit côté vitrine plutôt sympa pour un boîtier budget. Et si vous détestez les lumières, un simple passage par votre contrôleur (ou un débranchement) règle le problème.

Finitions, stockage et petits défauts

À force de manipuler le boîtier, les concessions dues au prix finissent par se voir. La façade en plastique fait un peu creux quand on la démonte, l’intérieur est peint de manière assez basique, et certaines tranches métalliques mériteraient un léger ébavurage. On est loin de la sensation premium d’un châssis en aluminium brossé et acier épais, mais vu le tarif, je trouve que Phanteks a mis le budget là où ça compte : structure globalement solide, panneaux de verre bien ajustés, gestion de l’air sérieuse.

Le vrai compromis qui m’a fait tiquer, c’est le stockage. Deux slots 2,5″ et un seul 3,5″, c’est très peu si vous avez l’habitude d’empiler disques et SSD SATA. Il y a quelques années, je n’aurais pas vu le problème : tout passer en M.2 NVMe était la voie naturelle, et les prix suivaient. Mais avec la hausse des tarifs NAND dopée par les datacenters IA, je regarde mes vieux HDD et SSD SATA avec un peu plus de tendresse ces derniers temps.

Si vous êtes du genre à garder une grosse bibliothèque Steam sur plusieurs disques mécaniques, le XT V3 ne sera pas l’ami de vos 4 To de 3,5″. En revanche, pour un build moderne typique – un ou deux M.2 + un disque 2,5″ ou un 3,5″ pour l’archivage – ça passe très bien.

Enfin, je reviens une dernière fois sur l’alimentation, parce que c’est à mon avis le seul vrai point noir d’ergonomie du boîtier. Au bout de deux montages, on s’y fait, mais pour un premier build, ce positionnement en haut, combiné au câble de rallonge et au manque d’accès aux ports modulaires une fois vissé, peut vraiment surprendre. Ce n’est pas rédhibitoire, simplement un truc à savoir avant d’acheter.

Micro‑ATX is back : à qui s’adresse le XT V3 ?

Ce qui me plaît énormément avec le XT V3, c’est qu’il s’inscrit dans ce retour en grâce du Micro‑ATX. Entre les Mini‑ITX ultra compacts type Fractal Design Terra (superbes, mais exigeants côté refroidissement) et les grosses tours ATX souvent surdimensionnées, le format mATX redevient un sweet spot très pertinent.

Concrètement, je vois trois profils pour lesquels ce boîtier fait particulièrement sens :

• Le joueur qui veut un PC costaud mais compact : grosse carte graphique, CPU capable de streamer ou de faire un peu de création, mais pas envie d’une tour géante sous le bureau. Le XT V3 coche toutes les cases.
• Le monteur au budget serré : pour un setup Micro‑ATX avec AIO 240/360 mm, grosse GPU et une ou deux unités de stockage, ce boîtier permet de garder une enveloppe très raisonnable tout en gardant des températures correctes.
• Le fan de SFF qui veut respirer un peu : si vous venez d’un Mini‑ITX très serré, ce boîtier donne l’impression de soudainement avoir de l’oxygène, sans basculer vers un format tour classique.

Je le recommanderais moins pour :

• Les personnes qui ont besoin d’énormément de stockage interne (plusieurs HDD 3,5″) ;
• Ceux qui veulent absolument un extérieur ultra premium, alu massif, zero plastique ;
• Les allergiques au dépoussiérage, qui préfèrent les boîtiers très fermés avec filtres partout.

TL;DR : le Phanteks XT V3 en 6 points

• Excellent rapport qualité/prix : ~66 $ / 60 £ avec trois ventilateurs RGB déjà inclus.
• Format compact mais suffisamment volumineux pour accueillir gros GPU, AIO 360 mm et alimentation ATX.
• Airflow très solide grâce au plancher ventilé et à la convection verticale, parfait pour les configs gourmandes.
• Montage globalement agréable, avec quelques particularités (alimentation en haut) à apprivoiser.
• Stockage limité : 2× 2,5″ et 1× 3,5″ seulement, à garder en tête.
• Finitions utilitaires mais honnêtes pour le prix, pas de fioritures mais l’essentiel est bien là.

Verdict final : un boîtier budget qui joue dans la cour des grands

Après plusieurs heures de montage, de tests et de vie quotidienne avec le Phanteks XT V3 sur mon bureau, je garde surtout une impression de boîtier extrêmement rationnel. Rien n’est vraiment superflu, tout est pensé pour caser des composants modernes dans un volume réduit sans sacrifier le refroidissement, et le tout pour un prix qui reste, en 2026, étonnamment bas.

Oui, la façade plastique sonne un peu creux. Oui, j’aurais aimé un emplacement de plus pour un disque 3,5″. Oui, l’alimentation en haut demande un peu de méthode. Mais en face, on a un airflow sérieux, une compatibilité GPU quasi totale, un support d’AIO 360 mm, trois ventilateurs RGB inclus, un support anti‑sag… pour un tarif où beaucoup de concurrents ne sont même pas livrés avec un seul ventilateur correct.

Dans une période où les prix des composants partent souvent en orbite, avoir un châssis Micro‑ATX capable, compact, bien ventilé et abordable fait vraiment du bien. Pour moi, le Phanteks XT V3 est clairement l’un des meilleurs choix actuels si vous voulez un petit PC sérieux sans exploser le budget boîtier.

Note finale : 9/10. Il ne gagnera pas un concours de luxe, mais pour ce qu’il coûte et ce qu’il permet de faire, c’est un vrai petit héros du PC gaming compact.

Un disque dur Astro Bot sur ma PS5 : j’y croyais à peine…

Je ne pensais pas un jour sourire comme un idiot en branchant… un disque dur. Et pourtant, c’est exactement ce qui s’est passé quand j’ai posé le Seagate Astro Bot Limited Edition Game Drive à côté de ma PS5.

Contexte perso : ma PS5 (modèle standard, stockage interne d’origine) arrivait en permanence au bord de la saturation. Entre Astro Bot, Helldivers 2, quelques mastodontes de 100 Go et un backlog PS4 qui refuse de mourir, je passais mon temps à supprimer, retélécharger, transférer. Quand j’ai commencé à envisager un SSD M.2 de 4 To et que j’ai vu des prix qui frôlent les 650 $ pour certains modèles “premium”, j’ai reposé la carte bleue immédiatement.

C’est là que ce petit bloc blanc de 5 To, officiellement licencié Astro Bot, est entré dans ma vie. J’ai vécu avec pendant un peu plus de deux mois, branché à la PS5 en quasi-permanence, avec un petit détour sur mon PC pour les benchmarks. Et la conclusion est assez simple : ce n’est pas magique, ce n’est pas un SSD, mais pour le prix et pour ce qu’il fait, c’est diablement malin… et beaucoup trop mignon.

Mon problème de place sur PS5 : pourquoi 5 To, ce n’est pas “trop”

Avant de parler design, un mot sur l’usage. La PS5 a beau être vendue comme une console 1 To, on sait tous que l’espace réellement utilisable est bien plus réduit une fois le système installé. Ajoutez quelques jeux PS5 qui dépassent les 80 Go, quelques patchs bien gras, des captures vidéo, et ça explose très vite.

Dans mon cas, c’est un patch d’Astro Bot (ironique) et une mise à jour de Final Fantasy VII Rebirth qui ont tout fait basculer. Message classique : “Vous n’avez plus assez d’espace de stockage.” J’ai commencé à virer des jeux PS4 auxquels je tenais, juste “au cas où” je voudrais y revenir. The Witch and the Hundred Knight Revival Edition, Prey, quelques jeux de baston… tous éjectés à contre-cœur.

Je savais déjà qu’un disque dur USB sur PS5 ne peut pas lancer les jeux PS5 (Sony l’interdit), seulement les stocker. En revanche, il peut lancer directement les jeux PS4. L’idée était donc claire : transformer ce Seagate Astro Bot 5 To en “grenier” géant pour mes jeux PS4 + stockage froid pour mes plus gros jeux PS5 que je ne joue pas tout de suite.

5 To, dit comme ça, ça paraît démesuré. En pratique, c’est exactement ce qu’il me fallait pour arrêter de faire du Tetris de stockage tous les week-ends. J’ai transféré quasiment toute ma bibliothèque PS4 (plus d’une cinquantaine de jeux) dessus, et il me restait encore de la marge pour stocker des mastodontes PS5 en attente.

Design : le fantasme de tout fan d’Astro Bot

Premier choc : le look. Je m’attendais à un simple disque dur blanc avec un sticker Astro Bot collé dessus. On en est loin. Seagate a clairement poussé le délire jusqu’au bout, et ça se voit sous tous les angles.

La face supérieure affiche Astro, fier, mains sur les hanches, avec une planète en arrière-plan. Aux quatre coins, de faux boulons dessinés donnent vraiment l’impression de tenir un morceau de hardware tout droit sorti du jeu. On dirait un objet de collection que tu ramasserais dans un niveau de Team ASOBI, plus qu’un simple périphérique.

Sur la tranche, on retrouve deux grands “yeux” bleus qui rappellent la voiture-DualSense qu’Astro pilote dans le jeu, et – clin d’œil sympa – les mêmes yeux que sur la manette DualSense Astro Bot en édition limitée. Juste en dessous, une bande de LED bleue s’allume quand le disque est en activité. Sur le modèle noir standard de Seagate, cette barre lumineuse faisait un peu gadget ; ici, avec le thème Astro, tout s’imbrique parfaitement.

Le dos, qu’on ne regarde presque jamais une fois le disque branché, n’a pas été oublié : silhouette argentée d’Astro, logos Astro Bot et Seagate alignés… Le moindre centimètre est pensé pour flatter les fans. Et croyez-moi, pour quelqu’un qui a retourné Astro’s Playroom et Astro Bot sur PS5, ça fonctionne à fond.

Niveau gabarit, on est sur un petit bloc très compact et léger (environ 266 g), un peu plus épais qu’un smartphone mais moins encombrant qu’une boîte de jeu PS5. Dans la boîte, on trouve :

• le disque dur 5 To,
• un câble USB 3.0 d’environ 45 cm (18 pouces),
• un petit pack de stickers Astro Bot,
• un code pour PlayStation Plus Premium (durée indiquée sur le coupon).

Les stickers et le code PS Plus Premium, c’est le genre de bonus qui fait plaisir quand on aime l’univers PlayStation. Mais clairement, c’est le design du disque en lui-même qui m’a fait sourire à chaque fois que je jetais un œil au meuble TV.

Installation : plug-and-play, mais un câble un peu trop court

Côté mise en route, RAS : c’est du véritable plug-and-play. Je branche le disque sur un port USB de la PS5, la console reconnaît immédiatement un “périphérique de stockage USB” et propose de le formater pour les jeux PS4 et les applications PS5. Deux clics plus tard, c’est prêt.

En pratique, le seul vrai défaut ergonomique vient du câble. Ses 45 cm sont largement suffisants si votre PS5 est en position verticale, posé juste à côté. Dans ce cas, le Game Drive se cale très bien à la base de la console, les yeux et la LED bien visibles.

En revanche, pour une installation horizontale (mon cas dans le salon), c’est tout de suite plus galère. La longueur de câble impose quasiment de poser le disque sur la PS5 elle-même ou vraiment collé juste devant. Pendant quelques jours, j’ai fait le choix douteux de laisser le HDD carrément posé sur la coque de la console. Mauvaise idée : la PS5 chauffe un minimum, et même si le disque ne semblait pas souffrir, ce n’est vraiment pas une pratique que je recommande.

Au final, j’ai déplacé un peu mon meuble pour pouvoir déposer le disque juste à côté, en bordure, sans tension sur le câble. Si vous avez un setup un peu serré ou une PS5 planquée dans un meuble TV, prévoyez clairement une rallonge USB ou un emplacement très proche.

Benchmarks et usage réel : un HDD qui fait le job sans traîner la patte

Sur PC, j’ai commencé par un tour classique sous CrystalDiskMark pour voir ce que le Seagate Astro Bot a dans le ventre. Résultat : autour de 144 Mo/s en lecture séquentielle et 142 Mo/s en écriture, ce qui est parfaitement dans la moyenne pour un disque dur USB 3.0 2,5 pouces. On est évidemment à des années-lumière du SSD interne de la PS5, mais ce n’est pas le but.

Là où ça devient intéressant, c’est sur la console. J’ai fait plusieurs séries de tests chronométrés sur des jeux PS4, lancés soit depuis le Game Drive, soit depuis le SSD interne de la PS5.

Sur Prey (version PS4, environ 41 Go), je mesurais le temps entre l’appui sur “Jouer” sur le menu PS5 et l’arrivée au menu principal du jeu. Sur trois essais consécutifs, j’obtenais des temps qui tournaient autour de :

• environ 35 secondes depuis le Seagate Astro Bot Game Drive,
• un peu moins de 33 secondes depuis le SSD interne de la PS5.

Sur The Witch and the Hundred Knight Revival Edition, un RPG PS4 plus léger (un peu plus de 3 Go), l’écart était encore plus faible : un peu plus de 26 secondes depuis le HDD contre à peine au-dessus de 25 secondes depuis le SSD interne.

En gros : on parle de 1 à 3 secondes d’écart selon le jeu. Manette en main, si je ne savais pas d’où le jeu était lancé, je serais incapable de deviner juste au ressenti. Tant qu’on reste sur des titres PS4, le gouffre entre SSD interne et HDD USB n’est pas aussi dramatique qu’on pourrait l’imaginer.

Côté transferts, j’ai chronométré la copie de Prey (un peu plus de 40 Go) du Game Drive vers le SSD interne : environ 6 minutes. The Witch and the Hundred Knight (3,3 Go) mettait dans les 30-40 secondes. Pour des déplacements ponctuels, ça reste tout à fait vivable. Pour un gros jeu PS5 de 80–100 Go stocké sur le HDD, comptez un bon quart d’heure pour le rapatrier sur le SSD avant de jouer – c’est à garder en tête si vous êtes du genre à tout lancer “sur un coup de tête”.

Point important à rappeler :

• Jeux PS4 : peuvent être installés et lancés directement depuis le Seagate Astro Bot Game Drive. C’est là qu’il brille vraiment.
• Jeux PS5 : peuvent être stockés sur le disque, mais doivent être copiés sur le SSD interne (ou un SSD M.2) pour être lancés.

C’est la règle Sony, ce n’est pas une limitation spécifique à Seagate. Tant qu’on utilise ce disque pour ce qu’il est – un énorme coffre-fort pour PS4 + archive pour PS5 – on ne tombe pas dans le piège de lui reprocher de ne pas être un SSD.

5 To de capacité : la fin du Tetris de stockage

Seagate annonce que le disque peut stocker “jusqu’à 60 jeux épiques”, en mélangeant PS4 et PS5. C’est évidemment très approximatif, tout dépend si vous êtes plutôt gros AAA récents à 100 Go ou indés à 5–10 Go. Mais dans l’idée, le chiffre n’est pas déconnant.

Dans mon cas, j’ai installé dessus :

• tout mon backlog PS4 (du gros RPG au petit jeu de baston),
• une bonne dizaine de jeux PS4 récupérés via PS Plus Premium,
• quelques jeux PS5 volumineux mis en “stand-by” pour plus tard,
• et une poignée de sauvegardes locales + captures que je voulais garder à portée.

Le tout, sans jamais me retrouver à racler le fond des 5 To. Pour la première fois depuis des mois, la section “Stockage” de ma PS5 n’était plus une source d’angoisse, mais quelque chose que je pouvais ouvrir sans réfléchir à ce que j’allais devoir sacrifier.

Autre usage bonus : branché sur mon PC, le Astro Bot Game Drive a très bien servi de disque d’appoint pour stocker quelques jeux Steam et sauvegarder des captures PS5 exportées. Rien d’exotique côté compatibilité : pour Windows, ça reste un disque USB 3.0 classique.

Prix, SSD M.2 et conjoncture : le triomphe du bon sens

À l’heure où j’écris ces lignes, le Seagate Astro Bot Limited Edition Game Drive 5 To est affiché à 159,99 $ / 149,99 £

Oui, ça reste une somme pour un simple disque dur. Mais comparons ce qui est comparable. Un SSD M.2 4 To “haut de gamme” pour PS5, type Samsung 990 Pro avec dissipateur, se balade autour de 649,99 $ en ce début 2026, notamment à cause des pénuries de certains composants mémoire. Même en allant chercher des modèles un peu moins premium, les 4 To restent hors de prix pour la plupart des joueurs.

Face à ça, ce Game Drive Astro Bot propose :

• 5 To de stockage pour moins de 160 $,
• une compatibilité totale avec la PS5 et la PS4,
• un code PS Plus Premium en bonus,
• et un design collector qui ne se contente pas d’être “un rectangle noir de plus”.

Ce n’est pas une alternative directe à un SSD M.2 si votre priorité absolue est de lancer plus de jeux PS5 sans jamais déplacer quoi que ce soit. Mais pour tous ceux qui :

• ont un énorme backlog PS4,
• aiment garder beaucoup de jeux installés “au cas où”,
• refusent de mettre plus de 300–400 € dans du stockage,
• et ont un faible pour l’univers Astro Bot,

c’est une proposition franchement raisonnable.

Autre détail qui joue en sa faveur : par rapport au Game Drive Seagate “classique” non Astro Bot, la différence de prix est minuscule (environ 10 $/€). Pour une édition limitée sous licence officielle, c’est presque étonnant de ne pas voir un surcoût débile. Là, on paie grosso modo le même prix, avec un objet qui a vraiment de la personnalité.

Les limites à garder en tête

Tout n’est pas parfait, évidemment. Quelques points m’ont un peu agacé ou limité dans mon usage :

• Impossible de lancer les jeux PS5 directement : ce n’est pas une surprise, c’est une limite officielle de Sony, mais il faut l’intégrer dès le départ. Si vous détestez l’idée de devoir copier un jeu avant d’y jouer, ce n’est pas pour vous.
• Câble USB vraiment court : sur une PS5 couchée ou dans un meuble, ça devient vite casse-pieds. Une rallonge USB 3.0 règle le problème, mais c’est un achat en plus.
• Reste un disque dur mécanique : même s’il est discret, il n’est pas totalement silencieux dans un salon très calme. Rien de dramatique, mais ce n’est pas le silence absolu du SSD interne.

Malgré ça, sur deux mois d’utilisation intensive, je n’ai eu aucun souci de déconnexion, ni de fichiers corrompus, ni de comportement bizarre. Le disque est resté stable, reconnu instantanément à chaque allumage de la console.

Pour qui ce Seagate Astro Bot Game Drive a vraiment du sens ?

Après avoir vécu avec ce disque, je vois trois profils qui vont vraiment en tirer le maximum :

• Les collectionneurs de jeux PS4 : si votre backlog PS4 est monstrueux et que vous êtes abonné à PS Plus Premium, c’est le paradis. Vous installez tout dessus, vous laissez le SSD interne respirer.
• Les fans d’Astro Bot et de l’esthétique PlayStation : honnêtement, si vous aimez l’univers Astro, c’est un des plus beaux accessoires “officiels” que j’ai vu autour de la PS5. Il habille littéralement le meuble TV.
• Les joueurs qui veulent de la capacité avant tout : si votre priorité, c’est le coût au To et la possibilité de stocker des dizaines de jeux sans vous ruiner, ce produit coche toutes les cases.

À l’inverse, si vous êtes du genre à ne jouer qu’à 2 ou 3 jeux à la fois, que vous n’avez quasiment pas de bibliothèque PS4 et que vous préférez l’ultra-rapidité partout, vous avez probablement plus intérêt à économiser pour un SSD M.2 2 To ou 4 To, même cher.

Verdict final : un HDD ultra mignon, terriblement pragmatique (8/10)

Après deux mois avec le Seagate Astro Bot Limited Edition Game Drive, j’ai surtout retenu une chose : il a fait disparaître la charge mentale du stockage sur ma PS5. Je n’ai plus besoin de négocier avec moi-même pour savoir quel jeu sacrifier à chaque mise à jour. Et en bonus, il me donne le sourire à chaque fois que je le vois.

Non, ce n’est pas un produit parfait. Il ne remplacera jamais un bon SSD M.2 si votre objectif est de jouer à plus de jeux PS5 en même temps sans aucune manip. Le câble trop court sur certaines installations est franchement pénible. Mais pour le tarif, la capacité, la stabilité et le soin apporté au design, difficile de faire la fine bouche.

Si je devais résumer : c’est un accessoire qui ne réinvente rien techniquement, mais qui coche très bien une case très précise dans l’écosystème PS5 d’aujourd’hui, alors que les prix des SSD s’envolent et que les bibliothèques de jeux explosent.

Note finale : 8/10 – Un énorme coffre-fort à jeux PS4 et PS5, habillé aux couleurs d’Astro Bot, qui fait exactement ce qu’on lui demande, avec style, pour un prix encore raisonnable.

TL;DR – Faut-il acheter le Seagate Astro Bot Limited Edition Game Drive ?

• + Design Astro Bot ultra soigné : un des plus jolis accessoires PS5 officiels que j’ai vus.
• + 5 To de capacité : parfait pour stocker un énorme catalogue PS4 et archiver des jeux PS5.
• + Installation plug-and-play : reconnu instantanément par la PS5.
• + Performances honnêtes : temps de chargement PS4 très proches du SSD interne.
• + Prix bien placé : bien plus abordable que les SSD M.2 4 To actuels.
• + Bonus sympas : stickers Astro Bot + code PS Plus Premium.
• − Impossible de lancer les jeux PS5 depuis le disque (stockage uniquement).
• − Câble USB trop court pour certains setups, surtout en position horizontale.
• − Reste un HDD mécanique : un léger bruit en environnement très silencieux.

Si vous avez une grosse ludothèque PS4, un abonnement PS Plus bien rempli, et que l’idée de voir Astro Bot squatter votre meuble TV vous fait sourire, ce Game Drive 5 To est une excellente façon de doper la capacité de votre PS5 sans exploser votre budget.

Mon retour dans le Commonwealth, cette fois dans le train Switch 2

Je connais Fallout 4 par cœur. Je l’ai poncé sur PC à sa sortie, moddé jusqu’à le faire exploser, puis relancé sur consoles actuelles avec le patch « nouvelle génération ». Quand Bethesda a annoncé l’Anniversary Edition comme titre de lancement sur Switch 2, j’ai eu la même réaction que beaucoup : « OK, mais est-ce que ça tient vraiment dans les mains, ou c’est une version au rabais façon Skyrim sur Switch 1.0 ? »

J’ai donc passé une bonne trentaine d’heures à (re)parcourir le Commonwealth sur Switch 2, moitié en docké sur une TV 4K, moitié en portable, Pro Controller vissée aux mains. Et ce qui ressort, c’est un grand écart permanent : d’un côté, un RPG toujours monstrueux en contenu, plutôt agréable techniquement pour une machine Nintendo ; de l’autre, un portage qui traîne des casseroles de 2015, avec des bugs parfois grotesques et quelques oublis côté fonctions spécifiques à la console.

Un RPG toujours massif, même dix ans plus tard

Pour celles et ceux qui découvrent Fallout 4 avec cette version : on parle d’un open world post-apo gigantesque situé dans le Commonwealth, une version irradiée de Boston et de sa région. On incarne un parent arraché à sa petite vie proprette des années 2070, cryogénisé dans l’Abri 111, qui se réveille pour assister au meurtre de son/sa conjoint·e et à l’enlèvement de son bébé. En sortant de l’abri, le monde a viré au cauchemar : mutants, pillards camés jusqu’aux yeux, factions rivales, robots détraqués… et au milieu, vous, à la recherche de votre gamin.

La première fois que je suis sorti de l’Abri 111 sur l’écran OLED de la Switch 2, ça m’a fait bizarre : ce moment que j’ai vécu trois ou quatre fois sur d’autres machines, je le tenais enfin littéralement dans la main. La vision de Sanctuary en ruines, le ciel cramé, le vent qui fait claquer les tôles… OK, ça n’a rien d’un jeu 2026, mais l’ambiance fonctionne toujours.

On retrouve le mélange habituel de tir à la première personne et de V.A.T.S., ce système qui fige (ou ralentit beaucoup, selon vos réglages) le temps pour cibler précisément les membres des ennemis. Sur Switch 2, le feeling des armes reste correct, surtout au pad, même si on sent que tout ça vient d’un moteur et d’animations qui datent. Là où le jeu tient encore la route, c’est sur sa structure RPG : montée de niveau libre, spécialisation via le fameux tableau de perks S.P.E.C.I.A.L., armes et armures à bricoler sur l’établi, et surtout quantité de quêtes et d’activités.

Quêtes, factions et ces détours qui valent tout l’or du monde

Très vite, la quête principale (retrouver Shaun) passe au second plan. C’était déjà le cas à l’époque, ça n’a pas changé. L’écriture du fil rouge reste l’un des aspects les plus faibles du jeu : assez prévisible, un peu forcée émotionnellement, et plombée par quelques twists qui ont mal vieilli quand on a goûté à Fallout: New Vegas.

Par contre, dès qu’on lâche le GPS et qu’on part en diagonale, Fallout 4 rappelle pourquoi je m’y perds toujours aussi facilement. Sur cette version Switch 2, je me suis retrouvé à refaire des classiques comme l’enquête autour de la mystérieuse famille Cabot, ou la petite folie de la Silver Shroud, où l’on joue un justicier radio old-school en costume de série B. Même en connaissant les ressorts, ces quêtes gardent un charme fou, avec ce mélange de noirceur, d’absurde et de critique sociale qui définit la série.

Les grandes factions sont toujours là : la Confrérie de l’Acier et son militarisme autoritaire, l’Institut planqué sous terre avec sa vision techno-élitiste, le Rail qui tente de sauver les synthétiques, et les Minutemen façon milice citoyenne en loques. On peut pousser chacune de ces routes assez loin avant de devoir vraiment choisir son camp, et cette souplesse fonctionne bien en nomade : je lançais une petite session de 40 minutes dans le train juste pour « avancer une quête de faction », et je me réveillais deux heures plus tard à l’autre bout de la carte avec mon plan complètement oublié.

Les colonies : l’Animal Crossing nucléaire que personne n’avait demandé

Très vite, Preston Garvey vient vous coller aux basques et vous faire découvrir les colonies. On pose des murs, des lits, des tourelles, on branche des générateurs, on gère la nourriture et le moral… Sur le papier, j’avais détesté ça en 2015, trouvant que ça parasitait le cœur du jeu. Sur Switch 2, je dois admettre que le concept prend une saveur différente.

Assis sur le canapé, Switch 2 en mode portable, j’ai fini par tomber exactement dans le piège : « Allez, je refais juste Sanctuary proprement, avec de vraies maisons, et j’arrête. » Deux heures plus tard, j’étais en train d’aligner des lampadaires, de tirer des câbles électriques partout, et de maudire le système de construction toujours aussi approximatif. L’interface, pensée clavier-souris à la base, reste lourde au pad, et rien n’a été repensé pour l’écran tactile ou des contrôles plus modernes.

Le côté « love it or hate it » est toujours là : si vous ne supportez pas le crafting et l’optimisation de colonies, vous pouvez très largement ignorer ce pan du jeu. Si au contraire vous avez des envies d’architecte post-nuke, l’Anniversary Edition vous gave généreusement d’éléments supplémentaires via les packs d’atelier (structures, décorations, pièges, etc.). Sur Switch 2, ça reste une machine à perdre des heures, pour le meilleur ou pour le pire.

Les DLC dans la poche : Far Harbor en vedette

L’un des gros points forts de cette Anniversary Edition sur Switch 2, c’est qu’elle embarque tout : les six packs d’extension majeurs, plus une tonne de contenus Creation Club. Concrètement, dès le début de partie, votre Pip-Boy se remplit de signaux radio et de marqueurs vers de nouveaux arcs narratifs.

Automatron arrive tôt et vous permet de construire des compagnons robots complètement custom, ce qui change pas mal la dynamique en combat. Nuka-World est toujours ce grand parc d’attractions déglingué, à la fois fascinant et frustrant dans sa façon de vous pousser vers le côté raider. Mais la vraie star reste Far Harbor.

J’ai lancé Far Harbor en portable un soir au lit, en me disant que j’allais juste « voir le début ». Mauvaise idée. L’ambiance brumeuse de l’île, la relation avec Nick Valentine, les tensions entre colons humains, synthétiques et enfants d’Atom… tout respire plus la nuance que la campagne principale. Les nouveaux ennemis, la topographie plus verticale, les quêtes qui questionnent vraiment vos choix moraux : même en 2026, c’est un des meilleurs morceaux de Fallout moderne. Et pouvoir y replonger en mode nomade, sans compromis majeur, c’est clairement l’argument qui justifie cette version pour les fans.

Portage Switch 2 : trois modes de perf, un compromis qui tient la route

Côté technique, j’arrivais avec une certaine méfiance. Après le lancement très moyen de Skyrim sur la première Switch 2 l’an dernier, je m’attendais à un Fallout 4 bancal. Bonne surprise : sur le plan des performances brutes, c’est globalement solide, surtout pour un titre aussi gros.

Le jeu propose trois modes dans les options graphiques :

• un mode 30 fps orienté qualité visuelle, avec une résolution plus haute et une image plus nette ;
• un mode 40 fps « équilibré », pensé pour l’écran 120 Hz de la console ;
• un mode 60 fps qui sacrifie pas mal de netteté pour garder la fluidité.

En docké, sur ma TV 4K, le mode 30 fps est le plus propre visuellement : les textures lointaines sont moins baveuses, la distance d’affichage tient la route, on sent que la résolution dynamique monte assez haut (jusqu’en 1440p d’après les mesures de la presse spécialisée). Le 60 fps donne un vrai gain de réactivité, mais l’image devient assez floue dans les zones chargées, et en portable c’est vraiment visible.

Du coup, j’ai fini comme beaucoup par bloquer sur le mode 40 fps. En pratique, c’est un bon compromis : la fluidité est très confortable sur l’écran 120 Hz de la Switch 2, et l’image garde une netteté correcte en docké comme en portable. Il y a bien quelques micro-chutes dans les zones ultra-denses (centre de Boston, combats avec dix mutants et des explosions partout), mais rien de dramatique sur l’ensemble de ma partie.

Les temps de chargement sont raisonnables pour un jeu Bethesda : clairement plus courts que dans mes souvenirs PS4/Xbox One, même si on reste loin de la vitesse d’un SSD de console actuelle haut de gamme. Pour un usage « je lance une quête dans le train, j’enchaîne deux voyages rapides », ça passe très bien.

Point important : Bethesda a déjà annoncé un patch pour activer le DLSS sur les modes 40 et 60 fps, censé améliorer la netteté sans sacrifier la fluidité. Au moment où j’écris ces lignes, ce patch n’est pas encore disponible, donc mon avis se base sur la version day one. Difficile de juger l’impact à venir, mais sur le principe, c’est une bonne nouvelle pour ceux qui privilégient le 60 fps.

Les bugs, ces compagnons de route qu’on n’avait pas invités

Et c’est là que le bât blesse. Si la base technique du portage est honnête, Fallout 4 sur Switch 2 traîne les mêmes vieux démons que sur les versions précédentes. Dans certains cas, on a vraiment l’impression que rien n’a été retouché depuis 2015.

L’exemple le plus agaçant de ma partie : un bug qui a purement et simplement désactivé mon sprint pendant plusieurs heures. Plus de course possible, même avec l’endurance pleine, même après changement de manette et reboot de la console. Traverser le Commonwealth au pas dans des zones infestées de Deathclaws, je ne le recommande à personne. En fouillant un peu, on se rend compte que c’est un bug déjà connu… et manifestement jamais corrigé en dur.

À côté de ça, j’ai eu droit à tout le bestiaire Bethesda : dialogues qui ne se déclenchent pas, scripts de quêtes qui restent bloqués tant qu’on ne recharge pas la sauvegarde, compagnons coincés dans le décor, ragdolls qui s’envolent dans le ciel sans raison, effets sonores qui disparaissent après un voyage rapide… Sans parler de quelques crashs secs au menu principal ou en plein chargement, suffisamment fréquents pour que je prenne le réflexe de sauvegarder manuellement avant chaque fast travel important.

On peut arguer que « c’est Fallout, c’est comme ça », et qu’au bout de 200 heures ces soucis se diluent dans le flot d’anecdotes. Sauf qu’on parle ici de la première vraie apparition d’un Fallout principal sur une console Nintendo. Pour beaucoup de joueurs et joueuses, c’est une porte d’entrée dans la série. Et les accueillir avec ce niveau de finition, en 2026, c’est franchement dommage.

Contrôles Switch 2 : où sont passés le gyro et les options modernes ?

Autre angle mort surprenant : l’absence totale de fonctionnalités spécifiques à la Switch 2. Pas de visée gyroscopique, pas de petit ajustement de précision à la manette, pas d’option de contrôle pensée pour le tactile en mode portable, rien. On se retrouve avec un mapping de touches très proche des versions Xbox/PlayStation, point.

Sur un FPS/RPG où la visée fine est importante, et alors que la série a toujours brillé souris en main sur PC, ça laisse un goût d’inachevé. J’aurais adoré pouvoir affiner mon tir au fusil de précision avec un petit coup de poignet façon Splatoon, ou manipuler l’atelier de colonies au tactile pour éviter de lutter avec le curseur. Rien de tout ça ici.

Côté ergonomie pure, les menus n’ont pas été modernisés non plus. Le Pip-Boy reste fonctionnel, mais la navigation au stick manque parfois de réactivité, et quelques sous-menus (modification d’armes, gestion de l’inventaire) auraient mérité un lifting pour une utilisation nomade. Ce n’est pas injouable, loin de là, mais quand on voit ce que d’autres ports Switch (2) ont réussi à faire en termes d’adaptation d’UI, on se dit qu’il y avait de la marge.

Pour qui vaut-il le coup sur Switch 2 ?

Avec cette version, j’ai eu l’impression de vivre un paradoxe permanent. D’un côté, je me surprenais encore à enchaîner les quêtes, à improviser des builds débiles (fusil à pompe + jetpack d’armure assistée en portable, un vrai bonheur), à m’attacher une nouvelle fois à certains compagnons. La formule Fallout 4, avec ses qualités et ses défauts, reste redoutablement accrocheuse, surtout quand on peut l’emporter partout.

De l’autre, chaque crash, chaque bug de script, chaque petit détail technique daté me rappelait que ce portage aurait pu – et dû – aller plus loin dans le polish et l’adaptation à la console. On sent une vraie générosité en termes de contenu (jeu + tous les DLC + packs d’ateliers + Creation Club), une base technique globalement saine, mais aussi un manque d’amour sur la finition.

Si vous n’avez jamais touché à Fallout 4 et que vous ne jouez que sur Nintendo, cette Anniversary Edition sur Switch 2 reste malgré tout une porte d’entrée très solide : vous en avez pour des centaines d’heures, avec certains des meilleurs arcs secondaires de la série, un monde vaste et cohérent, et une version portable qui tient étonnamment bien la route en 40 fps.

Si vous avez déjà le jeu sur PC ou sur consoles concurrentes, surtout avec mods ou mise à jour next-gen, la question se résume à une chose : avez-vous vraiment besoin d’y jouer dans le train ou au fond du canapé, quitte à accepter plus de bugs et moins de confort de contrôle ? Si la réponse est oui, ce portage fera le job, mais il ne vous fera pas oublier les versions plus propres.

Verdict : un mastodonte RPG enfin nomade, mais plombé par ses vieux démons

Après ces longues heures à errer dans le Commonwealth version Switch 2, mon avis est assez clair : c’est un portage généreux et globalement respectable sur le plan technique pur, mais qui manque d’efforts sur deux points cruciaux en 2026 : la correction des bugs historiques et l’exploitation des forces de la console.

Je me suis régalé à refaire Far Harbor dans le train, à improviser une mini-forteresse à Sanctuary en mode portable, ou à redécouvrir des quêtes secondaires que j’avais oubliées. J’ai aussi pesté à voix haute quand mon sprint a décidé de faire grève, quand une quête s’est bloquée pour la troisième fois, ou quand le jeu a renvoyé ma colonie dans le menu d’accueil.

Si vous acceptez cette loterie technique, Fallout 4: Anniversary Edition sur Switch 2 reste un énorme morceau de RPG comme on en voit peu sur consoles Nintendo. Mais pour une première mainline Fallout sur la plateforme, on était en droit d’espérer un peu plus de soin.

Note : 7/10

TL;DR – Fallout 4 Anniversary Edition sur Switch 2

• Un contenu monstrueux : jeu de base, tous les DLC (Far Harbor, Nuka-World, Automatron…), packs d’ateliers et Creation Club inclus.
• Un portage techniquement correct : trois modes (30/40/60 fps), 40 fps très confortable sur l’écran 120 Hz, résolution dynamique qui tient la route.
• Le plaisir de Fallout en nomade : quêtes secondaires toujours excellentes, ambiance post-apo intacte, parfait pour les longues sessions en portable.
• Mais des bugs d’un autre âge : scripts qui plantent, bugs de gameplay (sprint), crashs occasionnels, rien de tout ça n’a vraiment été nettoyé.
• Peu d’amour pour la Switch 2 : aucune visée gyroscopique, aucune adaptation tactile, UI vieillotte inchangée.
• Recommandé si vous êtes prêt à tolérer ces défauts pour avoir tout Fallout 4 dans votre sac à dos ; dispensable si vous possédez déjà une version PC/next-gen propre.

Un an avec le Ryzen 7 7800X3D : quand la CPU arrête enfin de brider tes jeux

Dans mon ancien PC, c’était toujours la même histoire : GPU à 60-70 %, CPU à 95-100 %, et ces petites chutes de FPS au pire moment – en plein teamfight, en fin de partie de stratégie, ou sur la grille de départ d’une course. J’avais beau changer de carte graphique, optimiser Windows, jouer avec les paramètres, le vrai goulot d’étranglement, c’était le processeur.

Depuis un peu plus d’un an, mon setup tourne sur un AMD Ryzen 7 7800X3D. Et, très honnêtement, ça a complètement inversé le rapport de force : maintenant, ce sont systématiquement la carte graphique ou le jeu lui‑même qui lâchent avant la CPU. Dans Cyberpunk 2077, dans Baldur’s Gate 3, dans des trucs bien plus CPU‑vores comme Anno ou Cities: Skylines, je vois rarement le 7800X3D passer au-dessus de 50–60 % de charge en jeu.

On est en 2026, AMD a déjà dégainé ses Ryzen 9800X3D puis 9850X3D, et pourtant, dans ma tour, je n’ai jamais ressenti la moindre envie de le remplacer. C’est exactement ce que j’attends d’un composant “référence” : tu l’installes une fois, tu joues, et tu l’oublies.

Ma config et mes jeux de test : le contexte avant les grands discours

Pour situer un peu, voilà la machine sur laquelle j’ai vécu avec ce 7800X3D :

• Ryzen 7 7800X3D, configuration stock (PBO auto, pas d’overclock sauvage)
• 16 Go puis 32 Go de DDR5 (6000 MHz, timings assez serrés)
• Au fil des mois : d’abord une RTX 4070 Ti, puis une carte du calibre RTX 4080 / RX 7900 XTX
• Écran 1440p 165 Hz, et un second écran 4K 120 Hz pour tester
• Refroidissement : ventirad double tour classique, rien de démentiel

Mes jeux “référence” pour juger une CPU, ce ne sont pas seulement les triple‑A jolis. J’ai tourné sur :

• Cyberpunk 2077 avec RT et upscaling
• Des simus / jeux très chargés en physique comme Assetto Corsa Competizione ou iRacing
• De la stratégie / gestion lourde : Anno, Cities: Skylines, Total War
• Des shooters compétitifs comme Apex, Valorant, CS2 pour regarder les FPS minimums à très haut framerate

La constante, quel que soit le jeu : la sensation que je ne suis plus jamais limité par le processeur. Et ça, ça faisait longtemps que ça ne m’était pas arrivé sur une machine “grand public”.

3D V‑Cache en vrai, pas sur le papier : pourquoi le 7800X3D aime tant les jeux

On lit partout “3D V‑Cache”, “96 Mo de L3”, “stacking vertical”… Très bien. Mais dans la pratique, qu’est‑ce que ça change pour toi qui lances un jeu le soir ?

Pour faire simple : le cache L3, c’est la mémoire ultra rapide juste à côté des cœurs du processeur. Normalement, elle est limitée. Avec les modèles X3D, AMD ajoute une grosse brique de cache empilée au-dessus, en 3D, comme si on posait un étage supplémentaire sur un immeuble. Résultat : au lieu d’avoir un petit tampon, tu as un énorme “bloc-notes” de données directement sous la main de la CPU.

Les jeux sont particulièrement sensibles à ça, parce qu’ils jonglent en permanence avec une tonne d’informations : position de chaque ennemi, trajectoires de projectiles, état du monde, IA, pathfinding, etc. Plus le processeur peut garder ces infos dans son L3, moins il doit aller les chercher dans la RAM, beaucoup plus lente.

Concrètement, ça s’est traduit chez moi par des choses très visibles :

• Dans des scènes de ville ultra denses (Night City sous la pluie, centre‑ville dans Spider‑Man), les chutes de FPS que je voyais avant ont quasiment disparu.
• Sur Total War ou Anno avec des centaines d’unités et de bâtiments, le framerate reste étonnamment stable en zoomant / dézoomant rapidement.
• Dans les jeux compétitifs en 1080p low (pour pousser le framerate à fond), le processeur ne se met pas à genoux, même quand la carte graphique se tourne les pouces.

Le point clé, c’est que le 3D V‑Cache ne sert pas qu’à gonfler le nombre de FPS moyens sur un graphique marketing. Là où je l’ai vraiment senti, c’est sur les FPS minimums – ce qu’on appelle souvent les “1 % low” ou “0,1 % low” dans les benchs.

Les FPS minimums : le vrai game changer au quotidien

Quand tu passes d’un processeur classique à un 7800X3D, tu ne te réveilles pas forcément avec +50 FPS moyens sur tous les jeux. Par contre, ce qui saute aux yeux (et surtout à la manette / la souris), ce sont les moments où ça ne **rame plus**.

Le meilleur exemple chez moi, c’est un mélange de sim‑racing et de stratégie :

• Sim‑racing : plein de voitures IA, météo dynamique, départ de course sous la pluie. Avant, j’avais systématiquement une micro‑chute de fluidité au moment du feu vert, le temps que tout le monde se mette en mouvement. Avec le 7800X3D, le départ reste d’une fluidité déroutante. Les FPS ne s’envolent pas magiquement, mais le plancher est plus haut.
• Jeux de gestion : sur une énorme partie d’Anno, quand la ville commence à devenir ridicule de taille, le zoom rapide provoquait toujours des saccades. Là, le framerate ne reste pas parfait, mais il reste “jouable” bien plus longtemps, sans ces coups de frein brutaux qui cassent le rythme.

C’est le genre de différence qu’on ne voit pas toujours dans un tableau de benchs mais qu’on ressent immédiatement : tu as moins de micro‑lags et davantage cette sensation de “beurre” quand tu bouges la caméra ou la souris.

Ce qui m’a surpris aussi, c’est à quel point le processeur reste “cool” au sens figuré : même sur des sessions très longues, je ne le vois pas se mettre à surchauffer, throttle ou se mettre à ventiler comme un fou. Et ça, c’est lié à un autre point fort du 7800X3D : son efficacité énergétique.

50–80 W en jeu, et c’est tout : efficacité énergétique de dingue

Je surveille systématiquement la conso et les températures via un overlay MSI Afterburner / HWInfo. Sur la plupart de mes jeux, le 7800X3D tourne tranquillement entre 50 et 80 W en charge de jeu. Pour un 8 cœurs / 16 threads moderne, c’est franchement ridicule – dans le bon sens.

J’ai eu des générations Intel récentes qui pouvaient monter à 180–200 W sans forcer dès qu’on poussait un peu les FPS. Là, même en laissant le PBO d’AMD gérer tout seul, la puce reste mesurée, et ça se sent partout :

• Températures : avec un bon ventirad double tour, je reste généralement vers 60–70 °C en jeu intensif, parfois un peu plus sur les gros titres, mais jamais dans le rouge.
• Bruit : comme la chaleur à évacuer est modérée, je peux laisser des courbes de ventilation très tranquilles. Mon PC est franchement silencieux en jeu, alors que la carte graphique bosse comme une mule.
• Facture d’électricité : difficile de quantifier sans un wattmètre dédié, mais quand tu joues beaucoup, passer d’une plateforme qui tape des pointes à 250–300 W CPU+CM à quelque chose de beaucoup plus contenu, ça finit par se voir.

Ce côté “efficace sans chauffer” a un autre effet bonus : la sérénité. Après plus d’un an, je n’ai pas eu à me battre avec des voltages, des limites de puissance ou des profils exotiques. Je l’ai monté, j’ai activé le profil EXPO de la RAM, et c’est tout.

Plateforme AM5, stabilité, chauffe : la vie quotidienne avec le 7800X3D

Je suis du genre à garder une plateforme plusieurs années et à faire évoluer la carte graphique au fil du temps. De ce point de vue, le 7800X3D sur AM5, c’est exactement ce que je voulais :

• Stabilité : zéro crash imputable à la CPU en un an. Les rares plantages que j’ai eus venaient d’overlays, de drivers GPU ou de jeux en bêta, jamais du processeur.
• Mises à jour BIOS : AM5 a eu ses débuts un peu chaotiques, mais aujourd’hui, les BIOS sont mûrs. Les profils EXPO passent bien, la gestion des tensions est saine, et je n’ai rien eu à bidouiller de spécial pour que tout tourne.
• Évolutivité : la plateforme gère le PCIe 5.0, la DDR5, bref, tout ce qu’il faut pour faire vivre plusieurs générations de GPU et de SSD.

Côté températures, rien à signaler de dramatique. Oui, comme toutes les Zen 4, il peut flirter avec des températures “élevées” en charge synthétique (Cinebench, etc.), mais en jeu, c’est très contenu. Je n’ai jamais ressenti le besoin de passer sur une AIO 360 mm ou des solutions extrêmes : un bon ventirad milieu / haut de gamme fait parfaitement l’affaire.

Pour ceux qui, comme moi, jonglent entre jeu, un peu de streaming et quelques tâches de productivité (montage léger, Photoshop, etc.), les 8 cœurs tiennent largement la route. Si tu fais du rendu 3D ou de la vidéo 4K en pro, d’autres CPU plus musclés seront plus adaptés, mais pour un joueur qui crée un peu de contenu à côté, le compromis est très confortable.

Et face aux Ryzen 9800X3D, 9850X3D et autres nouveautés en 2026 ?

La vraie question en 2026, ce n’est pas “Le 7800X3D est‑il bon ?” – il l’est. C’est plutôt : “Faut‑il encore l’acheter alors que les 9800X3D et 9850X3D existent ?”

Les nouvelles générations Zen 5 X3D sont objectivement plus rapides, surtout si tu cherches à gratter le moindre FPS à 360 Hz en 1080p sur des jeux compétitifs. On parle en général de gains à deux chiffres sur certains titres, avec toujours les avantages du 3D V‑Cache, mais…

…le souci, c’est le prix. Les modèles comme le Ryzen 7 9800X3D ou 9850X3D visent clairement le haut du panier, et ils se paient en conséquence. Dans la majorité des boutiques, on les voit régulièrement environ 100 € plus chers que ce qu’on trouve pour un 7800X3D. Et honnêtement, dans un usage réel, la différence ne se ressent pas autant que l’écart de tarif le laisserait penser.

Si ton objectif, c’est :

• Jouer en 1440p ou 4K avec une grosse carte graphique
• Avoir des FPS minimums solides et une fluidité exemplaire
• Ne pas faire exploser le budget CPU pour garder de l’argent pour le GPU / l’écran

…le 7800X3D reste, à mes yeux, le rapport performance / prix le plus cohérent. Les nouveaux X3D sont là pour ceux qui veulent absolument le meilleur score possible en bench, ou qui montent une machine sans aucun compromis financier.

Pour quel type de joueur le Ryzen 7 7800X3D reste la meilleure option ?

Après plus d’un an à le malmener, voilà comment je vois les choses :

• Si tu joues surtout en 1440p ou 4K avec une carte graphique haut de gamme (RTX 4070 Ti, 4080, 5070 Ti, 7900 XTX, etc.), le 7800X3D est parfait. Le GPU sera le facteur limitant bien avant la CPU dans la majorité des cas.
• Si tu es sensible à la fluidité (FPS minimum, micro‑stutters, frame pacing), tu vas apprécier le 3D V‑Cache. La différence de “feeling” par rapport à une CPU classique est réelle.
• Si tu veux une machine qui ne hurle pas et qui ne chauffe pas comme une plaque de cuisson, son efficacité énergétique est un énorme argument. Moins de bruit, moins de chauffe, potentiellement moins de conso.
• Si tu streams un peu ou fais du contenu léger à côté, les 8 cœurs Zen 4 tiennent largement la route. Pour du rendu pro 24/7, il faudra viser plus haut, mais ce n’est pas vraiment la cible ici.

À l’inverse, je ne le conseillerais pas si ton but principal est de faire du rendu vidéo 4K toute la journée, de la simulation scientifique ou tout autre truc qui sature tous les cœurs en permanence. Là, un 12 ou 16 cœurs “classique” sans 3D V‑Cache sera plus pertinent.

TL;DR : le résumé pour les pressés

• Après plus d’un an d’usage intensif, le Ryzen 7 7800X3D n’a jamais été un goulot d’étranglement dans mes jeux, même avec des GPU haut de gamme.
• Le 3D V‑Cache (96 Mo de L3) ne sert pas qu’à gonfler les FPS moyens : il stabilise surtout les FPS minimums, ce qui rend les jeux nettement plus fluides.
• Consommation en jeu souvent entre 50 et 80 W, donc températures maîtrisées et besoins en refroidissement raisonnables.
• Plateforme AM5 mature, stable, prête pour plusieurs années d’évolutions côté GPU et SSD.
• Les Ryzen 9800X3D / 9850X3D sont plus rapides, mais pour un surcoût souvent autour de 100 €, un écart difficile à sentir en dehors des scénarios très compétitifs.
• Pour un PC de jeu 1440p/4K où le budget est rationnel, le 7800X3D reste, en 2026, le meilleur compromis que j’aie testé.

Verdict final : une “légende” méritée, 9/10 sans hésiter

En un peu plus de vingt ans à bricoler des PC de jeu, j’ai rarement vu une CPU aussi “tranquille” que le Ryzen 7 7800X3D. Pas parce qu’il met tout le monde à genoux dans les benchs les plus récents en 1080p low, mais parce qu’il réussit ce qu’on demande vraiment à une puce gaming :

• Être assez puissante pour ne plus être un problème.
• Être assez efficace pour ne pas transformer le boîtier en four.
• Être assez abordable pour laisser du budget au GPU, là où ça compte le plus.

Oui, les Ryzen 9800X3D et 9850X3D lui passent devant sur les tableaux de performances. Mais une fois plongé dans un jeu, casque sur les oreilles, ce que je ressens surtout avec le 7800X3D, c’est une forme de sérénité : pas de doute sur le fait que la CPU suivra, aujourd’hui comme dans quelques années.

Si tu montes une config de jeu en 2026 et que tu cherches le meilleur équilibre entre prix, perfs et confort d’usage, c’est encore celui que je choisirais sans hésiter. Pour moi, c’est un solide 9/10, et probablement l’une des rares CPU de ces dernières années qui mérite vraiment le terme de “légende du gaming PC”.

Retour à Rhodes Hill : quand Resident Evil rejoue sa plus belle carte

Je joue à Resident Evil depuis que le premier m’a traumatisé sur PlayStation dans le salon de mes parents. Le commissariat de Resident Evil 2, je le connais presque par cœur. Du coup, quand Requiem a commencé à teaser un énorme complexe rappelant le RPD, j’étais à la fois surexcité et méfiant. Encore de la nostalgie facile, ou vrai retour aux sources ?

Après une douzaine d’heures sur PC (écran 1440p, manette, casque vissé sur les oreilles, lumières éteintes, évidemment) et un second run partiel sur PS5, je peux le dire sans trembler : le Rhodes Hill Chronic Care Center, c’est la meilleure déclinaison du modèle “RPD” que la série ait pondu depuis… le RPD lui-même. Et la raison tient autant à son architecture qu’à la manière dont Capcom y injecte infiltration, ennemis “personnifiés” et double parcours Grace/Leon.

Petite alerte spoilers : je vais parler des premières heures à Rhodes Hill, de certains puzzles, et des deux grands stalkers de la zone. Rien sur la fin du jeu ni sur les derniers environnements.

Mes premières heures à Rhodes Hill : le frisson du déjà-vu… en pire

La toute première fois que je mets les pieds dans Rhodes Hill avec Grace, j’ai un flash instantané du hall du commissariat de Raccoon City. Un grand espace central, un comptoir d’accueil, un escalier monumental, deux ailes (est et ouest) qui s’ouvrent comme des promesses de galères, et surtout cette fameuse porte verrouillée qui brandit un gros “pas pour tout de suite” en lettres capitales.

En quelques minutes, Requiem te ressort tout le vocabulaire du survival-horror old school : clés ornementées, fusibles à retrouver pour rouvrir un volet métallique, portes à cartes magnétiques, plan du niveau punaisé au mur, salles de sauvegarde bénies avec leur musique apaisante. Tu peux même activer une option “rubans encreurs” pour sauvegardes limitées – je l’ai fait, évidemment, parce que j’aime souffrir.

Sur le papier, ça sent le recyclage à plein nez. Dans les faits, au bout de deux heures de fouille méthodique du secteur ouest, lampe torche au poing, avec trois balles au fond de l’inventaire et un simple couteau rouillé, je n’avais plus du tout l’impression d’être dans un énième hommage. Rhodes Hill commence comme un clin d’œil, mais il gagne très vite sa propre identité, surtout grâce à la manière dont on t’y fait survivre avec Grace.

Grace en vue FPS : l’infiltration comme nouvelle langue du survival-horror

Capcom a choisi de réserver la vue subjective à Grace, la nouvelle venue, et c’est une excellente idée. En FPS, les couloirs de Rhodes Hill paraissent plus étroits, plus écrasants que ceux du RPD. Tu ne vois que ce qui est dans le cône de ta lampe, tu entends beaucoup plus que tu ne vois, et surtout, tu es faible. Vraiment faible.

Dès les premières salles, le jeu t’explique que tirer, c’est le dernier recours. Les munitions sont planquées au compte-gouttes, les soins encore plus, et surtout, une nouvelle saloperie vient pourrir la fête : les “Blister Heads”, ces zombies qui peuvent revenir à la vie, plus agressifs, si tu ne les gères pas correctement. Clairement un clin d’œil aux Crimson Heads du remake de 2002, mais avec une couche de sadisme en plus.

Ce basculement vers l’infiltration, je l’ai vraiment senti vers la troisième heure. J’essayais encore de “jouer Resident Evil 4”, à vouloir tout nettoyer pièce par pièce, et je me suis retrouvé à poil, sans balles, avec deux Blister Heads dans un couloir trop étroit pour les contourner. Game over idiot. À partir de là, j’ai commencé à marcher accroupi, éteindre ma lampe dès que j’entendais un râle, observer les routines des infectés, attendre au coin d’une porte qu’un zombie finisse sa ronde pour glisser derrière lui.

C’est là que Rhodes Hill devient passionnant : le level design classique (boucles, raccourcis, portes qui ne s’ouvrent que depuis un côté, etc.) se marie à des comportements ennemis suffisamment crédibles pour transformer le moindre aller-retour en mini-énigme d’infiltration. Tu ne te contentes plus de “passer entre les zombies”, tu vis avec eux.

Des zombies avec une vie (et une routine) : la vraie bonne idée de Requiem

Le détail qui m’a vraiment accroché, c’est la manière dont une grande partie des zombies de Rhodes Hill ont une “personnalité”. Pas dans le sens où ils te font un monologue, évidemment, mais dans leurs comportements.

Il y a ce cuisinier massif qui fait des allers-retours lents dans la cuisine, comme s’il continuait un service qui n’existe plus. Je l’ai évité dix, quinze fois en serrant les dents, profitant de la moindre ouverture pour filer récupérer un objet au fond de la réserve. Dans le couloir d’à côté, un type que j’ai surnommé “Flick” passe son temps à allumer et éteindre les lumières. Au début, c’est presque drôle. Puis tu te rends compte que ses cliquetis peuvent couvrir les bruits de tes pas, ou au contraire attirer d’autres infectés.

Plus loin, une femme de ménage en décomposition continue de frotter le sol, glissant d’une pièce à l’autre. Je l’ai retrouvée trois fois en train d’essayer d’effacer mon propre sang après un affrontement raté. À l’étage, une pseudo cantatrice hurle depuis le balcon au-dessus de la salle à manger, et son chant strident déclenche la fureur d’un patient sensible au bruit qui rôde dans les parages.

Ce ne sont que des scripts, bien sûr, mais dans la pratique, ça change le rapport aux ennemis. Tu n’es plus face à des cibles interchangeables ; tu apprends à connaître “tes” zombies, leurs manies, les pièces qu’ils occupent. Quand tu dois repasser pour la quatrième fois par la même aile, tu sais que le cuistot sera là, que la femme de ménage a peut-être changé de couloir, et tu adaptes ton itinéraire. La peur vient autant de cette cohabitation forcée que de la menace brute.

The Girl et Chunk : deux stalkers, deux philosophies de la trouille

Évidemment, un Resident Evil façon RPD ne serait pas complet sans son ou ses grands stalkers. Rhodes Hill en aligne deux, et ils m’ont chacun offert un type de stress différent.

La première à se manifester, c’est “The Girl” : une espèce de femme décharnée, aux yeux globuleux, grande comme deux portes, qui surgit très tôt dans la campagne de Grace. Son truc à elle, ce sont les passages cachés. La première fois que je l’ai vue sortir d’une ouverture dans le mur, façon Alien: Isolation, alors que je me croyais “safe” dans un couloir que je venais de nettoyer, j’ai littéralement lâché la manette.

Elle ne te poursuit pas en permanence, mais le simple fait de savoir qu’il existe un réseau de conduits derrière les murs change ta lecture des pièces. Chaque grondement, chaque grincement de ventilation devient suspect. On retrouve le principe de Mr. X ou de Nemesis, mais avec cette couche de surprise verticale qui m’a beaucoup plu.

Et puis il y a “Chunk”, la star de mes cauchemars. Un amas de chair titanesque, visage de bébé difforme posé sur un corps qui ne devrait pas pouvoir bouger aussi vite. Lui, c’est le gardien de l’aile est. Il bloque des couloirs entiers, forçant à des détours ou à des sprints paniqués vers la salle sûre la plus proche. La première fois que je l’ai croisé, j’ai tenté le défi débile : “et si je le butais avec Grace ?” Résultat : deux chargeurs gaspillés, trois soins cramés, et un retour menu principal. Mauvaise idée.

Ce qui est malin, c’est que Chunk n’est pas invincible. Tu peux réellement le retirer de l’échiquier. Mais pour Grace, le coût est tellement monstrueux en ressources que l’option la plus rationnelle reste de le fuir, de l’apprivoiser indirectement en apprenant par cœur son territoire. J’ai adoré ce sentiment d’avoir un “monstre à la maison” que tu n’affrontes que bien plus tard, dans d’autres conditions… quand Leon arrive.

Leon débarque et transforme Rhodes Hill en terrain de chasse

Le vrai coup de génie de Requiem, c’est de te faire revenir à Rhodes Hill avec Leon, après un long segment passé à souffrir avec Grace. Changement immédiat de ton : on repasse en vue à la troisième personne, épaulée façon Resident Evil 4, avec un arsenal autrement plus sérieux et un moveset qui flirte parfois avec le John Wick du pauvre.

Du côté de la prise en main, Leon est taillé pour l’action. Tir au jugé précis, esquives, coups de pied contextuels quand tu étourdis un ennemi, et surtout cette hache de fortune qui peut servir de parade si tu timés bien ton coup. La première fois que j’ai paré un saut de Blister Head au dernier moment pour enchaîner sur une décapitation, j’ai compris : Rhodes Hill allait devenir mon bac à sable sanguinolent.

Et c’est exactement ce qui se passe. Tu retrouves les mêmes couloirs, les mêmes pièces, les mêmes zombies… mais tu n’es plus une souris. Tu es le chat. La cuisine où tu rampais littéralement derrière le cuisinier se transforme en arène improvisée : une grenade, un coup de pompe bien placé, le colosse s’effondre et, pour la première fois, tu vois ce coin de la pièce que tu évitais depuis des heures. Chunk, que j’avais soigneusement évité avec Grace, n’a pas survécu plus de deux minutes à un mélange de fusil à pompe, explosifs et finishers bien sentis.

Ce renversement de pouvoir est incroyablement satisfaisant parce que tu as vécu la fragilité avant. Leon ne vient pas “remplacer” Grace ; il réécrit ton expérience des mêmes lieux. Le Rhodes Hill de la campagne Grace, c’est un puzzle d’évitement et d’infiltration. Le Rhodes Hill de Leon, c’est un terrain de chasse où tu règles tes comptes. C’est la meilleure utilisation du concept de double campagne de la série depuis longtemps, même si – petit regret – le passage de Leon dans l’hôpital reste assez court.

Puzzles, boucles et structure : un RPD 2.5 assumé

Architecturalement, Rhodes Hill coche toutes les cases du manoir/commissariat à l’ancienne. Ailes est et ouest clairement identifiées, portes spécialisées qui s’ouvrent avec des cartes de couleur, ascenseur qui ne dessert pas tous les étages, balcon qui surplombe un grand hall, raccourcis qui se débloquent peu à peu… On retrouve ce sentiment de labyrinthe cohérent où chaque nouvelle clé fait “clic” dans ta tête avant même la serrure.

Les puzzles, eux, m’ont laissé plus partagé. L’énigme des trois cubes de quartz à récupérer pour déverrouiller la sortie principale, par exemple, est un décalque à peine déguisé des trois médaillons du RPD. On active des mécanismes, on aligne des symboles, on obtient un cube, et on le place dans un socle. C’est efficace, ça oblige à quadriller la map, mais ça sent un peu la redite.

En revanche, la manière dont Rhodes Hill gère les boucles et le backtracking est exemplaire. Je me suis surpris plusieurs fois à prendre un chemin plus long mais plus “sûr” parce que je savais exactement quels zombies, quels dangers s’y trouvaient. Le jeu récompense ta mémoire autant que ta précision. Quand une nouvelle clé ouvre enfin une porte que tu voyais depuis trois heures, le raccourci créé allège vraiment les prochains allers-retours, surtout en mode rubans encreurs où chaque trajet jusqu’à une salle de sauvegarde est un mini enjeu.

Ce mélange de structure ultra classique et de comportements ennemis modernes donne un résultat paradoxal : j’avais l’impression de redécouvrir une formule que je connais pourtant par cœur. Ce n’est pas tant l’originalité des puzzles qui fait le sel de Rhodes Hill que la manière dont on te force à le traverser différemment selon le personnage et ton style de jeu.

Ambiance, technique et quelques bémols

Sur le plan purement sensoriel, Rhodes Hill est un régal malsain. Sur mon PC, le jeu tourne très proprement en 1440p, avec une lumière froide, presque clinique, qui tranche bien avec les zones plus chaotiques de la seconde moitié de la campagne. Le rayonnement des néons, les reflets sur les sols carrelés, les ombres qui se déforment dans les couloirs étroits : tout concourt à cette impression de lieu qui a été abandonné en pleine activité, puis lentement absorbé par l’horreur.

Le vrai MVP reste le sound design. En casque, chaque gémissement, chaque froissement de blouse hospitalière, chaque petit “clac” d’interrupteur de Flick te vrille le cerveau. Entendre un bruit de pas régulier au-dessus de ta tête et comprendre que c’est la femme de ménage qui a changé d’étage, c’est le genre de petit détail qui m’a fait lever les yeux de l’écran pour vérifier que j’étais bien seul chez moi.

Côté performances, rien de dramatique à signaler sur PS5 ou Series X dans ce que j’ai pu tester : mode performance fluide, quelques micro-saccades lors de chargements de scripts, mais rien qui casse l’immersion. Les temps de chargement sont très courts, ce qui rend les morts moins rageantes, surtout quand on joue avec sauvegardes limitées.

Tout n’est pas parfait pour autant. En dehors de Rhodes Hill, la campagne bascule progressivement vers une tonalité plus action qui m’a un peu moins parlé. Les boss sont spectaculaires, les fusillades assez jouissives avec Leon, mais on perd cet équilibre incroyable entre vulnérabilité et reprise de contrôle que l’hôpital incarne si bien. L’histoire reste, elle, assez fonctionnelle : ça fait le job, ça coche les cases du lore Resident Evil, mais Grace comme Leon auraient mérité un peu plus de développement émotionnel au-delà des archétypes.

Pour qui est Resident Evil Requiem (et son Rhodes Hill) ?

Si tu as grandi avec le RPD, le manoir Spencer et toutes ces architectures tordues signées Capcom, Rhodes Hill est littéralement une lettre d’amour écrite pour toi. On sent que Requiem assume d’être un jeu “anniversaire”, bourré de références. Mais la bonne nouvelle, c’est qu’il ne se contente pas de mimer le passé ; il le tord avec ses mécaniques d’infiltration et ses ennemis caractérisés.

Si tu es plus branché action à la Resident Evil 4, la partie Leon te donnera largement de quoi t’amuser, surtout dans la deuxième moitié du jeu. Par contre, il faut accepter de passer plusieurs heures à ramper dans l’ombre avec Grace avant d’y arriver. Perso, c’est exactement ce que j’aime : un début survival-horror sec, punitif, où chaque balle compte, puis une montée en puissance qui te permet de revenir régler tes comptes.

Je serais plus réservé pour les vrais nouveaux venus dans la série. Requiem n’est pas injouable pour un débutant, loin de là, mais beaucoup de ses meilleurs moments résonnent justement parce qu’on connaît déjà le RPD, Nemesis, les Crimson Heads, etc. Sans ce bagage, tu y verras “juste” un très bon survival-horror. Avec, Rhodes Hill devient une sorte de miroir déformant de tes souvenirs de joueur.

Verdict : un requiem pour la peur – note et TL;DR

Après ces heures passées à me perdre, me cacher, puis me venger dans les couloirs de Rhodes Hill, j’en ressors avec un sentiment assez rare : celui d’avoir rejoué à quelque chose de très familier, mais d’une manière nouvelle. Resident Evil Requiem ne réinvente pas la série de fond en comble, mais il perfectionne une de ses formules les plus aimées en la plaçant sous le signe de l’infiltration et du double regard.

Grace, en FPS, rappelle la fragilité absolue du premier Resident Evil, en mieux animé, mieux sonorisé, plus vicieux aussi. Leon, en TPS, incarne ce que la série a appris depuis Resident Evil 4 en matière d’action nerveuse. Rhodes Hill est le point de rencontre de ces deux héritages, un terrain de jeu/huis clos qui aurait pu n’être qu’un remake déguisé du commissariat, et qui devient au contraire un manifest moderne de ce que Resident Evil sait faire de mieux quand il ose expérimenter sans renier ses racines.

Si je devais noter uniquement le segment Rhodes Hill, je lui collerais sans hésiter un 9,5/10. En prenant en compte le reste de la campagne, un peu trop porté sur la surenchère explosive à mon goût, je pose Resident Evil Requiem à un très solide 8,5/10. Pour un épisode anniversaire, c’est un sacré cadeau.

TL;DR – Ce qu’il faut retenir de Resident Evil Requiem

• Rhodes Hill est le meilleur “grand bâtiment” de la série depuis le commissariat de Resident Evil 2, avec une structure en boucles et raccourcis ultra satisfaisante.
• La campagne de Grace, en vue FPS et orientée infiltration, redonne au survival-horror une vraie sensation de vulnérabilité et de tension permanente.
• Les zombies “personnalisés” et les stalkers The Girl et Chunk créent une cohabitation oppressante plus qu’un simple tir aux pigeons.
• Le retour de Leon en vue TPS transforme le même environnement en terrain de chasse action nerveux, réalisant enfin le fantasme du double parcours complémentaire.
• Techniquement solide et magnifiquement sonore, Requiem pèche surtout par quelques puzzles trop dérivés et une seconde moitié plus bourrine qui s’éloigne du génie de Rhodes Hill.
• Note finale : 8,5/10 – indispensable pour les fans de la licence, chaudement recommandé à tout amateur de survival-horror.

Mon contexte : ex-fan frustré du premier Maxwell

Je fais partie de ce petit club bizarre : ceux qui ont adoré le premier Audeze Maxwell… tout en le maudissant à chaque fin de session. Sonorité de tueur, mais après deux heures, j’avais l’impression d’avoir un serre-joint sur le crâne. Du coup, quand le Maxwell 2 a été annoncé, je l’attendais comme un patch 2.0 : même base sonore, mais « bug » de confort corrigé.

Je l’ai utilisé une bonne quinzaine de jours sur PC et PS5, principalement sur Doom: The Dark Ages, CS2, Horizon Forbidden West et Spider-Man: Miles Morales, avec pas mal de musique en fond via Spotify en lossless sur PC. Et je switchais régulièrement avec mon vieux Maxwell, un SteelSeries Arctis Nova Pro Wireless et un Beyerdynamic MMX 150 Wireless pour garder les idées claires.

Le constat global ? Audeze a clairement réglé le problème de confort et garde ce son de malade, mais sur tout le reste, ça sent l’évolution timide. À plus de 300 €, ça pique un peu.

Ce que le Maxwell 2 fait bien… et ce qui m’a fait tiquer

• Audio ultra propre : clarté, séparation des médiums/aigus et scène sonore parmi les meilleures que j’ai entendues sur un casque « gaming ».
• Confort enfin correct : nouveau bandeau plus large, meilleure répartition du poids, sessions de 3-4 heures sans envie de tout enlever.
• Autonomie monstrueuse : autour des 80 heures annoncées, on passe la semaine sans penser au câble.
• Construction sérieuse : ça respire le solide, version « tank audiophile » plutôt que plastique léger.

• Audio très proche du premier Maxwell : même base technique, SLAM censé améliorer les basses mais la différence reste subtile.
• Fonctions modernes en retrait : pas de Bluetooth + 2,4 GHz simultanés, pas de dock ni de batteries hot-swap.
• Micro seulement “OK” : ça fait le job en vocal, mais loin des meilleurs micros de la concurrence.
• Prix élitiste : on est clairement dans le haut du panier, sans le côté « tout confort » des SteelSeries haut de gamme.

Qualité audio : le paradis des médiums/aigus, un enfer pour les bass-heads

Ce qui m’avait scotché sur le premier Maxwell, c’était cette sensation que chaque son avait sa petite bulle d’air autour de lui. Pas de bouillie, pas de bourdonnement, juste une scène sonore propre comme une chambre Ikea sur catalogue. Le Maxwell 2 garde exactement ça.

On reste sur des drivers planaires magnétiques de 90 mm avec une réponse de fréquence annoncée de 10 Hz à 50 kHz. Sur le terrain, ça se traduit par des médiums et des aigus d’une netteté qui écrase la majorité des casques gaming « classiques ». Sur Clair Obscur: Expedition 33, la musique orchestrale, les petits effets de magie et les bruits d’esquive se détachent de manière chirurgicale. Je pouvais suivre une mélodie de violon tout en entendant le frôlement d’une attaque ennemie derrière moi, sans que l’un écrase l’autre.

Le vrai test pour moi, c’est Doom: The Dark Ages. D’habitude, sur les casques très portés sur les basses, c’est un mur de son : batteries, guitares saturées, monstres qui hurlent, ça devient vite une masse informe. Là, c’est l’inverse : chaque couche reste lisible. Les lignes de guitare restent nettes même quand tout explose, les grognements des démons se détachent, et les tirs ne se noient jamais dans le mix. On sent vraiment l’avantage du planaire.

En compétitif, c’est pareil : sur CS2, les bruits de pas et de rechargement sont surgainés naturellement, sans triche artificielle façon « FPS mode » criard. La scène sonore est large et précise : je pouvais localiser un joueur qui court à l’étage au-dessus sans même y penser. Ce n’est pas juste « j’entends mieux », c’est « mon cerveau a moins d’effort à faire pour analyser ».

Côté musique, c’est franchement jouissif si on aime la précision. Sur des morceaux très chargés comme « The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel », on a une profondeur et une aération que je n’ai jamais retrouvées sur un casque purement gaming. Les instruments respirent, les voix restent détachées, les petites percussions tout au fond du mix ressortent enfin.

Là où certains vont décrocher, c’est sur les basses. Le Maxwell 2 est propre, tendu, contrôlé, mais pas démonstratif. Si tu viens d’un Razer BlackShark V3 Pro ou d’un SteelSeries Arctis Nova Pro bien « bass boosté », tu vas trouver le Maxwell 2 un peu clinique, presque trop sage. Perso, j’aime ce côté studio, mais sur certains sons trap ou électro, j’avoue que ça manquait un peu de grunt dans le bas du spectre.

Il y a bien un preset EQ « Bass Boost » qui donne un coup de rein appréciable – sur « Figure It Out » de Chandler, Stafford Beats & YNG Martyr, j’ai enfin eu ce petit coup de poing dans le ventre que j’attendais – mais on reste loin du genre de boom qu’offre un Arctis Nova Elite, plus chaleureux et plus « fun » pour certains styles.

Confort : Audeze a enfin arrêté de torturer nos crânes

La plus grosse claque, finalement, ce n’est pas le son. C’est de pouvoir garder un Maxwell sur la tête plus de deux heures sans me dire « bon, j’arrête là ». Le Maxwell 2 est encore un gros morceau : c’est lourd, c’est massif, ça ne fait pas dans le discret. Mais Audeze a enfin compris que tout ce poids ne pouvait plus reposer sur un pauvre petit bandeau étroit.

On retrouve le principe de « ski-band » (un arceau principal rigide + une sangle souple qui repose sur le crâne), mais cette sangle est nettement plus large et mieux tendue que sur le premier modèle. Résultat : le poids est bien réparti, on n’a plus ce point de pression brûlant au sommet de la tête au bout d’une heure.

Les oreillettes en similicuir sont épaises, plutôt fermes mais pas dures, avec une découpe presque carrée qui englobe bien l’oreille. Le clamp est moins agressif que sur la V1 : assez ferme pour garder le casque en place, pas au point de te broyer les tempes. J’ai enchaîné plusieurs soirées de 3–4 heures sur PS5 sans avoir envie de l’arracher, ce qui n’était clairement pas le cas du premier Maxwell.

Ce n’est pas non plus le casque le plus confortable du marché : un Turtle Beach Atlas Air ou un SteelSeries Arctis Nova 3X se font plus facilement oublier, parce qu’ils sont beaucoup plus légers. Avec le Maxwell 2, tu sens quand même que tu as un « tank » sur la tête. Mais on est passé de « inconfortable au bout d’1h30 » à « tout à fait vivable même sur une longue session ». Pour moi, c’est la vraie upgrade de cette V2.

Autonomie : 80 heures qui changent les habitudes… mais pas la recharge

Audeze annonce jusqu’à 80 heures de batterie. Difficile de vérifier au pourcent près, mais sur une semaine type chez moi – 2 à 4 heures de jeu par soir, plus de la musique pendant le boulot – je n’ai eu besoin de recharger qu’une seule fois. Après six jours bien remplis, j’étais encore au-dessus des 40 % restants. On est clairement au-dessus de la moyenne des casques sans fil.

Le souci, c’est que d’autres marques ont réglé le problème autrement. Un SteelSeries Arctis Nova Pro Wireless ou Elite, par exemple, mise sur des batteries hot-swappables : tu poses l’une dans la base, tu joues avec l’autre, et tu ne branches jamais le casque. Idem, des modèles comme l’Astro A50 X ou certains casques Fractal misent sur un dock qui recharge dès que tu reposes le casque.

Avec le Maxwell 2, on revient au bon vieux câble USB-C. Ce n’est pas dramatique, vu l’autonomie, mais à ce niveau de prix, j’aurais aimé un système un peu plus premium qu’un simple fil branché au bureau. Pour un usage purement PC/console posé, les solutions à base de dock ou de batteries interchangeables restent quand même plus confortables au quotidien.

Fonctionnalités : le futur côté son, le passé côté ergonomie

Sur le papier, le Maxwell 2 est bien armé : dongle 2,4 GHz, Bluetooth, prise jack, compatibilité PC, PS5, Switch, mobile, et une version Xbox à part. En pratique, il lui manque la petite magie qui fait la différence en 2026.

Le gros manque, pour moi : l’absence de double connexion active 2,4 GHz + Bluetooth. C’est devenu une évidence sur les casques haut de gamme : tu joues sur PS5 ou PC via le dongle, tu prends ton appel Discord ou WhatsApp via le téléphone en Bluetooth, tout en gardant le son du jeu. Sur le Maxwell 2, c’est l’un ou l’autre. Résultat, impossible de garder mon chat vocal mobile tout en restant sur la console sans bidouiller. Quand tu t’y es habitué, revenir en arrière fait mal.

Le logiciel Audeze a clairement progressé par rapport à l’époque du premier Maxwell : interface plus propre, égaliseur 10 bandes, quelques presets (FPS, musique, bass boost, etc.). Mais on reste loin de ce que propose un SteelSeries Arctis Nova Pro ou Elite avec un hub bourré de profils par jeu, du paramétrage avancé de spatialisation, des réglages séparés par plateforme… Ici, c’est plus basique : ça fait le principal, sans le côté « boîte à jouets ».

Côté spatialisation, on reste surtout sur la qualité native du casque plutôt que sur des effets logiciels spectaculaires. Sur PS5, le Tempest 3D Audio fait le boulot, et sur PC, tu peux bien sûr ajouter du Dolby ou Windows Sonic, mais Audeze ne rajoute pas une couche propriétaire marquante façon « Super X-Fi » ou autre traitement exotique. Heureusement, la scène sonore naturelle est déjà suffisamment large pour ne pas en avoir absolument besoin.

Le micro, enfin. Techniquement, on a un micro hypercardioïde avec réduction de bruit par IA. En pratique : ta voix est claire, compréhensible, les bruits de fond type clavier mécanique ou ventilateur sont bien filtrés. Mais la restitution manque de chaleur et de rondeur. Mes mates m’ont tous dit « on t’entend bien, mais c’est un peu plat », là où le micro d’un Razer récent ou même d’un Beyerdynamic MMX 150 Wireless donne un timbre plus agréable. Rien de catastrophique pour le jeu, mais si tu streames ou fais du contenu, tu vas de toute façon viser un micro dédié.

Maxwell 1 vs Maxwell 2 : une V2 surtout pour ton crâne

Sur le papier, Maxwell 1 et Maxwell 2 partagent la même base audio : drivers planaires 90 mm, même plage de fréquence, même philosophie sonore. Audeze parle de sa techno « SLAM » qui doit renforcer les basses et améliorer la spatialisation. En passant de l’un à l’autre sur les mêmes morceaux et les mêmes jeux, j’ai bien senti quelques nuances : un grave un peu mieux tenu, un peu plus d’air encore dans la scène sonore.

Mais on est clairement sur de l’itératif, pas sur une révolution. Si tu espérais une V2 qui sonne radicalement mieux, ce n’est pas le cas. Le gros gap, c’est le confort et quelques ajustements de design (coupes un peu plus épaisses, commandes légèrement revues). Pour le son, c’est la même philosophie, peaufinée à la marge.

Conclusion simple : si tu as déjà un Maxwell première génération et que tu vis bien avec son confort perfectible, tu ne gagneras pas assez côté audio pour justifier une mise à jour. Si en revanche tu l’adores mais que ta tête proteste à chaque session, là oui, le Maxwell 2 vaut clairement le coup, uniquement pour te sauver le crâne.

Face à la concurrence : pour qui est fait le Maxwell 2 ?

À plus de 300 $/£, le Maxwell 2 se bat dans la cour des grands. Juste au-dessus, on trouve des monstres de confort et de fonctionnalités comme le SteelSeries Arctis Nova Elite, encore plus cher mais plus chaleureux, plus « plug and play » avec base, batteries, presets par jeu et compagnie. Un peu en dessous, le SteelSeries Arctis Nova Pro Wireless sacrifie un peu de résolution et de précision pour t’offrir une vie plus simple : batteries hot-swap, double connexion, base qui gère tout.

Si tu cherches plutôt un bon équilibre global sans viser la clarté absolute, des casques comme le Beyerdynamic MMX 150 Wireless ou le SteelSeries Arctis Nova 3X offrent une expérience très plaisante, plus légère sur la tête, pour nettement moins cher – mais sans ce côté « loupe audiophile » sur chaque détail sonore.

En fait, le Maxwell 2 ressemble plus à un casque hi-fi audiophile qui aurait décidé d’ajouter du 2,4 GHz et un micro pour venir jouer sur nos PC et consoles, plutôt qu’à un casque gaming qui cherche à cocher toutes les cases du moment. Si ton kiff, c’est la pureté du son, la fidélité, pouvoir écouter tes playlists exigeantes et tes jeux solo cinématographiques avec un maximum de nuances, il vise clairement ton profil.

Si au contraire tu veux un casque qui fait tout : chat mobile + son console, dock, presets par jeu, micro flatteur, basses qui claquent pour les soirées Warzone, et que tu acceptes un peu moins de précision pure, d’autres modèles seront plus cohérents, et souvent moins chers.

Verdict personnel : un casque brillant, volontairement élitiste

Après deux semaines à alterner entre Maxwell 2 et le reste de ma petite armée de casques, je suis arrivé à un point assez clair : c’est probablement le meilleur casque « gaming » que j’ai eu sur les oreilles en termes de clarté et de séparation. Mais c’est aussi l’un des plus frustrants en termes de fonctionnalités pour son tarif.

Le confort est enfin à la hauteur, l’autonomie est royale, la construction respire le sérieux, et le son met une vraie claque à quasiment tout ce qui existe dans le monde du gaming grand public. En face, tu dois accepter une ergonomie plus limitée, un micro seulement correct, l’absence de petits luxes qu’on commence à considérer comme « standards » sur ce segment de prix (double connexion, dock, batteries, etc.).

Si tu es d’abord audiophile puis joueur, que tu privilégies la fidélité à la praticité, le Maxwell 2 est un investissement cohérent et franchement jouissif une fois bien réglé. Si tu es un joueur plus « mainstream » qui cherche un couteau suisse sans fil pour tout faire, il risque surtout de te donner l’impression de payer très cher pour des détails que tu ne remarqueras pas autant que l’absence de certaines commodités.

Note FinalBoss : 8/10 pour les oreilles exigeantes, 6,5/10 si tu cherches avant tout le confort d’usage et les fonctionnalités.

TL;DR – Audeze Maxwell 2 en résumé

• Son : signature très neutre et ultra détaillée, médiums/aigus superbes, basses propres mais pas démonstratives.
• Confort : énorme progrès grâce au bandeau élargi et à un clamp mieux dosé ; sessions longues enfin possibles.
• Autonomie : autour des 80 heures, on oublie presque la recharge… même si ça reste du bon vieux USB-C sans dock ni batteries.
• Fonctionnalités : 2,4 GHz + Bluetooth + filaire, mais pas de double connexion simultanée, logiciel correct sans plus, micro juste « OK ».
• Public cible : joueurs audiophiles prêts à sacrifier quelques commodités pour une scène sonore propre et précise.
• À éviter si tu veux un casque tout-en-un avec dock, double connexion active, gros boom de basses et micro flatteur.

Mon mois avec la Wooting 60HE v2

Je traîne avec les claviers Wooting depuis le tout premier Wooting One. J’ai usé un 60HE, je joue au quotidien sur un 80HE, et à chaque nouveau modèle je me dis “ok, là ils ont atteint leur plafond”. La Wooting 60HE v2 m’a prouvé que non. Après un bon mois posé dessus, que ce soit pour écrire toute la journée ou pour grinder des FPS le soir, c’est clairement le clavier le plus abouti que la marque ait sorti.

À la base, je ne suis pas fan des layouts 60%. J’aime bien avoir au moins mes flèches dédiées et quelques touches de navigation, surtout quand j’écris 7-8 heures par jour. Donc j’ai lancé ce test un peu méfiant. Et puis j’ai monté le clavier, ouvert Wootility, réglé deux‑trois profils… et j’ai commencé à oublier mes gros claviers bien confortables. C’est là que j’ai compris que la 60HE v2 n’est pas juste une révision cosmétique : c’est la première Wooting qui peut vraiment rivaliser avec des customs très haut de gamme, sans perdre son ADN de bête de compétition.

Ce qu’il faut retenir vite fait

• Format 60% ultra compact, avec option barre espace split et touche supplémentaire programmable.
• Nouveaux switches Lekker Tikken : son plus sourd, frappe plus profonde et quasi pas de wobble.
• Construction premium : boîtier aluminium, plaque FR4, mousse Poron, sensation très “custom”.
• Wootility toujours au top : actuation réglable par touche (0,1 à 4 mm), Rapid Trigger, profils, macros, RGB.
• Fonctions avancées : entrée analogique, Mod Tap, Dynamic Keystroke, 8 kHz polling (Tachyon Mode).
• Un vrai plaisir à taper : probablement le meilleur feeling de frappe que j’aie eu sur un clavier gaming.
• Deux bémols : un léger “ping” occasionnel sur les grandes touches, et un tarif clairement premium.

Montage, format 60% et cette fameuse barre espace split

J’ai reçu la 60HE v2 en kit : Module (la carte + la plaque FR4 et les switches), boîtier alu noir, mousse, keycaps PBT… Mon côté nerd de custom keyboard était ravi. Tout est en push‑fit : on pose la mousse dans le boîtier, on clipse le Module, on enfonce les switches, on termine avec les keycaps. Honnêtement, en dix minutes chrono c’était plié, c’est probablement l’expérience DIY la plus simple que j’aie eue sur un clavier.

Pour l’insonorisation du fond de boîtier, Wooting propose un bloc silicone, une mousse EPDM, ou… rien du tout si vous aimez les claviers bien bruyants. J’ai testé les trois et j’ai vite gardé le silicone : le son est plus mat, plus contrôlé, sans étouffer complètement le “thock”. Sans mousse, le clavier se transforme en machine à faire lever les yeux au ciel dans l’open space, donc à réserver aux sessions solo à la maison.

Le vrai choix corné­lien, par contre, c’est la barre espace split. Sur un 60%, l’espace prend une place énorme. Avec l’option split, Wooting la découpe en trois : une touche de gauche, une de droite, et une touche centrale supplémentaire complètement programmable. J’utilise des barres splits surtout sur des claviers ergo, donc j’étais curieux de voir ce que ça donne sur un layout “classique” : j’ai coché l’option pour le test… et je ne reviendrai plus en arrière.

En mode “boulot”, j’ai vite réalisé que je tape toujours espace avec le pouce droit. Du coup j’ai laissé la partie droite en espace, et j’ai transformé la partie gauche en Delete. Sur un 60%, le Delete dédié disparaît, c’est normalement Fn + Backspace. Là, je gagne une frappe à chaque fois, et quand on écrit beaucoup, on le sent. La touche centrale, je l’ai laissée en Fn pour accéder aux flèches et aux couches secondaires avec juste la main gauche. Le 60% devient soudainement beaucoup moins frustrant.

Évidemment, si vous vous en fichez, vous pouvez aussi garder un espace plein format et ignorer tout ça. Mais franchement, ce “3‑en‑1” est une des raisons pour lesquelles je trouve cette 60HE v2 utilisable au quotidien, là où la plupart des 60% finissent dans un tiroir chez moi.

Sensations de frappe : les nouveaux Lekker Tikken font la différence

La première heure dessus, je n’ai presque pas lancé de jeu : je me suis contenté de taper. Des mails, des scripts, ce test. Et la 60HE v2 m’a bluffé. Wooting décrit les nouveaux switches Lekker Tikken comme une “alternative un peu plus sourde, plus profonde que les switches Hall effect actuels”. C’est exactement ça : le son est plus grave, moins “plastique” que sur mon ancien 60HE, et surtout il y a beaucoup moins de wobble sur les keycaps.

Sur le 60HE de 2022, les switches Lekker L60 étaient déjà un gros progrès, mais en y revenant après quelques jours sur la v2, je les trouve presque brinquebalants. Ici, les touches restent bien droites, la descente est lisse, la remontée nette, sans cliquetis parasites. Le combo boîtier aluminium + plaque FR4 + mousse Poron donne cette rigidité qu’on retrouve sur des customs à plusieurs centaines d’euros.

Niveau dureté, on est sur quelque chose de très équilibré : assez de résistance pour ne pas activer tout en frôlant la touche, mais pas non plus un truc qui fatigue les doigts après une journée entière. En PBT, le son est hyper satisfaisant, un bon “thock” feutré. En ABS (j’ai essayé un set d’un autre clavier), ça claque un peu plus, mais la base reste saine.

Tout n’est pas parfait : j’ai un léger ping métallique qui apparaît parfois sur les grandes touches, surtout la partie droite de l’espace. Ce n’est pas constant, et ce n’est pas au niveau des pires plate‑ping des claviers bas de gamme, mais dans un environnement aussi maîtrisé, ça se remarque. En jeu, on n’y pense plus. En rédaction silencieuse avec un casque ouvert, on le capte de temps en temps.

Malgré ça, la 60HE v2 est clairement montée dans mon trio de claviers préférés pour taper, aux côtés de mon ROG Azoth Extreme et d’un Keychron Q3 Max bien moddé. Pour une marque connue d’abord pour la perf en jeu, c’est assez fort.

Wootility : le véritable super‑pouvoir de la 60HE v2

Sur le bureau, la différence entre un bon clavier Hall effect et un excellent clavier Hall effect, c’est souvent le logiciel. Et là, Wootility met une claque à pas mal de concurrents. J’ai récemment testé un clavier magnétique Cherry avec le logiciel MagCrate : puissant, mais lourdingue et pas intuitif. Wootility, à l’inverse, est limpide.

Dès le premier branchement en USB‑C, le logiciel m’a proposé une mise à jour firmware, puis j’ai atterri sur l’interface de mapping. Par touche, on peut régler l’actuation de 0,1 mm à ~4 mm, par pas de 0,1 mm. Pour mon profil “boulot”, j’ai mis la plupart des touches à 1,6 mm : assez bas pour rester réactif, mais pas trop pour limiter les fautes. Sur le profil “FPS”, j’abaisse WASD, espace et quelques touches de capacités à 0,4-0,5 mm pour que tout parte instantanément.

Le fameux Rapid Trigger (ré‑activation sans relever complètement la touche) s’active en un clic. Une fois réglé, c’est l’exemple typique de fonction “set and forget” : on ne pense plus jamais au paramètre, on profite juste de la sensation de contrôle quand on spamme une touche. La bascule de profils se fait aussi très simplement : chez moi, Fn + O pour le profil écriture, Fn + P pour le profil jeu. On peut en empiler autant qu’on veut, y compris des presets fournis par Wooting pour la conduite ou le mouvement analogique.

Et ce n’est que la surface. Wootility donne accès à tout un bazar de fonctions avancées :

• Mod Tap : une action sur pression courte, une autre sur pression longue (parfait pour transformer Caps Lock en Ctrl tout en gardant Caps sur un maintien).
• Dynamic Keystroke : jusqu’à quatre actions différentes selon la profondeur d’enfoncement de la touche.
• Snappy Tappy (SOCD) et Rappy Snappy : gestion avancée des appuis simultanés (utile pour le tech sur certains jeux de combat, mais à manier avec précaution).
• Entrée analogique : mape une touche ou un groupe de touches sur un axe de manette.

Petit avertissement au passage : certains modes SOCD comme Snappy Tappy peuvent être considérés comme de la triche dans des jeux compétitifs type CS2. Il vaut mieux créer un profil dédié pour ça et ne pas le laisser actif partout, histoire d’éviter une mauvaise surprise côté bannissement.

Côté RGB, c’est sobre mais efficace : la plaque FR4 blanche diffuse bien la lumière, sans hotspots dégueu ni LED visibles en direct. Perso je finis toujours par baisser la luminosité ou désactiver l’éclairage en mode tryhard, mais pour ceux qui aiment les néons, ça fait le taf et c’est entièrement pilotable depuis Wootility.

En jeu : Rapid Trigger, A/D spam et Tachyon Mode

Je suis passé par mon trio habituel pour tester un clavier “compétitif” : quelques soirées sur Valorant, des parties classées sur CS2, et un peu d’Arc Raiders / Deadlock pour voir ce que ça donne sur du mouvement plus chaotique. La sensation qui ressort, c’est que tout semble immédiat sans jamais devenir incontrôlable.

Sur Valorant, j’ai descendu l’actuation de WASD à 0,4 mm, activé Rapid Trigger et laissé le reste des touches autour de 1 mm. Résultat : les strafe peeks sont hyper nets, les micro‑ajustements de position se font sans la moindre latence. À tel point que j’ai dû remonter légèrement l’actuation de A et D, parce que j’ai tendance à poser un peu lourdement mes doigts sur ces touches en attente. À 0,1 mm, le personnage partait en crabe au moindre frôlement.

La 60HE v2 propose aussi un mode 8 kHz polling, baptisé Tachyon Mode. En gros, le micro‑contrôleur du clavier envoie son état 8 000 fois par seconde au PC au lieu des 1 000 Hz classiques. Dans la pratique, honnêtement, la différence est très subtile. J’ai joué en 1 kHz toute une soirée, puis activé Tachyon Mode (qui coupe au passage une bonne partie du RGB) : je n’ai pas soudainement gagné deux rangs, mais la sensation de réactivité est tellement déjà bonne de base que ça devient presque théorique.

Ce que j’ai surtout apprécié, c’est la cohérence : pas de touches au comportement bizarre, pas de double input fantôme, pas de ratés de frappe même en spammant comme un porc sur les binds de capacités. Wooting a suffisamment de bouteille sur ses claviers Hall effect pour que tout soit maîtrisé, et ça se sent.

L’analogique au clavier : presque génial, souvent gadget

Comme tous les claviers Hall effect, la 60HE v2 peut mesurer en continu la position d’une touche, pas juste “appuyée / pas appuyée”. Sur le papier, c’est parfait pour du mouvement analogique façon joystick : appui léger = marche, appui profond = sprint.

J’ai re‑testé ça sur quelques jeux compatibles manette : Cyberpunk 2077, un peu de Forza Horizon, et même Destiny 2. En effet, quand c’est bien mappé, on peut marcher doucement en appuyant à moitié sur W, tourner plus ou moins vite avec A et D, etc. C’est cool pour explorer tranquillement Night City au clavier sans sortir la manette.

Mais au bout de quelques jours, je reviens toujours à un mapping classique. Le cerveau est tellement habitué à “touche = on/off” que doser finement la profondeur d’appui devient plus fatigant qu’autre chose. L’analogique a son intérêt dans certains jeux précis, ou pour des configs très spécialisées, mais pour mon usage quotidien de joueur PC, ça reste plus un bonus sympa qu’un argument d’achat principal.

Construction et boîtiers : du tout‑venant au délire OwLab

De base, la Wooting 60HE v2 existe en deux grandes saveurs : boîtier ABS noir plus abordable, ou aluminium (noir ou argent) plus premium. J’ai testé la version alu noire, et la différence avec le vieux 60HE en plastique est nette : plus de flex, plus de bruit creux, le clavier semble taillé dans un bloc.

Si vous aimez pousser le délire, Wooting propose aussi des boîtiers tiers : un Alumaze60, une version “Optimum” (le YouTuber), et surtout un modèle OwLab avec un système de suspension réglable entre sensation “bouncy” ou rigide. C’est magnifique, c’est aussi environ 350 £ juste pour le boîtier, soit plus cher que la 60HE v2 complète. Clairement destiné aux malades du custom qui veulent un chassis de collection autour du Module Wooting.

Bonne nouvelle, cependant : le Module est au format 60% standard. Donc si vous avez déjà un boîtier de ce format ou que vous en trouvez un sympa chez un fabricant tiers, vous pouvez l’y glisser relativement facilement. C’est malin : Wooting ne vous enferme pas dans son écosystème, mais offre quand même des options officielles bien finies pour ceux qui ne veulent pas se prendre la tête.

Prix et concurrence : Wooting joue désormais dans la cour des grands

On ne va pas tourner autour du pot : la Wooting 60HE v2 n’est pas donnée. La version pré‑assemblée avec boîtier aluminium est annoncée à environ 240 $. Avec boîtier ABS, on descend à 180 $. Juste le Module seul (sans switches, boîtier, keycaps) tourne autour de 140 $.

En face, on trouve des claviers Hall effect costauds comme le Keychron Q5 HE (~230 $), l’Asus ROG Azoth 96 HE vendu à des tarifs stratosphériques selon les configs, ou un NZXT Function Elite autour des 190 $. Plus bas dans la gamme, un NuPhy Air60 HE plastique tourne autour des 110 $ et offre déjà Rapid Trigger et co pour bien moins cher. Même côté magnétiques concurrents (chez Cherry par exemple), on trouve aujourd’hui des options performantes, parfois hot‑swap, mais avec des softs beaucoup moins inspirés.

Et c’est là le point clé : si vous voulez juste “tester le Hall effect pour le Rapid Trigger”, il existe des options nettement moins chères qui feront le boulot. Là où la Wooting 60HE v2 se justifie, c’est si vous cherchez le combo complet : sensations de frappe, finition, logiciel hyper accessible, et fonctionnalités avancées vraiment exploitables au quotidien.

À noter aussi que dans la gamme Wooting elle‑même, la 60HE+ reste dispo autour de 155 $, et le 80HE commence à 200 $ (mais grimpe à 300 $ si vous voulez boîtier zinc + Lekker Tikken pour un ressenti proche de la v2). Clairement, avec cette 60HE v2, Wooting assume d’être passé du côté “premium” du marché.

À qui je conseille (ou pas) la Wooting 60HE v2

• À prendre absolument si…
  • Vous êtes sérieux en compétition (FPS, MOBA, etc.) et vous voulez un clavier qui suit chaque micro‑mouvement sans broncher.
  • Vous cherchez un 60% qui reste vivable au quotidien, grâce à Wootility et à la barre espace split qui rattrape beaucoup de manques.
  • Vous aimez autant taper que jouer : la sensation de frappe est vraiment au niveau de claviers mécaniques custom bien plus chers.
• À éviter si…
  • Vous voulez juste découvrir le Hall effect et le Rapid Trigger sans casser la tirelire : un modèle plus abordable (NuPhy, NZXT, anciens Wooting…) sera suffisant.
  • Le format 60% vous angoisse et vous ne voulez pas entendre parler de couches Fn et de reprogrammation de touches.
  • Vous n’utilisez jamais de logiciel de configuration et vous ne comptez pas toucher aux profils : une bonne mécanique classique fera très bien l’affaire.

Verdict final : une Wooting enfin vraiment premium

Après un mois complet dessus, en alternant journées d’écriture et soirées à envoyer des têtes, la conclusion est simple : la Wooting 60HE v2 est le clavier le plus abouti que la marque ait sorti. J’avais déjà dit quelque chose de similaire pour chaque nouveau modèle, mais cette fois, il y a un vrai gap sur la qualité perçue et le confort de frappe.

Le combo nouveaux switches Lekker Tikken + boîtier alu + mousse bien dosée fait passer le clavier d’outil purement compétitif à objet vraiment agréable au quotidien. Wootility reste ce qui se fait de mieux en logiciel de clavier gaming : puissant, clair, et suffisamment simple pour que je prenne réellement le temps de créer et d’utiliser plusieurs profils, ce que je ne fais presque jamais sur les claviers d’autres marques.

Tout n’est pas parfait : ce petit ping occasionnel rappelle qu’on n’est pas sur un custom de maniaque entièrement tuné à la main, et le prix va faire tousser plus d’un joueur. Mais si vous êtes prêt à investir dans un seul clavier qui sait tout faire – jouer très sérieusement, taper avec plaisir, et s’adapter à des usages très différents – la 60HE v2 est, à mes yeux, la référence Hall effect 60% du moment.

Note finale : 9/10 – Un clavier Hall effect 60% quasi irréprochable, enfin digne des meilleurs customs, avec un logiciel qui donne vraiment envie d’explorer toutes ses possibilités. Dommage que le ticket d’entrée soit aussi élevé.

TL;DR

• Meilleur clavier Wooting à ce jour, autant pour jouer que pour taper.
• Nouveaux switches Lekker Tikken : son plus profond, moins de wobble, sensation de frappe excellente.
• Format 60% rendu viable par la barre espace split et un remapping ultra simple dans Wootility.
• Actuation réglable par touche, Rapid Trigger, 8 kHz polling, fonctions analogiques et macros avancées.
• Construction très solide en boîtier alu, mais léger ping sur certaines grandes touches.
• Prix élevé : on paie clairement la finition et le logiciel, pas seulement la techno Hall effect.
• Parfait si vous voulez un clavier compact et réellement premium ; inutilement cher si vous voulez juste tester le Hall effect basique.