Stockez vos clés de caisse restaurées dès la semaine 1 et ne les utilisez qu’en Profondeurs généreuses rang 8 (Bountiful Depths).
Poussez progressivement votre rang de Profondeurs : 3–4 → 5–6 → 7 → 8.
Ouvrez vos coffres verrouillés pour du butin Champion (~ilvl 250) et ajoutez une carte de chasseur de trésor ou une invocation de Némésis pour un coffre Héros 259.
Combinez avec les étincelles hebdomadaires pour fabriquer des pièces 252–259.
En 4–5 runs à ~12 min chacun, vous sécurisez 4–5 pièces Champion 250+ et 1 Héros 259.
Pourquoi cette méthode est essentielle pour les joueurs solo
Après avoir accumulé mes premières dizaines d’heures en Saison 1 de World of Warcraft : Midnight, j’ai réalisé que pour monter rapidement mon score d’objet (ilvl) sans dépendre des groupes Mythique+ ou des raids, il fallait exploiter au maximum les Grandes Profondeurs généreuses rang 8 (Bountiful Depths). En y ajoutant les clés de caisse restaurées et les mécaniques de prime (cartes de chasseur de trésor & Némésis des profondeurs), j’ai pu franchir le cap de l’ilvl 250 en solo, avec en bonus des pièces 259 du palier Héros.
1. Comprendre les paliers de butin des Profondeurs
Chaque rang de Profondeurs (Delve) correspond à un palier de butin :
Aventurier (~ilvl 220–230) : rang 1–4.
Vétéran (~ilvl 233–243) : rang 5–6.
Champion (~ilvl 246–256, jusqu’à 259 via bonus) : rang 7+.
Héros (~ilvl 252–272) : coffre bonus via primes ou Voûte.
Les coffres verrouillés des Grandes Profondeurs généreuses rang 8 donnent garantis un objet Champion autour de l’ilvl 250 lorsqu’on les ouvre avec une clé de caisse restaurée. Avec une carte de chasseur de trésor (Trove Hunter map) ou une invocation de Némésis des profondeurs, on force en plus un coffre Héros à ilvl 259.
2. Étape 1 – Optimiser la semaine 1 et économiser vos clés
Ne gaspillez pas vos clés de caisse restaurées sur des Profondeurs bas rang. Voici vos priorités :
Finir toutes les quêtes d’introduction de Saison 1 pour obtenir vos premières clés restaurées.
Monter votre renommée à 7–9 auprès de la warband de Midnight pour débloquer un vendeur de gear Champion (~ilvl 246).
Farmer les fragments de clé jusqu’au cap hebdomadaire (environ 2 clés complètes/semaine via fragments).
Stocker toutes les clés restaurées jusqu’à avoir accès aux Profondeurs généreuses rang 8.
Mon erreur initiale a été de dépenser 2 clés restaurées sur du rang 5–6 pour « essayer ». Résultat : butin <240, perdues en opportunité. Mieux vaut attendre le rang 8.
Screenshot from World of Warcraft
3. Étape 2 – Faire progresser votre rang jusqu’à 8
Plan de montée en puissance
Rangs 3–4 (ilvl ~230) : apprenez les layouts et mécaniques.
Rangs 5–6 (ilvl 233–243) : testez votre build solo (survie et DPS).
Rang 7 (ilvl 240–245) : commencez à toucher le butin Champion.
Rang 8 : après quelques runs en rang 7, le rang 8 se débloque. Faites 2–3 runs « normaux » pour vérifier votre timer (~12 min/run) et votre survie.
Erreurs fréquentes à éviter
Passer rang 7–8 avec un ilvl < 235 : attendez d’être vers 240+.
Ignorer les objectifs secondaires (alliés, buffs).
Raid Normal : disponible plus tard, moins flexible.
Profondeurs rang 8 : solo, contrôlé, accès direct au Champion et Héros.
7. Conseils avancés & exemple de session type
Alts et renom : répartissez la montée de renom sur plusieurs personnages pour débloquer plus vite le gear.
Métiers : craftez 1–2 pièces (bijoux, trinkets) pour combler les trous.
Gestion hebdomadaire : consommez vos clés en milieu de semaine, quand votre ilvl est stabilisé.
Exemple : en 45 minutes, j’enchaîne 3 runs à ~12 min chacune, j’utilise 3 clés, je dépense 45 fragments et je récupère 3 objets Champion 250+ plus potentiellement 1 Héros 259 si j’ajoute ma carte de chasseur de trésor.
Screenshot from World of Warcraft
Conclusion
En ne dépensant vos clés restaurées qu’en Profondeurs généreuses rang 8 et en combinant primes et craft, vous obtenez un ilvl 250+ en quelques heures de jeu solo. Cette méthode supplante largement les autres sources de loot précoces et constitue une base solide pour vos premiers raids ou clés Mythique+.
AYN Thor : comment cette petite coque OLED a remplacé la moitié de mon salon rétro
Je ne pensais pas retomber dans la spirale des consoles d’émulation. J’avais déjà un Steam Deck, un vieil Anbernic pour la GBA, un PC de salon gavé d’émulateurs… et puis l’AYN Thor est arrivée. Clamshell façon 3DS, double écran OLED 1080p 120 Hz, Snapdragon 8 Gen 2, entre 249 et 489 $ selon la config. Sur le papier, c’était soit le jouet ultime, soit un gadget de plus qui finirait dans un tiroir.
Après une bonne vingtaine d’heures dessus – dont des soirées entières à peaufiner les émulateurs et à farmer sur des jeux mobiles – je peux dire deux choses. Un : le Thor a clairement remplacé mon envie de racheter des vieilles consoles hors de prix. Deux : si tu n’aimes pas mettre les mains dans le cambouis logiciel, tu risques de la détester la première soirée.
Pourquoi je m’intéressais encore à une énième console portable
Je viens de l’époque où une Game Boy jaunie d’occase se trouvait pour trois fois rien dans un Cash Express. Aujourd’hui, voir une 3DS d’occasion flirtant avec les 300 $ sur les sites de revente, ça pique. Et je ne parle même pas des vieilles machines type Saturn, GameCube ou Neo Geo…
Je lorgnais sur les collections officielles rétro, les reboots “HD”, mais soyons honnêtes : ça ne couvre qu’une minuscule partie de la bibliothèque de l’histoire du jeu vidéo, souvent au prix fort. Les portables Windows genre ROG Ally X m’ont tenté, mais entre le prix, la gestion de Windows sur un écran 7 pouces et l’autonomie en émulation, je n’étais pas convaincu.
Quand j’ai vu l’AYN Thor : Android (donc émulation + jeux mobiles + cloud), Snapdragon 8 Gen 2 (un SoC qui a déjà fait ses preuves sur les flagships), double écran OLED façon 3DS mais en 1920 × 1080, je me suis dit : “OK, si ça tient ses promesses, c’est mon couteau suisse de poche”.
Prise en main et qualité de fabrication : très au-dessus de la moyenne
Première impression en sortant la Thor de la boîte : ça ne sonne pas comme un gadget AliExpress bas de gamme. La charnière a un vrai point de résistance, les deux écrans restent bien en place, pas de jeu inquiétant au bout de quelques jours d’ouverture / fermeture frénétiques.
Le châssis est en plastique, oui, mais du plastique dense avec un léger grain qui évite l’effet “jouet Kinder”. Les gâchettes et boutons tombent bien sous les doigts, et surtout, rien ne grince quand on tord le boîtier. C’est triste à dire, mais c’est déjà mieux que certaines portables Windows pourtant bien plus chères.
Petite anecdote : les deux premiers jours, j’ai senti une légère odeur de plastique neuf assez présente en ouvrant la console – le fameux “off-gassing” dont parlent certains. Rien de dramatique, ça s’est estompé au bout d’une petite semaine, mais ça m’a rappelé qu’on est bien sur un produit qui sort d’usine, pas d’un Apple Store.
Niveau ergonomie pure, c’est globalement positif. Le format clamshell permet de la glisser dans un sac sans stresser pour les sticks ou l’écran, mais ça reste un peu plus large qu’une 3DS XL. Au bout d’une heure et demie sur un RPG PS2, j’ai commencé à sentir les poignets tirer un peu – on n’est pas sur une ergonomie de manette Xbox, mais c’est largement tolérable pour une machine double écran.
Les écrans OLED 1080p 120 Hz : la vraie claque
C’est le point qui m’a le plus marqué au début : le haut comme le bas, ce sont deux dalles OLED 6 pouces 1920 × 1080 en 120 Hz. Quand tu viens d’une 3DS avec sa résolution baveuse, c’est presque indécent.
Sur des jeux mobiles modernes, ça saute immédiatement aux yeux : noirs profonds, couleurs qui claquent sans virer fluo, latence quasi imperceptible. J’ai lancé Warframe Mobile en réglages élevés, et entre la fluidité et la profondeur des noirs dans les couloirs spatiaux, j’avais vraiment l’impression de jouer sur une mini-OLED de salon.
Pour la 3DS et la DS, c’est simple : c’est le meilleur rendu que j’ai eu à ce jour. Pouvoir afficher chaque écran sur un vrai panneau séparé, sans bidouiller des mises en page bizarres sur un écran 16:9, ça change tout. Kid Icarus: Uprising, par exemple, gagne une lisibilité incroyable : l’action en haut, l’interface en bas, chacun sur un OLED net, c’est du luxe.
Petit bonus inattendu : pour les séries et les vidéos, c’est aussi un régal. J’ai fini un épisode de série sur Netflix, posé dans le lit, console à moitié refermée façon “mini-TV d’hôtel”. Claire, fluide, contrastée, rien à redire.
Performances Android : le Snapdragon 8 Gen 2 fait le boulot sans broncher
Sur le papier, le Snapdragon 8 Gen 2 est un vieux routier des flagships Android, et dans la Thor, il est franchement à l’aise. Sur la partie “jeux mobiles natifs”, j’ai volontairement cherché à la faire souffrir.
Warframe Mobile : tout à fond, 60 fps quasi constants, juste quelques micro-chutes en ville.
Genshin Impact : réglages élevés, 60 fps la plupart du temps, avec quelques chutes dans les zones ultra chargées, mais rien de dramatique.
Des grosses productions asiatiques type Where Winds Meet et consorts : 60–120 fps selon les jeux et leurs limites internes, sans stuttering notable.
Après 2 heures de session sur un jeu mobile gourmand, le dos de la console est tiède mais jamais brûlant. On sent que le refroidissement est dimensionné pour de longues sessions, pas juste pour des benchmarks de 5 minutes.
En résumé côté Android : si un jeu tourne bien sur un flagship mobile récent, il tournera bien sur le Thor. La différence, c’est que tu as des vrais sticks, une vraie croix directionnelle et des gâchettes, pas un écran tactile glissant.
Émulation : de la PS1 à la Switch, la machine à voyager dans le temps
Là où la Thor m’a vraiment bluffé, c’est sur l’émulation. J’ai installé une petite armée d’émulateurs et je les ai méthodiquement testés. Sur ma machine :
PS1 : zéro souci, upscale, filtres, tout est fluide. Castlevania: Symphony of the Night est d’une netteté presque étrange.
PS2 : la majorité des jeux que j’ai testés tournent très bien. Shadow of the Colossus reste un cas particulier (comme partout), mais FFX, Persona 4, Devil May Cry ont tourné en 60 fps avec un upscale confortable.
New 3DS : c’est clairement la star de la console. Monster Hunter 4U, Pokémon Ultra Soleil : j’ai pu jouer en plein écran, double écran natif, avec un framerate stable.
Switch : c’est là que j’étais le plus sceptique, et pourtant… avec un émulateur Android moderne, j’ai pu lancer plusieurs titres récents avec un framerate étonnamment jouable. Pas tout en 60 fps évidemment, mais beaucoup de productions indé et quelques AA tournent proprement.
Je précise : tout ça ne se fait pas en un clic. Selon l’émulateur, il faut ajuster les backends graphiques, activer ou non certains hacks, jouer avec les résolutions internes. Une fois que j’ai pris une soirée entière pour tout peaufiner, j’ai pu ensuite lancer les jeux comme s’ils étaient natifs.
Pour le PC, via des solutions type Gamehub / Gamenative, c’est jouable, mais plus capricieux. Sur le modèle standard, certains jeux streamés ou virtualisés avaient des micro-saccades quand je montais trop les réglages. Si ton idée, c’est de faire tourner pas mal de trucs PC de cette façon, le modèle Pro, avec plus de RAM, me paraît presque obligatoire pour garder une expérience fluide.
Limitation notable : ne compte pas sur l’émulation Xbox. Entre la complexité de l’architecture et les limites actuelles des émulateurs sur Android, j’ai vite abandonné l’idée. La Thor brille sur tout ce qui est PlayStation, Nintendo, portables et machines 32/64 bits, mais pas sur la galaxie Xbox.
Logiciel, launchers et bidouille : le meilleur et le pire de l’Android
Là, la Thor va diviser. Quand tu l’allumes la première fois, ce que tu as… c’est grosso modo un Android “phone” vaguement customisé. Les applis de base, le Play Store si tu le configures, et c’est tout. Pas de front-end d’émulation prêt à l’emploi, pas de belle bibliothèque de jaquettes façon console virtuelle.
Personnellement, j’ai adoré. J’ai passé une soirée entière à :
Tester plusieurs launchers orientés gaming.
Organiser mes systèmes par plateformes, avec icônes custom.
Modifier quelques fichiers de config à la main pour harmoniser les chemins d’accès.
Assigner des profils de performance différents selon les applis (émulation lourde vs vieux jeux 16 bits).
Au bout de 3–4 heures, j’avais littéralement ma “console idéale” : j’allume, je tombe sur une interface propre avec PS1, PS2, 3DS, Switch, Android, Cloud, chaque section avec ses jaquettes et ses raccourcis vers l’émulateur adéquat. À partir de là, l’expérience devient magique.
Mais soyons clairs : si tu t’attends à une expérience plug and play façon Switch, tu vas te prendre un mur. Il faut être à l’aise avec des notions comme BIOS, formats de ROM, compressions, réglages d’émulateur, et accepter de suivre quelques tutos YouTube ou guides textuels. L’article de base le disait déjà : “un peu de tweaking et d’édition de fichiers internes” est nécessaire pour en tirer le meilleur.
La bonne nouvelle, c’est qu’une fois l’écosystème en place, ça ne bouge plus. Sur les deux dernières semaines, je n’ai quasiment pas retouché aux réglages, à part pour optimiser un ou deux jeux PS2 récalcitrants. 99 % du temps, j’ouvre, je sélectionne mon jeu, et ça roule.
Autonomie, chauffe et confort d’utilisation au quotidien
Sur batterie, la Thor m’a surpris dans le bon sens. En gros, sur mon unité :
Émulation 16 bits / PS1 / GBA : plus de 7 h sans forcer.
Émulation PS2 / 3DS / Switch ou gros jeu mobile 3D : entre 3 et 5 h selon la luminosité et la résolution interne.
Streaming vidéo (Netflix, YouTube) avec luminosité moyenne : autour de 6 h.
Ce n’est pas une journée complète de jeu non-stop, mais c’est largement suffisant pour les trajets, les soirées canapé et même un aller-retour en train. Le Snapdragon 8 Gen 2, couplé à un bon profil d’économie d’énergie quand on émule des consoles plus anciennes, reste plutôt sobre.
Côté chauffe, comme dit plus haut, on est plus sur “tiède constant” que sur “four portable”. Jamais de throttling violent dans mes tests, même en mode performance. Le ventilateur (ou le système de dissipation) reste discret ; dans une pièce silencieuse, on l’entend un peu, mais rien de comparable à certaines portables x86 qui se mettent à souffler comme des mini-PC portables.
Face au Steam Deck et aux autres : pour qui est vraiment le AYN Thor ?
J’utilise un Steam Deck depuis sa sortie, et j’ai testé quelques machines Windows type ROG Ally chez des amis. La conclusion que je tire après ces semaines avec la Thor, c’est que ce n’est pas du tout la même philosophie.
Steam Deck / Ally & co : parfaits pour le PC natif, le AAA récent, les jeux Steam, mais plus lourds, plus bruyants, moins optimisés pour la double écran et l’émulation portable Nintendo.
AYN Thor : reine de l’émulation console/portable, monstrueuse sur le mobile natif, ultra agréable pour la DS/3DS grâce aux deux OLED, mais ne remplacera pas ton PC gaming.
Pour le prix, c’est là que ça devient vraiment intéressant. Entre 249 et 489 $ selon la config, on est bien en dessous des portables Windows haut de gamme, tout en offrant une qualité de fabrication qui n’a franchement pas à rougir. Quand je compare ça au prix délirant d’une ludothèque rétro physique, la question se pose à peine.
À qui je la recommande, concrètement ?
Aux fans de rétro qui veulent jouer proprement à PS1, PS2, 3DS, etc., sans hypothéquer un rein.
À ceux qui aiment bidouiller : si tu prends du plaisir à tuner ta machine, tu vas t’éclater.
Aux joueurs mobiles sérieux qui sont frustrés par les commandes tactiles et veulent enfin un vrai pad.
Je la déconseille en revanche à ceux qui veulent une console “je déballe et je joue” façon Switch, ou à ceux qui visent surtout le AAA PC récent : là, un Deck ou une machine Windows fera plus sens.
Verdict : une pépite pour les joueurs prêts à investir un peu de temps (9/10)
Après plusieurs semaines avec l’AYN Thor, mon avis est assez tranché : c’est l’appareil portable le plus impressionnant que j’ai utilisé depuis longtemps, mais il ne pardonne pas la paresse. Le combo Snapdragon 8 Gen 2 + double OLED 1080p 120 Hz + excellente finition matérielle en fait un monstre d’émulation et de jeu mobile.
Les points forts qui m’ont vraiment scotché :
Qualité de construction très au-dessus de la moyenne de l’Android “chinois”.
Écrans OLED superbes, parfaits pour la DS/3DS et les jeux sombres.
Performances natives Android de niveau flagship, 60–120 fps sur la plupart des gros jeux.
Émulation PS1->PS2->3DS->Switch extrêmement solide une fois réglée.
Prix agressif au vu de ce que la machine permet de faire.
Et les défauts qu’il faut assumer :
Aucune vraie expérience “prête à l’emploi” : tu dois configurer toi-même tout l’écosystème.
Quelques jeux PC virtuels capricieux sur le modèle standard ; le Pro est préférable pour ça.
Pas d’émulation Xbox réaliste à ce stade.
Ergonomie bonne, mais pas parfaite pour les très longues sessions d’action 3D.
Pour moi, le bilan reste clairement positif. À 249–489 $, le Thor est un moyen incroyablement rentable de se constituer un “musée jouable” du jeu vidéo, tout en profitant des jeux mobiles modernes dans des conditions confortables. Mais ce n’est pas une machine pour tout le monde.
Note finale : 9/10 pour ce qu’elle vise à faire : une portable d’émulation et de jeu mobile haut de gamme, à condition d’accepter la phase d’apprivoisement logicielle.
TL;DR – L’AYN Thor en résumé
Ce que c’est : une console portable Android à clapet, double écran OLED 1080p 120 Hz, Snapdragon 8 Gen 2, pensée pour l’émulation et le jeu mobile.
Ce que ça fait très bien : émuler PS1, PS2, New 3DS et une bonne partie du catalogue Switch avec des perfs stables ; faire tourner les plus gros jeux mobiles en 60–120 fps ; offrir un écran parfait pour la DS/3DS.
Ce que ça fait moins bien : expérience utilisateur brute au déballage, nécessite launchers, réglages, bidouille ; PC via apps type Gamehub un peu limite sur le modèle non Pro ; pas d’Xbox crédible.
Pour qui : les amoureux de rétro, les fans de jeux mobiles qui en ont marre du tactile, et tous ceux qui prennent plaisir à construire leur “console d’émulation parfaite”.
À éviter si : tu veux une machine plug and play, ou ton but principal est de jouer à du AAA PC récent.
Verdict : une des meilleures portables d’émulation du moment, à un prix cohérent, à condition d’aimer configurer ses jouets.
Pourquoi ces codes The Seven Deadly Sins Origin sont essentiels au lancement
Après avoir passé mes premières heures sur The Seven Deadly Sins Origin, j’ai vite compris que les codes de lancement faisaient toute la différence pour bien démarrer. Entre le gacha pour débloquer des héros, l’EXP de maîtrise, les pierres d’amélioration et l’or, tout coûte cher très vite. Les quatre codes actuels m’ont permis de lancer plusieurs tirages héros dès le jour 1 et de booster mes personnages sans devoir farmer comme un acharné.
Ce guide te montre exactement :
Quels codes sont actifs et ce qu’ils donnent en détail
Comment trouver ton PID (code membre) de 32 caractères
Comment les utiliser sur PC, Steam, Android, iOS et PS5
Les erreurs que j’ai faites au début et comment les éviter
Comment optimiser les récompenses pour ton early game
En pratique, tout prendre te prendra 5 à 10 minutes si tu suis les étapes dans l’ordre. En revanche, certains codes ont déjà une date de fin annoncée, donc ne repousse pas ça à « plus tard ».
Tous les codes The Seven Deadly Sins Origin actifs (mars 2026)
À la date de rédaction (mars 2026), j’ai pu vérifier en jeu les quatre codes suivants. Ils fonctionnent tous une seule fois par compte, et sont sensibles à la casse (respecte bien les majuscules).
WELCOMEORIGIN
5× Hero Regular Draw Ticket
10× Supreme Mastery EXP
10× Supreme Enhancement Stone
10× Supreme Refinement Stone
50 000 Gold
C’est le gros code de bienvenue. D’après les infos officielles, il est listé comme « nouveau » sans date de fin annoncée, mais ne compte pas trop dessus pour rester éternellement. C’est clairement le premier à utiliser si tu viens tout juste de terminer le tutoriel.
ORIGINX (valide jusqu’au 30 avril 2026)
1× Hero Regular Draw Ticket
50 000 Gold
Petit bonus simple mais efficace : un tirage en plus et de l’or pour respirer un peu côté économie. D’après les campagnes officielles, ce code expire le 30 avril 2026, donc pense à le rentrer avant cette date.
ORIGINDISCORD (valide jusqu’au 30 avril 2026)
1× Hero Regular Draw Ticket
3× Small Cube Key Bundle
Le ticket héros est classique, mais la vraie valeur ici ce sont les Small Cube Key Bundles. Dans ma partie, ces clés m’ont permis d’ouvrir plus de cubes et de récupérer des matériaux et ressources supplémentaires sans devoir courir partout sur la carte. Là encore, date de fin annoncée : 30 avril 2026.
ORIGINSTEAM (valide jusqu’au 30 avril 2026)
1× Hero Regular Draw Ticket
10× Premium Mastery EXP
Celui-ci est surtout mis en avant pour les joueurs Steam, avec des objets d’EXP de maîtrise de meilleure qualité. Si tu joues sur PC via Steam, ne le rate pas : tu sens immédiatement la différence sur la montée de niveau de maîtrise des héros.
Screenshot from The Seven Deadly Sins: Origin
À ce jour, aucun code n’est encore expiré en jeu, mais trois d’entre eux (ORIGINX, ORIGINDISCORD, ORIGINSTEAM) ont officiellement une limite au 30/04/2026. En clair : tout ce bloc est à valider au plus tard avant cette date.
Étape 1 – Terminer le tutoriel et récupérer ton PID / code membre
Je me suis fait avoir la première fois : j’ai cherché mon PID alors que le jeu ne m’avait pas encore laissé accéder aux menus. Tu dois d’abord finir le tutoriel de départ (le jeu te lâche ensuite dans le monde avec accès complet aux menus).
Avance dans l’intro jusqu’à pouvoir ouvrir le menu principal.
Ouvre le menu (sur manette, généralement la touche Options/Menu; sur PC, Échap).
Clique sur l’icône en forme de roue dentée à gauche : c’est Paramètres.
Dans la liste à gauche, descends tout en bas sur Compte.
En haut de cet onglet, tu verras Infos du compte (PID) avec ton code membre de 32 caractères.
Le conseil que j’aurais aimé qu’on me donne : copie-colle ce PID quelque part (Bloc-notes, mail, appli de notes sur mobile…). Tu vas en avoir besoin sur le site de Netmarble, et retaper 32 caractères à la main, c’est l’enfer, surtout sur console.
Étape 2 – Utiliser les codes selon ta plateforme
J’ai testé le processus sur plusieurs supports, et le piège, c’est que tout ne se fait pas au même endroit. En résumé :
PC (client Netmarble) & Android : menu de coupon directement en jeu.
Steam, iOS, PS5 : passer par le site officiel de coupons avec ton PID.
Sur PC (client Netmarble)
C’est la méthode la plus simple que j’ai utilisée.
Ouvre le Menu → Paramètres comme pour le PID.
Au lieu d’aller dans Compte, cherche l’option Redeem Coupon / Utiliser un coupon dans les onglets (chez moi, elle apparaît dans l’onglet Compte ou Autre selon la version).
Entre un des codes, par exemple WELCOMEORIGIN.
Valide, puis répète pour chaque code.
Ouvre ensuite ta boîte aux lettres en jeu pour récupérer les récompenses.
Tu n’as pas besoin de ton PID sur cette version : gros gain de temps. Ne fais pas ma bêtise de quitter le menu après le premier code : enchaîne les quatre d’un coup, les récompenses arrivent proprement en plusieurs courriers.
Screenshot from The Seven Deadly Sins: Origin
Sur Android
Sur Android, j’ai retrouvé un fonctionnement très proche du PC : un menu de coupon est disponible en jeu sur les builds récentes. Si jamais tu ne le vois pas (selon la région/maj), tu peux toujours passer par le site comme pour iOS.
Ouvre le Menu → Paramètres via l’icône engrenage.
Cherche l’option liée aux coupons (souvent dans l’onglet compte ou service).
Saisis chaque code un par un et valide.
Vérifie ensuite ta boîte aux lettres in-game pour récupérer les récompenses.
Si l’option n’apparaît pas, utilise la méthode « site officiel » décrite un peu plus bas : c’est universel et fonctionne quel que soit l’appareil.
Sur Steam, iOS et PS5 (via le site officiel)
Sur ces plateformes, tout passe par le site de coupons Netmarble. C’est ce qui m’a pris le plus de temps la première fois, le temps de bien gérer le PID et les copier-coller.
Assure-toi d’avoir ton PID de 32 caractères (voir Étape 1).
Depuis un navigateur (PC ou mobile), ouvre le site de coupons The Seven Deadly Sins Origin de Netmarble.
Colle ton PID dans le champ prévu, puis clique sur Confirmer.
Vérifie que ton pseudo et ta région s’affichent correctement (si ce n’est pas le cas, arrête-toi là).
Entre un des codes, par exemple ORIGINDISCORD, puis clique sur Utiliser.
Répète l’opération pour chaque code (le site efface souvent le PID après chaque validation, d’où l’intérêt d’avoir ton code copié ailleurs pour le recoller rapidement).
Retourne en jeu, ouvre ta boîte aux lettres et récupère toutes les récompenses.
Le détail auquel je ne m’attendais pas : après chaque validation, le champ PID était vidé, ce qui m’a obligé au début à retaper les 32 caractères à la main… jusqu’à ce que je pense à simplement les garder dans le presse-papier. Ne reproduis pas cette perte de temps.
Dépannage : les erreurs les plus fréquentes (et comment les éviter)
J’ai croisé plusieurs messages d’erreur en testant les codes sur différents comptes. Voici les plus courants et ce qu’ils veulent dire.
Screenshot from The Seven Deadly Sins: Origin
Code invalide : la plupart du temps, c’était un espace en trop en copiant/collant le code, ou une lettre mal recopiée. Vérifie qu’il n’y a pas d’espace avant/après et que tout est en MAJUSCULES.
Code déjà utilisé : ces coupons sont à usage unique par compte. Si tu as déjà validé un code sur PC, tu ne pourras pas le remettre sur mobile avec le même compte Netmarble.
Pseudo / région incorrects : si le site affiche un autre pseudo que le tien après avoir collé le PID, annule tout. Vérifie que tu n’as pas mélangé les PID de deux comptes différents.
Code expiré : au moment où j’écris, aucun des codes listés n’est encore expiré en jeu, mais après le 30 avril 2026, ORIGINX, ORIGINDISCORD et ORIGINSTEAM commenceront logiquement à renvoyer ce message.
Rien dans la boîte aux lettres : pense à rafraîchir le jeu (revenir au menu titre ou relancer l’appli). Sur une de mes tentatives, les récompenses ne sont apparues qu’après une reconnexion.
Si tout semble correct mais que ça ne marche vraiment pas, la seule solution fiable que j’ai trouvée est de vérifier l’orthographe du code sur une source officielle (site Netmarble, réseaux sociaux du jeu) plutôt que sur une liste tierce potentiellement obsolète.
Comment optimiser les récompenses des codes (et ne pas les gâcher)
Récupérer les cadeaux, c’est bien. Les utiliser intelligemment, c’est encore mieux. Après avoir claqué mes premiers tickets un peu n’importe comment, voilà ce que je recommande.
Utilise d’abord WELCOMEORIGIN : les 5 tickets héros + toutes les ressources de progression donnent un énorme coup de boost à ton équipe principale.
Regroupe tes tirages : certains bannières gacha ont des paliers ou des bonus. J’ai préféré attendre d’avoir tous mes tickets (codes + récompenses de connexion) pour faire des sessions de tirages groupées, ce qui augmente tes chances de tomber sur quelque chose d’utile.
Gardes les Supreme Enhancement / Refinement Stones pour tes meilleurs héros : au début, j’ai dispersé mes pierres sur plusieurs personnages que j’ai ensuite abandonnés. Maintenant, je les concentre sur 2-3 héros que j’utilise tout le temps.
Investis l’or avec parcimonie : 100 000 Gold (WELCOMEORIGIN + ORIGINX) partent très vite si tu spammes les améliorations. Vérifie toujours deux fois avant de confirmer une grosse dépense.
Utilise les Small Cube Keys sur des zones où tu joues déjà : avec ORIGINDISCORD, j’ai utilisé les clés dans des cubes que je croisais naturellement sur ma route plutôt que d’aller faire un détour juste pour ça. Tu gagnes du temps tout en récupérant des matériaux.
Les Premium Mastery EXP (ORIGINSTEAM) méritent d’être gardés pour les héros que tu sais que tu vas garder longtemps dans ta rotation. Ce sont des ressources « premium », ne les gaspille pas sur un remplaçant temporaire.
En procédant comme ça, j’ai pu me constituer une équipe solide sans ressentir le traditionnel mur de puissance des gacha après quelques heures de jeu. Tu gardes un bon rythme de progression sans avoir besoin de farmer en boucle les mêmes activités.
Récap’ et prochaines étapes
Pour résumer, voici l’ordre que je conseille après avoir pas mal tâtonné :
Finir le tutoriel jusqu’à débloquer le menu complet.
Aller dans Menu → Paramètres → Compte pour copier ton PID (32 caractères).
Sur PC/Android : utiliser le menu de coupons en jeu pour rentrer les 4 codes.
Sur Steam/iOS/PS5 : passer par le site officiel de coupons avec ton PID, en faisant bien attention aux copier-coller.
Ouvrir la boîte aux lettres et récupérer chaque lot de récompenses.
Commencer par utiliser WELCOMEORIGIN, puis les autres codes, et investir les ressources sur ton noyau de héros principaux.
Tant que le jeu est en période de lancement, ces codes sont la meilleure façon de te donner une avance confortable sans dépenser un centime. N’attends pas que les premiers événements passent : ORIGINX, ORIGINDISCORD et ORIGINSTEAM sont officiellement limités au 30 avril 2026, et même si WELCOMEORIGIN n’a pas encore de date de fin annoncée, il finira probablement par disparaître aussi.
Une fois tout récupéré, surveille régulièrement l’onglet d’actualités en jeu ainsi que les comptes officiels (site, Discord, X/Twitter) : lors de mes premières semaines, c’est souvent là que de nouveaux coupons sont lâchés à l’occasion de maintenances, de correctifs ou d’events. Et plus tu seras réactif, plus tu rentabiliseras ton aventure en Britannia.
Pourquoi ce guide Starseed Asnia Trigger v6.10 est différent
Après avoir passé plusieurs soirées à reroll et à tester les Proxyans sur le champ de bataille, je me suis rendu compte que lire une seule tier list pour Starseed Asnia Trigger ne suffisait pas du tout. Entre Pocket Gamer, dotgg, BlueStacks et les Tiermaker de la commu, les classements de personnages se contredisent parfois violemment. Ce guide part donc de ma propre expérience en v6.10 (mise à jour du 19 mars 2026 avec Jacky) croisée avec ces sources pour vous donner quelque chose de vraiment jouable, surtout si vous voulez reroll efficacement sans tester les 50+ Proxyans un par un.
Mon objectif ici :
Vous donner une tier list centrée sur le terrain (attaquants, défenseurs, supports) plutôt que sur des stats théoriques.
Vous expliquer comment reroll efficacement pour cibler Rachel, Rayhou, Taliafe et consorts, sans y passer trois jours.
Vous éviter mes erreurs les plus coûteuses : investir dans trop d’unités, ignorer les futurs nerfs, ou sous-estimer certains picks comme Taliafe.
Avant tout : bien comprendre les rôles (Attaquant / Défenseur / Support)
Les tier lists qui mélangent tout sans distinguer les rôles m’ont fait perdre un temps fou. En pratique, pour que les combats roulent bien, vous avez besoin d’un noyau de 3 à 5 Proxyans couvrant clairement ces fonctions :
Attaquants : votre source principale de dégâts. Exemple typique : Rachel avec son Ultime à quatre chiffres, Taliafe qui explose les boss…
Défenseurs : ceux qui encaissent, protègent ou réduisent les dégâts. Ils deviennent cruciaux sur les difficultés élevées, mais sont étonnamment optionnels dans les premiers chapitres si votre support est solide.
Supports : soins, buffs de DEF/HP/ATQ, résurrections, contrôle. Rayhou est le visage de cette catégorie, avec ses boosts de DEF/HP et ses revives qui sauvent des runs entiers.
Si vous êtes en phase de reroll, votre priorité n’est pas d’avoir tous les meilleurs noms de chaque tier list, mais :
1 à 2 DPS top tier (Rachel, Taliafe, Frederica, Yuna…)
1 support premium (idéalement Rayhou, sinon Lynette, Marillight, etc.)
1 slot flexible : défenseur ou second DPS selon votre style.
Tier list Starseed Asnia Trigger v6.10 (par rang, vue terrain)
Important : les classements ci-dessous se basent sur la v6.10 (Jacky incluse) et sur un mix de sources récentes. Quand il y a désaccord entre sites, je le signale au lieu de trancher artificiellement.
SS Tier – Le duo qui définit la méta : Rachel & Rayhou
En ce moment, quasiment toutes les sources s’accordent sur un point : Rachel + Rayhou = duo méta SS. Pocket Gamer place clairement Rachel et Rayhou au sommet, et honnêtement, sur le terrain, ça se sent.
Rachel (Attaquante) Son Ultime tape dans les quatre chiffres, avec des critiques délirants. Dès que j’ai commencé à lui donner la priorité en ressources, la différence a été immédiate : les vagues fondent, et même les boss d’Omega difficulté 5 prennent cher. Elle est idéale comme pilier DPS n°1.
Rayhou (Support / Healer) Buffs DEF/HP pour l’équipe, gros soins, résurrections. Ses outils font que vos erreurs de positionnement ou de timing ne sont plus automatiquement des wipes. Sur les contenus plus durs, ses revives permettent de jouer plus agressif avec Rachel ou Taliafe.
Avertissement : ce duo est tellement dominant qu’il est déjà considéré comme « potentiellement visé par de prochains nerfs ». Si vous obtenez Rachel + Rayhou, c’est un excellent départ, mais gardez en tête :
Screenshot from Starseed: Asnia Trigger
Évitez de claquer toutes vos ressources rares dans des upgrades difficilement réversibles dès le jour 1.
Anticipez l’arrivée d’autres DPS comme Taliafe ou d’éventuels buffs pour des picks moins hype.
S Tier – Le socle de la plupart des bonnes équipes
Le rang S regroupe les Proxyans qui peuvent porter une équipe sans être complètement fumés comme Rachel/Rayhou. La liste exacte varie selon les sites, mais certains noms reviennent tout le temps :
Taliafe (Attaquante) – Plusieurs créateurs la décrivent carrément comme un DPS « must pull », même à peu de copies. Elle a égalé un score de dégâts de 2119 sur Omega 5, au niveau ou mieux que des unités supposées plus fortes, grâce à son kit qui ignore une partie de la DEF et à une bonne optimisation de badges. Si vous ne chopez pas Rachel, Taliafe est votre plan B (voire plan A).
Frederica (Attaquante/support hybride) – Dotgg la classe S-tier : nuke lumière/obscurité, auto-sustain, boucliers & heals. De mon côté, c’est celle que j’use quand je veux une DPS qui ne tombe pas au premier focus. Très forte en PvE et correcte en PvP.
Lynette, Damiana, Ilyana, Fuchsia, Adelie, Marillight, Comet, Claudia, Eradica, Echidna, Amy, Freyja, Iliana, iD – Tous cités en S sur Pocket Gamer. Ils couvrent un peu tous les rôles : buffs, debuffs, dégâts stables, etc. Je ne les mets pas tous au même niveau dans ma pratique, mais si vous en obtenez un en plus d’un gros DPS, ça vaut quasiment toujours le coup de les tester dans votre compo.
Concrètement, dans mon compte reroll « sérieux », mon noyau S/SS ressemble à ça :
Rachel (DPS n°1)
Taliafe ou Frederica (DPS n°2 / bossing)
Rayhou (Support principal)
Un S-tier de soutien (Lynette/Marillight) ou de contrôle selon le contenu
A Tier – Fiables, surtout si vous manquez de SS/S
Le rang A regroupe des Proxyans comme Areti, Yume, Machina, Airen, Ambrosia, Arcels, Kanata, Balencia, Lydia, Belebeta, Ferrel, Hellen, Isabella, Itus, Ino, Lilian, Melissa, Shale, Yuna. Ils ne cassent pas le jeu, mais ils sont loin d’être des trolls pulls.
À noter particulièrement :
Yuna (Attaquante) – Souvent décrite comme une excellente attaquante indépendante, capable de gérer à la fois le mono-cible et l’AoE sans avoir besoin d’une équipe ultra-spécifique. Sur mon compte où je n’avais ni Rachel ni Taliafe, elle a tenu le rôle de DPS principal sans souci jusque tard dans l’histoire.
Ambrosia / Balencia – Certaines vidéos récentes signalent une montée de ces noms dans des usages de niche, surtout en PvE après certains patchs. Je les garde volontiers en plan B, surtout si je manque d’options S tier sur un rôle donné.
Conseil perso : ne sous-estimez pas un A tier que vous avez déjà monté à mi-chemin. Sur mon premier compte, j’ai perdu énormément de temps à abandonner des A tiers solides pour courir après un S tier que je n’ai jamais réellement build.
Jacky v6.10 & cas incertains
Jacky, ajoutée avec la mise à jour du 19 mars 2026, commence à peine à être testée sérieusement. Pour l’instant :
Cover art for Starseed: Asnia Trigger
Les premières impressions la voient plutôt comme un élément d’équilibre pour des équipes plus mixtes.
Aucune véritable unanimité sur son rang : on manque encore de recul, et les sources ne concordent pas.
Mon approche actuelle : si je la tire pendant un reroll où j’ai déjà au moins un gros DPS et un bon support, je la garde et je l’essaye. Mais je ne reroll jamais spécifiquement pour elle en l’état.
Guide de reroll efficace (sans y passer ta semaine)
Objectif de reroll réaliste
Au lieu de viser la « main parfaite » ultra improbable (Rachel + Rayhou + Taliafe + Frederica…), visez un objectif atteignable en quelques heures, par exemple :
Objectif A (ambitieux mais faisable) : 1 SS DPS (Rachel ou Taliafe) + 1 SS/S support (Rayhou, Lynette, Marillight…)
Objectif B (très raisonnable) : 1 top DPS (Rachel/Taliafe/Frederica/Yuna) + 1 S/A support utilisable
Sur ma dernière session de reroll sérieuse, j’ai atteint l’Objectif B en ~2 heures, en faisant des cycles de 10–15 minutes.
Procédure type d’un cycle de reroll
Les menus exacts peuvent varier avec les mises à jour, mais la logique reste la même :
Étape 1 – Lancer une nouvelle partie Créez un compte/guest ou utilisez une adresse mail jetable. Skipper les dialogues au maximum pour gagner du temps.
Étape 2 – Terminer le tutoriel obligatoire J’en suis arrivé à enchaîner cette phase les yeux fermés. Profitez-en pour vous familiariser avec les animations d’Ultime de Rachel si le jeu vous la prête temporairement.
Étape 3 – Récupérer toutes les récompenses gratuites Allez dans Boîte aux lettres, Quêtes et Événements pour récupérer les tickets d’invocation et la monnaie premium de lancement.
Étape 4 – Invoquer intelligemment Priorisez les bannières qui boostent le taux des SS/S que vous visez : typiquement une bannière orientée Rachel/Taliafe pour le DPS, puis une bannière support si disponible (Rayhou, etc.).
Étape 5 – Évaluer rapidement le pull Si vous avez au moins : – 1 gros DPS (Rachel, Taliafe, Frederica, Yuna) – 1 bon support (Rayhou en priorité, sinon un S-tier support) Gardez le compte. Sinon, retour à l’écran titre, reset du compte, et on recommence.
Astuce : préparez une petite note (papier ou appli) avec la liste courte des Proxyans que vous ciblez. Ça évite de perdre du temps à aller vérifier chaque nom sur Internet entre deux rerolls.
Quand s’arrêter de reroll ?
Je me suis déjà piégé dans un reroll infini en me disant « la prochaine sera la bonne ». Ce que j’utilise désormais comme règle :
Si au bout de 2–3 heures vous avez un compte avec au moins 1 top DPS + 1 support correct, stop. Jouez.
Ne sacrifiez pas une progression déjà lancée juste parce que vous avez vu une vidéo où quelqu’un aligne quatre SS différents. Vous rattraperez la puissance via les bannières futures et les dupli.
Optimiser votre noyau de 3–5 Proxyans
Une fois que vous avez votre base, tout l’enjeu est de ne pas diluer vos ressources. Ce que je fais désormais :
Priorité 1 : le DPS principal Rachel ou Taliafe d’abord, ou Yuna/Frederica si vous n’avez pas mieux. Montez leur niveau, leurs compétences clés et leur équipement avant tout le reste.
Priorité 2 : le support pivot Rayhou, Lynette, Marillight… Augmentez leurs capacités de soin/buff en priorité. Cela augmente la survie globale de votre équipe, ce qui est souvent plus rentable qu’un petit boost de dégâts sur un second DPS.
Priorité 3 : les rôles complémentaires Un défenseur ou un second DPS, selon là où vous bloquez : si vous mourez trop vite, investissez dans le tank ; si les combats durent trop longtemps, buffez le second DPS.
Je me limite volontairement à 3–5 Proxyans actifs pendant les premiers chapitres et les premières difficultés Omega. C’est contre-intuitif quand on adore collectionner, mais en pratique, c’est ce qui donne le plus de puissance réelle par heure de jeu investie.
Erreurs que j’ai faites (à éviter absolument)
Éparpiller les ressources sur 10+ unités Résultat : aucune n’était assez forte pour tenir en Omega. Depuis, je me fixe la règle « 3 principaux, 2 secondaires » maximum.
Ignorer les signaux de nerf pour Rachel/Rayhou J’ai presque tout mis sur Rayhou juste avant que des rumeurs insistantes de nerf ne circulent. Désormais, j’investis plus progressivement et j’attends les notes de patch.
Suivre aveuglément une seule tier list Certains sites mettaient des unités comme Sia ou Ino très haut, d’autres les plaçaient plus bas ou mettaient l’accent sur Frederica/Taliafe. Croiser les sources + tester en vrai combat m’a évité de monter des faux « must build ».
Ce qui peut changer bientôt (et comment rester à jour)
Starseed Asnia Trigger bouge vite :
Rachel & Rayhou : duo tellement fort qu’un équilibrage à la baisse semble probable à moyen terme.
Jacky : encore très floue dans la méta ; surveillez les patch notes et les retours de joueurs haut niveau avant de l’investir lourdement.
Taliafe & Frederica : tout indique qu’elles resteront des valeurs sûres comme DPS, même si Rachel/Rayhou prennent un coup de nerf.
En résumé : si vous partez maintenant avec un bon DPS (Rachel/Taliafe/Frederica/Yuna) + un vrai support (Rayhou ou S-tier équivalent), vous avez largement de quoi profiter de la v6.10, farmer du contenu et vous adapter aux prochains patchs sans devoir reroll à nouveau.
Si moi, après avoir gâché des heures en rerolls interminables et en builds éparpillés, j’ai pu stabiliser une équipe solide avec cette approche, vous pouvez largement y arriver aussi. Concentrez-vous sur 3–5 Proxyans clés, surveillez l’équilibrage, et laissez la collection complète pour plus tard.
Après avoir passé plusieurs soirées à compléter mon carnet de recettes dans Disney Dreamlight Valley, les Biscuits du pays des merveilles ont été l’une des recettes 4 étoiles les plus pratiques à maîtriser. Elle ne demande que des ingrédients de base, mais éparpillés dans plusieurs biomes et verrouillés derrière quelques prérequis (surtout la vanille et le beurre).
Dans ce guide, je te détaille le chemin le plus simple que j’ai trouvé pour :
Débloquer les bons biomes et personnages au bon moment
Farmer rapidement le blé et la canne à sucre
Récupérer la vanille sans tourner en rond pendant des heures
Acheter le beurre sans exploser ta réserve de pièces
Cuisiner les biscuits en série pour ton énergie, les cadeaux ou la collection
Compter environ une trentaine de minutes si tu dois tout débloquer, beaucoup moins si tes biomes sont déjà ouverts.
Pré-requis : biomes et personnages à débloquer
Les Biscuits du pays des merveilles sont une recette 4 étoiles, ce qui signifie qu’elle use exactement 4 ingrédients : blé, canne à sucre, vanille et beurre. Le vrai défi, ce n’est pas la cuisine, c’est l’accès à chaque ressource.
Biomes indispensables
Prairie tranquille (Peaceful Meadow) – accessible très tôt, pas de coût spécial en Dreamlight.
Plage enchantée (Dazzle Beach) – coûte environ 1 000 Dreamlight à débloquer.
Plateau ensoleillé (Sunlit Plateau) – coûte environ 7 000 Dreamlight à débloquer.
Ne fais pas mon erreur : je me suis acharné à chercher de la vanille ailleurs avant de réaliser qu’elle était exclusivement sur le Plateau ensoleillé. Tant que ce biome n’est pas ouvert, tu es bloqué pour la recette.
Personnages & bâtiments
Rémi (Ratatouille) – tu dois l’avoir ramené de son royaume et avoir construit Chez Rémi dans la Vallée.
Palais de Tiana (optionnel mais pratique) – si tu l’as déjà, tu peux aussi y trouver du beurre.
Dans la plupart de mes parties, j’ai commencé par utiliser uniquement Chez Rémi pour le beurre. Certains joueurs (et une mise à jour plus récente) permettent aussi d’en obtenir au Palais de Tiana. Si tu n’as pas encore Tiana, ne t’inquiète pas, Rémi suffit largement.
Récap express : ingrédients et où les trouver
Blé – graines au stand de Dingo de la Prairie tranquille, 1 pièce par graine, ~1 min de pousse.
Canne à sucre – au stand de Dingo de la Plage enchantée, soit en graines (5 pièces, ~7 min), soit déjà poussée (29 pièces).
Vanille – à ramasser au sol sur le Plateau ensoleillé, plante sauvage non achetable.
Beurre – à acheter dans le garde-manger de Rémi (Chez Rémi) pour environ 190 pièces; aussi disponible au Palais de Tiana si tu l’as débloqué.
Une fois ces quatre ingrédients réunis, tu peux cuisiner les biscuits sur n’importe quelle station de cuisson (Chez Rémi, chez toi, ou dans un autre restaurant).
Étape 1 – Farmer le blé (rapide et pas cher)
Le blé est la partie facile, mais c’est aussi là qu’on peut gagner du temps en préparant un bon stock dès le départ.
Cover art for Disney Dreamlight Valley: Emotional Rescue
Va au stand de Dingo dans la Prairie tranquille.
Achète un paquet de graines de blé. A 1 pièce la graine, n’hésite pas : je prends généralement au moins 50 graines d’un coup.
Plante les graines près de ta maison (pour profiter des téléportations rapides et arrosages simplifiés).
Arrose-les une fois. Le blé pousse en environ 1 minute.
Récolte tout, puis replante une partie si tu veux un stock permanent.
Pour maximiser le rendement, j’assigne un personnage avec le rôle “Jardinage” et je l’emmène avec moi. Tu auras régulièrement des doubles récoltes, parfait pour cuisiner en série plus tard.
Étape 2 – Obtenir la canne à sucre efficacement
La canne à sucre demande un peu plus d’organisation, surtout la première fois où tu poses le pied sur la Plage enchantée.
Une fois la Plage enchantée débloquée (1 000 Dreamlight), va au stand de Dingo du biome.
Tu y trouveras soit :
des graines de canne à sucre (5 pièces, pousse en ~7 min),
de la canne à sucre déjà poussée (29 pièces).
Au début, j’achetais tout en version déjà poussée pour aller plus vite, mais sur le long terme c’est un gouffre à pièces. Mon conseil :
Achète une grosse quantité de graines (30 à 50).
Plante-les en une ou deux “lignes” pour te souvenir où elles sont.
Va faire autre chose (pêche, quêtes) pendant les ~7 minutes de pousse.
Reviens récolter et garde un stock de canne à sucre dans ton coffre de cuisine.
Là aussi, un compagnon “Jardinage” fait une grosse différence en termes de rendement.
Étape 3 – Trouver de la vanille sur le Plateau ensoleillé
C’est clairement la partie qui m’a fait perdre le plus de temps la première fois. La vanille ne s’achète nulle part : tu dois la ramasser au sol sur le Plateau ensoleillé.
Débloque le Plateau ensoleillé pour environ 7 000 Dreamlight.
Une fois sur place, longe les sentiers et les bordures d’herbe : la vanille apparaît comme une petite plante avec des gousses claires.
Ramasse tout ce que tu vois, même si tu n’en as pas besoin immédiatement. La ressource n’est pas ultra fréquente, donc mieux vaut faire un gros stock quand tu passes dans le coin.
Astuce perso : quand je dois monter l’amitié d’un perso “Récolte”, je l’emmène au Plateau ensoleillé et je ramasse tous les éléments au sol (vanille, autres plantes, bois). La vanille vient petit à petit sans que j’aie l’impression de tourner en rond.
Étape 4 – Acheter le beurre chez Rémi (et Tiana)
Le beurre est le seul ingrédient payant un peu cher dans cette recette.
Va à Chez Rémi dans la zone centrale du village.
Sur l’une des étagères du garde-manger, tu peux acheter du beurre pour environ 190 pièces l’unité.
Achète au moins quelques unités d’avance : j’en prends souvent 10–20 d’un coup pour éviter les allers-retours.
Si tu as déjà débloqué le Palais de Tiana, tu peux aussi y trouver du beurre. Dans ma partie principale, j’utilise surtout Rémi car je l’ai débloqué bien avant Tiana, et son restaurant est plus central pour enchaîner les sessions cuisine.
Ne gaspille pas ton beurre : garde-le pour des recettes utiles (énergie, quêtes, collection). Les Biscuits du pays des merveilles en font partie.
Étape 5 – Cuisiner les Biscuits du pays des merveilles
Une fois tout le nécessaire obtenu, la partie cuisine est très simple.
Va sur n’importe quelle station de cuisson (Chez Rémi, chez toi, etc.).
Interagis avec la casserole (par exemple F sur PC, X sur Xbox, ▢ sur PlayStation).
Ajoute dans le chaudron :
1 × Blé,
1 × Canne à sucre,
1 × Vanille,
1 × Beurre.
Ajoute un morceau de charbon.
Lance la cuisson avec le bouton “Commencer la cuisson”.
Si tu as bien mis ces quatre ingrédients, tu débloques (ou tu recuisines) la recette Biscuits du pays des merveilles, classée 4 étoiles.
Je te conseille de cuisiner plusieurs biscuits d’affilée tant que tu es à la station, surtout si tu as fait un gros stock de vanille. Ça optimise ton temps de jeu et ça t’évite d’avoir à revenir dès que tu veux un peu d’énergie ou un cadeau rapide pour un villageois.
Optimiser coûts et temps de farming
Avec quelques ajustements, cette recette devient très rentable à produire :
Blé : toujours en graines. A 1 pièce la graine et une minute de pousse, c’est l’ingrédient le plus facile à massivement stocker.
Canne à sucre : privilégie les graines si tu joues plus de 10–15 minutes d’affilée. Garde l’achat “déjà poussée” pour les cas où tu es pressé ou pour une quête urgente.
Vanille : cumule-la en tâche de fond. Chaque passage sur le Plateau ensoleillé => tu fais un tour complet du biome en ramassant tout.
Beurre : achète-le par lots. Faire un détour juste pour un beurre coûte plus en temps que les quelques pièces économisées.
En suivant cette routine, je peux facilement lancer une série de 10–15 biscuits en moins de cinq minutes, juste en vidant mes coffres de cuisine et en spamant la station.
Problèmes fréquents et dépannage
“Je ne trouve pas de vanille”
Vérifie bien que tu es sur le Plateau ensoleillé et pas dans un autre biome de couleur similaire.
Fais un tour complet en longeant les chemins et les lisières d’herbe.
Si tu viens de ramasser toute la vanille, attends un peu ou change de biome, puis reviens : les ressources finissent par réapparaître.
“Je n’ai pas assez de Dreamlight pour débloquer les biomes”
Dans ce cas, concentre-toi d’abord sur des tâches rapides : récolte, pêche, minage, quêtes quotidiennes. C’est comme ça que j’ai atteint les 7 000 Dreamlight nécessaires au Plateau ensoleillé sans grind intensif ciblé.
“Le beurre me ruine en pièces”
On le sent vite passer, surtout au début. Ma solution :
Alterner les sessions cuisine “chères” (avec beurre) et des recettes moins coûteuses.
Farmer quelques activités très rentables (pêche, cultures à forte valeur) avant de faire une grosse razzia de beurre chez Rémi.
Garder les Biscuits du pays des merveilles pour les besoins utiles (collection, énergie, cadeaux de confiance) plutôt que pour tout revendre.
En résumé : ta routine Biscuits du pays des merveilles
Une fois que j’ai compris où chaque ressource se cachait, cette recette est devenue un classique de ma rotation :
Je garde des champs de blé et de canne à sucre permanents près de ma maison.
Je fais un tour de Plateau ensoleillé régulièrement pour refaire mon stock de vanille.
Je passe chez Rémi ou au Palais de Tiana pour acheter le beurre par lots.
Je cuisine les Biscuits du pays des merveilles en série dès que j’ai assez de vanille.
Avec cette organisation, tu transformes une recette qui paraît un peu exigeante au début en un dessert 4 étoiles facile à enchaîner, que ce soit pour remplir ton livre de recettes, booster ton énergie entre deux quêtes ou gâter tes villageois préférés.
Street Fighter 6 est devenu le meilleur épisode de la série – et Capcom doit arrêter de le freiner
Je vais être direct : je joue à Street Fighter depuis que je suis gamin sur Super Nintendo, j’ai cramé des années de ma vie sur Third Strike en salle d’arcade, j’ai survécu à l’ère Street Fighter V et à ses menus atroces. Et aujourd’hui, après des milliers d’heures passées sur Street Fighter 6 depuis 2023, je suis arrivé à une conclusion qui aurait fait hurler le moi du début des années 2000 : SF6 est, globalement, le meilleur Street Fighter jamais sorti.
Ce qui est fou, c’est que cette phrase est encore plus vraie aujourd’hui qu’au lancement. Près de trois ans après sa sortie, alors que la plupart des jeux de baston ont déjà bien perdu de leur jus, Street Fighter 6 vient de claquer un nouveau record de joueurs simultanés sur Steam, poussé par la sortie d’Alex et un énorme patch d’équilibrage. On parle d’environ 72 000 joueurs connectés en même temps le 17 mars 2026, soit mieux que le pic du lancement, qui tournait autour de 70 000. Quel autre jeu de baston fait ça, à part lui ? Personne.
Et pourtant, malgré ces chiffres, malgré une base de joueurs qui refuse de lâcher l’affaire, Capcom continue de saboter une partie de son propre succès avec une cadence de contenu trop lente et une scène esport gérée comme si on était encore à l’ère des DVD. C’est là que ça m’agace – parce que quand tu tiens un Street Fighter aussi fort, tu n’as pas le droit de te manquer sur ce qui l’entoure.
Mon histoire avec Street Fighter et pourquoi SF6 m’a fait ravaler mon cynisme
J’ai vécu l’ère Third Strike comme une religion. Les parries de Daigo, les match-ups obscurs, la sensation que le jeu était un club fermé pour masochistes techniques : c’était mon truc. Quand SFIV est arrivé, j’ai poncé l’online sur 360, puis souffert des hitbox bizarres et des vortex de l’enfer. SFV, j’y ai mis le temps aussi, mais sans jamais réussir à aimer réellement le jeu. Trop de décisions bancales, trop de patchs qui sentaient la panique.
Donc quand Capcom nous a vendu Street Fighter 6 comme un « jeu-service moderne » avec un mode solo façon RPG, un hub social, un battle pass, j’étais prêt à détester. Je voulais un jeu de baston, pas un parc d’attractions.
Sauf que manette en main, SF6 a mis tout le monde d’accord. Le Drive System est le meilleur système de ressource que la série ait jamais connu. C’est l’ADN de Street Fighter – zoning, neutral, footsies – boosté par une barre commune qui gère la pression, la défense, l’attaque, les reversals. Après quelques centaines d’heures, j’ai réalisé que je ne pouvais plus revenir en arrière. Ni sur SFV, ni même sur Third Strike, que j’adore pourtant toujours autant à regarder.
Mais à l’époque du lancement, j’avais quand même une peur : que SF6 devienne un de ces jeux qui explosent à la sortie puis meurent à petit feu, comme tant de titres « live service » qui ont cru qu’un roadmap PowerPoint suffisait à garder des joueurs. Trois ans plus tard, c’est tout l’inverse qui s’est produit.
Trois ans plus tard, Street Fighter 6 est plus fort que le jour 1
Regardons les faits. Selon les chiffres publics de Steam, SF6 a dépassé son propre record de joueurs simultanés en mars 2026 : environ 72 067 joueurs connectés en même temps. À la sortie, on était autour de 70 500. Puis on a eu un premier gros sursaut avec Akuma en mai 2024, où le jeu avait déjà frôlé les 70 000 de nouveau. C’est rare qu’un jeu de baston fasse ça, mais le refaire presque trois ans après, c’est carrément invraisemblable.
En parallèle, Capcom annonce plus de 6 millions d’exemplaires vendus début 2026, contre à peu près 3,3 millions un an plus tôt. Donc non seulement le jeu ne s’effondre pas, mais il continue de recruter. Côté avis, SF6 reste en « Très positif » sur Steam, avec plus de 80 % d’évaluations positives sur des dizaines de milliers d’avis. On est loin du démarrage toxique de SFV.
Compare ça à la concurrence récente : Tekken 8 et Mortal Kombat 1 ont fait du bruit à leur sortie, puis leurs pics de joueurs quotidiens sur Steam se sont effondrés beaucoup plus vite. Les 24h peaks récents de Tekken 8 tournent autour de quelques milliers, MK1 est encore plus bas. SF6, lui, continue de taper des dizaines de milliers de joueurs au moindre gros patch, avec une moyenne mensuelle solide.
Je le vois aussi dans ma vie de joueur : je n’ai jamais eu autant de facilité à trouver des matchs classés de qualité à 2h du matin, presque trois ans après la sortie, que sur SF6. Sur SFV, passé un certain stade, tu tombais toujours sur les mêmes 30 tryhards. Là, le ladder vit, respire, et ça c’est le meilleur indicateur possible.
Alex, le patch massif et une méta enfin adulte
Oui, le nouveau pic de joueurs est lié à Alex. Et en tant que vieux joueur de Third Strike, voir le mec qui était censé remplacer Ryu revenir enfin au sommet, ça fait quelque chose.
Alex dans SF6, ce n’est pas juste du fanservice. C’est un vrai bulldozer pensé pour le système moderne : un grappler/bruiseur agressif, avec une nouvelle stance (son fameux côté « prédateur » remis au goût du jour), des chopes qui claquent, et un kit qui enfin arrête de le traiter comme une blague tier list. Après quelques jours en ranked, tu sens qu’il a un vrai plan de jeu, qu’il joue avec le Drive de façon menaçante, qu’il te force à prendre des décisions.
Mais ce qui a vraiment changé la donne, c’est que Capcom n’a pas balancé Alex tout seul dans le vide. Ils ont sorti en même temps un patch d’équilibrage global qui a touché pratiquement tout le roster. Ce n’était pas juste trois frames changées sur un light punch, c’était une refonte sérieuse de l’écosystème.
Résultat : la méta est dans un de ses meilleurs états depuis la sortie. Il y a toujours des top tiers, évidemment – c’est un jeu de baston, pas un tableur Excel – mais dans les tournois que je suis et ceux où je joue, je vois une variété de persos que je n’avais pas vue depuis longtemps dans la série. Plus de la moitié du cast a vraiment sa place en haut niveau, et ce n’est pas juste une impression, ça se voit dans les brackets.
Et surtout, le patch ne donne pas l’impression de panique. Pas de nerfs absurdes qui détruisent des persos du jour au lendemain, pas de buff ridicules pour créer artificiellement un « nouveau boss du moment ». On sent que Capcom a pris son temps, a regardé les datas, les tournois, les retours, et a agi de manière chirurgicale. C’est exactement ce que j’attends d’un jeu-service de baston : pas la quantité, mais la précision.
La cadence Capcom : quatre persos par an, et c’est à la fois brillant et frustrant
Capcom a clairement une philosophie : environ quatre nouveaux personnages par an, pas plus. Sur le papier, ça me rend dingue. On a eu des trous de presque cinq mois sans nouveau perso, alors que le jeu est plus populaire que jamais. Quand tu joues chaque semaine depuis 2023, ces périodes de désert te paraissent interminables.
Mais je dois être honnête : c’est aussi ce qui fait la force du jeu. Chaque nouveau personnage dans SF6 ressemble à un vrai événement, parce qu’il amène une nouvelle manière d’utiliser le Drive System. L’exemple parfait, c’est C. Viper dans le Year 3 Character Pass : ses sauts cancel, ses options insensées combinées au Drive, c’est un labo à ciel ouvert. Elle n’est pas juste « un perso en plus », c’est une extension du langage du jeu.
Alex, lui, montre comment un grappler-plus peut exister dans ce système sans être injouable ni toxique. Les devs utilisent chaque ajout pour pousser une facette différente du moteur. On est très loin de certains jeux qui lâchent six persos par saison dont trois clones et deux blagues.
Le problème, c’est que Capcom applique cette philosophie ultra-prudente à tout, y compris là où ce n’est pas nécessaire. Les costumes alternatifs par exemple : c’est d’une lenteur criminelle. SFV crachait des costumes tous les mois. Oui, beaucoup étaient discutables (combien de tenues pour Chun-Li déjà ?), mais au moins, ça donnait une raison de revenir, de refaire un tour en boutique, de personnaliser son main.
Dans SF6, tu as un système de personnalisation solide, des designs de base excellents… et Capcom appuie sur l’accélérateur une fois tous les six mois. On est sur un jeu qui fait des pics à 70 000 joueurs trois ans après sa sortie, qui a une base prête à lâcher de l’argent dans des cosmétiques, et l’éditeur choisit… de ne quasiment rien vendre. C’est presque du sabotage économique volontaire.
World Tour : le mode que j’ignore, mais qui maintient la flamme
Je vais être franc : je n’ai presque pas retouché au mode World Tour depuis que j’ai fini la campagne au lancement pour le test. Je suis ce genre de malade qui ne lance SF6 que pour aller en training mode, faire des sets en lobby et grinder le ranked. Pourtant, je serais stupide de faire comme si World Tour n’existait pas.
Capcom continue de le mettre à jour, d’y intégrer les nouveaux personnages, d’ajouter des quêtes, des mini-systèmes. Pour moi, ça ne change rien. Mais pour une grosse partie de la communauté, c’est là que se trouve l’attachement émotionnel au jeu. C’est là qu’ils créent leur avatar, qu’ils testent les moves, qu’ils s’amusent sans se faire ouvrir en deux par des top 100 mondiaux.
Et on le voit dans les chiffres : SF6 ne vit pas uniquement de sa scène compétitive. Les pics de joueurs coïncident souvent à la fois avec des DLC et des ajouts World Tour. C’est l’un des rares jeux de baston qui a compris que tout le monde ne veut pas forcément devenir champion EVO, mais que ces joueurs-là comptent tout autant pour la longévité du titre.
Capcom Cup : quand tu as un million sur la table et que tu le caches sous le tapis
Et c’est là que j’en viens au truc qui me rend le plus dingue : la façon dont Capcom gère l’esport autour de SF6. On parle d’un jeu avec une scène compétitive en bonne santé, des organisations motivées, des joueurs charismatiques… et pourtant, Capcom réussit à foirer la mise en avant de son événement principal.
La dernière Capcom Cup, avec plus de 1 000 000 $ de cashprize, a été enfouie derrière un pay-per-view mal communiqué. J’ai littéralement des potes qui jouent à SF6 toutes les semaines, qui grindent les ranked, qui n’étaient même pas au courant que le tournoi avait lieu, ni que le vainqueur repartait avec un chèque à six zéros.
Et surtout : rien dans le jeu. Pas de bannière in-game visible dès l’écran titre. Pas d’événement temporaire lié à la Capcom Cup. Pas de missions spéciales, pas de titres à débloquer, rien. Tu dois déjà être plongé dans la scène FGC Twitter / Discord pour savoir ce qui se passe. Comment tu peux te vanter de faire un « jeu-service moderne » et rater à ce point la base : utiliser le jeu lui-même comme canal de communication ?
On dirait que l’équipe dev et l’équipe esport ne se parlent jamais. Le jeu, lui, crie « je veux être un pilier de la scène compétitive », pendant que le département event est resté coincé en 2011. C’est rageant, parce que l’un des plus gros atouts de SF6 – sa lisibilité, ses replays, son netcode – est justement parfait pour le spectacle.
Pourquoi, malgré tout, je considère SF6 comme le meilleur Street Fighter
Si tu m’avais dit un jour que je placerais SF6 au-dessus de Third Strike dans mon cœur de joueur, je t’aurais ri au nez. Et pourtant, factuellement, en tant que jeu vidéo complet en 2026, SF6 écrase tous les autres épisodes.
Le système de jeu : le Drive System, encore une fois, est un chef-d’œuvre. Il condense la philosophie Street Fighter en une ressource lisible et profonde. Pas de comeback meter artificiel façon Ultra, pas de V-System opaque à trois niveaux. Tu gères ta jauge, tu prends des risques, tu payes cash si tu abuses. C’est le jeu de baston le plus honnête que Capcom ait pondu depuis un bail.
Le online : le rollback netcode de SF6, ce n’est pas juste « jouable », c’est la première fois que je peux faire des sets sérieux avec des gens sur un autre continent sans avoir l’impression de pratiquer une autre discipline. En tant que joueur qui a bouffé du delay-based sur SFIV, c’est un changement de paradigme.
Les outils : training mode monstrueux, replays partageables, indicateurs de frame data intégrés, guides in-game pour les persos… Tout ce que la communauté bricolait sur des Google Docs pendant des années est maintenant dans le jeu. Pour un joueur exigeant, c’est inestimable. Pour un débutant, c’est la différence entre abandonner et s’accrocher.
La réception : presque trois ans après, le jeu garde une note « Très positif » sur Steam, plus de 80 % d’avis favorables, des pics réguliers sur Twitch dès qu’un patch sort (on parle de dizaines de milliers de spectateurs en simultané sur les grosses mises à jour). Ce n’est pas juste ma bulle de tryhards qui est heureuse, c’est une majorité de joueurs.
Alors oui, Third Strike aura toujours la meilleure ambiance sonore et visuelle. SFIV a remis la série sur la carte. Mais si je dois conseiller un seul Street Fighter à quelqu’un en 2026, ce sera SF6, sans hésiter. C’est le jeu qui réconcilie profondeur et accessibilité, qui tient sur la longueur, qui continue de se renforcer au lieu de se déliter.
Mon deal avec SF6 : Capcom, accélère ou laisse le jeu respirer tout seul
Concrètement, qu’est-ce que tout ça change pour moi en tant que joueur ? Déjà, je fais partie de ces gens qui ont arrêté de précommander la plupart des AAA après s’être fait avoir trop de fois. SF6 est l’exception : j’achète encore chaque Season Pass, chaque nouveau perso day one, alors que je me méfie de tout le reste du marché.
Mais mon indulgence n’est pas infinie. J’ai besoin que Capcom arrête de sous-exploiter son propre bijou. J’ai besoin de :
Plus de cosmétiques, plus souvent, sans transformer le jeu en casino mobile
Une intégration in-game sérieuse de l’esport, surtout pour la Capcom Cup
Une communication claire sur la roadmap, pour éviter ces longs tunnels de silence
Des patchs de balance réguliers, même légers, plutôt qu’un gigantesque bulldozer tous les X mois
La bonne nouvelle, c’est que même si Capcom continue à avancer à son rythme de tortue, SF6 restera de toute façon dans l’histoire. Les chiffres sont là, la scène est là, le plaisir de jeu est intact. Mais si l’éditeur décidait enfin de matcher la qualité du jeu avec une stratégie de contenu digne de 2026, on verrait peut-être quelque chose que je n’aurais jamais cru possible : un Street Fighter qui flirte avec les 10 millions de ventes et s’impose durablement comme un pilier du paysage compétitif, pas juste un classique pour nostalgiques.
En attendant, je continuerai à lancer SF6 chaque semaine, à râler sur le manque de costumes en scrollant la boutique vide, à m’enthousiasmer pour chaque nouveau patch, et à sourire comme un idiot quand je vois Alex claquer un Hyper Bomb en plein milieu d’un set classé. Le jeu, lui, fait son boulot. Il serait temps que Capcom le laisse enfin devenir aussi grand qu’il le mérite.
Solasta 2 en accès anticipé : mes 15 premières heures sur Neokos
J’ai lancé Solasta 2 avec un mélange de curiosité et de méfiance. J’avais aimé le premier pour son système de combat ultra-fidèle à D&D, mais j’avais aussi encaissé ses limites : présentation un peu fauchée, écriture souvent fadasse, caméra parfois pénible. Du coup, quand Tactical Adventures a annoncé une suite en accès anticipé, je m’attendais surtout à un “Solasta 1.5”.
Après une quinzaine d’heures sur la build actuelle (fin de l’acte 1, plus quelques rerolls de groupe parce que je suis ce genre de joueur), mon impression est assez claire : oui, c’est itératif… mais ce n’est pas juste une extension maquillée. Solasta 2 polit presque tous les points qui piquaient dans le premier, surtout le combat, la création de perso et la présentation, tout en posant les bases d’un overworld bien plus intéressant.
Par contre, on reste sur un accès anticipé pur jus : niveau capé, systèmes inachevés, options manquantes, décisions de règles un peu “DM tatillon”. Si vous détestez l’idée de rejouer un acte 1 plusieurs fois au fil des patchs, ce n’est pas encore le bon moment. Si au contraire vous aimez poncer les builds et voir un jeu se construire, Solasta 2 a déjà de quoi vous occuper.
Un vrai coup de propre : le passage à Unreal, ça se voit tout de suite
Ma toute première réaction en arrivant à la scène du funérarium de votre mère adoptive : “OK, ça n’a plus du tout l’air d’un projet Unity fauché.” Le passage à l’Unreal Engine change la perception globale du jeu. Les intérieurs sont plus détaillés, les éclairages plus crédibles, les visages ont enfin un peu de relief et les animations faciales, sans être folles, tiennent la route dans les dialogues mis en valeur par la mise en scène.
Sur mon PC (Ryzen 5, RTX 3070, 32 Go de RAM, 1440p), je tourne la plupart du temps au-dessus de 60 fps en élevé. J’ai eu quelques micro-chutes lors de gros combats avec beaucoup d’effets de sorts, mais rien de dramatique. J’ai aussi lancé une dizaine de minutes sur Steam Deck par curiosité : ça tourne, mais il faut clairement baisser les réglages et accepter une image plus floue. Pour un CRPG au tour par tour, ça reste jouable.
On n’est pas au niveau de la surenchère visuelle d’un Baldur’s Gate 3, et ce n’est pas le but. Solasta 2 garde ce côté “table de jeu de rôle virtuelle”, avec des cartes lisibles et fonctionnelles plus que du spectacle à tout prix. Mais comparé au premier épisode, la différence est nette : ça ressemble enfin à un CRPG de 2026 et plus à un bon prototype un peu rugueux.
Création de personnage : une fratrie moins difforme, mais encore un peu limitée
Le premier gros choc après la cinématique d’intro, c’est la création de groupe. Vous jouez une fratrie de quatre frères et sœurs adoptifs, ce qui sert à la fois de prétexte narratif pour mixer humains, elfes, nains et halflings… et d’explication discrète pour des modèles physiques assez proches. Même en jouant avec les rides, j’ai eu du mal à faire quelqu’un qui ait vraiment l’air vieux – logique, on enterre votre mère, pas vos grands-parents.
Bonne surprise : le créateur a fait un vrai bond en avant. Finies les têtes franchement bizarres de Solasta 1. On peut toujours produire des looks un peu ratés, mais on n’a plus l’impression de commander un groupe de mannequins déformés par la magie sauvage. L’interface est plus claire, les aperçus d’animations aident à choisir une “personnalité” vocale, et l’équipe a profité des nouvelles règles D&D 2024 pour déplacer une partie des bonus raciaux vers les historiques et les backgrounds. Résultat : plus d’options pour construire des concepts sans être prisonnier d’une race optimisée.
En revanche, il y a encore deux choses qui me frustrent :
Le pool d’options visuelles reste assez restreint. Difficile de faire quatre silhouettes vraiment distinctes, surtout au sein d’une même espèce.
Impossible de revenir modifier l’apparence et surtout la voix après le début de la campagne. Le moment où j’ai entendu mon demi-elfe sortir des lignes de dialogue en mode “ado hilare” pendant l’enterrement, j’ai su que j’allais reroll…
Petite mention au drama en ligne autour du créateur : certains hurlent que les hommes ne sont pas “assez virils” et les femmes “pas assez sexy”. Honnêtement, ce qui m’intéresse ici, c’est de pouvoir différencier mes personnages et coller à leur histoire, pas de recréer un catalogue de mods Skyrim. Ce qui manque, ce n’est pas du fan service, c’est plus de variété morphologique et quelques options de personnalisation en plus, surtout côté cheveux et cicatrices.
Screenshot from Solasta II
Exit la ligne droite : un overworld en hexagones qui donne envie d’explorer
Gros changement de philosophie par rapport au premier Solasta : la carte du monde. Fini le chemin tout tracé avec quelques détours. Neokos se présente maintenant comme une grande carte hexagonale couverte de points d’interrogation. La première fois que le jeu m’a lâché dessus, après le prologue, j’ai eu le petit frisson du “ok, par où je commence, là ?”.
Chaque hexagone peut cacher une rencontre permanente (un donjon, un camp, un village) ou temporaire. Et là, un système tout bête mais efficace s’active : certaines rencontres disparaissent si vous choisissez de vous reposer avant d’y aller. Après deux rencontres d’affilée, j’ai regardé ma jauge d’épuisement, vu les icônes de malus se cumuler, et j’ai eu ce petit débat intérieur que tout joueur de JdR connaît : “On pousse encore un peu ou on fait un camp ?”
Ce n’est pas encore un open world à la Pathfinder: Kingmaker, mais ça suffit pour injecter un peu de tension et d’arbitrage dans les déplacements. Je me suis surpris à sacrifier un confort de repos pour tenter une rencontre limitée dans le temps, de peur de la voir disparaître. Quand, au bout du voyage, je suis tombé sur un groupe de bandits particulièrement bien placés sur un pont étroit, j’ai vraiment eu l’impression d’avoir pris un risque et d’y être allé en mode “on verra bien”.
Le cœur du jeu : un D&D 2024 plus tranchant, plus vertical, plus méchant
Solasta 1 avait déjà cette réputation méritée : le CRPG qui se rapproche le plus d’une partie de D&D bien carrée sur table, grâce à un respect quasi maniaque des règles. Solasta 2 garde cette identité mais s’appuie sur la mise à jour 2024 des règles de D&D 5e, avec au passage un gros travail sur les armes et les conditions qu’elles infligent.
La première fois que j’ai essayé un arc “vexant” sur mon roublard, j’ai dû aller lire l’info-bulle deux fois. Vexant ? Sappant ? C’est quoi déjà la différence ? Après quelques combats, j’ai commencé à l’intégrer : ralentir un ennemi lointain pour l’empêcher d’atteindre mon mage au prochain tour, ou appliquer un désavantage à celui déjà au contact du paladin, ça change complètement la façon de penser chaque tour. On ne choisit plus son arme uniquement pour les dégâts, mais pour le profil de contrôle qu’elle ajoute à la boîte à outils du groupe.
Screenshot from Solasta II
Le terrain est mieux exploité que dans la démo ou le premier jeu. J’ai eu droit à :
Une attaque de sortes d’élémentaires de pierre explosifs dans une ville en flammes, avec des zones d’incendie qui forcent à jongler entre les hauteurs et les couverts.
Des “terror birds” qui vous harcèlent au sol pendant que leurs maîtres archers vous arrosent d’un promontoire, obligeant mon guerrier à cramer son dash pour grimper pendant que le clerc calme le jeu en bas.
Un affrontement mémorable contre des harpies qui tentaient de séparer le groupe avec du contrôle mental. Quand mon paladin a failli sauter d’une corniche parce qu’il était charmé, mon clerc a balancé “Apaisement des émotions” au dernier moment. C’est typiquement le genre de situation où on se sent vraiment en train de jouer un JdR tactique, pas juste de cliquer sur des barres de vie.
L’un de mes moments préférés, c’est une rencontre où le jeu m’a demandé de choisir entre m’allier à un groupe de morts-vivants ou à un géant à deux têtes pris dans un champ de pièges. J’ai décidé de trahir tout le monde et de me servir des pièges à mon avantage. Le combat a dégénéré en joyeux chaos sur plusieurs niveaux de hauteur, avec des ennemis qui glissent dans les pointes, d’autres qui se retrouvent coincés derrière des caltrops. C’est exactement cette sensation de “table pleine de figurines et de décors” que Solasta 2 cherche à reproduire, et sur ce point-là il réussit largement.
Tout n’est pas parfait ceci dit. J’ai encore vu quelques ennemis rester plantés à l’extrémité de la carte comme s’ils ne m’avaient pas vu, alors que leurs potes hurlaient déjà en chargeant. Ce n’est pas constant, mais quand ça arrive sur un combat censé être tendu, ça casse un peu la dynamique.
À noter aussi un détail qui, en bon joueur de clerc tatillon, m’agace particulièrement : le jeu applique une interprétation très stricte des règles de focalisation. Si votre clerc tient un bouclier, une bonne partie de ses sorts devient soudainement inaccessible, parce qu’il n’a plus une main libre. Dans Solasta 1, on pouvait dessiner le symbole sacré sur le bouclier pour contourner ça. Ici, plus possible. Résultat : je passe mon temps à alterner gratuitement entre mon set “marteau + bouclier” et mon arbalète juste pour pouvoir lancer des bénédictions. C’est fidèle au livre des règles… mais un peu contraire au plaisir de jeu.
Écriture et voix : toujours série B, mais nettement plus agréable
Solasta a toujours mis la tactique avant la dramaturgie, et ce n’est pas Solasta 2 qui va soudain se transformer en épopée métaphysique. L’histoire de la fratrie à la recherche de leur sœur Deorcas, sur fond de menaces plus vastes, prend son temps à démarrer. Les premières heures donnent surtout l’impression d’une grosse mise en place.
Là où le jeu fait un vrai pas en avant, c’est sur la qualité des dialogues parlés et des interprètes. On sent que le studio a mis un peu plus de budget dans le casting : Deorcas, par exemple, bénéficie d’une interprétation crédible et énergique, tout comme Rickard, votre autre frère. Les compagnons jouables que vous créez sont désormais pleinement doublés aussi, ce qui change beaucoup la perception par rapport à Solasta 1, où on avait parfois l’impression de marionnettes récitant des blagues méta.
Le ton reste léger, parfois un peu cabotin, mais nettement moins “cringe” que dans le premier. Les blagues tombent moins à plat, les dialogues de groupe pendant les déplacements sont plus naturels, et les moments sérieux ne sont plus systématiquement désamorcés par un trait d’humour immédiatement derrière. On reste sur une série B assumée, loin des ambitions romanesques d’un Baldur’s Gate 3, mais dans son registre, ça fonctionne mieux.
Accès anticipé : les bonnes promesses et les irritants du moment
Sur le papier, la roadmap est très rassurante : nouvelles classes, multijoueur coop, craft, montée du niveau max (actuellement bloqué au 4, promis à 6 dans l’année), début de l’acte 2, système de factions étoffé, plus d’événements sur la carte du monde, plus d’options de personnalisation. De quoi densifier très sérieusement ce qui est déjà là.
Screenshot from Solasta II
En pratique, en mars 2026, voilà ce que j’ai réellement ressenti en jouant :
Un acte 1 déjà solide : j’ai mis une douzaine d’heures à en voir le gros, en prenant mon temps pour explorer la carte et faire quelques quêtes secondaires. Pour un accès anticipé, c’est honnête.
Quelques bizarreries d’équilibrage : certains combats sont ridiculement faciles, d’autres proposent un pic brutal si on tombe dessus trop tôt sur la carte. C’est aussi ça, un overworld plus ouvert.
Des manques de confort côté règles : l’absence d’options comme utiliser l’Action Rusée du roublard pour se cacher facilement, ou le fameux symbole sacré sur bouclier pour les clercs, donne l’impression que le jeu se cherche encore entre fidélité tatillonne et ergonomie moderne.
Un système de factions encore embryonnaire : certaines de vos décisions font déjà varier la réputation et l’accès à certaines marchandises, mais on sent que ce n’est que l’ossature d’un système plus ambitieux promis par la roadmap.
Techniquement, j’ai eu quelques bugs mais rien de cassant : une animation de chute qui boucle, un ennemi qui reste coincé sur un rocher, un dialogue qui se rejoue après un combat. Du classique pour un accès anticipé, vite corrigible.
En gros, si vous achetez Solasta 2 maintenant, il faut le faire en sachant que vous signez pour accompagner le jeu : recommencer un groupe quand une nouvelle classe débarquera, refaire l’acte 1 quand le niveau 6 et l’acte 2 arriveront, tester de nouvelles branches de quêtes quand les factions seront complètes. Si, comme moi, vous êtes du genre à recommencer trois fois vos CRPG avant d’aller au bout, ce n’est pas un problème, c’est même le plaisir. Si vous préférez une campagne bien ficelée du début à la fin, attendez la sortie 1.0.
Pour qui est Solasta 2 aujourd’hui ?
Après ces quinze heures, je vois assez bien à qui je peux conseiller ce Solasta 2 en l’état :
Aux fans de tactique pure qui aiment décortiquer des combats au tour par tour, jouer avec le terrain, la verticalité, les conditions, et qui préfèrent un système clair et rigoureux à des cinématiques spectaculaires.
À ceux qui ont apprécié Solasta: Crown of the Magister mais auraient voulu une présentation moins cheap, un créateur de perso plus abouti et un overworld plus ouvert. C’est exactement ce qu’apporte cette suite.
Aux joueurs de JdR papier qui veulent un CRPG très proche des règles D&D 2024, sans les libertés parfois prises par d’autres studios. Il y a ce côté “MJ qui surveille ton livre de règles”, pour le meilleur et pour le pire.
En revanche, si vous cherchez avant tout une grande saga narrative, avec des compagnons écrits au scalpel et des romances complexes, vous risquez d’être un peu frustré. Ce n’est pas le terrain de jeu de Tactical Adventures. Leur truc, c’est de transformer une séance de Donjons & Dragons bien carrée en CRPG lisible et exigeant. Sur ce plan, même en accès anticipé, Solasta 2 coche déjà beaucoup de cases.
Verdict provisoire – une base très solide, 8/10 en l’état
Si je devais mettre une note à ce stade de l’accès anticipé, ce serait un 8/10 provisoire. La base est vraiment solide : combats excellents, overworld plus intéressant, présentation largement améliorée, écriture qui a enfin trouvé un ton correct, voix convaincantes. Le jeu n’essaie pas de devenir Baldur’s Gate 3, et c’est très bien comme ça : il reste dans sa niche de CRPG tactique à quatre personnages, presque scolaire dans son amour des règles.
Ce qui l’empêche de monter plus haut pour l’instant, c’est exactement ce que la roadmap promet d’adresser : classes encore limitées, niveau capé, système de factions squelettique, options de confort manquantes, personnalisation physique un peu chiche. Tout ce qui manque est concrètement listé comme “à venir”, ce qui rend l’attente plus excitante que frustrante, mais ça reste de l’attente.
Perso, je sais déjà que je reviendrai à chaque gros patch pour reroll une nouvelle fratrie, tester de nouvelles classes et voir comment la carte de Neokos se remplit. Si vous avez la même maladie de “recommenceur compulsif de CRPG”, foncez sans trop hésiter. Si vous êtes plutôt du genre à n’accorder qu’une seule chance à un jeu de rôle long, gardez Solasta 2 sur votre liste de souhaits et surveillez sa sortie complète.
TL;DR – Solasta 2 accès anticipé
+ Combats tactiques excellents, encore plus profonds grâce aux nouvelles règles D&D 2024 et aux effets d’armes.
+ Overworld en hexagones qui introduit enfin de vrais choix d’exploration et de gestion de la fatigue.
+ Présentation largement améliorée : Unreal Engine, meilleure mise en scène, voix réussies.
+ Création de groupe plus agréable, cohérente avec l’idée de fratrie, même si encore limitée visuellement.
– Systems en chantier : factions, niveau max, classes, craft et coop encore absents ou partiels.
– Rigidité de certaines règles (clerc + bouclier, options de furtivité) qui impactent inutilement le confort de jeu.
– Impossible de retoucher apparence/voix après le début de la campagne, frustrant pour un jeu centré sur le groupe.
Verdict EA : 8/10 pour les amateurs de tactique qui acceptent d’accompagner un jeu en construction. À surveiller de près pour la 1.0.
Après une bonne quarantaine d’heures sur MLB The Show 26 sur Xbox Series X|S, je me suis rendu compte que le vrai déclic n’est pas venu d’un meilleur timing au bâton, mais de la façon dont j’utilisais chaque mode. Je passais d’un mode à l’autre sans plan, je cramais mon bullpen en Diamond Dynasty, je simulais n’importe comment en Road to The Show, et mes Franchises partaient en vrille au bout de deux saisons.
Ce guide, c’est le playbook que j’aurais aimé avoir le jour 1 : un plan clair, mode par mode, pour maximiser ta progression, tes cartes, et la longévité de tes rosters, en utilisant vraiment les nouveautés de MLB The Show 26 (Années Amateurs étendues, Red Diamond, Parallel XP boosté, nouveau front office, Bear Down Pitching, Big Zone Hitting, etc.).
On va voir, très concrètement :
Comment monter plus vite en Road to The Show sans jouer 2 000 matchs manuellement.
Comment rentabiliser chaque inning en Diamond Dynasty pour gagner du Parallel XP et des collections utiles.
Comment lancer une Franchise solide, même si tu découvres le mode gestion.
Les routines que j’utilise pour frapper et lancer plus régulièrement avec Big Zone Hitting et Bear Down Pitching.
Road to The Show – accélérer ta carrière vers Cooperstown
J’ai complètement raté ma première carrière RTTS cette année : mauvais archétype, mauvaises décisions de simulation, et je me suis retrouvé bloqué en AAA avec un overall moyen. Ce qui a tout changé, c’est de traiter RTTS comme un vrai RPG, en partant de ton objectif final (Hall of Fame, type de joueur) et en optimisant chaque étape.
1. Choisis un archétype en pensant Hall of Fame, pas “meta du moment”
Dès la création de ton joueur, pose-toi une seule question : comment je veux être présenté à Cooperstown ? Power hitter monstrueux, lanceur d’élite, défenseur clutch… Une fois que tu l’as décidé :
Priorise les attributs qui se traduisent directement en stats de comptage (HR, SO, AVG, SB, etc.).
Évite les builds trop “hybrides” au début : la progression est plus rapide quand tes points se concentrent sur un profil clair.
Utilise le menu Road to The Show → Gestion du joueur → Loadouts pour verrouiller 1 ou 2 loadouts optimisés au lieu de tout changer tout le temps.
Ne fais pas mon erreur de tout répartir “pour voir” : tu vas diluer ton impact et donc ta valeur de draft et tes futurs contrats.
2. Exploite à fond les Années Amateurs et le recrutement universitaire
Les Années Amateurs étendues sont là pour te booster, pas juste pour faire joli. La différence entre “prendre la première offre” et attendre le bon programme universitaire est énorme sur le moyen terme.
Surveille les avantages listés pour chaque université : certains donnent plus d’exposition (meilleure place à la draft), d’autres un meilleur développement de compétences.
Si tu vises un big market et un gros contrat plus tard, privilégie l’exposition.
Si tu veux dominer en stats plus vite, choisis le programme qui booste le plus ton archétype (power, contact, pitching, etc.).
Le déclic pour moi : arrêter de penser “prendre l’offre la plus flashy” et plutôt regarder quel programme maximisait mes perks clés et mon potentiel pro.
3. Perks et objectifs : un plan, pas du hasard
RTTS 26 te montre maintenant clairement comment débloquer et améliorer tes perks. La pire chose que tu puisses faire, c’est de jouer “au feeling” sans regarder tes objectifs actifs.
Avant chaque série, ouvre RTTS → Objectifs et fixe ta priorité (par ex. “X HR sur la série”, “aucune BB en 3 départs”).
Choisis tes perks en fonction de ces objectifs : si tu dois frapper des extra-base hits, équipe des perks de puissance et de clutch, pas de discipline.
Quand un perk approche d’un upgrade important, force un peu le style de jeu qui le fait progresser (agressif sur les pitchs dans ta zone, par exemple).
Ce “focus objectif + perks” m’a fait gagner plusieurs OVR par saison, alors que je stagnais avant.
4. Simuler intelligemment : uniquement quand tu es en feu
La plus grosse erreur que j’ai faite en RTTS : spammer la simulation pour avancer la carrière… en pleine période de slump. Dans MLB The Show 26, la simulation se base beaucoup sur tes performances récentes.
Simule seulement quand tu es sur une série chaude (moyenne très élevée, HR récents, bons starts si tu es lanceur).
Évite de simuler juste après avoir changé de difficulté ou de vue au bâton : assure-toi d’abord que tu es à l’aise.
Si tu enchaînes quelques mauvais matchs simulés, reprends le contrôle immédiatement pour “réchauffer” tes stats.
Le jour où j’ai appliqué la règle “je ne simule que quand je suis en feu”, ma progression OVR sur la saison a littéralement doublé.
Screenshot from MLB The Show 26
5. Trades et changement de position : ne subis pas ton organisation
Ne reste pas coincé dans un club qui ne te donne pas d’opportunités. Utilise les dialogues avec ton agent et ton coach :
Via RTTS → Relations → Agent, demande un trade si tu es bloqué derrière un vétéran en MLB.
Discute avec ton coach pour tester un changement de position qui débloque du temps de jeu (ex : passer de SS à 2B ou 3B).
Vise les organisations connues pour leurs besoins à ton poste ou leur stade adapté à ton archétype (parc favorable aux HR si tu es power hitter, par exemple).
À partir du moment où j’ai arrêté d’être “loyal par principe” et que j’ai demandé un trade stratégique, ma carrière a vraiment décollé.
Diamond Dynasty – collection, Red Diamond et Parallel XP sans grind inutile
En Diamond Dynasty, j’ai gaspillé des heures au début à toucher à tout : quelques matchs classés, un peu de Conquest, puis des drafts Battle Royale sans objectif. Le jeu te donne énormément d’options, mais sans priorités tu avances au ralenti.
1. Construire un noyau solide (surtout sur le monticule)
Ta priorité n°1 : un pitching staff fiable. Les matchs se gagnent avec des bras que tu maîtrises.
Dans tes premiers packs ou achats, cible des lanceurs à bon contrôle et mélange de lancers varié plutôt que la pure vélocité.
Les légendes type Roger Clemens, Greg Maddux ou un closer comme Lee Smith sont excellents dès que tu peux mettre la main dessus : leur mix de lancers est simple à exploiter et leurs attributs montent très bien avec Parallel XP.
Complète avec 2-3 releveurs fiables (slider + changeup + fastball) que tu apprends vraiment à maîtriser, au lieu de tourner sur 8 bras que tu ne connais pas.
Une rotation stable rend l’apprentissage de Bear Down Pitching beaucoup plus simple, car tu connais les trajectoires de tes lancers par cœur.
2. Comprendre Red Diamond et Parallel XP : rester fidèle à ton roster
La nouveauté Red Diamond fait rêver, mais ne tombe pas dans le piège de vouloir changer ta line-up toutes les 2 heures.
Choisis un 5–6 cartes cœur (2 batteurs, 3–4 lanceurs) et garde-les longtemps en line-up.
Chaque inning joué avec ces cartes donne du Parallel XP : monte-les vers Parallel V pour gagner des attributs gratuits.
Les Mods Parallel te permettent d’ajuster une carte à ton style (un peu plus de contrôle, un peu plus de power). Teste mais ne les change pas toutes les deux parties.
Le jour où j’ai arrêté de “tester toutes mes nouvelles cartes” et que j’ai stabilisé mon 9 titulaire, mes résultats et mon PXP ont explosé.
Screenshot from MLB The Show 26
3. Choisir les bons modes pour progresser vite
Mini Seasons (dont World Baseball Classic) : parfait pour grinder XP et Parallel XP en offline avec des objectifs clairs.
Conquest : excellent pour packs + stubs tout en testant ton roster contre l’IA.
Weekend Classics : si tu as un peu de temps le weekend, ces événements filent souvent des très bonnes récompenses pour le temps investi.
Battle Royale drafts : utilise-les comme laboratoire. Tu joues avec des cartes que tu n’as pas encore ; si tu surperformes avec un joueur, note son nom et vise-le ensuite dans le Marché.
Organise tes sessions : par exemple, 1 Mini Season pour XP + 1–2 séries de Conquest pour les packs, puis un peu de Battle Royale juste pour “scouter” des cartes.
4. Collections intelligentes : commencer petit, viser gros
Ne te lance pas d’entrée dans les grosses collections type Dodgers avec une armée de Diamonds à acheter. Commence par :
Des équipes plus abordables comme les Minnesota Twins : la récompense 89 OVR Joe Mauer est un backstop en or pour le début de jeu.
Des collections de divisions où tu possèdes déjà plusieurs pièces.
Les collections liées aux programmes que tu farmes déjà (WBC, Team Affinity, etc.).
L’idée est simple : chaque stub doit soit t’avancer vers une récompense clef, soit renforcer ton noyau de roster. Tout achat “parce que la carte est cool” te ralentit.
5. Gestion du bullpen en parties classées
Le changement que j’ai le plus sous-estimé : la fatigue du bullpen qui persiste d’un match à l’autre.
Garde au moins 1 releveur frais pour les matchs qui comptent vraiment (parties de promotion, par exemple).
Évite de sortir ton closer “juste pour sécuriser” une victoire facile : tu le paieras dans le match suivant.
Utilise les middle relievers dans les matchs où tu prends rapidement le large ; garde tes meilleurs bras pour les fins de match serrées.
Après avoir cramé trois closers en un mini-run de trois matchs, j’ai appris à penser “série” plutôt que “match isolé”.
Franchise – dominer le nouveau front office sans se noyer
Le front office revu fait de la Franchise un vrai jeu de management. Ma première sauvegarde s’est transformée en cauchemar financier parce que j’ai tout voulu gérer à la main dès le début.
1. Lancer une Franchise quand tu débutes le mode
Dans Franchise → Paramètres → Gestion CPU, laisse l’IA gérer au départ :
Le scouting
Les finances
Concentre-toi sur :
Les lineups
La rotation
Les trades majeurs via le nouveau Trade HUB
Une fois que tu as pris le pli, tu pourras reprendre le contrôle du scouting pour cibler les bons prospects toi-même.
2. Un plan clair : rebuild ou all-in
Ne démarre jamais une Franchise sans te fixer un cap sur 3–5 ans :
Rebuild : trade des vétérans chers contre des prospects, investis dans le scouting, vise des saisons perdantes mais utiles pour la draft.
All-in : utilise le Trade HUB pour ajouter 1–2 stars là où ton équipe est déjà proche du titre.
Dans les deux cas, construis autour d’un pitching d’élite et d’une bonne défense. Sur une saison complète, ces qualités sont les plus “stables”.
Screenshot from MLB The Show 26
3. Profiter du Trade HUB et des nouvelles logiques d’échanges
Le Trade HUB centralise rumeurs et tendances de marché. Ce que j’ai appris :
Surveille les équipes en difficulté au classement : ce sont souvent de bons partenaires pour récupérer leurs stars en fin de contrat.
Ne surcharge pas une offre en prospects : commence “juste en dessous” de ce que tu penses nécessaire et ajuste.
Essaie de cibler des joueurs sous-cotés avec de bonnes notes de défense et de discipline au bâton : l’IA a tendance à moins les surévaluer que les gros power hitters.
En jouant avec ces leviers, j’ai réussi à monter une rotation d’enfer sans exploser ma masse salariale.
4. Verrouiller les jeunes stars tôt
Le meilleur conseil gestion que je peux te donner :
Identifie rapidement 3–5 jeunes au potentiel de star (80+ OVR potentiel).
Propose-leur une extension long terme dès que leurs performances confirment le potentiel, avant qu’ils n’explosent.
Laisse un peu d’argent libre dans ton budget pour des “one-year rentals” au moment de la deadline.
Cette approche m’a permis de garder un noyau de Franchise compétitif tout en gardant la flexibilité d’aller chercher une star en fin de contrat quand j’étais en course au titre.
Hitting & Pitching – routines pour être régulier chaque soir
1. Big Zone Hitting : ma routine d’entraînement quotidienne
Le Big Zone Hitting donne une vraie sensation de contrôle, mais seulement si tu entraînes ta lecture de pitchs. Ce que je fais avant une longue session :
Va dans Jouer → Match d’entraînement personnalisé.
Configure un lanceur que tu affronteras souvent (par ex. un righty puissant) et règle “tous les lancers en strikes” au début.
Pendant 5–10 minutes, concentre-toi uniquement sur :
Reconnaître le type de lancer dès la sortie de la main.
Laisser volontairement passer les pitchs aux bords de la zone pour t’habituer à “choisir ta zone”.
Ensuite, réactive les balls, mais garde la même approche patiente en match réel.
Deux autres points qui ont changé ma façon de frapper :
0–1 strike : swing surtout sur les pitchs dans ta zone préférée.
2 strikes : je passe souvent sur un swing de contact, mais je garde le Big Zone bien centré ; ça réduit les strikeouts stupides.
En buildant des joueurs avec une bonne Vision et un bon Clutch, tu verras aussi que les contacts “moyens” deviennent plus souvent des hits en situations importantes.
2. Bear Down Pitching : garder le focus pour les moments clés
Au début, je claquais mon focus Bear Down dès la première situation un peu tendue. Résultat : plus rien en fin de match. Maintenant je l’utilise comme une ressource ultra-limitée :
Garde-le pour :
Les at-bats contre le cœur du lineup adverse (3–4–5).
Les situations RISP (coureur(s) en position de marquer) avec moins de deux retraits.
Les derniers batteurs d’un match serré.
Utilise-le toujours sur un enchaînement de 2–3 lancers max : un pitch pour prendre l’avantage dans le count, un pour finir.
Combine-le avec un “tunnel” : par exemple, fastball haute extérieure, puis slider qui part de la même zone mais casse hors de la zone.
Une rotation composée de lanceurs dont tu maîtrises vraiment 3 lancers + une gestion rationnelle du focus Bear Down vaut bien plus que d’empiler des flamethrowers incontrôlables.
En résumé : ton plan pour les prochains jours
Si tu veux capitaliser à fond sur MLB The Show 26 sans te disperser :
Road to The Show : définis ton archétype Hall of Fame, choisis ton université pour ses bonus (exposition ou développement), joue avec tes objectifs/perks, ne simule que quand tu es en feu, et n’hésite pas à demander trades et changements de poste.
Diamond Dynasty : stabilise un noyau de 5–6 cartes, investis dans quelques lanceurs fiables, grind Mini Seasons/Conquest/Weekend Classics, utilise Battle Royale pour repérer tes futures cartes préférées, commence par des collections abordables comme les Twins pour Joe Mauer.
Franchise : au début, laisse l’IA gérer scouting et finances, décide si tu rebuild ou si tu pars all-in, exploite le Trade HUB pour des deals malins, verrouille tôt tes jeunes stars.
Gameplay : fais 10 minutes de Big Zone Hitting en entraînement avant tes sessions, utilise Bear Down Pitching uniquement dans les moments vraiment clés.
Avec ce plan, tu éviteras les pièges qui m’ont fait perdre mes premières dizaines d’heures, et tu transformeras progressivement chaque mode de MLB The Show 26 en terrain de jeu maîtrisé plutôt qu’en source de frustration. À partir de là, il ne te restera plus qu’à enchaîner les saisons… et les bagues.
**Un câble gris à 8 kbit/s a imposé échanges lents, combat au tour par tour et sociabilité locale à Pokémon. En 2026, alors que le réseau permet le mass trading et les batailles géantes, cette vieille contrainte soulève une question gênante : que reste‑t‑il de l’ADN de Pokémon si on enlève le Game Link de son design ?**
Un vieux câble gris, et soudain tout Pokémon fait sens
Ma première vraie prise de conscience sur Pokémon ne vient pas d’un combat d’arène ou d’un shiny improbable. Elle vient du moment où j’ai réalisé qu’une bonne partie de la série repose… sur un bête câble série à peine digne d’une cafetière connectée. Le fameux câble Game Link du Game Boy. Un truc 8‑bit, 8 kbit/s, environ 1 ko/s effectif. Et pourtant, c’est lui qui a dicté la lenteur sacrée des échanges, le combat au tour par tour et même la façon dont le jeu a rendu la sociabilité obligatoire pour compléter le Pokédex.
En 2026, alors qu’on vit dans un monde de fibre gigabit, de 5G et de serveurs capables de gérer des centaines de joueurs en même temps, Pokémon continue de se comporter comme si deux Game Boy grises étaient encore reliées par un fil de 60 cm. Les combats restent strictement au tour par tour, les échanges sont encore structurés en duels, et la complétion du Pokédex repose toujours sur ce principe de rareté et de contact dirigé. Ce n’est pas juste de la nostalgie : c’est l’ombre très concrète d’un câble de 1989 qui plane encore sur les jeux les plus récents.
Le Game Link : le vrai point de départ de Pokémon
On raconte souvent que Satoshi Tajiri a imaginé Pokémon en voyant le câble Game Link pour la première fois. L’idée, simplifiée, c’est : « Et si des petites créatures pouvaient ramper dans ce câble entre deux consoles, comme les insectes qu’il collectionnait enfant ? ». Autrement dit, ce n’est pas « on a un RPG, ajoutons du multijoueur ». C’est presque l’inverse : « on a un câble, faisons un jeu qui lui donne un sens ».
Ce contexte change tout. Le Game Link n’était pas un bonus gadget : c’était le cœur du concept. Le Game Boy, sorti en 1989, était une machine étonnamment modeste. Écran monochrome, CPU 8‑bit, batterie qui pleure dès qu’on allume le rétro‑éclairage (quand il y en a un). Et au milieu de tout ça, un port physique qui permettait à deux consoles de communiquer bit par bit, en série. Rien à voir avec le Wi‑Fi easy mode d’aujourd’hui. Il fallait composer avec une bande passante ridiculement limitée, une stabilité électrique capricieuse et zéro tolérance aux pertes de paquets.
C’est là que Pokémon arrive : un jeu pensé dès le départ comme une sorte de « réseau social analogique » autour d’un câble physique. L’échange de Pokémon, ce n’est pas un menu annexe : c’est une scène centrale, ritualisée, qui justifie à elle seule l’existence du Game Link dans la vie quotidienne d’un enfant des années 90.
8 kbit/s : quand 1 ko/s dicte le rythme d’un RPG
Parlons chiffres, parce que c’est là que la magie (et la contrainte) opère. Le Game Boy, dans son mode classique, fait transiter les données du câble à environ 8 kbit/s, soit environ 1 ko par seconde en théorie. En pratique, une bonne partie est mangée par la structure du protocole : signaux de synchronisation, octets de contrôle, vérification d’erreur, etc. Résultat : pour transférer les données complètes d’un Pokémon – espèce, niveau, valeurs de stats, attaques, dresseur, ID, statut, etc. – on ne parle pas de millisecondes, mais de longues secondes.
Si tu as connu la scène, tu t’en souviens forcément : on branche le câble, l’écran passe en noir, puis en blanc, un petit jingle démarre, et les deux consoles se parlent. Octet après octet. La moindre déconnexion annule tout. On n’est pas dans un « upload » en tâche de fond, mais dans un moment suspendu où les deux Game Boy sont littéralement en train de se synchroniser pièce par pièce sur le destin de ce Pikachu que tu viens de confier à ton pote. Ce n’est pas un hasard, c’est une contrainte transformée en mise en scène.
Avec une bande passante plus large, cette scène aurait pu durer une fraction de seconde et devenir un simple fondu rapide. À 1 ko/s effectif, les développeurs devaient ralentir tout le reste pour que ce délai ait l’air « normal » dans le rythme global du jeu. D’où ces animations longues, ces validations multiples, ces transitions sonores appuyées. Le temps de transmission devient du temps de jeu.
Compléter le Pokédex : une contrainte sociale, pas juste technique
Sur le plan du design, la décision la plus radicale de Pokémon n’est pas d’avoir 150 créatures (151, pour être précis), mais de décréter que tu ne peux pas toutes les obtenir tout seul. Certaines espèces sont exclusives à une version (Rouge ou Bleu, puis Rouge/Vert au Japon), d’autres ne peuvent évoluer que par échange. Si tu veux un Alakazam, tu es forcé de faire transiter un Kadabra par le câble. Pas de câble, pas d’évolution, pas de Pokédex complet.
Sur un Game Boy qui ne sait pas se connecter à Internet, ça veut dire : trouver physiquement quelqu’un, être à portée de câble, accepter l’idée de « perdre » ton Pokémon original pour le récupérer ensuite (si ton ami est honnête), ou organiser un échange croisé. Techniquement, cette contrainte est là parce que le Game Link existe et qu’il faut justifier son usage. Mais socialement, c’est une masterclass : tu transformes une limitation de matériel en obligation de sociabilité.
Je me souviens encore de ces après‑midi où la cour de récré devenait une mini Bourse de New York. Deux gamins assis par terre, deux Game Boy brique, un câble en tension, et tout le monde autour en train de commenter l’échange comme si c’était un transfert de joueur en Ligue des Champions. C’était du multijoueur « pauvre » en bande passante, mais incroyablement riche en interactions réelles.
Pourquoi Pokémon est resté au tour par tour (et ce que le câble a à voir là‑dedans)
Autre conséquence directe des 8 kbit/s : le combat. Le Game Boy aurait‑il pu gérer un jeu d’action temps réel en multijoueur via le câble ? Très honnêtement, pas dans des conditions acceptables. À cette vitesse, tu peux envoyer quelques dizaines d’octets par seconde de façon fiable. Suffisant pour dire « ce Pokémon a choisi telle attaque », mais clairement pas de quoi synchroniser en continu les positions, animations et états complexes de deux jeux en simultané.
Du coup, Pokémon adopte un modèle parfaitement aligné avec cette réalité : le tour par tour strict. Chaque joueur choisit une action, les consoles envoient un paquet d’informations très compact (attaque choisie, éventuels changements d’état), calculent chacune de leur côté le résultat (dégâts, KO, effets secondaires), et n’ont plus qu’à vérifier qu’elles tombent sur le même état final. On peut sérialiser tout ça en quelques octets par tour, largement dans les clous des 8 kbit/s, même avec un protocole un peu bavard.
C’est ce modèle qui va devenir l’ADN de Pokémon : lisible, quand même tactique, mais surtout extrêmement cheap en bande passante. Et ce qui est fascinant, c’est que même quand la bande passante a explosé avec les générations suivantes, ce choix de design n’a jamais été remis à plat dans les épisodes principaux. Comme si le rythme du combat, calé sur un câble lent, était devenu une règle sacrée.
Quand le matériel accélère, Pokémon freine à main levée
Game Boy Color : 64× plus rapide… mais Pokémon garde le vieux mode
La Game Boy Color, en 1998, change la donne côté matériel. En plus de la couleur, elle introduit un « mode haute vitesse » qui peut pousser la liaison série jusqu’à des centaines de kbit/s, bien au‑delà de l’original. Certains jeux l’exploitent pour des échanges plus rapides ou des fonctionnalités multi plus ambitieuses.
Or Pokémon Or/Argent/Crystal, sortis entre 1999 et 2001, font un choix conservateur : rester compatibles avec les jeux de première génération via la « Capsule Temporelle ». Pour que ton Dracaufeu de Rouge puisse visiter Johto, il faut que les deux jeux parlent le même langage de câble, avec la même vitesse de base. Résultat : même sur Game Boy Color, Pokémon continue d’utiliser un protocole pensé pour le Game Boy d’origine, limité et lent, parce que l’héritage social (pouvoir transférer ses Pokémon) est jugé plus important que l’optimisation technique.
Certains détails techniques sur les modes exacts utilisés varient selon les sources, mais le constat est stable : Pokémon préfère la continuité inter‑générationnelle à l’exploitation agressive des nouvelles capacités du hardware. C’est presque une déclaration philosophique.
GBA & adaptateur sans fil : plus de joueurs, même logique
Avec le Game Boy Advance, Nintendo revoit le câble lui‑même. Nouvelle prise, liaison plus rapide, et surtout possibilité de chaîner jusqu’à quatre consoles. Pokémon Rubis/Saphir/Émeraude vont en profiter pour introduire les combats Multi à 4 joueurs, et les remakes Rouge Feu/Vert Feuille vont même être vendus avec un adaptateur sans fil permettant de former de grandes « Salles Union » où des dizaines de joueurs peuvent se croiser virtuellement.
Mais là encore, la structure de base reste : un échange, c’est toujours deux personnes. Un combat, c’est deux ou quatre joueurs maximum. Les grandes salles servent surtout de lobby social, pas de bataille royale. La technologie permet déjà davantage, mais le design reste fidèle à ce qu’imposait le câble initial : interactions en petits groupes, rythmes lents, moments focalisés entre quelques consoles, plutôt que chaos massif.
De la DS à la Switch : plus de câble, mêmes réflexes
La Nintendo DS enterre définitivement le câble Game Link au profit de la communication sans fil, puis du Wi‑Fi local et en ligne. À partir de Diamant/Perle, Pokémon vit dans un monde où la liaison entre joueurs peut être des ordres de grandeur plus rapide et plus flexible. On voit apparaître le GTS (échanges globaux asynchrones), les combats en ligne, puis tout l’écosystème de transferts vers des services type Pokémon Bank et Home.
Mais sur le fond, l’architecture ludique ne bouge presque pas. Les combats restent au tour par tour, avec les mêmes timings généraux. Les échanges restent centrés sur des paires de joueurs, même quand l’interface les abstrait un peu. Les raids et fonctionnalités coop apparues plus tard restent limités en nombre de participants. Il y a parfois des hubs remplis d’avatars, mais le « vrai » gameplay reste pensé comme si la contrainte de 1 ko/s n’avait jamais disparu.
Que transporte vraiment un Pokémon dans ce fameux câble ?
Si on rentre un peu dans les entrailles des premières générations, un Pokémon, c’est avant tout une petite structure de données compacte. On y trouve un identifiant d’espèce, un niveau, des valeurs de statistiques, un set de quatre attaques, éventuellement un sexe, un dresseur d’origine avec son nom et son ID, des flags divers (capturé avec une Master Ball, shiny ou non dans les générations ultérieures, etc.). On parle de quelques dizaines d’octets par créature, pas de mégaoctets.
À 1 ko/s, transmettre cette quantité de données ne devrait pas prendre une minute pleine, même avec de la redondance. Pourtant, dans les faits, les échanges de la Gen 1 pouvaient prendre des dizaines de secondes, parfois s’étirer quand les consoles « renégociaient » en cas de micro‑coupures ou d’erreurs. C’est là qu’on voit bien que le bottleneck n’est pas que la taille des Pokémon, mais la robustesse exigée par le protocole et les précautions prises pour éviter de corrompre des sauvegardes entières.
Les développeurs savaient que la moindre interruption pouvait ruiner l’expérience. Ils ont donc entouré l’opération de couches de vérification, de duplications temporaires, de checksums, ce qui, cumulé à la vitesse modeste, donnait cette impression de transfert « grave et solennel ». Pour nous, gamins, ça ne ressemblait pas à un upload lent. Ça ressemblait à un rituel technomagique. Ce qui est fascinant, c’est qu’aujourd’hui, dans les remakes modernes, on continue volontairement de simuler ce tempo, alors que techniquement tout pourrait se faire en un clin d’œil.
Specifications
Époque 1 (Game Boy)
Câble Game Link DMG, ~8 kbit/s, 2 joueurs maximum, échanges obligatoires pour compléter le Pokédex, combats 1v1 au tour par tour
Époque 2 (Game Boy Color)
Même câble et protocole de base pour Pokémon, compatibilité inter‑générations privilégiée, vitesse théorique plus haute rarement utilisée
Époque 3 (GBA)
Nouveau câble AGB, bande passante accrue, jusqu’à 4 joueurs en chaînage, combats Multi, Salles Union via adaptateur sans fil (lobbys bondés, gameplay en petits groupes)
Époque 4+ (DS, 3DS, Switch)
Communication sans fil intégrée, Wi‑Fi local et en ligne, échanges globaux, transferts via services dédiés, mais combats principaux toujours limités et au tour par tour
Des limites matérielles à une « philosophie Pokémon »
À force, on ne sait plus où s’arrête la contrainte et où commence la philosophie. Est‑ce que Pokémon est au tour par tour parce que le Game Link était trop lent, ou parce que Game Freak croit sincèrement que c’est la meilleure façon de rendre ses combats lisibles pour toutes les générations de joueurs ? Est‑ce que les échanges lents et cérémonieux sont encore justifiés techniquement, ou est‑ce juste qu’on s’est habitués à cette solennité ? La vérité, c’est probablement un mélange des deux.
Ce qui est sûr, c’est que ces limitations de départ ont façonné une expérience très particulière :
Les rencontres multijoueur sont rares mais marquantes.
Chaque échange a un poids émotionnel, parce qu’il prend du temps et qu’il est irréversible à court terme.
Le tour par tour rend le système accessible à des enfants, à des adultes, à des gens qui n’ont jamais touché un jeu d’action.
Les contraintes physiques (être côte à côte, brancher un câble) ont encouragé des rituels de cour de récré, de fratrie, de club, difficiles à reproduire en pur online.
Avec le recul, on peut presque dire que Pokémon a fait de la « conception par la contrainte » avant que ce soit un buzzword. Les développeurs n’ont pas lutté contre les limites du câble ; ils les ont intégrées au cœur de l’identité du jeu. Et trente ans plus tard, même quand les infrastructures réseau pourraient absorber des dizaines de combats en parallèle et des milliers d’échanges à la seconde, la série continue de se comporter comme si le vieux câble était toujours branché.
Et si on faisait vraiment sauter la barrière de 1 ko/s ?
C’est là que la question « 2026 » arrive. Aujourd’hui, d’un point de vue purement technique, rien n’empêche Pokémon de proposer :
des salons d’échange massifs à la façon d’un marché en ligne,
des combats à 10 joueurs ou plus en simultané,
des événements globaux synchronisés en temps réel pour des milliers de participants,
des transferts de Pokémon quasi instantanés, sans animation, ni attente.
Les MMO, les battle royales, même certains gacha mobiles le font déjà. Le réseau, aujourd’hui, n’est plus le problème. La vraie question, c’est : jusqu’où peut‑on aller dans cette direction sans que Pokémon cesse de ressembler à Pokémon ?
Le mass trading : accessibilité ou dilution totale ?
Imagine un système où le Pokédex se remplit principalement via une sorte de place de marché globale entièrement automatisée. Tu rends une créature commune, tu en reçois une rare, le tout sans jamais parler à qui que ce soit. Sur le papier, c’est confortable : plus besoin de connaître quelqu’un qui possède la bonne version, plus besoin de caler des horaires pour échanger un Pokémon qui évolue par trade.
Mais tu perds aussi tout le côté « négociation », cette micro‑diplomatie d’enfants ou d’adultes qui discutent la valeur d’un Dracaufeu contre un Ectoplasma. C’est déjà en partie ce qui se passe avec les systèmes actuels d’échanges globaux : plus tu simplifies, plus tu t’éloignes du rituel initial imposé par le câble. D’un point de vue design, ce n’est pas forcément un mal (tout le monde n’a pas un cercle de joueurs IRL), mais c’est une vraie rupture avec la philosophie d’origine.
Les combats de masse : tentant, mais à quel prix ?
On pourrait faire le même raisonnement pour le combat. Techniquement, une infrastructure moderne peut très bien gérer un raid à 16 joueurs, des spectateurs en direct, voire une forme de « champ de bataille » persistant. On a déjà vu des embryons d’approche coopérative avec les raids, mais toujours à effectif très limité.
Le problème, c’est que le système de combat de Pokémon est calibré pour des duels (ou des doubles) où chaque décision compte, où tu peux lire le terrain et anticiper. Étendre ça à des groupes énormes, c’est risquer :
de transformer le jeu en brouhaha d’effets,
d’allonger encore plus des tours déjà assez lents,
de réduire la lisibilité stratégique, surtout pour un public large,
de devoir réécrire tout l’équilibrage pour des contextes massivement coopératifs.
Autrement dit, si tu enlèves la contrainte de bande passante, tu n’enlèves pas automatiquement toutes les contraintes de design. Tu ouvres juste la porte à un autre type de jeu, qui ne ressemblerait plus forcément à ce que des millions de joueurs associent instinctivement au mot « Pokémon ».
Emulation, hacks et preuve que la contrainte est aujourd’hui purement choisie
Un point rarement évoqué, mais très révélateur : la façon dont la communauté a recréé le Game Link par dessus des réseaux modernes. Des outils d’émulation et des hacks ont permis, depuis les années 2010, de faire dialoguer deux ROMs de jeux Game Boy via Internet, en simulant précisément le vieux protocole série. Techniquement, on fait transiter les mêmes paquets qu’en 1996, mais encapsulés dans des connexions infiniment plus rapides.
Ça prouve deux choses. D’abord, que la logique de Pokémon est remarquablement robuste : un design pensé pour un câble 8‑bit fonctionne encore très bien en 2026 quand on l’émule. Ensuite, que la lenteur actuelle des échanges et combats n’est plus une obligation technique ; c’est une décision. Rien n’empêcherait Game Freak de proposer des modes alternatifs beaucoup plus nerveux ou massifs, quitte à conserver aussi le mode traditionnel. S’ils ne le font pas, c’est par choix, pas par incapacité.
Avantages et inconvénients d’un design bloqué à 8 kbit/s
On le voit bien : ce qui a fait la force de Pokémon pendant ses 30 premières années – une constance presque old‑school dans un paysage vidéoludique hyper changeant – peut aussi devenir une faiblesse si la série s’accroche trop fort à des rythmes et des contraintes imaginés pour un câble monobloc.
Vers Pokémon 2030 : que garder du Game Link, que dépasser ?
Avec l’arrivée de nouveaux épisodes et la perspective d’un successeur à la Switch, la question n’est plus théorique. Les infrastructures réseau ne vont pas ralentir, les attentes des joueurs non plus. On sait que des projets comme Pokémon Legends: Z‑A (annoncé pour 2025 au moment de ma dernière mise à jour) expérimentent déjà avec la formule classique sous d’autres angles. La vraie opportunité, ce serait de faire pour le multijoueur et les échanges ce qu’Arceus ou d’autres spin‑offs ont fait pour l’exploration : briser certaines habitudes sans renier le cœur.
Concrètement, j’aimerais voir :
des modes de jeu optionnels beaucoup plus rapides, assumant pleinement les capacités réseau actuelles ;
des salons d’échange communautaires avec plus de présence sociale (chat contextuel, stands, événements) plutôt qu’un pur marché abstrait ;
des raids et compétitions en ligne qui osent au‑delà du 4‑joueurs tout en gardant une lisibilité stratégique ;
et, pourquoi pas, un mode « vintage » qui simule volontairement les limitations du Game Link pour les nostalgiques.
Ce dernier point me paraît important : le fait que des joueurs cherchent à recréer le Game Link via l’émulation montre bien que la lenteur et la fragilité de ce câble font partie de l’affect Pokémon. On peut donc très bien imaginer un futur où la série propose les deux : un visage moderne, libéré des contraintes de 1 ko/s, et un visage rétro, qui les embrasse pleinement.
Ce qu’un câble série 8‑bit nous a appris sur le game design
Si on met de côté la nostalgie, l’histoire du Game Link et de Pokémon est un cas d’école de game design sous contrainte. On part d’un hardware objectivement limité, presque frustrant, et on en fait une force en construisant le jeu autour :
La lenteur devient rituel.
La rareté de la connexion devient valeur sociale.
La faiblesse de la bande passante devient justification du tour par tour.
La présence physique obligatoire devient prétexte à du lien réel.
À l’heure où la plupart des studios raisonnent en termes de « tout online, tout le temps », Pokémon nous rappelle qu’un multijoueur ultra limité en débit peut générer plus de souvenirs qu’un serveur à 128 joueurs s’il est bien intégré à l’expérience. Mais le revers, c’est que, 30 ans plus tard, cette même prudence peut donner l’impression que la série n’ose pas habiter pleinement l’époque dans laquelle elle sort.
On peut célébrer ce câble gris qui a rendu possible un phénomène culturel gigantesque sans pour autant s’y enchaîner pour toujours. La vraie question pour les prochaines années n’est pas « faut‑il rester fidèle au Game Link ? », mais plutôt : « quelles parties de son héritage méritent d’être préservées une fois débarrassées de la contrainte technique qui les a fait naître ? ».
8/10 pour le Game Link comme idée de design, 3/10 comme technologie en 2026VERDICT
Le câble Game Link du Game Boy, limité à 8 kbit/s, a façonné tout ce qui fait la singularité de Pokémon : échanges lents mais intenses, combat au tour par tour ultra lisible, sociabilité locale indispensable. Aujourd’hui, la bande passante n’est plus un problème, et si la série reste prisonnière de ces vieux réflexes, ce n’est plus une fatalité matérielle mais un choix. L’enjeu pour les futurs jeux Pokémon sera de savoir conserver le rituel et la chaleur sociale hérités du câble, tout en assumant enfin les possibilités d’un monde qui n’est plus limité à 1 ko/s.
Pourquoi l’intro de Grace m’a frappé plus fort que n’importe quel headshot de Resident Evil
Je joue à Resident Evil depuis la démo du manoir sur PlayStation, et je me suis pris Silent Hill 2 en pleine gueule à l’époque de la PS2. Autant dire que j’ai grandi avec ces deux visions du survival horror : d’un côté, la peur très concrète des chiens qui défoncent les vitres et des munitions qui manquent toujours d’un chargeur ; de l’autre, la descente lente et poisseuse dans la psyché d’un type qui ne s’en remettra jamais. Pendant des années, Capcom et Konami ont tourné autour l’un de l’autre sans vraiment se toucher. Avec l’introduction de Grace dans Resident Evil Requiem, j’ai enfin eu la sensation que Capcom avait décidé de regarder Silent Hill 2 droit dans les yeux… et d’en piquer les bonnes leçons.
Je ne vais pas tourner autour du pot : les premières heures avec Grace au Hotel Wrenwood sont, pour moi, ce que Resident Evil a produit de plus intéressant depuis le manoir de 1996 et l’arrivée dans le village de Resident Evil 4. Et ce n’est pas juste parce que « ça fait peur ». C’est parce que, pour une fois, la peur ne vient pas seulement des couloirs sombres et des bruits derrière les murs, mais de quelque chose de beaucoup plus inconfortable : la culpabilité, la mémoire, le deuil. En clair, tout ce que Silent Hill 2 avait compris il y a plus de vingt ans.
J’ai bouffé du Resident Evil et du Silent Hill, et ça se voit
Pour situer mon biais : j’ai fini Resident Evil 2 (l’original), Code Veronica, 4, 7 et Village plus de fois que je n’ose l’admettre. J’ai survécu au couloir des Lickers, j’ai appris à « danser » avec le Tyrant de RE2 Remake, et j’ai même tenu jusqu’au bout de l’orgie d’explosions qu’était Resident Evil 6. En parallèle, j’ai passé des nuits à errer dans Silent Hill 2, à refaire la scène du miroir au début juste pour me remettre dans cette ambiance de malaise que pratiquement aucun jeu AAA n’ose aujourd’hui.
Du coup, quand Capcom annonce un nouvel épisode numéroté, je ne suis jamais neutre. J’espère toujours un truc : qu’ils arrêtent de se contenter du « manoir + zombies + puzzles » en pilote automatique, et qu’ils osent regarder leurs personnages comme autre chose que des avatars badass pour poser avec un shotgun sur les jaquettes. Avec Requiem, la campagne alterne entre l’action viscérale de Leon et le cauchemar en première personne de Grace. Tout le monde parle évidemment de Leon, de ses boss titanesques et de ses finish moves ultra gores. Mais moi, c’est le mutisme du Hotel Wrenwood et les silences de Grace qui me restent en tête.
Le Hotel Wrenwood : enfin un décor qui est plus qu’un simple niveau
Capcom sait construire de la tension environnementale, ce n’est pas nouveau. La station de police de RE2 Remake, la maison des Baker dans RE7, ça fonctionne parce que chaque couloir raconte quelque chose : une fuite désespérée, un siège, une vie qui a dérapé. Le Hotel Wrenwood coche ces cases, mais il fait quelque chose de plus subtil : il est à la fois un lieu de cauchemar pour nous, joueurs, et un lieu de mémoire pour Grace.
La mise en scène est d’une simplicité désarmante. Pas de jumpscare gratuit dès les dix premières secondes. Au contraire : on nous laisse mariner dans le silence. L’accueil désert, les lumières qui grésillent à moitié, les couloirs noyés dans une obscurité presque mate… On est en terrain Resident Evil, oui, mais sans la petite musique qui dit « t’inquiète, c’est juste un autre couloir à nettoyer ». Ici, chaque pas résonne beaucoup trop fort. Et surtout, on sent très vite que pour Grace, ce n’est pas juste un endroit dangereux. C’est un endroit qu’elle connaît.
Résultat : l’hôtel ne fonctionne pas comme un simple décor. On n’est pas là « parce que le scénario avait besoin d’un décor flippant ». On est là parce que c’est là que sa mère est morte, Alyssa Ashcroft, qu’on n’avait pas revue depuis Resident Evil Outbreak. Et tout, dans la direction artistique, joue sur ce décalage : pour nous, le Wrenwood est inconnu ; pour Grace, c’est la pire madeleine de Proust imaginable.
Le moment où Grace s’arrête devant la porte – et où Resident Evil me parle enfin comme à un adulte
Il y a un détail qui m’a scotché : ce moment, juste avant d’entrer vraiment dans l’hôtel, où Grace marque une pause. Le jeu aurait pu enchaîner : cinématique, ouverture de porte, couloir sombre, classique. Au lieu de ça, on voit cette femme, censée être une professionnelle, respirer, hésiter, presque reculer. Et la performance d’Angela Sant’Albano fait tout le travail : il y a de la frustration, de la colère contenue, mais surtout une panique qu’elle refuse d’admettre.
Je n’ai pas pu m’empêcher de penser à la première scène de Silent Hill 2, quand James se regarde dans ce miroir miteux de la station-service. Il ne fait rien de spectaculaire. Il se regarde, il se jauge, il évite presque son propre regard. Et on comprend, sans que le jeu ne nous prenne la main, qu’il se passe quelque chose de pourri à l’intérieur. Requiem ne copie pas la scène, mais elle a la même honnêteté : avant de nous balancer des monstres à la tronche, elle nous montre une personne qui a peur de ses propres souvenirs.
C’est là que je me suis dit : OK, Capcom, là vous jouez dans la même cour que Silent Hill 2. Pas parce que c’est « lent » ou contemplatif, mais parce que le jeu accepte que le vrai monstre, au départ, c’est la culpabilité de Grace de ne pas avoir pu sauver sa mère. Les cadavres ambulants, c’est presque du bonus.
Screenshot from Resident Evil Requiem
La chambre de Grace : quand un simple lit te met plus mal à l’aise qu’un Hunter
Le passage dans la chambre où Grace avait séjourné avec Alyssa est, à mon sens, le cœur de cette introduction. Les objets sont banals : un lit défait, quelques photos mère-fille posées sur le matelas, des valises à moitié ouvertes. Mais dans le contexte, c’est insupportable. Ce n’est pas juste un « environnement narratif » à scanner pour obtenir un collectible. C’est le dernier endroit où elles ont été heureuses ensemble. Et le jeu le sait.
Resident Evil a déjà joué avec la nostalgie et la mémoire, mais plutôt pour faire plaisir aux fans : « regarde, c’est le couloir du chien, tu t’en souviens ? » Là, ce n’est pas notre mémoire de joueurs qui est convoquée, c’est celle de Grace. On ne sait pas tout de ce qui s’est passé, mais on le ressent à chaque fois que la caméra reste un peu trop longtemps sur ces photos. Quand on revit le flashback de leur fuite, quand on comprend qu’Alyssa a été massacrée alors qu’elles pensaient être sauvées, l’hôtel cesse d’être un simple décor pour devenir une sorte de mausolée.
Et quand, dans le présent, on redescend les escaliers pour récupérer ce qu’Alyssa a caché derrière un tableau, le jeu superpose deux peurs : celle, physique, de la silhouette qui rôde en bas, et celle, plus viscérale, de refaire exactement le même chemin que la nuit du drame. Ce mélange de peur concrète et de peur psychologique, c’est là que je retrouve la patte de Silent Hill 2, même si les deux univers fonctionnent différemment.
La vraie bonne idée : l’horreur n’est plus qu’extérieure, elle colle à la peau de Grace
Dans beaucoup d’épisodes de Resident Evil, on pourrait littéralement changer le héros sans que ça bouleverse tant que ça le jeu. Remplace Leon par Chris, ou Claire par Jill, tu ajustes deux-trois répliques et basta. Avec Grace, ça ne marche plus. Le Wrenwood n’a de sens que parce que c’est elle qui y revient. Ses souvenirs, sa culpabilité et cette mère absente contaminent la moindre pièce.
C’est exactement ce que Silent Hill 2 faisait avec James : la ville n’était pas juste « maudite », elle était le reflet déformé de son psychisme. C’est là où je trouve que Requiem fait un choix malin : il ne copie pas la métaphysique de Silent Hill (le Wrenwood reste un lieu « réel » dans le monde de Resident Evil), mais il emprunte son idée forte :
Le décor comme miroir intime du héros.
Les menaces qui surgissent à la fois de l’extérieur et du passé personnel.
La mise en scène qui laisse parler le silence et les hésitations plutôt que des dialogues explicatifs.
Et ça change tout. Le moindre bruit derrière une porte ne signifie plus seulement « attention, ennemi », mais aussi « attention, souvenir ». Tu n’es plus seulement en train d’optimiser ton inventaire, tu es en train de remuer un traumatisme. Pour un jeu qui pourrait se contenter de faire péter des têtes en 4K avec le RE Engine, c’est un choix étonnamment mature.
Screenshot from Resident Evil Requiem
Gameplay : quand la pénurie et le silence amplifient le malaise
Tout ça ne fonctionnerait pas si le gameplay de Grace ne suivait pas. Et là encore, on sent clairement la volonté de Capcom de revenir à un survival plus sec. En début de partie, on est pratiquement à poil : très peu de ressources, des phases d’infiltration où chaque pas peut nous trahir, la nécessité de gérer le bruit et la lumière au lieu de simplement compter ses balles.
Ce n’est pas la première fois que la série tente le coup (Resident Evil 7 jouait déjà cette carte avec Ethan), mais couplé à tout le poids émotionnel de Grace, ça devient autre chose. Quand je me planque derrière un meuble en entendant une créature respirer lourdement dans le couloir, je ne suis pas seulement en train de « faire un segment d’infiltration ». Je suis en train de revivre, avec elle, la même panique qu’enfant en fuyant avec sa mère.
Et c’est là que je commence à en vouloir un peu à Capcom… parce que je sais déjà que plus tard, le jeu va basculer vers une action bien plus hollywoodienne avec Leon. Oui, ça défoule, oui, ça fait partie de l’ADN de la série. Mais après avoir goûté à ce niveau de tension psychologique avec Grace, difficile de ne pas trouver le reste presque grossier par contraste.
Leon, les explosions et le grand écart ton tonal
Ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit : j’adore jouer Leon. Son gameplay en troisième personne, ses esquives, les combats de boss spectaculaires, je prends mon pied comme tout le monde. Le problème, c’est que mis à côté du calvaire intime de Grace au Wrenwood, ça ressemble presque à un autre jeu collé au premier.
On sent que Capcom essaie de contenter tout le monde : les fans de RE4 qui veulent de l’action nerveuse, et ceux de RE7/Village qui veulent crever de trouille en première personne. Résultat, la campagne est un patchwork assumé. Sauf que, pour une fois, je trouve que ce sont les segments les plus discrets, les plus silencieux, ceux qui s’inspirent le plus ouvertement de la philosophie de Silent Hill 2, qui donnent une identité à Requiem.
C’est presque frustrant : en jouant la section de Grace, j’ai eu la sensation de toucher du doigt ce que pourrait être un Resident Evil entièrement centré sur un personnage brisé, où chaque lieu serait autant un piège physique qu’un piège émotionnel. Puis je repasse sur Leon, et je retombe dans le bon vieux roller coaster d’horreur-action hyper efficace, mais mille fois vu. Ça marche, mais ça ne me remue pas autant.
Ceux qui disent « c’est trop Silent Hill » se trompent de combat
Je vois déjà venir les puristes : « Resident Evil, c’est du bioterrorisme, des virus, des monstres de labo, pas des délires de psychanalyse fumeuse ». Et je comprends d’où vient cette réaction. Une partie du charme de la série, c’est justement son côté série B assumée, ses dialogues parfois ridicules, ses complots grotesques et ses monstres complètement over the top.
Mais opposer ça à ce que fait Requiem avec Grace, c’est passer à côté de l’essentiel : Capcom n’est pas en train de transformer Resident Evil en clone de Silent Hill. Ils prennent ce qui les arrange – le fait de centrer l’horreur sur la mémoire et la culpabilité – et ils le greffent sur leur propre univers de virus et de laboratoires cachés. Franchement, tant mieux. Parce que si le survival horror AAA continue à ne proposer que des couloirs sombres, des jumpscares et des puzzles de statues, on va tous mourir d’ennui bien avant le prochain outbreak.
Screenshot from Resident Evil Requiem
Et soyons honnêtes : le genre a besoin de ça. Silent Hill 2 n’est pas devenu culte parce qu’il avait des monstres chelous avec des têtes en forme de pyramide. Il l’est devenu parce qu’il osait demander à son joueur : « et toi, tu vivrais comment avec ce que tu as fait ? ». Quand je vois Grace s’effondrer à moitié devant une simple porte d’hôtel, je me dis que Requiem a enfin compris qu’on peut faire pareil dans un Resident Evil sans renier tout le reste.
Ce que cette intro change pour moi en tant que joueur
Je ne vais pas vous mentir : ces dernières années, j’achetais les Resident Evil surtout par habitude, voire par curiosité professionnelle. Je voulais voir ce que le RE Engine crachait de plus en plus beau, tester deux-trois fusils à pompe, râler sur un boss cheap, et passer au jeu suivant. Après plusieurs centaines d’heures sur la saga, difficile d’être encore surpris.
Avec Requiem, l’introduction de Grace au Hotel Wrenwood a ravivé quelque chose que je croyais perdu : la sensation que Resident Evil pouvait encore me parler autrement qu’avec du gore et du fan service. Le simple fait que je me surprenne à m’inquiéter plus pour l’état mental de Grace que pour son niveau de santé dans le HUD, c’est déjà un signe que Capcom a touché quelque chose de juste.
Et oui, ça va clairement influencer ma façon d’acheter la suite. Si le prochain épisode revient à un blockbuster d’action pur sucre qui met sous le tapis tout ce travail sur la mémoire, la culpabilité et le traumatisme, je serai beaucoup moins indulgent. À l’inverse, si Capcom assume ce virage et nous livre un jour un Resident Evil entièrement construit autour d’un décor aussi chargé de sens que le Wrenwood, je serai là, day one, prêt à me faire détruire les nerfs sans la moindre honte.
Resident Evil a enfin regardé Silent Hill 2 en face. Maintenant, il ne faut plus détourner les yeux
Capcom a réussi un truc que je n’attendais plus : faire de l’introspection, du souvenir et de la culpabilité des ressorts centraux de l’horreur dans un Resident Evil, sans perdre complètement son ADN de série B survitaminée. Le Hotel Wrenwood n’est pas Silent Hill, Grace n’est pas James Sunderland, mais on sent clairement la filiation, l’hommage, et surtout l’envie d’aller plus loin que « il y a un virus, cours ». C’est cette ambition-là qu’il faut encourager.
Si Requiem cartonne – et vu comment il s’est déjà écoulé à plusieurs millions d’exemplaires en quelques jours, on peut dire que oui – ce ne sera pas juste parce que Leon dégomme des mutants avec style. Ce sera aussi, j’en suis convaincu, parce que l’introduction de Grace prouve qu’on peut faire du survival horror grand public qui ose encore regarder ses personnages comme des êtres humains cabossés, pas juste des machines à headshots.
La balle est dans le camp de Capcom maintenant. Soit ils considèrent le Hotel Wrenwood et la prestation d’Angela Sant’Albano comme un « joli bonus » dans un jeu pensé avant tout comme un parc d’attractions horrifique, soit ils comprennent qu’ils tiennent là la clé pour que Resident Evil reste pertinent encore dix ans. Moi, en tout cas, je sais déjà ce que je veux : des couloirs sombres, oui, mais surtout des héros qui, comme Grace, ont autant peur de ce qu’il y a au fond du couloir que de ce qu’il y a au fond d’eux-mêmes.
