Pourquoi je me suis mis aux chaussures de running « gravel »

Je cours surtout comme je joue aux jeux vidéo : je pars de chez moi, j’improvise, et je vois où le chemin me mène. Le problème, c’est que mes boucles habituelles ne sont jamais 100 % route ni 100 % trail. C’est trottoir, piste cyclable, chemin de halage en gravier, un peu de sous-bois, parfois un bout de terre tassée encore humide. Pendant des années, j’ai fait ça avec des pures shoes route ou des trails classiques, et ça finissait toujours pareil : soit je glissais dès que le sol devenait gras, soit j’avais l’impression de courir avec des chaussures de ski sur le bitume.

Avec l’arrivée de toute une vague de modèles « gravel » pour le printemps 2026, je me suis dit qu’il était temps de voir si ce segment n’était pas juste une étiquette marketing de plus. J’ai donc passé un mois à alterner entre plusieurs paires pensées pour le mix terrain : Salomon Aero Blaze 3 GRVL et Aero Glide 4 GRVL, Mount to Coast H1, Merrell Promorph, On Cloudsurfer version trail, Inov8 Trailfly V2, Keen Roam, Hoka Rocket X Trail, Nike Pegasus Trail 5 Gore‑Tex et l’Adidas EVO SL ATR.

En gros, une dizaine de sorties par modèle, sur mon terrain de jeu habituel : routes de quartier, longues pistes en gravier le long de la rivière, chemins forestiers assez roulants, un peu de prairie sèche et un soupçon de boue pour voir ce que ça donne quand ça se complique. Environ 150 kilomètres au total, histoire de sentir la personnalité de chaque chaussure. Et assez vite, j’ai compris que le « gravel » n’était pas juste un mot choupi pour runners hipsters.

Ce que change vraiment une chaussure de running gravel

Mon premier constat au bout de 2-3 sorties, c’est que le gravel, ce n’est pas « un trail allégé » ou « une route cramponnée ». C’est un vrai entre‑deux pensé pour les surfaces compactes : gravier, chemins forestiers propres, terre dure, routes mouillées. La plupart des modèles que j’ai testés partagent trois points communs :

• des crampons autour de 2 à 3 mm, plus bas que sur un vrai trail de montagne ;
• un amorti digne d’une bonne chaussure de route, souvent avec des mousses type PEBA ou supercritiques ;
• un profil assez rockered (semelle incurvée) pour garder une foulée fluide sur le bitume.

La différence s’est sentie très vite sur mes boucles « porte‑à‑porte ». Avec une route classique, dès que je quittais l’asphalte pour le gravier humide, je sentais la semelle chasser. Avec une grosse trail, les 3-4 premiers kilomètres sur trottoir étaient un supplice, surtout à allure un peu soutenue. Là, avec les modèles gravel, je pouvais enchainer bitume – chemin de halage – forêt – retour route sans avoir l’impression de faire un compromis permanent.

Après une dizaine d’heures de course cumulée, ce qui m’a le plus marqué, ce n’est pas tant l’adhérence (même si elle joue) que la façon dont chaque modèle gère la transition de surface. Certains te donnent l’impression d’un « mode dynamique » dès que tu repasses sur route, d’autres restent très « trail » dans l’âme. Et selon ton type de sortie (footing tranquille, sortie longue, séance tempo), ça change tout.

Mes paires gravel testées : points forts, galères et profils de coureurs

Salomon Aero Blaze 3 GRVL : la valeur sûre abordable

La Aero Blaze 3 GRVL, c’est un peu la « classe de départ » de ce segment. Midsole en combo PEBA/EVA, rocker bien marqué, crampons de 2,5 mm et quelques renforts en plus sur l’avant‑pied. Ce n’est pas la chaussure la plus moelleuse du lot, loin de là, mais dès la première sortie de 15 km (route + chemins en gravier + un peu de boue sèche), j’ai senti ce fameux « roulis » qui donne envie de rallonger la boucle.

L’amorti est plutôt ferme, surtout si tu viens de Hoka ou d’Adidas très stackés, mais il se tasse juste ce qu’il faut sur terrain dur pour enlever le côté cassant. Là où elle m’a bluffé, c’est sur route mouillée et terre compacte humide : les lugs accrochent sans que tu sentes des picots désagréables sous le pied en revenant sur le bitume. Pour le prix, on est clairement sur un excellent rapport qualité/prix pour qui veut une paire unique pour tout faire, à condition de ne pas chercher un coussin ultra moelleux.

Salomon Aero Glide 4 GRVL : mon tank de fond de vallée

La Aero Glide 4 GRVL, c’est la version « max cushion » de la précédente. Plus de mousse, plus de stack, sensation plus douce sous le pied. Sur mes longues sorties de plus de 2 heures, c’est celle vers laquelle je revenais spontanément. La mousse est nettement plus tolérante, on se rapproche du confort d’un bon daily route, mais avec une semelle extérieure Contagrip à chevrons qui tient très bien sur gravier et chemins roulants.

Elle est plus lourde que l’Aero Blaze 3 GRVL, on le sent si tu veux envoyer sur des portions rapides, mais pour les jours où tu veux juste empiler les kilomètres sur terrain facile, c’est un régal. Seul défaut pour moi : le système de laçage rapide Salomon n’est pas hyper friendly avec mon cou-de-pied haut, j’ai dû batailler pour enfiler la chaussure les premières fois. Une fois en place, par contre, le maintien est nickel. C’est clairement ma préférée pour les grosses sorties mixtes.

Mount to Coast H1 : l’écolo qui sait courir vite

Mount to Coast est une jeune marque, et leur H1 coche une case intéressante : une mousse supercritique fabriquée à partir de matériaux 100 % renouvelables. J’avais un peu peur du côté « durable mais mollasson » qu’on a parfois avec les mousses vertes. En pratique, le ressenti est étonnamment dynamique, avec un retour d’énergie qui n’a pas grand-chose à envier aux PEBA classiques.

On est sur un amorti de daily trainer route assez classique, avec des crampons de 2 mm qui assurent la transition route – chemins très roulants. Par contre, dès que ça devient boueux ou vraiment pentu, on atteint vite les limites : ça glisse plus qu’une vraie trail, ce qui était attendu. Le poids plume est un gros plus, surtout si tu aimes garder une foulée un peu cadencée. Le double laçage (classique + rapide) est une bonne idée sur le papier pour ajuster avant-pied et médio‑pied séparément, mais j’ai trouvé ça un peu prise de tête en pratique. Si tu es maniaque du fit, tu vas aimer ; si tu veux enfiler/serrer/partir, ça risque de te saouler.

Merrell Promorph : pour ceux qui aiment sentir le sol

Successeure de la Morphlite, la Merrell Promorph rajoute de la mousse FloatPro+ injectée à l’azote, mais reste pourtant l’une des plus fermes que j’ai testées. C’est simple : si tu adores la sensation « connecté au terrain », tu vas être servi. Le rocker est très prononcé, au point que tu sens clairement le point de bascule sous le médio‑pied. Les premières minutes, j’avais l’impression d’apprendre une nouvelle foulée.

Les crampons de 2,2 mm sont parfaits sur sec et mix route/chemin, mais sur herbe mouillée ou boue, j’ai vite levé le pied. L’empeigne est très souple et respirante, agréable quand il fait doux, mais un peu chiche en protection à l’avant : mon premier coup de pied dans une racine m’a rappelé qu’on n’est pas sur un tank. Globalement, la Promorph donne un ressenti plus proche d’un trail traditionnel, stable et réactif, que d’une pantoufle amortie. Si tu cherches du cocooning, passe ton chemin.

On Cloudsurfer version trail : le canapé routier qui ose les chemins

On a adapté sa Cloudsurfer route en version trail/gravel, et ça se sent tout de suite. Le chaussant est ultra confortable, la sensation « step‑in » est franchement top : j’ai fait une sortie de deux heures directement en sortant de la boîte, sans point chaud ni ampoule. L’amorti est doux, mais pas flou, avec juste assez de répondant pour ne pas avoir l’impression de s’enfoncer dans un marshmallow.

Sur terrain, je l’ai adorée pour les sorties « chill » sur chemins roulants, pistes forestières et segments de route. Elle est assez précise pour slalomer entre les cailloux, grâce à un volume pas trop large, mais clairement pas faite pour la boue profonde ou les pierriers techniques. C’est une gravel orientée confort et style, qui ne choque pas une fois de retour au café du coin. Si ton trail, c’est surtout du parc et du gravel propre, c’est un excellent choix.

Inov8 Trailfly V2 : l’adhérence de sanglier

La Trailfly V2 triche presque : ses crampons sont un peu plus profonds que ce qu’on voit d’habitude en gravel. Mais Inov8 l’a pensée pour les terrains rocheux, et la magie opère surtout grâce au caoutchouc avec graphène. Concrètement, ça colle au sol. Racines humides, terre grasse, dalles rocheuses : c’est la paire dans laquelle je me suis senti le plus serein quand ça devenait glissant.

La semelle intermédiaire reste assez basse et ferme, avec beaucoup de ressenti du sol. Ajoute à ça une toe box large, vraiment « pied en éventail » façon Altra, et tu as une chaussure qui favorise un déroulé rapide et naturel plutôt que le gros amorti qui pardonne tout. Après environ 250 km, la mousse n’a quasiment pas bougé, ce qui est rare. Sur route, on sent quand même les crampons plus agressifs ; ce n’est pas la plus agréable si ta boucle contient beaucoup d’asphalte. Mais pour les coureurs qui viennent du trail et veulent juste un peu plus de polyvalence sur des portions roulantes, c’est un monstre de confiance.

Keen Roam : la rando qui accepte de trottiner

Keen, je l’associais plus aux chaussures de rando bourrines qu’au running. La Roam ressemble un peu à ce mélange : un trail inspiré de la rando, pensé pour tout, du trottoir au chemin de terre. Col et languette très rembourrés, large toe box, grosse semelle bien épaisse : sur le pied, on est plus proche d’un SUV que d’une sportive.

Sur le terrain, c’est une chaussure qui incite au footing tranquille tête levée, pas aux segments Strava. L’amorti n’a pas le rebond des Salomon ou des Hoka, mais il est stable, rassurant, avec une bonne plateforme. Les crampons de 3 mm accrochent suffisamment sur les sentiers sages et même sur pavés mouillés, et l’empeigne, très costaud, donne l’impression que la paire tiendra facilement les 500 km et plus. Si tu cherches une seule paire pour courir, marcher, randonner léger, c’est sérieux. Pour la perf pure, moins.

Hoka Rocket X Trail : le missile des jours de forme

La Rocket X Trail, c’est ce qui se rapproche le plus d’une chaussure de course route carbone déguisée en gravel. Grosse semelle supercritique maison, plaque carbone, rocker agressif, crampons de 3 mm : tout est là pour te pousser vers l’avant. Ma première sortie avec, c’était un mix route + forêt + longues lignes droites en gravel, environ 30 km : j’ai rarement eu cette sensation d’efficacité constante, que je sois à allure marathon ou en train de survivre sur les derniers kilomètres.

Le revers de la médaille, c’est une stabilité moyenne dès que le terrain devient vraiment chaotique. Sur racines en désordre ou single étroit, j’ai clairement levé le pied. L’amorti est énorme, tu perds beaucoup de ressenti du sol, mais pour des trails roulants, des marathons nature ou les longues sorties hivernales sur route mouillée/chemins, c’est jouissif. À noter : l’empeigne très légère sèche vite, j’ai traversé des flaques jusqu’aux chevilles sans garder les pieds mouillés pendant des heures. C’est cher, mais terriblement efficace si tu veux attaquer.

Nike Pegasus Trail 5 Gore‑Tex : bouclier contre la pluie

La Pegasus, c’est une légende sur route, et cette version Trail 5 Gore‑Tex garde une partie de cet ADN. Drop autour de 9,5 mm, mousse ReactX plutôt moelleuse : sous le pied, on est clairement dans le monde route, juste avec des crampons costauds et une membrane imperméable. Sur bitume, on sent un peu les lugs, mais rien de gênant ; c’est en quittant l’asphalte, sur gravier humide ou chemins trempés, que tu comprends l’intérêt.

Le chausson façon « haute chaussette » est probablement le meilleur système que j’ai testé pour éviter que l’eau, la boue ou les cailloux ne rentrent par le col. J’ai même tenté une sortie sans chaussettes par curiosité : zéro frottement. Attention toutefois, la Gore‑Tex finit par tenir chaud ; sur une sortie longue à rythmes élevés par temps doux, j’avais clairement les pieds transformés en hammam. Pour l’entraînement quotidien par temps pourri, c’est royal. Pour une course où tu sais que tu vas de toute façon être détrempé, je préfère parfois accepter les pieds mouillés plutôt que le sauna.

Adidas EVO SL ATR : la route dopée aux crampons

L’EVO SL route d’Adidas a fait du bruit ces derniers mois, et la version ATR (All Terrain Running) reprend cette base rapide en y ajoutant plus de grip et de protection. On sent tout de suite le côté « chaussure de route affûtée » : profil agressif, mousse vive, envie d’accélérer dès que la route se dégage. Les crampons restent relativement discrets, tu peux facilement faire de longues portions sur asphalte sans te sentir freiné.

Sur chemins secs et gravier compact, c’est une arme pour les séances tempo ou les courses nature rapides. Évidemment, ce n’est pas la paire à sortir dans la gadoue ou les descentes techniques : ce n’est pas sa promesse. Si tu viens du monde route et que tu veux juste élargir un peu ton terrain de jeu sans changer complètement de sensations, l’EVO SL ATR est un très bon pont entre les deux mondes.

Ce qu’il faut vraiment regarder avant d’acheter une chaussure gravel

Après ce mois de tests, j’ai fini par voir les fiches techniques un peu comme un arbre de talent dans un RPG : tout est une question de compromis et de priorités. Les trois paramètres qui ont le plus d’impact dans la vraie vie :

• Profondeur des crampons. Autour de 2–3 mm, c’est idéal pour alterner route, gravier et chemins. Plus, tu gagnes en grip sur boue, mais tu perds en confort et en fluidité sur bitume (type Inov8 Trailfly V2). Moins, tu te rapproches d’une route musclée, avec des limites claires dès que ça glisse.
• Type de mousse. Les PEBA et mousses supercritiques (Hoka, certaines Salomon, Mount to Coast) sont plus rebondissantes mais parfois moins stables. Les EVA plus classiques protègent bien, vieillissent correctement mais donnent moins ce côté « trampoline » qui fait plaisir sur les longues sorties.
• Drop et géométrie. Si tu viens de la route, un drop autour de 8–10 mm (Nike Pegasus Trail 5, par exemple) rend la transition très naturelle. Si tu es habitué aux trails plus bas, les modèles à stack moindre et drop contenu (Inov8, Merrell) seront plus familiers, avec plus de ressenti de sol.

Ajoute à ça des critères très personnels comme la largeur de l’avant‑pied (toe box large chez Inov8 et Keen, plus étroite chez On), la présence ou non de Gore‑Tex (gros plus l’hiver, piège à chaleur l’été) et le poids (Hoka Rocket X Trail et Adidas EVO SL ATR font clairement partie des plus nerveuses). Ce n’est pas très sexy à dire, mais le meilleur conseil reste de coller au maximum à ton terrain majoritaire : si ton « trail » c’est 80 % route / 20 % chemin, prends une gravel très orientée route. Si c’est l’inverse, vise quelque chose de plus cramponné et plus ferme.

Pour quel type de coureur les chaussures gravel valent vraiment le coup ?

Si tu habites en ville mais que tu as des parcs, des bords de rivière ou des forêts accessibles en courant depuis chez toi, honnêtement, une bonne gravel peut remplacer à la fois ta route et ta trail pour 90 % de tes sorties. C’est mon cas, et je me surprends à laisser mes chaussures de route classiques prendre la poussière depuis quelques semaines.

En revanche, si tu fais soit :

• quasi exclusivement de la route bien lisse ;
• ou au contraire du trail très technique, montagneux, engagé,

le gravel restera un compromis trop tiède. Tu feras mieux avec une bonne route performante d’un côté, et un vrai tank de montagne de l’autre. Les chaussures gravel brillent surtout pour les profils mixtes : urbains qui aiment s’échapper sur chemin, trailers qui veulent des sorties plus roulantes l’hiver, coureurs qui en ont marre d’user leurs semelles de route sur les cailloux des voies vertes.

Verdict perso et note : la gravel est là pour rester

Après environ 150 km à jongler entre ces modèles, j’ai clairement basculé : pour moi, une bonne chaussure gravel n’est plus un gadget marketing. C’est devenu ma catégorie par défaut pour tout ce qui n’est pas une séance spécifique sur piste ou une vraie sortie montagne. Si je devais n’en garder qu’une pour la majorité de mes footings mixtes, ce serait la Salomon Aero Glide 4 GRVL pour son confort longue distance et sa polyvalence route/chemins. En « joker rapide », la Hoka Rocket X Trail reste celle que je chausse dès que je veux me faire plaisir sur une sortie rythmée.

Pour la catégorie gravel telle que je l’ai vécue en 2026 – et tout particulièrement pour la Aero Glide 4 GRVL qui en incarne bien l’équilibre – je pars sur une note de 9/10. Il reste de la marge pour améliorer la stabilité sur terrain très irrégulier et simplifier certains systèmes de laçage, mais sur le cœur de la promesse (enchaîner route et chemins sans se poser de questions), c’est enfin au niveau qu’on attendait depuis des années.

TL;DR – Quelle chaussure gravel selon ton profil ?

• Meilleure polyvalente globale : Salomon Aero Glide 4 GRVL – confort, protection, très bonne sur route mouillée et chemins roulants.
• Meilleur rapport qualité/prix : Salomon Aero Blaze 3 GRVL – plus ferme, plus légère, parfaite si tu n’as pas besoin d’un max stack.
• La plus écolo sans sacrifier le fun : Mount to Coast H1 – mousse 100 % renouvelable, légère et dynamique, idéale route + chemins propres.
• Pour les amateurs de ressenti du sol : Merrell Promorph & Inov8 Trailfly V2 – fermes, stables, beaucoup de feedback, excellentes sur terrain sec ou rocheux.
• Pour le confort « canapé » au quotidien : On Cloudsurfer version trail & Keen Roam – parfaites pour les footings tranquilles et la vie de tous les jours.
• Pour aller vite : Hoka Rocket X Trail & Adidas EVO SL ATR – sensations de chaussures route perf avec juste assez de grip pour le gravel.
• Pour la pluie et l’hiver : Nike Pegasus Trail 5 Gore‑Tex – protection et confort de route, avec des crampons qui tiennent sur les chemins détrempés.

Si tu te reconnais dans le coureur qui enchaîne trottoirs, gravier et sous‑bois au cours de la même sortie, une bonne paire gravel va probablement devenir ton nouveau « main ». Choisis-la comme tu choisis ton build dans un jeu : pars de ton terrain principal, décide si tu privilégies le confort ou la vitesse, et accepte qu’aucune paire ne sera parfaite partout. Mais en 2026, on s’en approche dangereusement.

Mes 10 jours avec les Nothing Headphone A : enfin un casque Nothing qui a du sens

J’avais trouvé le Nothing Headphone 1 sympa sur le papier, mais trop cher, trop « concept » pour ce qu’il apportait vraiment. Quand j’ai vu débarquer les Nothing Headphone A avec un prix plus bas (199 $, environ 160 €), une autonomie annoncée jusqu’à 135 heures et toujours ce look à la Nothing, je me suis dit : « OK, là ça devient intéressant. »

Je l’ai utilisé une dizaine de jours non-stop : boulot à la maison, trajets, quelques sessions de jeu sur PC et Switch, appels longue durée, et une vague de chaleur bien violente qui est arrivée au pire moment. Le bilan est assez clair dans ma tête : c’est un casque très malin sur certains points (autonomie, contrôles, personnalisation sonore), mais avec des concessions assez nettes sur le confort et surtout sur les micros.

Design Nothing assumé, mais un côté « plastique » qui rappelle le prix

Premier contact : on reconnaît tout de suite la patte Nothing. Les Headphone A reprennent la même silhouette que le Headphone 1, avec ces oreillettes rectangulaires surmontées d’une sorte de petite « pastille » ovale. Sauf que cette fois, ce n’est plus cette bulle transparente futuriste sur le dessus : elle est opaque (blanc, jaune ou rose sur modèle blanc, ou tout noir si vous voulez rester discret), et c’est la coque de l’oreillette qui est semi-transparente.

Le petit détail que j’adore : le carré rouge sur l’oreillette droite et le carré blanc sur la gauche, façon câbles RCA d’époque. C’est tout bête, mais en pratique, pour mettre le casque à l’aveugle, c’est super pratique, et ça colle bien à l’esthétique rétro-futuriste de la marque.

En main, par contre, on sent immédiatement que Nothing a coupé dans les matériaux. Beaucoup de plastique, zéro aluminium cette fois. Les charnières qui permettent aux oreillettes de pivoter m’ont semblé plus solides que sur le Headphone 1, mais l’ensemble ne dégage pas le côté « premium » d’un Sony WH-1000XM6 ou d’un Bose Ultra Headphones. On est clairement dans du milieu de gamme bien fini, pas dans du luxe.

Autre signe d’économie : pas de coque rigide, seulement une pochette souple. Ça protège des rayures dans un sac, mais pas contre un gros écrasement. Pour un casque nomade qu’on trimballera partout, j’aurais vraiment préféré un étui un peu plus costaud.

Le casque est certifié IP52 : donc protégé contre la poussière et contre les gouttes de sueur ou une petite pluie. C’est assez rare dans cette gamme de prix (et même sur certains modèles plus chers qui n’ont aucune certification), donc bon point sur le papier… mais ça nous amène au gros point chaud : le confort thermique.

Confort : léger sur le papier, lourd à la longue (surtout quand il fait chaud)

Les Nothing Headphone A sont plus légers que les Headphone 1, et les coussinets en mousse à mémoire de forme font bonne impression au début. Posé sur la tête, la première demi-heure est agréable : bonne tenue, pas de sensation d’arceau qui écrase.

Au bout d’une heure, j’ai commencé à sentir deux choses :

• Une pression un peu marquée à l’avant du pavillon (vers la mâchoire).
• Un point de pression sur le haut du crâne, assez net lors des longues sessions.

Et surtout, pendant la mini canicule de février où je l’ai porté en terrasse à Los Angeles, j’ai commencé à transpirer autour des oreilles au bout de 15-20 minutes. Les coussinets ne respirent pas bien du tout. Pour du trajet métro ou des sessions de 30-45 minutes, ça passe. Pour bosser trois heures d’affilée ou jouer un long raid avec des potes, ça devient étouffant.

Je précise que je ne suis pas particulièrement sensible à ça : je supporte plutôt bien des casques fermés comme le Sony WH-1000XM5. Là, le Nothing A m’a franchement donné envie de faire des pauses régulières, ce qui casse un peu le flow quand on est plongé dans un album ou un jeu narratif.

Contrôles physiques : enfin un casque moderne qui n’a pas peur des boutons

Sur ce point, j’ai presque envie d’applaudir Nothing. Les Headphone A reprennent exactement le même système que les Headphone 1 : zéro surface tactile capricieuse, que du physique. Sur l’oreillette droite, on a :

• Une petite molette/rouleau pour le volume, qui fait aussi bouton lecture/pause.
• Un « balancier » (paddle) pour piste suivante/précédente, qu’on peut maintenir pour avancer ou reculer dans un morceau (selon les applis).
• Un bouton rond configurable (assistant vocal par défaut).

La molette sert aussi à basculer entre ANC et transparence via un appui long, et le bouton peut être reconfiguré dans l’appli Nothing X pour plein de trucs : changement de mode de bruit, mute micro, déclenchement de la caméra du téléphone, sélection de preset d’EQ… C’est très flexible, et surtout, c’est fiable. Pas de gestes fantômes, pas de tapotement mal interprété.

Seul bémol : j’aurais aimé un tout petit peu plus de résistance sur la molette. En marchant, il m’est arrivé plusieurs fois de monter ou baisser le volume plus que prévu, parce que le rouleau tourne vraiment très librement. Rien de dramatique, mais quand on est maniaque du volume précis, on le sent.

Par rapport aux contrôles tactiles un peu aléatoires de certains casques Sony ou Bose, j’ai adoré ce côté « j’appuie sur un bouton, il se passe exactement ça ». Pour écouter de la musique en marchant ou pour piloter le casque à l’aveugle pendant une partie, c’est un vrai plus.

Un son de base trop démonstratif, mais une personnalisation monstrueuse

De base, le profil « Balanced » des Headphone A porte mal son nom. Sur mes premiers essais – Radiohead, The Flaming Lips, du gros rock 90s – j’ai trouvé la signature clairement en V : basses bien gonflées, aiguës qui sifflent, médiums un peu creusés.

Un exemple concret : sur « Spoonman » de Soundgarden, la frappe de toms est devenue carrément baveuse, avec un bas du spectre qui envahit tout. Sur certains morceaux de The Flaming Lips, les cymbales et les petits cris perchés passaient devant le reste du mix, comme si quelqu’un avait poussé le potard de 6–8 kHz à fond.

Si vous aimez les casques très fun, avec beaucoup de basses et des aigus brillants, vous pouvez déjà être content. Personnellement, j’aime bien un grave costaud, mais là on frôle parfois la caricature. Heureusement, c’est là que Nothing sort son joker : l’EQ dans l’appli Nothing X.

On a d’abord un égaliseur simple avec trois curseurs (basses, médiums, aigus) de -6 à +6. Déjà avec ça, en baissant un peu les basses et les aigus, j’ai récupéré quelque chose de plus équilibré et plus agréable sur à peu près tout : du rap, du metal, du jazz. Mais le vrai terrain de jeu, c’est l’EQ paramétrique à 8 bandes.

Huit points, chacun avec fréquence, gain et Q (largeur de bande) ajustables. Sur un casque à 200 $, c’est assez rare. J’ai pu calmer précisément le bas du spectre entre 100 et 250 Hz pour arrêter l’effet « boom », et baisser les zones au-dessus de 6 kHz pour enlever le côté sifflant. Au bout de quelques essais, je me suis retrouvé avec un rendu beaucoup plus proche de ce que j’attends d’un casque nomade : dynamique, mais pas fatigant.

Il y a un détail un peu déroutant : quand on monte une bande, on a l’impression que Nothing baisse plutôt les autres fréquences au lieu d’augmenter celle qu’on touche. L’objectif semble être de garder un volume global raisonnable et d’éviter de se défoncer les oreilles. L’idée est bonne, mais quand on a l’habitude de bosser avec des EQ classiques (en studio ou même dans d’autres applis), la sensation est bizarre au début. On s’y fait, mais il faut quelques minutes de prise en main.

Au final, une fois bien réglé, le casque m’a franchement plu sur la plupart des styles. Le LDAC sur Android apporte un petit plus de définition, les guitares et les voix gagnent en texture. Sur iPhone, on reste en AAC, mais ça sonne tout à fait correct. L’essentiel, c’est que Nothing te laisse vraiment façonner le son à ta sauce, ce que bien des casques à ce prix ne proposent pas.

ANC : très correct pour le prix, mais pas un tueur de flagships

Côté réduction de bruit active, mon attente était modérée. Les Headphone A coûtent autour de 200 €, donc je les ai comparés mentalement à des Sony ULT ou à des Soundcore Space One, pas aux ténors à plus de 300 €.

Bonne surprise : sur les bruits graves et continus (ventilation de PC, ronronnement de bus, bruit de moteur dans la rue), le casque s’en sort vraiment bien. Le grondement disparaît largement, et avec un petit fond musical, on oublie l’extérieur. Par rapport aux Sony ULT, j’ai trouvé l’ANC légèrement plus efficace sur ces basses fréquences, et globalement au niveau d’un Soundcore Space One Pro.

Il y a trois niveaux d’ANC plus un mode adaptatif. En montant le niveau, les graves sont encore mieux atténués, mais on commence à percevoir un peu plus les bruits aigus (voix, cliquetis, bruits de vaisselle). Rien de choquant, c’est le compromis classique : plus on creuse en bas, plus on a tendance à entendre ce qui est au-dessus.

Face à un Bose ou un Sony haut de gamme, ça ne joue pas dans la même cour. Les voix restent plus présentes, on entend encore les annonces de gare ou les collègues qui parlent à côté. Mais pour bosser dans un café, voyager en train ou se concentrer en open space, c’est largement suffisant, surtout pour ce tarif.

Autonomie et connectivité : la vraie raison d’acheter ce casque

L’autonomie, c’est LE truc qui m’a fait hausser les sourcils en lisant la fiche technique. Jusqu’à 135 heures annoncées en Bluetooth AAC avec ANC coupé. Même en LDAC, on parle encore de 90 heures sans ANC, et jusqu’à 62 heures avec réduction de bruit activée. Sur le terrain, en jonglant entre ANC et transparence et un mélange AAC/LDAC, j’ai passé la semaine sans jamais voir la batterie descendre en dessous de 50 %. C’est indécent.

Pour comparer, mon Audeze Maxwell 2 (déjà une bête en la matière) tourne autour de 80 heures. Là, Nothing va encore plus loin. Pour les gens comme moi qui oublient systématiquement de recharger leurs casques, c’est un luxe absolu. On finit par ne plus se soucier de l’autonomie, tellement ça dure.

Côté connectivité, on a tout ce qu’il faut : Bluetooth 5.4, USB‑C audio, et prise 3,5 mm (les deux câbles sont fournis). Il y a toutefois une limitation importante : le casque doit être allumé, même en filaire. Pas de mode purement passif. Et dès qu’on branche un câble (USB‑C ou jack), le Bluetooth et la connexion à l’appli se coupent. Du coup, impossible de changer l’EQ ou la force d’ANC pendant qu’on est en filaire : le casque garde simplement les derniers réglages actifs.

Ce n’est pas dramatique au quotidien, mais pour un usage gaming en filaire sur PC ou console, j’aurais aimé pouvoir ajuster quelques paramètres à la volée sans tout débrancher. Bon point en revanche : on peut utiliser le casque en Bluetooth tout en le chargeant en USB‑C via un chargeur, ce qui n’est pas toujours le cas chez la concurrence.

La gestion du multipoint est très propre. Dans l’appli Nothing X, on peut garder une liste de plusieurs appareils et choisir lesquels sont connectés en simultané (jusqu’à deux à la fois). Dans mon cas, iPhone 15 Pro + Xperia 1 V, le basculement s’est fait en deux secondes à chaque fois : on met pause sur l’un, on lance la lecture sur l’autre, et hop. Pas besoin de plonger dans les menus Bluetooth, ce qui est toujours appréciable.

Micros et appels : le gros point faible

Tout allait plutôt bien jusqu’au moment où j’ai commencé à téléphoner régulièrement avec. Les Nothing Headphone A n’ont que trois micros (un de moins que les Headphone 1) et ça se sent. Sur le papier, ils sont censés isoler ta voix et filtrer le bruit ambiant. En pratique, dès qu’il y a un peu de trafic ou de vent, ça part vite en bouillie.

J’ai fait plusieurs appels en marchant le long d’un boulevard assez bruyant. À l’oreille, le bruit de fond était bien contenu, transformé en un souffle assez discret. Mais ma voix, elle, se faisait parfois compresser à mort. Des mots qui disparaissent, des phrases qu’il faut deviner… Ma moitié m’a demandé plusieurs fois de répéter, et en réécoutant un enregistrement, il y a carrément des passages que moi-même j’ai eu du mal à comprendre.

C’est d’autant plus frustrant que des casques plus anciens et moins chers, comme un Soundcore Space One non-Pro, font mieux sur ce point. Pour du télétravail régulier, des réunions sur Teams/Zoom ou du chat vocal intensif en jeu, je ne recommanderais pas ce Nothing A. Ça dépanne, mais ce n’est clairement pas son point fort.

Fonctions annexes : des coupes par rapport au Headphone 1, mais pas les plus graves

Pour proposer ce prix plus doux, Nothing a aussi retiré quelques bricoles par rapport au Headphone 1 : plus de détection de port (la musique ne se met plus en pause quand on enlève le casque), plus de head‑tracking pour l’audio spatial. Personnellement, ça ne m’a pas manqué. La détection de port est pratique, mais quand elle bugue – et c’est souvent le cas sur plein de modèles – ça devient plus agaçant qu’autre chose.

Les vraies pertes, pour moi, ce sont : l’absence de coque rigide, la sensation globale de plastique, et ces micros très moyens. Sur tout le reste, le casque ressemble plus à une version rationalisée du Headphone 1 qu’à un downgrade brutal.

Pour qui sont faits les Nothing Headphone A ?

Après une grosse dizaine d’heures de musique et pas mal d’appels et de trajets, j’en suis arrivé à cette conclusion : les Nothing Headphone A sont géniaux pour certains profils, et totalement à éviter pour d’autres.

• Parfaits si : vous voulez un casque au look assumé, avec une autonomie délirante, des contrôles physiques hyper pratiques, un son personnalisable en profondeur, et un ANC « assez bon » pour le bureau ou les transports.
• Beaucoup moins adaptés si : vous passez vos journées en visio, vous vivez dans un climat chaud, ou vous cherchez un confort absolu pour des sessions de 4–5 heures non-stop.

En tant que joueur, je le vois plutôt comme un super casque de musique / usage général qui peut dépanner pour du jeu solo (via filaire ou Bluetooth avec un peu de tolérance sur la latence), mais pas comme un vrai casque gaming. Le manque de micro convaincant et l’absence de mode filaire passif limitent un peu ses ambitions côté salon/PC.

Verdict : un successeur plus logique au Headphone 1, mais pas sans compromis

Ce que j’aime avec les Nothing Headphone A, c’est qu’ils ont enfin une logique claire. Là où le Headphone 1 donnait l’impression d’un produit vitrine un peu trop cher pour ce qu’il proposait, les A ciblent plus juste : prix plus bas, autonomie monstrueuse, même système de contrôles physiques hyper réussi, appli sérieuse avec un EQ paramétrique digne de ce nom.

Les sacrifices sont visibles : construction plus plastique, pas de coque, pas de détection de port ni de head‑tracking, et surtout micro en retrait. Pour certains, ces concessions seront rédhibitoires. Pour d’autres – ceux qui écoutent surtout de la musique, regardent des vidéos, jouent en solo et passent peu d’appels avec leur casque – ça sera un deal plus que correct.

À 199 $ / ~160 €, je le trouve plus intéressant qu’un Sony ULT si vous êtes prêt à mettre les mains dans l’EQ pour calmer la signature agressive d’origine. En revanche, si votre priorité n° 1, c’est le confort longue durée ou la qualité des appels, il vaut mieux regarder ailleurs.

Note finale : 7/10

Un très bon casque « d’utilisateur avancé » qui sait exactement ce qu’il veut faire (son personnalisable + autonomie de mutant), mais qui laisse volontairement de côté le côté premium et la partie micro. Si vous acceptez ces limites, vous aurez un compagnon solide pour de longues heures de son.

TL;DR

• On a aimé : autonomie hallucinante (jusqu’à 135 h), contrôles physiques ultra confortables, EQ paramétrique 8 bandes rare à ce prix, ANC très correct pour 200 $, multipoint bien fichu, look Nothing toujours aussi fun.
• On a moins aimé : confort qui chauffe vite les oreilles, construction très plastique et pas de coque rigide, pas de mode filaire passif, EQ au comportement un peu déroutant au début, micros franchement moyens dès qu’il y a du bruit autour.
• Pour vous si : vous priorisez la batterie, la personnalisation sonore et les contrôles physiques, et que vous n’êtes pas obsédé par la qualité d’appel.
• À éviter si : vous cherchez un casque pour le télétravail intensif, les longues sessions de jeu en vocal ou si vous vivez dans un climat très chaud.

Mes premières heures sur WWE 2K26 : entre hype, déjà-vu et portefeuille qui tremble

J’ai lancé WWE 2K26 un soir, sur Xbox Series X branchée à un écran 4K, en me disant que j’allais “juste tester vite fait”. Trois heures plus tard, j’étais encore en train de me battre contre le timing de mes reversals, à hurler sur l’IA qui me contrait tout, tout en admettant à contrecœur que, visuellement, 2K a encore monté le niveau. Et que, oui, ce fichu jeu est une machine à avaler des heures.

Depuis WWE 2K22, la série a retrouvé une base solide. 2K25 était déjà une sorte de “plateau” : très complet, mais clairement dans la continuité. WWE 2K26, après une quinzaine d’heures dessus (principalement sur Series X, un peu sur PC), m’a donné ce sentiment étrange d’être à la fois l’épisode le plus massif et le plus fainéant dans sa philosophie. Plus de tout : plus de catcheurs, plus de modes, plus de slots de création (200 maintenant), mais aussi plus de microtransactions et toujours ce gameplay ultra-centré sur les reversals qui ne pardonnent rien.

Un contenu monstrueux : roster 400+ et avalanche de modes

Premier choc en arrivant sur l’écran d’accueil : la quantité de choses à faire est presque intimidante. Le roster dépasse les 400 Superstars, entre actuels, légendes, versions alternatives et quelques surprises. Scroller la liste m’a rappelé mes années SmackDown vs. Raw, sauf qu’ici on parle d’un casting qui ferait rougir n’importe quel jeu de baston.

Côté modes “Play” classiques, c’est juste indécent. On retrouve tout ce qu’il y avait l’an dernier, plus une salve de nouveaux types de matchs :

• Inferno (nouveau)
• 3 Stages of Hell (nouveau)
• I Quit (nouveau)
• Dumpster (nouveau)
• toujours les Royal Rumble, Hell in a Cell, WarGames, TLC, Ambulance, Casket, Battle Royal, Iron Man, Last Man Standing, etc.

Mon premier Inferno, c’était un Seth Rollins vs. CM Punk dans une arène survoltée. Une jauge au bas de l’écran se remplit petit à petit, les flammes montent autour du ring, l’ambiance devient presque suffocante, et quand enfin tu balances ton adversaire par-dessus la troisième corde pour le voir se prendre le rideau de feu, ça a une vraie saveur de “moment PPV”. C’est gadget, certes, mais ça fonctionne.

Le Dumpster, en revanche, m’a fait sourire parce que c’est littéralement un Casket match re-skinné : tu ouvres la benne, tu assommes ton adversaire, tu le balances dedans, tu fermes, fin. Ça reste fun en multi local quand on se chambre entre potes, mais on sent le recyclage. 3 Stages of Hell est plus intéressant : on choisit trois types de matchs à enchaîner, et ça crée des mini-feuds épiques. Un combo simple (1v1 normal, Falls Count Anywhere, puis Hell in a Cell) m’a donné un match de plus de 25 minutes qui ressemblait davantage à une storyline entière qu’à un simple affrontement.

À ça, on ajoute MyRISE (les deux campagnes hommes/femmes avec embranchements), Showcase consacré à CM Punk, Universe, MyGM, MyFACTION, The Island, le jeu en ligne, la création… Franchement, même si tu ne touches jamais à certains modes, tu en as pour une année facile si tu accroches au système de jeu.

Gameplay : du bon catch télévisuel… tant que tu épouses les reversals

Le cœur du problème – ou de la fascination, selon ton profil – reste le même que dans 2K25 : les reversals. Tout tourne autour de ce fichu timing. Sur Xbox, c’est majoritairement Y (parfois X ou B), à déclencher pile au moment où l’icône apparaît, souvent pendant une fraction de seconde. Rater, c’est manger la prise complète. Réussir, c’est renverser le momentum d’un coup.

WWE 2K26 ajuste un peu la formule, notamment avec une meilleure gestion de l’endurance qui limite le spam et des fenêtres de contre qui varient davantage selon la taille et le style des lutteurs. Sur le papier, c’est malin : un gros colosse essoufflé ne devrait pas pouvoir tout contrer comme un cruiserweight frais. En pratique, surtout pendant mes premières heures, j’ai passé plus de temps à pester contre une IA qui me sortait des séries de 4-5 reversals d’affilée qu’à vraiment “jouer” au catch.

Ce qui est paradoxal, c’est que le jeu émule extrêmement bien la dimension chorégraphiée du catch. Les enchaînements, les transitions entre grapples, les spots près de la table des commentateurs ou des barrières, tout est pensé pour donner un rendu télé : ça raconte une histoire dans le ring. Mais du point de vue “jeu vidéo”, quand tu te fais stun encore et encore, que tu martèles des boutons pour te relever pendant que ton adversaire enchaîne, la frustration monte vite. Les Paybacks et les signatures/finishers volés ajoutent du sel, mais ne changent pas cette sensation de “tout ou rien” autour du contre.

Au bout d’une dizaine d’heures, je m’y suis fait. J’ai commencé à lire plus finement les animations, à anticiper les timings plutôt qu’à réagir au prompt visuel, et les matchs se sont transformés en duels nerveux où chaque erreur se paye cash, mais où chaque reversal placé au bon moment est un petit rush d’adrénaline. Si tu détestes déjà ce système dans les épisodes récents, WWE 2K26 ne va clairement pas te réconcilier avec la série. Si tu l’acceptes comme la base, tu profiteras de combats plus fluides, avec une IA un peu moins stupide dans sa gestion de la distance et des projections.

MyRISE, Showcase Punk, Universe & MyGM : le fan de WWE est servi

Je suis toujours du genre à commencer par un mode solo scénarisé, histoire de me chauffer avec un perso créé. MyRISE reprend la structure déjà connue : un scénario masculin, un féminin, des dialogues à choix multiples, des détours de carrière, des alliances et des trahisons. Ce qui m’a plu cette année, c’est la façon dont certaines décisions reviennent te hanter plus tard : un jobber que j’ai snobé au début a fini par me coûter un title shot quelques heures plus tard. On n’est pas dans le RPG fou, mais assez pour avoir envie de refaire des branches.

Le Showcase CM Punk, lui, joue surtout sur la nostalgie. Revivre des matchs clés de sa carrière avec les objectifs à remplir pour recréer (plus ou moins) ce qui s’est passé dans la réalité, ça reste un exercice très scripté, parfois trop rigide quand tu rates un spot et que tu dois recommencer une phase. Mais la mise en scène, les extraits, les transitions avec Punk qui commente, ça fonctionne bien si tu es fan du bonhomme ou de cette période du catch.

Universe et MyGM restent mes terrains de jeu préférés. Universe pour le bac à sable total : j’ai passé une soirée entière à refaire un calendrier custom, recréer une promotion à base de légendes et de CAWs complètement débiles, puis laisser l’IA générer ses propres rivalités. MyGM, à l’inverse, gratte mon côté gestion : on choisit son General Manager, on draft son roster, on jongle entre budget, notations de show, blessures et caprices de Superstars. 2K26 ajoute surtout plus d’événements contextuels et de types de cartes pour booster ou saboter des segments, ce qui crée des situations bien salées quand ton rival te vole ta top star la veille d’un PPV.

The Island, MyFACTION, Ringside Pass : le catch-service qui pique au portefeuille

Et c’est là que WWE 2K26 commence à sérieusement me perdre. The Island revient, désormais aussi sur PC, comme ce mode à part complètement barré : challenges, mini-aventures, changements de règles absurdes, costumes débiles… Sur le plan purement “jeu vidéo”, j’adore le concept. C’est l’endroit où 2K laisse enfin exploser le côté cartoon du catch, un peu à la “What if WWE 2K devenait un jeu d’arcade délirant ?”. En plus, par rapport à 2K25, j’ai eu beaucoup moins de soucis de saccades et de chargements interminables.

Le problème, c’est que The Island est aussi une vitrine géante à microtransactions. Tout est pensé pour te faire gagner des devises, débloquer des petites récompenses, puis t’afficher bien en face tout ce que tu pourrais avoir “plus vite” en sortant la carte bleue. Même combat avec MyFACTION : le mode deckbuilding mêlant PvE et PvP est solide, les combats y sont parfois plus intéressants grâce à des contraintes de cartes, mais les packs, les tirages aléatoires, les versions premium de Superstars, tout fait penser à un gacha maquillé.

Le nouveau Ringside Pass, cette sorte de battle pass avec une voie gratuite et une voie payante, n’arrange rien. Cosmétiques, tenues alternatives, et parfois même du contenu jouable sont coincés derrière un grind longuet ou un achat direct. Quand tu as déjà payé 70 € (ou plus) pour le jeu de base, et que l’édition la plus chère flirte avec les 150 dollars, tu sens vraiment la main de 2K venir chercher un supplément dans ta poche. Après quelques heures à regarder les paliers, j’ai clairement décidé de m’en tenir à la voie gratuite et de faire avec, mais la tentation est pensée pour être là, en permanence.

Création & communauté : 200 slots pour refaire tout le business

Là où WWE 2K26 m’a vraiment accroché de manière positive, c’est encore une fois dans la création. Le suite de création est gigantesque : personnages, tenues, movesets, entrées, ceintures, arènes, shows complets… Et surtout, 200 slots de CAW. Pour quelqu’un qui adore remplir le roster de fédérations indés, de légendes oubliées ou de personnages complètement inventés, c’est un cadeau.

En quelques heures, j’avais déjà importé des créations de la communauté pour compléter mon Universe : une fédé old-school avec des arènes sales, une autre ultra-moderne blindée de néons, et une division tag totalement custom avec des équipes sorties de l’imagination de fans. Les outils restent un peu lourds à prendre en main – surtout pour les détails d’entrées et les jeux de lumières – mais une fois qu’on maîtrise, on peut vraiment créer un show qui ressemble à ce qu’on a en tête.

Graphismes, animations, audio : la meilleure gueule du catch virtuel

Techniquement, WWE 2K26 est le plus abouti de la série, et c’est flagrant sur Series X comme sur PC. La décision de laisser tomber les anciennes consoles porte ses fruits : les arènes paraissent plus denses, la foule plus vivante (même si, en zoomant, certains modèles restent très “jeu vidéo”), les effets de lumière et de fumée pendant les entrées sont parfois bluffants. Les visages des Superstars actuelles sont globalement excellents, avec quelques ratés habituels sur des légendes ou des modèles moins prioritaires, mais dans l’ensemble, c’est une vraie vitrine.

Les animations sont plus propres que l’an dernier. On voit encore parfois des collisions bizarres – un bras qui traverse un objet, un corps qui flotte à deux centimètres d’une table – mais le moteur préfère maintenant “tricher” en écartant légèrement les modèles plutôt que de tout casser en ragdoll. Ça peut casser un peu l’illusion quand on y prête attention, mais c’est nettement moins choquant que les bugs d’antan.

Niveau performances, sur Series X, j’ai eu un 60 fps très stable en match, même avec plusieurs catcheurs à l’écran dans des Elimination Chamber ou WarGames. Les chargements restent présents, surtout en changeant beaucoup d’éléments de présentation, mais c’est globalement fluide. Sur mon PC (Ryzen récent + RTX milieu de gamme), le jeu tourne mieux que 2K25, avec moins de micro-saccades, même si les options graphiques ne sont pas les plus détaillées du monde.

Côté son, gros travail aussi : la foule réagit plus finement, on sent mieux les différences entre un petit show dans une salle moyenne et un énorme PPV dans un stade. Les commentateurs répètent encore certaines lignes, évidemment, mais beaucoup moins souvent qu’avant, et le fait d’avoir des équipes de commentaires différentes pour les matchs historiques (type Showcase) donne vraiment un cachet particulier à ces segments. Les impacts sur le ring, les bruits de tables qui explosent, les coups de chaise, tout sonne “lourd” comme il faut.

Passer de WWE 2K25 à 2K26 : mise à jour utile ou gros DLC à 70 € ?

Après toutes ces heures dessus, la vraie question que je me suis posée avant de poser la manette, c’est : “Si je possédais déjà 2K25 et que je n’étais pas un malade de la licence, est-ce que j’achèterais 2K26 plein pot ?”. Pour moi, la réponse penche plutôt vers le non.

Les plus : un roster encore plus massif, de nouveaux types de matchs sympa (Inferno en tête), une technique peaufinée, des modes existants qui gagnent quelques petites couches de profondeur, The Island qui tourne mieux et pousse plus loin le délire. Pour quelqu’un qui a skippé 2K25, 2K26 est clairement le meilleur point d’entrée actuel : tu as tout, dans sa version la plus aboutie.

Les moins : si tu viens tout juste de passer des dizaines d’heures sur 2K25, l’évolution va te sembler très incrémentale. Le système de combat reste le même dans sa philosophie, avec les mêmes qualités et les mêmes défauts, la structure des modes est globalement identique, et l’agressivité des microtransactions (Ringside Pass, MyFACTION, The Island) rend l’ensemble parfois assez indigeste. En promo à -50 %, je dirais oui sans hésiter à un fan de catch. À 70 € ou plus, c’est une décision beaucoup plus compliquée.

Verdict : un excellent jeu de catch coincé dans un modèle qui le freine

WWE 2K26, pris uniquement comme jeu de catch, est probablement ce qui se fait de mieux aujourd’hui. Le spectacle est là, la finition visuelle impressionne, la quantité de contenu est infernale, et une fois qu’on a apprivoisé le système de reversals, on peut vivre des matchs qui ressemblent vraiment à ce qu’on voit à la télé – voire mieux, parce qu’on contrôle le script.

Mais en 2026, on ne peut plus faire semblant de ne pas voir le reste : la pression constante pour dépenser plus, ce sentiment d’acheter un gros jeu à plein tarif puis de se faire assiéger par des passes, des packs, des éditions à trois chiffres… ça laisse un arrière-goût amer. Ajoute à ça une formule de gameplay qui commence à tourner en rond si tu es là chaque année, et tu obtiens un épisode à la fois ultra recommandable pour les fans hardcore et difficile à justifier au prix fort pour les autres.

Note FinalBoss : 7/10 – Un monstre de contenu et de technique, mais aussi un rappel que même le meilleur jeu de catch actuel peut être alourdi par ses choix de design et de monétisation.

TL;DR – WWE 2K26 en résumé

• Si tu viens de 2K22/2K23 ou que tu avais fait l’impasse sur 2K25 : 2K26 est la version la plus complète et la plus jolie, bon point d’entrée.
• Si tu as rincé 2K25 récemment : améliorations réelles mais incrémentales, difficile à conseiller plein pot à cause du sentiment de gros “DLC annualisé”.
• Points forts : roster 400+, nouveaux matchs (Inferno, 3 Stages of Hell, I Quit, Dumpster), 200 slots de création, technique solide sur Series X et PC, modes Universe/MyGM/MyRISE toujours aussi engageants, Showcase CM Punk réussi.
• Points faibles : gameplay toujours ultra-centré sur le timing des reversals, parfois punitif; microtransactions omniprésentes (MyFACTION, Ringside Pass, The Island); éditions très chères; sensation de déjà-vu pour les vétérans qui achètent chaque année.
• Pour qui ? : les fans hardcore de WWE qui veulent “tout” et qui acceptent le modèle de jeu-service; les autres ont intérêt à attendre une bonne promo.

Mon contexte : fan de catch, méfiant envers les passes de combat

Je joue aux jeux de catch depuis SmackDown! Here Comes the Pain sur PS2, en passant par les SmackDown vs. Raw, le culte WWE 2K14 et la catastrophe 2K20 que j’ai encore en travers de la gorge. Depuis le redressement avec 2K22, je suis redevenu client chaque année… mais avec un œil qui traîne toujours sur les microtransactions.

WWE 2K25, je l’ai rincé. Alors quand 2K a annoncé WWE 2K26 uniquement sur PS5 et Xbox Series, avec CM Punk en couverture et en vedette du mode Showcase, j’étais déjà à moitié conquis. L’autre moitié, elle, se crispait en entendant parler de ce fameux Ringside Pass, un système de contenu saisonnier qui remplace les DLC classiques.

J’ai joué une grosse vingtaine d’heures à WWE 2K26 sur PS5 : Showcase presque terminé, plusieurs arcs dans La Isla, une saison de MyGM, pas mal d’Exhibition et quelques soirées à m’énerver sur Mi Faction. Le jeu est-il un bon cru ? Oui. Est-ce que le modèle économique flingue un peu la fête ? Malheureusement, oui aussi.

Premiers pas sur le ring : le choc des entrées et du réalisme

Ma toute première partie, je l’ai lancée en Exhibition, CM Punk vs Rey Mysterio dans une arène type Armageddon, pour voir ce que le jeu avait dans le ventre. Et là, premier gros sourire : les entrées. 2K avait déjà bien progressé sur 2K25, mais ici on franchit un petit palier en termes de mise en scène. Les jeux de lumière, les caméras qui glissent dans la foule, les chants du public… sur ma télé 4K, en mode Performance à 60 fps, j’avais presque l’impression de zapper sur un pay-per-view.

Techniquement, ce n’est pas une révolution par rapport à l’an dernier : mêmes menus, même interface globale, même moteur. Mais on sent une série de petits ajustements : certains modèles ont été retouchés, les catcheurs top card sont bluffants de près, alors que les midcarders et jobbers accusent encore un peu le coup. Les nouveaux venus (notamment ceux issus de la Lucha Libre AAA) bénéficient de modèles ultra propres, on voit que ce sont des créations fraîchement sculptées.

En revanche, les vieilles blessures de la série n’ont pas disparu : cheveux parfois plastiques, quelques clipping de bras qui traversent les cordes, et des visages un peu figés sur certaines superstars secondaires. Mais honnêtement, en plein match, ça ne m’a jamais gâché un moment. Là où j’ai vraiment tiqué, c’est plus sur le rythme de la simulation.

Un système de combat plus lisible, mais toujours riche

Ce qui m’a frappé au bout de deux-trois matchs, c’est à quel point le gameplay est devenu abordable sans devenir simpliste. La base est connue : coups légers, coups lourds, prises, esquives, contres. Mais WWE 2K26 polit cette fondation.

Les commandes sont mieux expliquées, le didacticiel est enfin clair, et surtout, la nouvelle gestion de l’endurance et des contres liés à la stamina change la dynamique des matchs. En difficulté élevée, si tu spammes les gros coups sans réfléchir, tu finis à bout de souffle, ta barre de stamina souffre, et tes possibilités de contre se réduisent. Sur un match de 20-25 minutes, ça crée de vrais petits arcs de tension.

J’ai vraiment senti la différence lors d’un Ladder Match entre Gunther et Sami Zayn. Sur 2K25, je pouvais bourriner comme un goret et me reposer sur mes réflexes pour les contres. Là, après dix minutes à enchaîner powerbombs et chops, Gunther respirait comme un bœuf, et je me suis retrouvé incapable de contrer un simple DDT. Résultat : Zayn remonte le match, place son Helluva Kick, et je termine au sol en regardant l’échelle que j’aurais dû dresser deux minutes plus tôt. Frustrant, mais dans le bon sens.

Autre nouveauté qui change subtilement l’ambiance : la façon dont le début de match est géré. Avant même que la cloche ne sonne, on peut choisir d’aller serrer la main de l’adversaire (si on joue Face) ou d’attaquer en traître (si on joue Heel). Ça paraît anecdotique, mais après quelques heures, ça donne des combats vraiment différents, surtout en local avec des potes : celui qui feint la poignée de main pour t’en coller une, c’est immédiatement le “heel officiel” de la soirée.

Les nouvelles stipulations répondent aussi à des demandes de longue date : Inferno Match où il faut littéralement mettre le feu à l’adversaire, Stages of Hell en trois manches, I Quit Match où il faut faire hurler “je me rends”, et même le Dumpster Match où on balance son adversaire dans une benne à ordures. Ajoutez à ça des améliorations physiques (les tables se brisent plus proprement, les impacts de chaises et même les punaises qu’on peut enfin sortir) et on obtient un système qui, sans être révolutionnaire, est plus fun et plus crédible.

Je ne vais pas mentir : si vous avez passé beaucoup de temps sur 2K25, la sensation globale reste assez proche. On est plus sur une évolution que sur une réinvention, surtout que le jeu a été développé en un gros neuf mois seulement. Mais ce sont des ajustements qui comptent, surtout pour les nouveaux joueurs qui ne se perdront plus dans des commandes obscures comme à l’époque 2K18-2K20.

Showcase CM Punk : un hommage intense mais un peu court

Je dois l’avouer : c’est clairement le Showcase CM Punk qui m’a fait cocher la date de sortie dans mon calendrier. Punk, c’est l’un de mes favoris depuis l’ère “pipe bomb”, et je me souvenais encore de WWE 2K13 avec lui en couverture. Le revoir en star principale d’un jeu huit générations de consoles plus tard, ça fait quelque chose.

Le mode est construit comme d’habitude : on revit des matchs clés de sa carrière avec des objectifs contextuels (placer tel combo, enchaîner telle séquence dans le coin, utiliser une arme à un moment précis, etc.), entrecoupés de vraies images d’archives et de commentaires. J’ai enchaîné les matchs pendant une soirée entière, porté par la narration et par le plaisir de cocher les objectifs un par un.

Point positif : les récompenses de chaque combat sont plus généreuses que les années précédentes. On débloque des tenues alternatives, des arènes, des entrées, des cartes pour Mi Faction… On sent que 2K veut que tu ailles au bout du mode, pas que tu t’arrêtes à mi-chemin. Et sur ce point, ça fonctionne : tu as toujours un truc sympa qui tombe après un match.

Là où je suis resté sur ma faim, c’est sur la sélection des matchs. Il y en a 21 au total, soigneusement choisis, et globalement je ne peux pas dire qu’il y ait de “mauvais” choix. Mais je ne pouvais pas m’empêcher de penser à quelques affrontements iconiques absents, à des histoires qui auraient mérité plus de place. Après certains crédits de fin de match, je me suis surpris à me dire : “Quoi, c’est déjà fini ?”

Je ne vais pas spoiler la liste, mais disons que si vous connaissez bien la carrière de Punk, vous devinerez assez vite les grands jalons couverts. Il y a même quelques fantasmes de booking, des “what if” que les jeux vidéo peuvent se permettre. Ça, c’est un vrai plaisir de fan. On n’atteint pas le sommet de WWE 2K14 et son tour d’horizon de WrestleMania, mais on est clairement sur un des meilleurs Showcases de l’ère 2K récente.

La Isla : enfin des voix, mais des récompenses pas folles

La grosse nouveauté de 2K25, c’était La Isla. J’avais aimé le concept de base – une sorte de mode scénarisé plus libre, avec des embranchements – mais j’avais décroché assez vite à cause des dialogues façon roman visuel : des portraits fixes, du texte, et zéro voix.

Bonne nouvelle : dans WWE 2K26, La Isla revient et les cinématiques sont doublées. Entendre enfin les superstars parler, avec leurs vraies voix, ça change tout. On est immédiatement plus impliqué, les petites rivalités prennent vie, les retournements ont plus de poids. J’ai enchaîné plusieurs arcs simplement parce que j’avais envie de voir “comment ça se termine”, ce qui ne m’était quasiment jamais arrivé l’an dernier.

Par contre, un truc continue de coincer : les récompenses de ce mode ne font pas toujours rêver. Beaucoup de cosmétiques ou de petites cartes, quelques boosts… Rien qui donne ce sentiment de jackpot quand tu termines un arc narratif de deux heures. Je n’ai pas encore tout terminé, donc j’espère tomber sur des surprises plus généreuses, mais pour l’instant, c’est clairement le talon d’Achille de La Isla.

Ma Légende, MyGM, Mi Faction : du très bon, du très inquiétant

Côté modes de jeu, c’est toujours la grande force de la série. En plus de la classique Exhibition (parfaite pour des sessions canap’ entre potes) et du mode Univers ultra modulable, on retrouve Ma Légende (l’ancienne MyRise) avec un scénario que j’ai trouvé plus cohérent que certaines histoires WTF des années précédentes. Créer son catcheur, le voir galérer en bas de carte, négocier ses premières entrées à Raw ou SmackDown… ça fonctionne toujours aussi bien.

MyGM reste aussi un petit bijou pour ceux qui aiment la gestion : drafts, budget, contrats, rivalités à programmer, choix des stipulations pour maximiser les notes de match. Rien de révolutionnaire par rapport à 2K25, mais plus de paramètres, plus d’options de personnalisation, et suffisamment de profondeur pour y perdre des soirées entières. J’ai passé une saison complète à opposer un Raw ultra “workrate” à un SmackDown blindé de stars, et les débats avec un pote en local sur “qui a le meilleur booking” valaient déjà le prix d’entrée.

Et puis il y a Mi Faction, le mode que je redoutais le plus et qui, paradoxalement, est l’un de ceux sur lesquels j’ai passé le plus de temps.

Pour résumer, c’est l’équivalent des modes Ultimate Team / MyTeam : on collectionne des cartes de catcheurs et catcheuses, on forme une équipe et on joue contre l’IA ou en ligne pour farmer une monnaie spécifique. Cette année, grosse nouveauté : les combats intergenres sont possibles dans Mi Faction. Oui, tu peux enfin faire se rencontrer Rhea Ripley et Seth Rollins dans le même ring, ce qui ouvre des match-ups assez délirants.

Le problème, c’est que tout ce système est intimement lié aux microtransactions. Tu peux techniquement tout débloquer en jouant, mais la progression est lente, très lente, et le jeu n’est pas timide pour te rappeler que tu peux acheter des packs avec de l’argent réel. Tant que ça reste cantonné à ce mode, j’arrive à l’accepter, même si ça commence à ressembler à une check-list de design de jeux-service.

Ringside Pass : le nouveau champ de bataille

Là où je décroche vraiment, c’est avec le Ringside Pass. C’est LA grosse nouveauté structurelle de WWE 2K26 côté contenu : fini les packs de DLC traditionnels vendus tous les deux mois, bonjour le modèle en saisons façon battle pass.

Concrètement, le jeu est découpé en six saisons de Ringside Pass. Pour chacune, tu as une “voie gratuite” et une “voie premium”. En jouant aux différents modes, tu gagnes de l’XP de saison et tu montes de niveau, ce qui te donne des récompenses : boosts d’XP, monnaie pour Mi Faction, éléments de création de catcheur, etc. Ça, c’est pour la partie gratuite.

La partie Premium, elle, ajoute des choses nettement plus juteuses : nouvelles Superstars jouables, mouvements supplémentaires, tenues, cartes puissantes pour Mi Faction. Et c’est là que le bât blesse. Le fait de voir des catcheurs jouables – qui, historiquement, arrivaient dans des packs de DLC clairs et identifiés – se retrouver dilués dans une piste de battle pass, avec de la FOMO au passage, me laisse un goût amer.

Le seul bon point, c’est que même après la fin d’une saison, il reste possible de continuer à débloquer ce que tu as manqué, sans que tout disparaisse dans un coffre-fort numérique. Mais ça ne change pas le fond : il faut grinder, beaucoup, ou passer par la caisse pour rentabiliser le Pass Premium, et on sent que 2K a calibré le timing pour que tu te poses sérieusement la question.

Après une première saison passée à jouer “normalement” (sans forcer sur le farm, mais en variant les modes), j’étais loin d’avoir tout débloqué. Et je me suis surpris à jouer d’une manière qui ne me plaît pas : lancer des matchs courts et répétitifs juste pour faire monter l’XP de saison, au lieu de profiter du jeu comme un bac à sable de catch. Quand un système commence à t’imposer ce genre de comportement, c’est que la monétisation prend trop de place dans le design.

Graphismes, sons, technique : du solide, mais l’effet “next-gen only” est timide

WWE 2K26 ne sort plus sur PS4 ni Xbox One, et honnêtement, je m’attendais à un bond plus visible côté graphismes. Sur PS5, on a des temps de chargement très courts, un mode 60 fps fluide et stable, des arènes très détaillées… mais globalement, si on me disait que c’est un gros patch de 2K25, je ne hurlerais pas au mensonge.

Les effets de lumière sur les entrées, les flammes des Inferno Matches, les reflets sur les ceintures, tout ça est très propre, parfois impressionnant. L’ambiance sonore est aussi mieux mixée : les réactions du public collent mieux à ce qui se passe dans le ring (un near fall sur un gros finisher déclenche enfin un vrai rugissement de la foule), les coups claquent bien, les tables se brisent avec un son satisfaisant.

En revanche, certains bugs plus discrets sont toujours là : des collisions approximatives sur les escaliers, des KO un peu bizarres, et quelques chutes de framerate ponctuelles pendant des gros bordels à huit dans le ring. Rien de rédhibitoire, mais on sent que le moteur commence à accuser son âge. Disons que techniquement, WWE 2K26 est “bon+”, pas renversant.

Pour qui est WWE 2K26 ?

Après une vingtaine d’heures, je vois assez bien à qui je conseillerais ce cru 2026 :

• Si vous êtes nouveau dans la série (ou que vous avez lâché depuis 2K20) : WWE 2K26 est une super porte d’entrée. Gameplay plus accessible, Showcase CM Punk ultra agréable, tonnes de modes et de stipulations. Vous aurez de quoi jouer des mois sans vous lasser.
• Si vous avez beaucoup joué à 2K25 : la question est plus compliquée. Le gameplay est affiné, mais pas métamorphosé. Les grosses nouveautés, ce sont le Showcase Punk, la version améliorée de La Isla, et surtout le Ringside Pass. Si l’idée de voir plus de monétisation ne vous plaît pas, vous pouvez honnêtement attendre une promo.
• Si vous êtes allergique aux microtransactions : vous pouvez complètement ignorer Mi Faction et éviter d’acheter le Ringside Pass Premium, mais vous aurez constamment l’impression que le jeu vous fait du pied pour que vous sortiez la CB.

Verdict : un excellent jeu de catch plombé par sa monétisation

WWE 2K26 m’a rappelé pourquoi j’aime cette licence. Les matchs sont plus lisibles, plus tactiques, plus spectaculaires. Les nouvelles stipulations sont un régal, le Showcase CM Punk est un hommage qui fonctionne, et le nombre de modes disponibles donne franchement le tournis. Quand je suis dans le ring, manette en main, je passe un super moment.

Mais, en parallèle, le jeu m’a aussi rappelé pourquoi j’ai peur de l’évolution de ces licences sportives modernes : le Ringside Pass et l’emprise de Mi Faction sur la structure globale du contenu laissent une impression de “jeu-service déguisé”. Pour l’instant, ça reste jouable sans céder aux microtransactions, mais la direction prise est claire, et elle ne va pas plaire à tout le monde.

Si je me place en simple fan de catch, WWE 2K26 est probablement l’un des meilleurs épisodes modernes, loin devant l’ère 2K18–2K20 et plus raffiné que 2K22–2K24. Si je me place en joueur qui déteste qu’on le pousse subtilement vers la boutique, j’ai du mal à l’encenser sans réserves.

Note finale : 7,5 / 10

TL;DR – Les points clés de WWE 2K26

• Gameplay affiné : endurance et contres liés à la stamina, débuts de matchs plus variés, nouvelles stipulations très fun (Inferno, I Quit, Stages of Hell, Dumpster…)
• Showcase CM Punk réussi : 21 matchs bien choisis, narration immersive, récompenses plus généreuses que les années précédentes, même si on en voudrait encore plus.
• La Isla amélioré : vraies cinématiques doublées, implication narrative en hausse, mais récompenses pas toujours à la hauteur du temps investi.
• Modes secondaires solides : Ma Légende plus sympa, MyGM toujours addictif, Mi Faction enrichi avec des combats intergenres pour les fans de cartes.
• Technique “next-gen only” timide : entrées et présentation au top, 60 fps globalement stables, mais peu de vrais sauts visuels par rapport à 2K25.
• Monétisation envahissante : Ringside Pass en 6 saisons façon battle pass, contenu premium (dont des superstars) derrière une piste payante, progression lente si on ne paye pas.
• Recommandation : indispensable si vous découvrez la série ou si vous êtes fan absolu de CM Punk ; pour les joueurs de 2K25 déjà bien servis, attendez une promo et surveillez la façon dont 2K fera évoluer le Ringside Pass.

Deux semaines sans mon vrai home cinéma

Pendant quatorze jours, j’ai volontairement ignoré tout ce qui fait normalement mon bonheur de cinéphile un peu malade : plus de projecteur Sony haut de gamme, plus d’ampli Denon, plus de colonnes DALI ni de caissons capables de faire trembler les murs. Mon salon home cinéma, patiemment câblé, calibré et optimisé avec Dirac Live ART, est resté éteint.

À la place, j’ai roulé au milieu de la pièce un gros bloc noir sur roulettes, avec une poignée télescopique façon valise de cabine. Anker Soundcore Nebula X1 Pro. Sur le papier, c’est censé être « le premier home cinéma mobile au monde » : triple‑laser annoncé à 3 500 ANSI‑lumens, pseudo‑4K, Dolby Vision, simulation Dolby Atmos 7.1.4 sans un seul câble d’enceinte, et tout ça dans un seul système à 4 370 €.

Après deux semaines à vivre avec, je peux dire deux choses sans hésiter : ce n’est pas un gadget, mais ce n’est pas non plus un remplaçant crédible pour un vrai home cinéma haut de gamme. Et certaines promesses marketing méritent d’être décodées.

Mon setup de référence : la barre à franchir est haute

Pour comprendre d’où je parle, voilà ce que j’ai l’habitude de regarder et d’écouter :

• Projecteur : Sony VPL‑XW7000ES (4K natif, très lumineux)
• Ampli home cinéma : Denon AVC‑X4800H
• Frontales : 2x DALI Opticon 8 MK2
• Centre : DALI Opticon Vokal MK2
• Surround : 2x DALI Opticon 2 MK2
• Subwoofers : 2x DALI K‑14 F
• Canaux hauteur : 2x DALI Alteco C‑1 (Atmos)

Tout ça est câblé au millimètre, calibré avec Dirac Live ART, et honnêtement, sur le noir, le contraste, la dynamique et le grave, on se rapproche de ce qu’on appelle gentiment « la référence ». C’est mon quotidien. Autant dire que je n’attendais pas du Nebula X1 Pro qu’il le remplace, mais j’étais curieux de voir combien de cette expérience il pouvait reproduire pour une fraction du prix et, surtout, avec zéro prise de tête.

Déballage & installation : l’iPhone du home cinéma

Premier contact : je roule le X1 Pro dans la pièce, je branche l’alimentation, j’appuie sur Power. Le truc s’allume et en moins de deux minutes, je comprends pourquoi Anker a autant misé sur le côté « tout‑en‑un qui se suffit à lui‑même ».

Le système m’emmène automatiquement à travers les étapes de base : langue, Wi‑Fi, compte Google pour le store, puis, surtout, toute la partie image se règle presque sans moi.

• Autofocus : l’image se met au point toute seule en quelques secondes.
• Correction de trapèze : les bords se redressent automatiquement même si le projecteur n’est pas parfaitement en face.
• Ajustement d’image : le X1 Pro analyse littéralement le mur ou l’écran et recadre pour remplir proprement la surface.

Pas besoin de mire, pas besoin de chipoter au zoom : je le pose à environ 3,3 m du mur, et il me sort un écran d’environ 100 pouces de diagonale quasiment clé en main. Une télécommande sobre mais efficace permet de naviguer dans une interface Android propre, sans bloatware qui hurle « promo !! » à chaque clic.

Les quatre enceintes satellites, posées dans des logements sur les côtés du bloc principal, se détachent en deux secondes. Elles sont sans fil et sur batterie, et se connectent automatiquement au projecteur une fois allumées. Pas de menus cryptiques de couplage, pas de reset Bluetooth ; j’ai simplement allumé, posé les enceintes aux quatre coins du salon, et le système était déjà prêt.

Mon premier réflexe a été de me dire : « OK, c’est littéralement la version Apple du home cinéma. Minimaliste, accessible, ça tourne vite, et ça ne m’agresse pas avec 50 réglages dès l’écran d’accueil. » Et cette simplicité, on ne va pas se mentir, ça fait un bien fou quand on vient d’un monde où chaque session cinéma commence par 5 minutes de vérification de câbles et de profils Dirac.

Image : un triple‑laser qui en met plein les yeux… dans certaines limites

Techniquement, le Nebula X1 Pro use une source lumineuse à triple‑laser annoncée à 3 500 ANSI‑lumens. Traduction dans la vraie vie : dans un salon avec un peu de lumière ambiante, rideaux à moitié fermés, j’ai pu regarder un match de foot en pleine journée sans me dire une seule fois « c’est trop fade ».

La couverture colorimétrique est, elle aussi, impressionnante pour un système mobile. Les trois lasers permettent de dépasser même le très large espace colorimétrique BT.2020, celui qu’utilisent les Blu‑ray UHD. Concrètement, les rouges, les verts de pelouses ou les néons de science‑fiction ressortent avec une intensité qu’on ne voit pas sur un simple projecteur « lampe » classique.

Le premier soir, j’ai lancé Blade Runner 2049, justement pour torturer un peu le X1 Pro avec des scènes difficiles : rues noyées de noir, éclairées uniquement par des néons violets et bleus. L’image avait un vrai punch, les couleurs claquaient, et la netteté perçue m’a sincèrement surpris pour un appareil que je venais de rouler en place en cinq minutes. Le bloc optique en verre fait clairement mieux que les petites lentilles plastiques qu’on trouve sur beaucoup de beamer portables.

C’est quand j’ai rallumé mon Sony que les choses se sont mises en perspective. Sur le Nebula, tout ce qui se passe dans les ombres est un peu « bouché » ou au contraire un peu éclairci : la profondeur des noirs n’est pas là. Le noir est plutôt un gris très foncé. La fameuse « Durchzeichnung » allemande, la capacité à distinguer des détails dans les zones sombres, est correcte mais loin de ce que propose un gros projecteur de salon dédié.

Pour être clair : ce n’est pas que le X1 Pro est mauvais, c’est simplement qu’on bute sur les limites physiques de tous les projecteurs, et encore plus sur un système pensé pour être transportable. Il compresse un peu la dynamique pour que tout reste visible, ce qui est très regardable, mais on perd l’aspect « nuit abyssale percée de halos de lumière » qui fait la magie du HDR bien maîtrisé.

HDR, Dolby Vision et le faux 4K : ce que le marketing ne dit pas

Le Nebula X1 Pro est compatible HDR10 et Dolby Vision. Sur le papier, on pense forcément à ces télés OLED qui arrachent la rétine. Sauf qu’un projecteur, même triple‑laser, n’a pas la puissance lumineuse d’un téléviseur. Il doit donc « interpréter » le signal HDR via ce qu’on appelle le tone‑mapping : il compresse les pics de luminosité et remonte un peu les noirs pour que tout rentre dans sa plage dynamique.

Sur le X1 Pro, ce tone‑mapping est plutôt bien fichu. Les contenus Dolby Vision ont clairement un peu plus de relief que les flux SDR classiques, notamment sur les sources de lumière ponctuelles (phares, explosions, reflets). Mais après plusieurs allers‑retours avec le Sony, j’ai fini par voir systématiquement la même chose : les scènes très sombres et très contrastées perdent en subtilité. Rien de dramatique si vous venez d’une télé milieu de gamme, mais visible quand on est habitué au haut du panier.

Côté résolution, Anker parle de 4K, mais il ne s’agit pas de 4K native. Le Nebula X1 Pro lit bien les signaux 4K, mais il les affiche via une puce Full HD qui utilise du pixel‑shifting : les pixels sont déplacés très rapidement entre plusieurs positions pour simuler une image 4K. Ça crée une image plus fine que du 1080p classique, mais moins chirurgicale qu’un vrai panneau 3 840 × 2 160 comme celui de mon Sony.

À 3,3 m pour 100 pouces, si vous n’êtes pas en train de coller votre nez à l’écran, la différence ne vous saute pas au visage. Mais sur du texte fin ou des plans très détaillés (gratte‑ciel à distance, feuillages), mon projecteur de salon reste plus précis. On est vraiment sur un compromis « assez net pour la plupart des usages », pas sur du tranchant absolu.

En résumé sur l’image : pour un système mobile tout‑en‑un, le Nebula X1 Pro est bluffant. Les couleurs sont magnifiques, la luminosité largement suffisante, et la netteté tout à fait honorable. Mais si vous cherchez la profondeur de noir, la micro‑détail et la rigueur d’un vrai projecteur 4K dédié, on en est encore loin.

Son 7.1.4 sans câbles : malin plutôt que miraculeux

Anker, via sa marque audio Soundcore, annonce un système 7.1.4 Dolby Atmos sans fil. Dans la réalité, le X1 Pro est livré avec quatre enceintes physiques, et simule trois canaux supplémentaires à hauteur d’oreille, un caisson de basses et quatre canaux « hauteur » virtuels.

Je partais avec beaucoup de scepticisme. Mes deux caissons DALI ont l’habitude de me masser le diaphragme à chaque explosion, alors imaginer un caisson virtuel dans une enceinte mobile… disons que je n’y croyais pas trop.

Une fois les enceintes posées – deux à l’avant près de l’écran, deux derrière le canapé – le résultat m’a franchement surpris. La bulle surround est très crédible : quand une voiture déboule de l’arrière‑plan, on l’entend bien venir de derrière. Les effets Atmos au‑dessus de la tête ne sont pas aussi clairement localisés que sur mon système avec enceintes de plafond, mais on ressent tout de même une verticalité, un volume sonore au‑dessus de l’axe horizontal classique.

Là où le X1 Pro montre ses limites, c’est sur les grosses scènes d’action. Là où mon installation fixe garde du corps, de la chaleur dans la voix et de la matière dans le grave même à volume soutenu, le Nebula a tendance à sonner un peu plus métallique, plus fin. Le médium reste clair, les dialogues sont bien intelligibles, mais le bas du spectre manque de poids.

Le « subwoofer » virtuel fait mieux que ce que j’attendais pour un système transportable : on sent des explosions, on perçoit le grondement d’un vaisseau qui passe, mais on n’a jamais ce coup de poing physique d’un vrai caisson dédié. Normal, vu le gabarit. Pour un usage mobile – soirée film chez des amis, match projeté dans le salon familial – c’est largement suffisant. Pour un passionné habitué à du 5.1 ou du 7.1 avec caisson, c’est un joli plan B, pas un remplacement.

Au quotidien : rouler son cinéma d’une pièce à l’autre

C’est vraiment après quelques jours que j’ai compris l’ADN du Nebula X1 Pro. Ce n’est pas un projecteur avec des enceintes. C’est un objet de vie pensé pour être déplacé tout le temps.

Je l’ai utilisé dans mon home cinéma en sous‑sol, puis je l’ai roulé dans la chambre pour une séance Netflix au lit, puis chez un ami pour une soirée film, puis à nouveau dans mon salon principal pour un match. À chaque fois, la même routine :

• je roule le X1 Pro à la bonne distance,
• je le branche,
• je détache les enceintes et les pose,
• je choisis la source ou l’appli,
• et au bout de quelques dizaines de secondes, c’est parti.

Pas de câble HDMI à tirer à travers la pièce, pas de prises de courant à trouver pour chaque enceinte, pas de calibration micro en main. Tout tient dans ce bloc à roulettes. Et je me suis surpris à lancer des séances que je n’aurais jamais organisées avec mon setup fixe, juste parce que l’inertie est quasi nulle.

Ce côté « je sors mon cinéma comme on sort un aspirateur sans fil » change vraiment la façon de consommer films et séries. On adapte le ciné à la soirée, pas l’inverse. Et pour quelqu’un qui vit en appartement, qui déménage souvent ou qui n’a tout simplement pas envie de transformer son salon en nid de câbles, c’est un argument énorme.

4 370 € : cher, mais on paie quoi exactement ?

On arrive au point qui fâche. 4 370 €, ce n’est pas une somme qu’on lâche sur un coup de tête. Avec ce budget, on peut déjà se monter un combo très sérieux : un bon projecteur 4K d’entrée / milieu de gamme, un ampli home cinéma correct et un kit 5.1 comme le Teufel Consono 35 Mk3 qu’on trouve parfois en promo sous la barre des 400 €. Sur le papier, niveau pur qualité d’image et de son, ce genre d’ensemble fera mieux que le Nebula X1 Pro.

Ce qu’on n’a pas avec un système classique, c’est la mobilité et l’intégration. Un projecteur, un ampli, cinq ou sept enceintes et un caisson, ça veut dire des câbles partout, du bricolage pour la pose, et souvent un compromis esthétique avec le reste de la pièce. Sans parler du temps passé à tout régler.

Avec le Nebula X1 Pro, on paie pour ce confort : on roule, on branche, on regarde. Pas besoin de convaincre son entourage que « promis, les enceintes au plafond, ça se voit à peine ». C’est sans doute pour ça que le produit a ramassé plus de 8 millions de dollars sur Kickstarter : il s’adresse à des gens qui veulent le plaisir du grand écran et du multicanal, mais pas la logistique qui l’accompagne d’habitude.

Pour qui le Nebula X1 Pro fait vraiment sens

Après deux semaines, je vois assez clairement à qui je pourrais conseiller – ou pas – ce drôle d’engin.

• Les puristes home cinéma : si vous avez déjà un projecteur dédié, un ampli costaud, des enceintes de taille sérieuse et que vous aimez régler des filtres de correction acoustique le week‑end, le Nebula X1 Pro ne sera jamais un remplaçant. Au mieux, c’est un complément pour emmener un « mini‑ciné » en vacances ou chez des amis.
• Les amateurs de design et de confort : si l’idée d’avoir un gros caisson dans le salon vous donne des sueurs froides, mais que vous rêvez quand même d’un film projeté en 100 pouces, là le X1 Pro devient très séduisant. Pas d’installation permanente, un seul objet à gérer, une interface simple. C’est probablement son public naturel.
• Ceux qui n’ont pas de salle dédiée : en appartement, en colocation, ou simplement si votre salon sert à tout (télé, jeux, repas, bureau), c’est l’une des solutions les plus élégantes que j’ai testées. On sort le cinéma quand on en a envie, puis on le range dans un coin.

Je me suis même surpris, en repassant sur mon installation fixe, à me dire : « Pourquoi tout n’est pas aussi simple ? » C’est un compliment que je ne fais pas souvent à un produit qui n’est pas au niveau de ce que j’ai déjà en place en termes de performance brute.

Verdict : un objet brillant, mais pas la fin des vrais home cinémas

Le Nebula X1 Pro m’a fait passer par plusieurs phases. Au début, j’étais persuadé que j’allais le démonter point par point en le comparant à mon setup de malade : noirs grisâtres, pas de 4K native, grave limité. Tout ça est vrai, et si votre priorité absolue est la performance vidéo et audio, vous trouverez mieux pour le même prix, à condition d’accepter les câbles et l’install fixe.

Mais au fil des jours, j’ai aussi réalisé que je lançais plus de films, plus de matchs, plus de « tiens, on se fait un épisode ? », parce que tout était ridiculement simple. Le compromis proposé par le X1 Pro, c’est de sacrifier un peu de profondeur d’image et de pression acoustique pour gagner une mobilité et une facilité d’usage que très peu de solutions offrent aujourd’hui.

Note finale personnelle : 7/10. C’est un produit impressionnant dans son concept et sa réalisation, qui fait beaucoup de choses très bien, mais qui reste trop cher et trop loin des références en image et en son pour que je le recommande à n’importe qui. Pour le bon profil d’utilisateur, en revanche, c’est un petit morceau de magie roulante.

TL;DR – Ce qu’il faut retenir du Nebula X1 Pro

• Image : triple‑laser lumineux (3 500 ANSI‑lumens), couleurs superbes, HDR/Dolby Vision corrects mais noirs gris et pas de 4K native (pixel‑shifting).
• Son : 4 enceintes sans fil faciles à placer, vraie sensation surround, Atmos virtuel crédible, mais grave limité et rendu un peu métallique à fort volume.
• Usage : installation d’une simplicité déconcertante, roulettes et poignée qui donnent vraiment envie de le déplacer et de multiplier les séances.
• Prix : 4 370 €, soit le tarif d’un combo projecteur 4K + ampli + kit 5.1 plus performant, mais infinitement moins pratique et mobile.
• Pour qui ? : pas pour les intégristes du home cinéma, mais excellent pour ceux qui veulent un grand écran et du multicanal sans transformer leur salon en salle technique.
• Verdict : un superbe objet de confort, techniquement solide mais pas de niveau « référence », qui mérite un 7/10 si vous correspondez à sa cible.