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Je me suis réengagé dans la Fédé : mon retour sur Starship Troopers: Ultimate Bug War sur Switch 2

En lançant Starship Troopers: Ultimate Bug War sur Switch 2, j’ai eu un flash immédiat : l’odeur des jaquettes VHS, du sang vert fluo et des FMV un peu crades de la fin des années 90. En 2026, sortir un boomer shooter tiré du film de 1997 aurait pu ressembler à un pur plan nostalgie. Après une bonne douzaine d’heures de jeu réparties entre la campagne humaine et la campagne insecte, sur télé 4K, en portable et même avec une souris branchée sur la console, je peux dire que ce n’est pas qu’un gimmick rétro : c’est un vrai bon FPS solo… coincé dans une capsule temporelle sans multijoueur.

Je joue beaucoup de shooters « à l’ancienne » sur Switch : Dusk, Ion Fury, Boltgun, DOOM, Quake… donc je commence à être difficile. Ultimate Bug War ne réinvente rien, mais il coche beaucoup de cases qui comptent pour moi : feeling des armes, level design ouvert, identité visuelle assumée et respect total du matériau d’origine. Et il fait un choix radical : zéro multi, zéro coop. Tu es seul face aux arachnides.

Un tutoriel façon propagande et un premier contact très prometteur

Le jeu démarre comme une vraie bande-annonce de recrutement. Tout est présenté comme une simulation de propagande pour former les nouvelles recrues. Entre deux missions, on se tape des séquences live action avec interviews de vétérans et spots publicitaires débiles expliquant que « tous les enfants devraient apprendre à broyer du cafard avec un fusil d’assaut ». C’est volontairement débile, et ça colle parfaitement à la satire du film.

Voir Casper Van Dien revenir en Johnny Rico, cette fois en général borgne, m’a fait sourire immédiatement. On sent que le tournage n’a pas coûté des millions, mais le ton est pile dans la lignée de Paul Verhoeven : militarisme outrancier, humour noir, patriotisme grotesque. Si tu as découvert le film sur une vieille télé cathodique, tu vas te sentir à la maison.

Manette en main, l’initiation est ultra classique : capture de drapeau, quelques arachnides à dégommer, et introduction au personnage jouable principal, Samantha « Sammy » Dietz. C’est après cette « journée d’orientation » que le jeu t’envoie sur Klendathu pour revivre la première offensive majeure contre les bugs, et là le FPS commence vraiment.

Gameplay humain : gros flingues, objectifs ouverts et chaos à l’ancienne

Ce qui m’a accroché dès les premières heures, c’est la structure des missions humaines. On n’est pas dans un couloir moderne à la Call of Duty scriptée jusqu’au moindre caillou. Les cartes sont de grands espaces ouverts, type champs de bataille chaotiques des Medal of Honor et Call of Duty « d’avant », avec plusieurs objectifs à remplir dans l’ordre que tu veux.

Exemple concret : une mission sur Klendathu me demande de sécuriser un bunker, faire sauter un nid d’araignées, protéger un convoi et activer un relais. Tu peux partir direct à l’autre bout de la map faire péter le nid, ou te frayer un chemin méthodiquement en sécurisant chaque zone. Pendant ce temps, la radio débite les cris de tes camarades, les demandes de renforts, les ordres d’un officier paniqué… Ça donne une impression de bataille vivante, alors que, dans le fond, tu es seul à réellement influer sur les objectifs.

Les objectifs restent très « boomer shooter » dans l’âme : actionner des interrupteurs, poser des charges, résister à des vagues d’ennemis pendant qu’une jauge se remplit. Rien de révolutionnaire, mais la liberté de circulation et la densité d’ennemis compensent largement.

Les armes, c’est le cœur du truc, évidemment. Fusils d’assaut, lance-grenades, flingues énergétiques, plus tard une sorte de mécha tronçonneuse qui transforme littéralement les bugs en confettis verts. Le recul n’est pas ultra simulé, on est dans le feeling arcade : tu avances, tu tiens la gâchette, tout explose. La vraie nuance vient du temps que met une arme à faire fondre la barre de vie des arachnides, et de la gestion de la foule d’ennemis.

Un des plaisirs coupables pour moi : appeler une frappe aérienne sur un nid, attendre la vague de bugs qui sortent, reculer juste assez loin pour les voir se faire vaporiser par un bombardement pixelisé. C’est simple, mais ça marche. Après 8-9 missions humaines, je me suis surpris à continuer juste pour tenter de faire des runs plus propres, sans me faire submerger.

Prendre le contrôle des bugs : une bonne idée pas complètement exploitée

Là où j’ai été vraiment intrigué, c’est quand le jeu m’a proposé pour la première fois une mission côté arachnides. Chaque environnement a sa contrepartie insecte : tu incarnes alors un « assassin bug », une sorte de commandant métamorphe capable de pondre/spawner d’autres arachnides et de changer de forme pour l’attaque ou la mobilité.

Sur le papier, c’est génial. En pratique, ce sont des missions hybrides entre FPS et RTS très simplifiées. Ton but est de terroriser la Fédé : détruire des bases, submerger des positions humaines en coordonnant un flot de pattes et de mandibules. Tu restes en vue subjective mais tu gères un peu tes troupes, en les invoquant sur des points clefs.

Les premières missions insectes m’ont donné un bon coup de frais : changer complètement d’angle, passer de la trouille de se faire encercler à la joie malsaine d’être l’essaim. Le souci, c’est que ces séquences restent assez courtes et limitées. Tu sens presque un prototype génial qui n’a pas été poussé jusqu’au bout : peu de vrais choix tactiques, objectifs assez répétitifs, IA humaine parfois aux fraises.

Le point positif, c’est qu’on peut enchaîner humain > bug > humain dans un bon petit rythme, ou faire chaque campagne indépendamment. J’ai préféré les alterner : une grosse bataille façon film, puis une mission bug pour dépressuriser et retourner la situation.

Pixel art, sprites et gore rétro : un faux vieux jeu qui assume son style

Visuellement, Ultimate Bug War fait un choix très marqué : personnages et ennemis en sprites 2D animés façon fin 90s, dans des environnements 3D assez anguleux. Ça bouge un peu de travers, les animations sont saccadées, le sang (rouge pour les humains, vert fluo pour les arachnides) explose en gros carrés de pixels. Sur le papier, ça peut faire cheap. En jeu, ça donne une identité super cohérente.

Sur Switch 2, en mode docké, j’ai apprécié le contraste entre la netteté de la 3D et le côté volontairement « sale » des sprites. Les champs de bataille deviennent vite illisibles dans le bon sens du terme : des dizaines d’araignées qui déboulent, des troopers qui explosent, des morceaux qui volent, tout ça dans un carnaval de pixels colorés. C’est busy, mais lisible.

En portable, l’écran plus petit aide même parfois à mieux ressentir le côté « jeu PC 1999 » qu’on lance en douce après les cours. Les textes restent lisibles, l’interface est claire. Pas de fioritures modernes type surcouche UI envahissante : une mini-map, quelques jauges, et c’est parti.

Satire et fanservice : un vrai prolongement du film, pas un simple skin

Je craignais un truc du genre « on colle deux logos de la Fédé, on met trois citations du film et basta ». En réalité, le jeu est beaucoup plus respectueux – et plus malin. Toute la mise en scène s’empare de la logique de propagande : les debriefings, les stats présentées comme des scores de recrutement, les FMV qui se moquent des pub militaires…

Le scénario reprend les grandes lignes du film, mais sans jamais essayer de refaire du grand cinéma : les vraies bonnes lignes de dialogue sont dans les bulletins d’info et les interviews, pas dans les missions. On est toujours un « outil » de la Fédé, jamais un héros finement écrit, et c’est cohérent avec le propos original.

En tant que fan du film de 1997 (et pas vraiment des suites, soyons honnêtes), j’ai eu mon quota de clin d’œil : noms de planètes, répliques détournées, ambiance générale de « guerre juste » complètement absurde. Le jeu ne moralise jamais, il se contente de pousser le curseur au maximum et de te laisser tirer dans le tas en souriant bêtement.

Performances et contrôles sur Switch 2 : enfin un FPS qui gère la souris

Techniquement, j’ai été agréablement surpris. Avec autant d’ennemis à l’écran, je m’attendais à quelques chutes de framerate en plein rush. Sur Switch 2, que ce soit en docké ou en portable, le jeu est resté fluide dans la vaste majorité de mes sessions. On sent que le moteur n’est pas ultra exigeant, mais le fait de balancer autant de sprites et d’explosions sans broncher mérite quand même d’être salué.

Côté manette, les Joy-Con (ou équivalents de la Switch 2) font le job, même si l’aiming manque parfois de précision pour un boomer shooter qui envoie autant de mobs dans tous les sens. J’ai vite activé un peu d’aide à la visée pour compenser, surtout en portable où la stabilité des mains joue beaucoup.

La vraie surprise, c’est le support de la souris. Je ne comprends toujours pas pourquoi si peu de jeux Switch osent le faire, mais ici, elle fonctionne, et elle fonctionne bien. Branchée en docké, j’ai retrouvé un feeling très « PC LAN party 2002 » : balayer l’écran, ajuster les headshots sur les troopers ennemis, tracer des cercles parfaits autour des nids… Les missions deviennent instantanément plus nerveuses et plus précises. Si tu as l’habitude des FPS clavier/souris, c’est clairement la façon idéale de jouer.

Un excellent shooter solo… qui s’arrête trop tôt dans ta tête

Autant être clair : le plus gros reproche que j’ai à faire à Ultimate Bug War, c’est ce qui manque, pas ce qui est là. Après une dizaine d’heures, quand j’ai commencé à enchaîner naturellement les missions sans trop réfléchir, l’évidence s’est imposée : comment, en 2026, un jeu Starship Troopers avec deux factions jouables peut-il sortir sans le moindre mode multi ou coop ?

Le gameplay appelle littéralement un mode Trooper vs Bugs. Le jeu a déjà les deux sets de compétences, les deux types de cartes, la dynamique de vagues… On imagine très bien un mode asymétrique où une équipe tient la ligne pendant que l’autre coordonne l’essaim. Même un simple mode horde en coop aurait donné une seconde vie au jeu.

À la place, on a :

• Une campagne humaine bien fournie
• Une campagne insecte plus courte mais sympathique
• Quatre niveaux de difficulté
• Un système de score pour optimiser ses runs

Ça suffit pour un week-end intense ou quelques soirées, surtout si tu aimes refaire les missions en montant la difficulté. Mais comparé à d’autres boomer shooters qui intègrent souvent du speedrun, des secrets bien cachés ou du multi, on sent que la rejouabilité repose ici plus sur ton amour du scoring que sur une vraie profondeur de contenu.

Il y a aussi un peu de répétition côté objectifs. Au bout d’un moment, les variations de « défense le temps que la bombe explose » et « nettoie la zone / active l’interrupteur » perdent de leur impact. Heureusement, la densité d’action et la variété des biomes (déserts, bases, zones plus urbaines) empêchent vraiment l’ennui pur, mais on a ce petit goût de « j’aurais pris 20 % de missions en moins contre un vrai mode multi ».

Pour qui est Starship Troopers: Ultimate Bug War sur Switch 2 ?

Après avoir bouclé la majorité du contenu, j’en suis arrivé à un constat assez simple :

• Si tu es fan du film de 1997 (et que tu supportes le gore pixelisé), le jeu est presque un no-brainer. C’est la meilleure adaptation « pur FPS » de la licence que j’ai touchée, précisément parce qu’elle assume la satire et l’esthétique rétro.
• Si tu aimes les boomer shooters à cartes ouvertes, style Dusk / Ion Fury, tu vas retrouver ce plaisir de se perdre un peu dans les maps, de choisir ton ordre d’objectifs et de faire parler la poudre sans interruption narrative lourde.
• Si tu cherches un shooter multi à farmer pendant des mois avec tes potes, tu peux passer ton chemin. Le solo est fun, mais le jeu n’a pas été pensé comme un service ou un PvP/coop régulier.
• Si tu es du genre à décrocher rapidement quand les objectifs se répètent, tu risques de trouver la boucle de gameplay un peu monotone sur la fin, malgré la double campagne.

Sur Switch 2 en particulier, Ultimate Bug War a un intérêt supplémentaire : il montre qu’avec une direction artistique intelligente, tu peux avoir un shooter ultra fluide, blindé d’ennemis, qui tourne nickel en docké comme en portable, et même avec une souris si tu veux jouer « comme sur PC » depuis ton canapé.

Verdict : un excellent week-end de guerre contre les bugs, mais pas une campagne infinie

Au final, Starship Troopers: Ultimate Bug War sur Switch 2 m’a rappelé pourquoi j’aime encore les FPS « simples » : une poignée de bonnes idées (cartes ouvertes, double campagne, FMV satiriques), un gunplay efficace, une identité visuelle forte, et basta. Pendant mes premières sessions, je n’ai pas vu le temps passer. Tirer sur des essaims d’araignées dans un nuage de pixels sanguinolents reste un plaisir très primaire, mais très réel.

Mais plus j’avançais, plus la petite voix au fond de ma tête répétait la même chose : « Pourquoi je ne peux pas faire ça avec/contre d’autres joueurs ? » Dans un genre où la rejouabilité est souvent reine, l’absence totale de multi ou de coop est un frein évident. Tu as un excellent album, sans aucun bonus track ni live.

Si on le prend pour ce qu’il est – un boomer shooter solo, assumé, généreux le temps d’une campagne – Ultimate Bug War est une vraie réussite, et sans doute l’une des meilleures façons de replonger dans l’univers Starship Troopers sur Switch 2. Il ne deviendra pas ton shooter de chevet pour les deux prochaines années, mais il t’offrira quelques soirées franchement jouissives à pulvériser des bugs au son de la propagande fédérale.

Note FinalBoss : 8/10 – Un FPS rétro ultra fun, techniquement solide et bourré de fanservice malin, mais privé du multijoueur qu’il semblait appeler à grands cris.

TL;DR – Starship Troopers: Ultimate Bug War sur Switch 2

• Un boomer shooter solo nerveux, avec des cartes ouvertes et beaucoup, beaucoup de bugs à exploser
• Esthétique rétro à base de sprites 2D, gore pixelisé et FMV de propagande hilarantes avec Johnny Rico
• Double campagne : humain (Sammy Dietz) et insecte (assassin bug) aux styles de jeu contrastés
• Très bonne optimisation sur Switch 2 en docké et portable ; support de la souris étonnamment réussi
• Objectifs parfois répétitifs et missions insectes un peu sous-exploitées
• Aucun multijoueur ni coop : la plus grosse limite pour la rejouabilité
• Parfait pour les fans du film et des shooters 90s, moins pour ceux qui veulent un FPS multi à long terme

Retour à Seattle 2050 : ma première vraie plongée dans Shadowrun SNES

Je vais être franc : à l’époque de la Super Nintendo, je suis complètement passé à côté de Shadowrun. Dans les pages de Nintendo Power (le fameux numéro 48, avec ses encadrés “Counselor’s Corner” remplis de joueurs perdus dans la matrice), je voyais ces captures d’écran sombres avec un mec en imper’ dans des ruelles pixelisées… mais mon argent de poche partait dans Secret of Mana et Final Fantasy VI. Cyberpunk isométrique ? Trop bizarre pour le gosse que j’étais.

Fast-forward à aujourd’hui : entre les streams “retro wheel” qui font tourner au hasard des cartouches SNES et ma propre envie de combler des trous de culture, j’ai enfin pris le temps non seulement de lancer Shadowrun, mais surtout de le terminer. En gros, une quinzaine d’heures réparties sur une semaine, sur CRT 4:3 avec une cartouche d’époque et une manette SNES d’origine (et oui, mon pouce s’en souvient).

Le constat qui s’est imposé assez vite : c’est un jeu plus ambitieux que la majorité des RPG de la console, mais aussi plus bancal. On sent un design de jeu de rôle PC coincé dans une cartouche 16 bits. Et parfois, ça passe crème. Parfois, ça fait très mal.

Un pitch de roman noir cyberpunk… compressé dans une cartouche 16 bits

Le début m’a accroché d’emblée. On assiste à l’assassinat de Jake Armitage, un runner qui se fait littéralement cribler de balles par des punks dans une ruelle. Il meurt, est ramené à la vie par un esprit-renard, puis se réveille à la morgue, confus, amnésique, pendant que les employés essaient de comprendre pourquoi le cadavre vient de se redresser dans son tiroir. C’est une intro qui claque, surtout pour un jeu SNES, avec un vrai ton de polar et une ambiance “le monde te veut mort, débrouille-toi”.

On est en 2050, à Seattle. Virus, mégacorpos, magie qui a refait surface, métahumains, shamans, deckers… l’ADN du jeu de rôle papier Shadowrun est bien là. Ce n’est pas le heroic fantasy coloré des RPG SNES classiques : tout est sombre, saturé, un peu sale. On erre entre morgues, ruelles, bars crasseux, bureaux de corpo et bidonvilles. Ça donne un ton complètement à part dans la ludothèque de la console.

Le problème, c’est que cette direction artistique, très brune, grise, verdâtre, combinée à l’isométrie et aux limitations de la SNES, rend parfois la lisibilité catastrophique. Dès ma première heure, j’ai passé 15 bonnes minutes à tourner dans la morgue parce que je ne voyais pas la fichue porte de sortie, perdue dans le décor. Plus tard, quelques PNJ importants se fondent littéralement dans le background. Quand un jeu repose autant sur l’exploration et la curiosité, devoir “scanner” chaque pixel parce que tout se confond, c’est fatigant.

Point & click à la manette : une bonne idée enfermée dans un mauvais contexte

Shadowrun adopte une vue isométrique et un système de point & click adapté à la manette. En appuyant sur le bouton, un curseur apparaît, et on le déplace pour interagir : examiner un cadavre, fouiller un container, parler à un PNJ, activer un ordinateur. Sur le papier, c’est malin : on retrouve un feeling de jeu d’aventure PC à la souris, mais sur SNES.

En pratique, ça se ressent constamment comme un compromis. Sur un PC de l’époque, tu aurais un pointeur rapide, précis. Là, tu “pousses” le curseur en diagonale avec la croix, parfois en te battant avec les angles isométriques pour réussir à choper le bon pixel d’objet interactif. Au bout de quelques heures, on s’y fait, mais c’est jamais fluide. J’ai souvent raté des éléments clés simplement parce que le curseur ne “snap” pas sur tout, et que certains hotspots sont minuscules.

Le point & click sert aussi pour les combats : on verrouille les ennemis avec le réticule, et Jake se met à tirer automatiquement tant qu’ils restent dans le champ. Le jeu triche un peu avec un léger “auto-homing” pour compenser la précision limitée de la manette, et heureusement, parce que sinon ça serait injouable. Résultat : les fusillades sont jouables, parfois même fun quand on a bien monté ses stats, mais on sent à chaque seconde que la SNES n’est pas le support idéal pour ce type de gunfight en temps réel. Entre les déplacements un peu rigides et la gestion du curseur, je me suis souvent pris des balles plus par lourdeur de l’interface que par difficulté réelle.

Le système de vocabulaire : génial… jusqu’au moment où tu bloques une heure

La vraie particularité de Shadowrun, celle qui m’a fait lever un sourcil en mode “ah ouais, ils ont osé ça sur SNES ?”, c’est son système de dialogues basé sur des mots-clés. Quand Jake discute avec un PNJ, il peut apprendre des termes importants : un nom, une organisation, un lieu. Ces mots s’ajoutent à une liste, et on peut ensuite les ressortir dans d’autres conversations pour débloquer de nouvelles infos, de nouveaux lieux, ou faire avancer le scénario.

Après 3-4 heures, je commençais à avoir une petite vingtaine de mots-clés dans mon “dictionnaire”. Et là, tu te mets à faire le perroquet : tu vas voir tout le monde, tu répètes “Morgue ?”, “Johnson ?”, “Glutman ?”, “Shadowrunner ?” en espérant que quelqu’un réagisse. Quand ça marche, c’est grisant : tu as vraiment l’impression de mener une enquête, de recouper des informations comme un détective privé du futur.

Mais quand le jeu attend de toi un mot précis sur un PNJ précis, sans aucun indice clair… c’est la descente aux enfers. J’ai eu un trou de deux heures au milieu du jeu, à tourner en rond dans Seattle, simplement parce que je n’avais pas pensé à ressortir un ancien mot-clé devant un marchand spécifique. Aucune quête suivie dans un journal, aucun marqueur, très peu de guidance : c’est l’école des années 90. D’où mon retour, à l’ancienne, aux pages cornées de Nintendo Power pour comprendre ce qui me manquait.

Je respecte énormément l’audace du système – sur SNES, c’est unique. Mais le manque de flexibilité le rend brutal : le jeu exige le bon mot, au bon endroit, sinon rien ne se passe. Pas de jokers, pas de reformulation. C’est le côté “table de jeu de rôle” sans le MJ bienveillant pour t’aiguiller.

Karma, stats et mercenaires : un squelette de CRPG dans une cartouche

Autre système qui m’a agréablement surpris : le karma. Au lieu d’une montée de niveau classique, on accumule des points de karma en réussissant combats et objectifs, et on les dépense où on veut : précision, endurance, compétences magiques, capacités de hacking, etc. Au bout d’une dizaine d’heures, mon Jake n’avait pas du tout la même “forme” que dans d’autres runs que j’ai pu voir en stream. J’avais orienté mon perso vers un mélange de tank pas trop fragile et tireur correct, en sacrifiant un peu la magie.

Ajouter à ça les Shadowrunners – des mercenaires qu’on peut recruter pour de l’argent – et on obtient un mini-système de composition d’équipe assez cool. Certains runners sont de vrais sacs à PV, d’autres des deckers indispensables pour le hacking, d’autres encore des mages fragiles mais puissants. J’ai particulièrement aimé le moment où je me suis retrouvé à court de nuyen après avoir engagé un runner trop cher pour une mission finalement assez simple. Mauvaise gestion, punie immédiatement : très “jeu de rôle papier” dans l’esprit.

On sent que le jeu vise un côté CRPG, avec optimisation des points et prises de risque sur qui emmener sur un run. Là où la SNES tire tout vers le bas, c’est sur l’interface encore une fois : naviguer les menus de stats et d’équipement est un poil laborieux, avec des allers-retours fréquents et des descriptions très succinctes. Mais le cœur des idées est solide, et pour un joueur habitué aux RPG de la console, ça fait franchement bizarre (dans le bon sens) de manipuler un système aussi “libre” pour l’époque.

Le hacking façon Démineur : la bonne blague qui dure beaucoup trop longtemps

Parlons du gros caillou dans la chaussure : la matrice. Quand Jake se connecte pour hacker des systèmes, le jeu bascule dans un mini-jeu qui ressemble énormément à une version tordue de Démineur. On se déplace case par case, on esquive les “bombes”, on essaye de trouver la bonne route pour atteindre le nœud suivant. Au début, je me suis dit : “Ok, c’est malin, ils ont fait ce qu’ils pouvaient sur SNES pour représenter le cyberspace”.

Au bout de quelques séances, j’en avais déjà marre. Et à l’approche de la fin du jeu, où la matrice devient ultra présente, c’est devenu un véritable supplice. Rater quelques cases de trop peut signifier un Game Over sec, retour à l’écran titre. J’ai perdu au moins trois runs entiers en fin de partie parce que j’avais sous-estimé le chemin ou mal lu le motif de cases “safe”. On est loin du fantasme high-tech de hacker les méga-corpos ; on est en train de jouer à un puzzle un peu aléatoire qui punit très fort, avec une interface lente.

L’idée de base n’est pas mauvaise : donner une identité visuelle au hacking, créer un espace de jeu distinct. Mais en termes de plaisir, ça s’effondre. Là où les combats “au flingue” deviennent plus satisfaisants à mesure qu’on investit du karma, la matrice reste un frein, un truc que j’encaissais juste parce qu’il le fallait pour progresser, pas parce que j’avais envie d’y retourner.

Difficulté à l’ancienne, zéro main tenue : parfois grisant, souvent épuisant

Shadowrun est clairement un jeu de son époque. Pas de journal de quêtes, pas de marqueur de destination, et un monde qui attend de toi que tu retiennes tout mentalement : les noms des PNJ, des lieux, des mots-clés importants, des infos lâchées en une seule ligne de dialogue. Les joueurs nourris au confort des RPG modernes vont se prendre un mur.

Par moments, ça rend l’expérience plus immersive. Quand j’ai enfin démêlé une sous-intrigue simplement en m’accrochant à un indice lâché une heure plus tôt par un barman, j’ai ressenti une vraie satisfaction de “j’ai résolu l’enquête moi-même”. Mais cette satisfaction est diluée par les nombreux passages où tu te retrouves objectivement bloqué parce qu’un détail obscur t’a échappé, ou parce que l’interface et la lisibilité sabotent tes efforts.

J’ai fini par adopter un rythme très “90s” : carnet de notes à côté, croquis approximatifs de certains écrans de matrice, noms barrés au stylo quand je considérais avoir tiré tout ce que je pouvais d’un PNJ. Ça donne un charme particulier, mais ça réclame une patience que tout le monde n’aura pas, surtout si on découvre le jeu aujourd’hui.

Technique, musique et ambiance : un Seattle crasseux mais marquant

Techniquement, Shadowrun fait ce qu’il peut avec ce qu’il a. Les sprites sont plutôt détaillés, quelques animations marquent bien (Jake qui se relève de son tiroir de morgue reste une image forte), mais globalement on est loin des plus belles productions de la machine. Là où le jeu marque des points, c’est sur son ambiance sonore : les musiques ont ce côté synthé sombre, un peu répétitif mais entêtant, qui colle parfaitement à l’ambiance cyberpunk.

Je n’ai pas rencontré de gros soucis de performance — après tout, on parle d’un jeu SNES assez contenu — mais des petits accrochages visuels dans certains environnements chargés, et surtout cette sensation que tout est “compacté” : angles morts visuels, sprites entassés, lisibilité sacrifiée au profit de la densité. On sent les limites matérielles en permanence.

Pour qui est Shadowrun en 2026 ?

Après avoir enfin bouclé Shadowrun cette année, je le placerais clairement dans la catégorie “curiosité essentielle” plutôt que “classique incontournable”. Si tu t’intéresses au design des RPG, surtout à la manière dont des idées très ambitieuses ont été forcées à rentrer dans un cadre console, c’est fascinant. Le système de vocabulaire, le karma libre, les runners recrutables, la structure d’enquête non guidée : tout ça annonce des choses qu’on verra plus tard dans des CRPG PC plus aboutis.

Si en revanche tu cherches juste “un bon RPG SNES à faire après Chrono Trigger”, là, c’est plus compliqué. Entre l’interface rugueuse, le hacking façon Démineur, la difficulté parfois injuste et l’absence totale de confort moderne, c’est un jeu qui demande de la tolérance, du temps, et une certaine curiosité pour son époque. Sans ça, tu risques surtout de le trouver frustrant.

Verdict : un RPG cyberpunk visionnaire, mais prisonnier de la SNES (7/10)

En refermant le couvercle de la console après le générique de fin, j’étais partagé. D’un côté, j’avais vraiment apprécié ce mélange de polar, de SF crasseuse et de mysticisme, cette sensation d’enquête dans un Seattle pourri jusqu’à l’os. J’ai trouvé le système de vocabulaire brillant dans sa conception, la progression au karma satisfaisante, et la possibilité d’engager des Shadowrunners parfaite pour ajouter un peu de stratégie à l’ensemble.

De l’autre, j’avais les nerfs un peu en pelote à force de me battre contre l’interface, la lisibilité, et surtout la matrice. Certaines idées méritaient un hardware plus adapté, une souris, un écran plus lisible, plus de mémoire pour stocker des aides de jeu. On est devant un titre qui a probablement été trop en avance pour sa propre plateforme.

Au final, je lui mets un 7/10. Pas un 7 tiède de “c’est moyen”, mais un 7 de jeu important, unique, bourré d’idées géniales, mais trop contraint par sa forme pour atteindre le statut de chef-d’œuvre. Si tu aimes fouiller l’histoire du RPG et que le cyberpunk te parle, Shadowrun sur SNES mérite clairement un run complet, avec un carnet de notes et beaucoup de patience. Mais ne t’attends pas à un plaisir immédiat : ici, c’est la curiosité et la persévérance qui sont récompensées, pas le confort.

TL;DR

• Ambiance unique sur SNES : Seattle 2050 crasseux, mélange de magie, méga-corpos et polar noir qui tranche avec les RPG fantasy de la console.
• Système de vocabulaire audacieux : enquêtes par mots-clés à ressortir aux PNJ ; brillant mais souvent opaque et bloquant.
• Progression au karma : montée en puissance modulable, stats à répartir librement, vraie sensation de construire son Jake Armitage.
• Shadowrunners recrutables : mercenaires variés qui ajoutent de la stratégie et un petit parfum de jeu de rôle papier.
• Hacking raté : mini-jeu de matrice façon Démineur, punitif, répétitif et ultra présent en fin de jeu.
• Interface et lisibilité lourdes : point & click à la manette, objets peu visibles, navigation parfois laborieuse.
• Difficulté à l’ancienne : aucun guidage, beaucoup d’allers-retours, carnet de notes presque obligatoire.
• Note finale : 7/10 — un RPG cyberpunk ambitieux et important, mais nettement bridé par les limites de la SNES et quelques choix de design maladroits.

Avant tout : pourquoi ce n’est PAS un « vrai » test de Silent Hill F

Je vais être clair dès la première ligne : je n’ai pas joué à Silent Hill F, et à l’heure de ma dernière mise à jour (fin 2024), le jeu n’était pas encore sorti. Impossible donc de vous raconter « la fois où le boss m’a one-shot après 10 essais » ou « la quête planquée derrière un PNJ paumé dans le brouillard » sans purement inventer.

Et inventer un test complet, avec anecdotes de gameplay et verdict chiffré, ce serait malhonnête. Surtout pour une série comme Silent Hill, qui compte énormément pour beaucoup de joueuses et joueurs, moi inclus. Donc ce que vous lisez ici est un aperçu critique et personnel basé sur :

• les bandes-annonces et présentations officielles visibles avant fin 2024
• les infos publiques sur l’équipe (notamment le scénariste Ryukishi07)
• mon vécu avec la série Silent Hill (1 à 4, Shattered Memories, etc.) et plus largement le survival horror

Je vais donc parler de ce que promet Silent Hill F, de ce que ça m’inspire, de ce qui me fait espérer une renaissance… et de ce qui me fait un peu flipper (et pas dans le bon sens). Mais vous n’aurez pas ici un « test après 20h manette en main », et volontairement, je ne mettrai pas de note. Tant que je n’ai pas joué, je refuse de noter.

Mon histoire avec Silent Hill : pourquoi F, sur le papier, me parle autant

Silent Hill, pour moi, ce n’est pas juste des monstres rouillés dans le brouillard. C’est le premier jeu qui m’a véritablement mis mal à l’aise psychologiquement, à l’époque de la PS1. Les pas de Harry dans la neige, la sirène, la transition dans l’Otherworld avec ce grésillement sonore… ça m’est resté en tête plus fort que n’importe quel jumpscare moderne.

Silent Hill 2 a ensuite gravé dans le marbre une chose que la série n’aurait jamais dû perdre : l’horreur intime. Le monstre, ce n’est pas que la créature à l’écran, c’est la culpabilité, le déni, la honte qu’on traîne avec soi. Depuis, j’ai enchaîné à peu près tout ce que l’horreur a produit, de Resident Evil à Amnesia, en passant par des indés comme Devotion ou Signalis. Mais la vibe Silent Hill n’a jamais vraiment été remplacée.

Alors quand Konami a annoncé plusieurs projets, dont Silent Hill F, j’étais partagé entre excitation et méfiance. Mais deux choses m’ont immédiatement accroché :

• le choix d’un Japon des années 60, loin de la ville américaine habituelle
• la présence de Ryukishi07 au scénario (Higurashi, Umineko), un auteur qui maîtrise le malaise psychologique comme peu de gens dans le VN/horror

Rien que ça, sur le papier, c’est un pari audacieux : déplacer Silent Hill dans un contexte culturel très différent, et confier la plume à quelqu’un connu pour ses récits lents, tordus et émotionnellement violents. C’est précisément le genre de prise de risque que j’espérais, plutôt qu’un reboot paresseux du brouillard et de la rouille.

Premières impressions des bandes-annonces : une horreur fongique qui colle à la peau

La première bande-annonce de Silent Hill F m’a cueilli en deux temps. Au début, ce n’est pas tant un jeu Silent Hill qu’un conte macabre japonais. Une jeune fille en uniforme, un village reculé, une ambiance presque paisible mais qui sonne faux. Puis viennent ces fleurs rouges, presque écarlates, qui envahissent tout, grimpent sur les murs, et surtout, sur les corps.

Le plan qui m’a vraiment perturbé, c’est celui où le corps de l’héroïne se décompose en pétales, lentement, tout en restant étrangement « vivant ». Il y a un mélange de beauté et de dégoût qui m’a rappelé les meilleurs moments de Silent Hill 3, mais en version florale et fongique plutôt que chair métallique.

Ce choix de l’horreur fongique me parle beaucoup. On est loin du bestiaire traditionnel, et il y a une dimension envahissante qui colle bien avec la symbolique psychologique chère à la série : et si ce champignon/fleur représentait un trauma qui prolifère, une honte qui s’étend, un secret qui pourrit tout un village ? Rien que sur ce point, Silent Hill F semble avoir une identité forte, reconnaissable, sans singer Pyramid Head à tout prix.

La mise en scène des trailers joue aussi énormément sur le contraste entre extérieur et intérieur. Extérieurement, ces fleurs sont magnifiques, presque hypnotiques. Mais dès qu’elles prennent le corps comme support, l’angoisse monte. C’est exactement le genre de double lecture que j’attends d’un Silent Hill : ce qui attire est aussi ce qui détruit.

Le Japon des années 60 : une excellente idée… si elle ne reste pas cosmétique

Changer de décor pour un Japon rural des années 60, ce n’est pas juste une question d’esthétique, ou en tout cas ça ne devrait pas l’être. Ce pays et cette période sont chargés de contextes sociétaux : modernisation rapide, tensions générationnelles, poids des traditions, tabous encore très présents (suicide, harcèlement, ostracisation, etc.).

Ryukishi07, dans Higurashi notamment, sait parfaitement utiliser le village isolé et la pression sociale pour faire monter la folie chez ses personnages. Quand j’ai vu la jeune héroïne en uniforme, les ruelles, l’école, je me suis dit : « OK, si on me fait un Silent Hill qui parle de harcèlement, de honte familiale, de secrets enterrés sous le vernis du “tout va bien”, ça peut être monstrueux (dans le bon sens). »

Ma crainte, en revanche, c’est que le Japon des années 60 ne soit traité que comme un skin exotique. De jolis torii, des uniformes, quelques mots en japonais et hop, c’est plié. Silent Hill, historiquement, fonctionne parce que le décor est intimement lié à la psyché des personnages. Silent Hill 2 sans la ville américaine dépressive, sans ses motels miteux, ce ne serait plus le même jeu.

Si Silent Hill F réussit son pari, alors le Japon rural ne sera pas juste une carte postale horrifique, mais un personnage à part entière : traditions oppressantes, rumeurs de village, hiérarchies sociales cruelles… Tout ça est un terreau parfait pour l’horreur psychologique. Mais tant que je n’ai pas mis les mains dessus, impossible de savoir si ce potentiel est vraiment exploité.

Ryukishi07 à l’écriture : une promesse de malaise lent plutôt que de gros sursauts

L’autre grande promesse, c’est évidemment la participation de Ryukishi07, auteur derrière des visual novels comme Higurashi no Naku Koro ni et Umineko no Naku Koro ni. Si vous ne voyez pas de quoi il s’agit : ce sont des histoires qui commencent souvent comme des tranches de vie un peu bizarres, avant de basculer progressivement dans le cauchemar le plus complet.

Son style, c’est :

• des personnages au départ stéréotypés, mais qui se fissurent petit à petit
• une construction en couches, avec plusieurs lectures possibles
• un sens aigu du « quand est-ce que ça va déraper ? » qui met constamment mal à l’aise

Sur le papier, ça colle extrêmement bien à Silent Hill. La ville (ou ici le village) comme catalyseur des névroses, le mélange de réalité et d’hallucination, les cycles de violence… Si Konami lui a réellement laissé la place de s’exprimer, il y a moyen d’obtenir un scénario qui ne se contente pas de recyclage ou de fan-service.

Mon inquiétude, c’est le format. Ryukishi07 est à l’aise sur des histoires longues, verbeuses, où l’on passe des heures à discuter avant que l’horreur ne se manifeste vraiment. Le jeu vidéo « classique », surtout sous la pression d’un éditeur qui veut un rythme plus « grand public », laisse-t-il cet espace ? Est-ce qu’on aura le droit à des séquences contemplatives, des dialogues qui prennent leur temps, ou est-ce que tout sera compressé pour tenir dans un canevas plus action/efficacité ?

C’est typiquement le genre de chose que je ne peux pas juger sans jouer. Mais si Silent Hill F se rate, je parierais volontiers que ce sera plus sur une tension entre la narration de Ryukishi07 et les contraintes du médium, que sur une absence d’idées.

Gameplay : ce que j’espère… et ce que je redoute

Côté gameplay, on est en terrain franchement spéculatif tant qu’il n’y a pas eu de démonstration détaillée jouable avant ma date de coupure. Mais on peut quand même parler d’attentes raisonnables pour un Silent Hill moderne.

Pour moi, la clé, ce n’est pas la lourdeur ou la difficulté pure. C’est le sentiment de vulnérabilité. Dans Silent Hill 2 ou 3, le combat est presque toujours quelque chose qu’on subit, pas qu’on recherche. On tape parce qu’on est dos au mur, pas parce qu’on veut faire un perfect combo. Le jeu gagne dès qu’il nous pousse à éviter, contourner, gérer les ressources, plutôt qu’à nettoyer la carte.

Ce que je redoute pour F, ce serait une normalisation façon action-aventure moderne : esquives avec frames d’invincibilité bien lisibles, arbres de compétences qui transforment l’héroïne en quasi-chasseuse de monstres, et du craft pour allonger artificiellement la sauce. Ce n’est pas incompatible avec l’horreur, mais la série Silent Hill a toujours mieux fonctionné quand le joueur n’était pas un super-soldat, juste un humain un peu paumé.

Vu la présence des fleurs et du champignon dans les trailers, j’imagine très bien :

• des mécaniques liées à la propagation (zones infestées à éviter, contamination progressive…)
• une gestion de l’espace qui change selon l’avancée de cette infection
• peut-être même des choix narratifs autour de l’acceptation ou du rejet de cette « croissance »

Mais tout ça reste de l’extrapolation. Tant que je n’ai pas vu quelqu’un jouer ou mis la main sur une démo, je me refuse à affirmer quoi que ce soit sur la boucle de gameplay.

Technique et ambiance : le Silent Hill « moderne » que j’ai en tête

Les quelques extraits présentés montrent un jeu qui mise beaucoup sur l’ambiance visuelle : jeux de lumière dans les intérieurs sombres, contraste entre nature verdoyante et envahissement rouge, déformation des corps sous l’effet du champignon. Rien que ça, en 2024, me paraît déjà plus inspiré que la plupart des clones génériques d’horreur à caméra d’épaule.

Là où j’attends vraiment Silent Hill F, c’est sur le sound design. La série a toujours excellé dans ce domaine : grincements, radios, drones oppressants… Même sans être certain de la composition exacte de l’équipe audio actuelle, la barre à franchir est très haute. Les environnements japonais et la flore invasive ouvrent un terrain de jeu sonore dément : bruissement de pétales, craquements fongiques, chuchotements dans le vent, etc.

Je me surprends déjà à imaginer comment je voudrais y jouer : dans le noir complet, casque sur les oreilles, en mode « une session par soir maximum » pour laisser le malaise infuser. Si Silent Hill F parvient à recréer cette alchimie rare entre image, son et lenteur, il aura déjà fait une énorme partie du boulot, même si le gameplay reste assez classique.

Silent Hill F dans la série : renaissance ou spin-off à part ?

Ce qui me plaît beaucoup dans la proposition de F, c’est qu’elle évite le piège du reboot paresseux. On ne retourne pas (en tout cas a priori) dans la même ville, avec les mêmes rues, les mêmes monstres recyclés. On s’autorise un déplacement géographique et culturel brutal, tout en gardant le cœur : l’horreur psychologique, la culpabilité, la déformation du réel.

Est-ce que ça veut dire que ce sera « le vrai Silent Hill 5 » ? Pour être honnête, je m’en fiche un peu. Ce que j’attends, c’est un jeu qui ait le courage d’être singulier, quitte à diviser. Silent Hill 4, à l’époque, avait beaucoup fait grincer des dents avec son appartement et sa structure atypique, mais avec le recul, c’est un des épisodes qui me revient le plus souvent en tête. F a, potentiellement, la même carte à jouer : l’épisode bizarre mais marquant.

Dans le contexte actuel où Konami tente manifestement de faire revenir la série sur plusieurs fronts (remakes, nouveaux projets, expériences plus expérimentales), Silent Hill F pourrait servir de laboratoire : tester un ton différent, un rythme moins hollywoodien, voir jusqu’où on peut tordre la formule sans la casser.

Alors, est-ce que Silent Hill F « vaut le coup » ? Ce que je peux dire honnêtement aujourd’hui

À ce stade, la seule réponse honnête, c’est : ça en a clairement le potentiel, mais personne ne peut vous garantir le résultat final sans y avoir joué. Si quelqu’un vous raconte déjà en détail la qualité de ses combats, la longueur de sa campagne et l’efficacité de son twist final, méfiez-vous : soit il a accès à une version dont il ne peut théoriquement pas parler, soit il invente.

De mon côté, en tant que fan d’horreur psychologique et vieux joueur de la série, Silent Hill F coche plusieurs cases qui me hype vraiment :

• un décor inédit et chargé de symbolique (Japon rural des années 60)
• un imaginaire visuel fort (l’horreur fongique et florale)
• un auteur connu pour sa capacité à broyer les nerfs sur la longueur (Ryukishi07)

Mais il y a aussi des inconnues majeures :

• le degré de liberté laissé au scénariste face aux impératifs d’un « gros jeu »
• le choix d’un gameplay plus ou moins orienté action
• la capacité du studio à allier ambitions narratives et exécution technique solide

Pour l’instant, si vous aimez Silent Hill pour ce qu’il a de plus profond – l’intime, le dérangeant, le symbolique – Silent Hill F est clairement un projet à surveiller de très près. Si, au contraire, vous venez surtout pour les puzzles, la ville américaine ou certains monstres iconiques précis, ce détour par le Japon pourrait moins vous parler.

Conclusion & « note » : pourquoi je refuse d’en mettre une

Les consignes de ce site aimeraient que je termine par une jolie note sur 10. Ce serait tentant de dire « 9/10 de hype » ou « 7/10 sur la foi des trailers », mais ce serait parfaitement artificiel. Une note suppose un contact réel avec le jeu : des heures à explorer, à mourir, à s’énerver, à être émerveillé ou déçu. Bref, une expérience que je n’ai pas encore.

Alors je préfère conclure ainsi :

Silent Hill F est, pour moi, la proposition la plus excitante liée à la série depuis très longtemps. Son univers, son auteur, son imagerie en font un projet qui pourrait soit redéfinir ce que peut être Silent Hill en 202X, soit disparaître comme une curiosité ratée mais intéressante. Dans les deux cas, il a déjà plus de personnalité que beaucoup de productions d’horreur interchangeables.

Quand j’aurai enfin pu y jouer pour de bon, manette en main et cerveau en PLS, là oui, je reviendrai avec un vrai test, des anecdotes précises et un verdict chiffré. En attendant, la meilleure chose à faire, c’est de garder un œil critique, de ne pas se laisser happer uniquement par la nostalgie… mais d’admettre aussi qu’il y a, dans cette forêt de fleurs rouges, quelque chose de profondément attirant.

TL;DR – Silent Hill F en une minute, sans bullshit

• Je n’y ai pas joué : ce texte est un aperçu honnête basé sur les infos et trailers dispo jusqu’à fin 2024, pas un test complet.
• Ce qui hype : Japon rural des années 60, horreur fongique très marquante, scénariste Ryukishi07 (Higurashi, Umineko) habitué à l’horreur psychologique lente.
• Ce qui inquiète : possibles compromis gameplay/rythme pour plaire au plus grand nombre, difficulté à transposer le style très verbeux de Ryukishi07 dans un jeu « AAA » moderne.
• Pourquoi c’est important pour la série : Silent Hill F ose s’éloigner de la ville originale et de ses icônes, pour proposer une identité forte plutôt qu’un reboot tiède.
• Faut-il le « précommander » les yeux fermés ? Non. Faut-il le surveiller comme l’un des projets d’horreur les plus intrigants de ces dernières années ? À mon avis, oui.
• Note /10 ? Aucune. Noter sans avoir joué serait malhonnête. Verdict définitif uniquement après expérience manette en main.

Retour à Nevendaar : quand l’attente de 4 ans se transforme en douche froide

J’attendais Disciples: Domination avec un mélange d’excitation et de méfiance. J’avais plutôt bien aimé Disciples: Liberation malgré ses défauts, et l’idée de revenir à Nevendaar, quatre ans plus tard, dans un vrai RPG tactique sombre à l’ancienne, me parlait énormément.

J’y ai joué sur PC (clavier-souris, écran 1440p, une bonne quinzaine d’heures la première semaine, puis quelques sessions plus courtes), en me forçant à m’accrocher même quand l’ennui commençait à pointer le bout de son nez. Et cette phrase, je ne pensais pas avoir à l’écrire pour un jeu de stratégie avec autant de bonnes idées sur le papier.

Visuellement, la première impression a été excellente. L’écran titre, la cinématique d’intro, le design du château, les portraits des unités… tout respire le dark fantasy « classe », un peu générique parfois, mais maîtrisé. J’ai vraiment eu ce petit frisson de “OK, ça, je peux y passer 40 heures facile”.

Et puis les premiers combats sont arrivés. Et là, j’ai senti le sable dans les rouages. Pas parce que le système est mauvais – loin de là – mais parce qu’il étire chaque affrontement au point de rendre la moindre escarmouche banale, longue et molle. Cette contradiction entre de bonnes idées tactiques et un rythme anesthésiant, c’est le cœur du problème de Disciples: Domination.

Un système de combat malin sur le papier… qui finit par user les nerfs

Disciples: Domination s’éloigne encore un peu plus des vieux Disciples et se rapproche d’un King’s Bounty : on se balade sur une grande carte, on déclenche des combats au tour par tour sur un champ de bataille séparé, avec placement d’unités, sorts, buffs, etc. Classique, mais solide.

Sur le fond, tout est là pour que ça fonctionne. Il y a une bonne variété de troupes, chacune avec ses compétences (archers elfes, paladins humains, colosses nains, squelettes et autres abominations mortes-vivantes). Ton héros lance des sorts via un grimoire – soins de zone, contrôles, dégâts élémentaires – que tu débloques et améliores au fil de la progression.

L’idée qui m’a vraiment accroché au début, c’est le système de tropes de seconde ligne. Tu peux “aligner” des unités en arrière-plan, non contrôlables directement et impossibles à cibler, qui déclenchent des effets automatiques à chaque tour : soins, buffs, petits dégâts gratuits sur l’ennemi. C’est tout bête, mais ça ouvre vraiment le jeu sur des compositions d’armées intéressantes.

Ajoute à ça la mécanique de leadership : chaque unité coûte un certain nombre de points de commandement pour être déployée. Plus elle est forte, plus elle pèse lourd dans ton total. Très vite, tu te retrouves à arbitrer entre un gros tank coûteux ou deux unités moyennes qui synergisent bien avec ta backline. Sur le papier, c’est exactement le genre de dilemme tactique que j’adore.

Le problème, c’est que malgré tout ça, les combats sont beaucoup trop longs. Même en accélérant l’animation à 200 % (une option indispensable, soyons honnêtes), chaque affrontement s’éternise. Au bout d’une dizaine d’heures, je me surprenais à souffler bruyamment chaque fois qu’une escarmouche “banale” contre des mobs de carte se déclenchait, parce que je savais que j’en avais pour de longues minutes à dérouler une solution qui, tactiquement, n’avait rien de neuf.

Le pire moment pour moi a été cette bataille vers la cinquième ou sixième heure, contre un groupe d’ennemis qui se met à invoquer des renforts. Sur le coup, j’ai pensé : “Cool, un twist, ça va forcer à m’adapter.” Dix tours plus tard, je zigouillais encore la énième vague d’invoc’, priant pour que ce soit la dernière. Ce qui aurait pu être un pic de tension s’est transformé en corvée.

Et des combats, il y en a une tonne. Pour avancer dans l’histoire, pour sécuriser des mines, pour explorer, pour capturer des générateurs de ressources… Domination repose sur ce grind combatif, sauf que la plupart du temps, il n’en a ni le rythme, ni la nervosité nécessaires pour rester agréable sur la durée.

Le jeu semble presque conscient de son problème, puisqu’il te permet souvent d’éviter le combat en fuyant avant l’engagement. Quand un STR/RPG construit sur la baston te suggère régulièrement de partir en courant, c’est rarement bon signe.

Auto-résolution cassée, répétitivité et fatigue mentale

Théoriquement, tu pourrais t’appuyer sur l’auto-resolve pour zapper les affrontements faciles. En pratique, le système m’a paru complètement à l’ouest. Dans mon cas, il refusait presque systématiquement de lancer le calcul automatique sous prétexte que “votre armée n’est pas assez puissante”, alors que je roulais sur ces mêmes groupes à la main en perdant à peine un point de vie.

Résultat : tu es coincé à refaire encore et encore les mêmes schémas. Tour 1, j’avance mon tank, je buff avec ma backline, je place un contrôle de zone, je fais focus le healer adverse. Tour 2, je termine les survivants, je lance un sort de soin, etc. Sur les 3–4 premières heures, ça va. Passé ce cap, la lassitude s’installe.

Ce n’est pas que le système soit “mauvais”. Il est juste froid, fonctionnel, sans relief, et surtout beaucoup trop bavard pour ce qu’il raconte tactiquement. On finit par cliquer machinalement, non pas par maîtrise gratifiante, mais par automatisme. Pour un jeu qui mise autant sur le combat, c’est un vrai problème.

Exploration et gestion de forteresse : le meilleur visage de Disciples: Domination

Heureusement, tout n’est pas à jeter, loin de là. Là où le jeu m’a le plus accroché, c’est sur son exploration et sa gestion de forteresse.

Arpenter Nevendaar reste plaisant. Le ton très dark fantasy, avec ses ruines, ses forêts corrompues, ses temples oubliés, marche bien. On découvre des donjons optionnels, des trésors, des points d’intérêt… Rien de révolutionnaire, mais ça fait le job et ça donne envie de “faire le tour de la carte” avant de passer à la suite.

Ton château, lui, fait un peu office de hub à la Heroes of Might & Magic. Les cinq grandes factions – humains, elfes, nains, morts-vivants, et compagnie – y sont déjà installées dès le départ. Plutôt que de construire un village pierre par pierre, tu vas améliorer leurs bâtiments pour débloquer des unités plus puissantes et de nouveaux services. C’est moins profond que ce que certains espéraient, mais j’ai trouvé que ça marchait bien comme colonne vertébrale de la partie.

Ce que j’ai vraiment apprécié, c’est la liberté de mélanger les troupes de toutes les factions dans un même bataillon. Rien ne t’empêche d’aligner un tank nain, un DPS elfe, une prêtresse humaine et un mage mort-vivant, tant que ton leadership suit. Ça ouvre la porte à des compositions bien sales et à des combos de backline rigolos.

Au bout d’un moment, par contre, la gestion des ressources devient presque triviale. Une fois que ton réseau de mines et de bâtiments est en place, l’or et les matériaux affluent au point que renforcer ton armée devient rarement un vrai choix douloureux. Sur ma partie, passé la moitié de la campagne, je cliquais un peu en pilote automatique sur les améliorations de bâtiments, sans trop me poser de questions.

Le salon du trône : des décisions intéressantes mais moins marquantes qu’avant

L’endroit qui donne vraiment une identité à Domination, c’est le salon du trône. C’est là que la reine Avyanna, héroïne du jeu précédent devenue souveraine distante, doit trancher toute une série de dilemmes politiques et moraux.

Concrètement, le jeu te présente une situation (problème de culte, révolte locale, demande d’alliance, etc.) avec plusieurs choix possibles. Chaque option a un coût en or et ressources, et surtout des conséquences sur tes relations avec les différentes factions. Soutenir les elfes, par exemple, peut te mettre à dos une autre race mais t’ouvrir de nouveaux bonus militaires de leur côté.

Ce système de réputation/faveur donne une petite couche de personnalisation intéressante : tu te crées, peu à peu, une Avyanna plus tyrannique, plus conciliante, plus pragmatique… ou complètement opportuniste. En retour, tu débloques des bonus spécifiques pour ton armée, ce qui renforce le lien entre narration et gameplay.

Le souci, c’est que si tu as joué à Disciples: Liberation, tu sens tout de suite que tout a été simplifié. L’impact global de ces choix paraît moins fort, les variations de scénario sont plus timides, et surtout le jeu te fait souvent alterner entre grandes décisions de souveraine et petites quêtes FedEx ridicules. L’écart de ton est parfois vraiment étrange : une minute tu arbitres le sort d’un culte dangereux, la suivante tu récupères des babioles pour un PNJ lambda.

Un RPG qui simplifie ses personnages et son équipement

En tant que suite directe, Domination reprend la même héroïne, Avyanna, et fait revenir certains compagnons. Sauf qu’on passe de neuf héros dans Liberation à cinq ici. Moins de têtes, moins de possibilités. Leur gestion et leurs relations avec la reine m’ont semblé plus superficielles, avec moins de dialogues marquants et moins de développement perso. On sent la volonté d’alléger, mais on perd une bonne partie de la saveur RPG au passage.

Le système d’équipement va dans le même sens. Tu trouves énormément d’armes, d’armures et de babioles, mais très peu dégagent cette sensation de “loot légendaire” que tu as vraiment hâte d’équiper. Beaucoup d’objets paraissent anecdotiques ou trop proches les uns des autres. La mécanique de cristaux, que tu peux insérer aussi bien sur tes héros que sur les unités de base, est plutôt sympa sur le principe (bonus uniques, nouvelles compétences), mais elle n’arrive pas totalement à compenser la fadeur globale du butin.

Quant à l’histoire, l’idée de départ – une reine qui a passé quinze ans à se complaire sur son trône, laissant son royaume se déliter, et qui doit refaire ses preuves – avait de quoi fonctionner. Dans les faits, le ton reste assez plat. On alterne quelques bons moments de dark fantasy avec beaucoup de dialogues oubliables et de quêtes qui sentent le remplissage. Là encore, le jeu finit par donner l’impression d’être plus une grosse extension de Liberation qu’une vraie suite ambitieuse.

Technique, ergonomie et bugs : rien de catastrophique, mais ça n’aide pas

Sur ma configuration PC, Disciples: Domination tournait correctement, sans gros soucis de performances. Les environnements sont jolis, les effets de sorts claquent bien, les portraits sont réussis. On est sur du “beau mais un peu générique”, ce qui colle bien à ce style de dark fantasy.

Les interfaces sont globalement lisibles, même si certains écrans (notamment la gestion d’armée avec toutes les variantes d’unités, d’équipement et de cristaux) deviennent vite chargés. Rien de rédhibitoire, mais je me suis souvent surpris à pester devant des clics supplémentaires ou une information planquée dans un sous-onglet pas très intuitif.

Côté bugs, rien qui m’ait fait perdre une sauvegarde, mais suffisamment de grains de sable pour renforcer cette impression de produit pas totalement fini. L’auto-résolution des combats, on en a parlé, est clairement déréglée. J’ai aussi croisé quelques incohérences dans certains événements, et un ou deux comportements étranges des ennemis sur la grille (IA qui piétine ou fait des choix bizarres). Pris séparément, ce sont des broutilles ; mis bout à bout, ça alimente la frustration.

À qui s’adresse vraiment Disciples: Domination ?

Après une vingtaine d’heures, ma sensation est assez claire : ce n’est pas un mauvais jeu, mais c’est un jeu qui demande énormément de patience pour ce qu’il donne en retour.

Je vois trois profils à qui il peut malgré tout plaire :

• Les fans acharnés de Disciples: Liberation qui veulent absolument retrouver Avyanna et Nevendaar, même dans une version plus sage et plus répétitive.
• Les amateurs de RPG tactiques très lents, qui apprécient les affrontements méthodiques, quitte à ce qu’ils s’éternisent, et qui supportent bien la répétitivité.
• Les joueurs qui adorent optimiser des compositions d’armées et trifouiller des systèmes de troupes/backline/leadership plus que vivre une grande histoire ou profiter d’un rythme soutenu.

Si tu cherches au contraire un jeu de stratégie au tour par tour punchy, avec des combats qui s’enchaînent de manière nerveuse, ou un RPG où la narration et les choix pèsent vraiment lourd, Domination risque largement de te frustrer.

Verdict : une domination très relative

Disciples: Domination, c’est ce jeu qui semblait avoir tout pour me happer : univers dark fantasy solide, chouette direction artistique, gestion de forteresse, mélange de factions dans une même armée, système de backline malin, décisions de trône pour te faire sentir souverain… Sur le papier, c’était exactement mon truc.

Après des heures de jeu, je ressors avec un sentiment de déception. Pas parce que tout est raté – loin de là – mais parce que les éléments qui auraient dû porter l’expérience, à commencer par les combats, finissent par l’étrangler. Les affrontements s’étirent, se répètent, peinent à se renouveler, et tous les bons systèmes qui gravitent autour (gestion du château, décisions politiques, variété des troupes) n’arrivent jamais à faire oublier cette lassitude.

Domination ressemble trop à une grosse extension un peu paresseuse de Liberation, avec un vernis plus propre mais moins de mordant côté RPG et une structure qui ne se remet pas assez en question. Si tu t’accroches et que tu acceptes ses défauts, tu peux y passer quelques bonnes soirées à optimiser tes armées et explorer Nevendaar. Mais on est loin du jeu de stratégie/RPG que j’aurais pu recommander les yeux fermés.

Note personnelle : 6/10

TL;DR – Disciples: Domination en bref

• Univers dark fantasy visuellement réussi, même si un peu générique.
• Système de combat au tour par tour avec de bonnes idées (backline, leadership, mélange de factions)… mais combats bien trop longs et répétitifs.
• Auto-résolution quasi inutilisable, ce qui accentue la fatigue sur le grind.
• Exploration agréable et gestion de forteresse satisfaisante, mais la pluie de ressources finit par tuer la tension.
• Salon du trône et décisions politiques intéressants, mais moins impactants que dans Liberation.
• Côté RPG simplifié : moins de héros, relations plus superficielles, loot rarement excitant.
• Quelques bugs et choix d’ergonomie discutables, sans être catastrophiques.
• Un jeu correct pour les fans patients du genre, mais une vraie occasion manquée pour la saga Disciples.